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Enola Holmes: Millie Bobby Brown è la sorellina di Sherlock Holmes. Elementare, è su Netflix

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Enola Holmes, che arriva su Netflix dal 23 settembre, è uno di quei film che decidi di seguire per una ragione ben precisa. È infatti la prima occasione per vedere, in un film di due ore e in un ruolo da protagonista, Millie Bobby Brown, la “Undi”, o “Undici” (o “El”, “Eleven”, se avete seguito la serie in lingua originale) di Stranger Things. Uno di quei personaggi indimenticabili. Ma il suo nuovo ruolo è altrettanto interessante: Enola Holmes è la sorella minore di Sherlock Holmes, il famoso investigatore noto per le sue doti di deduzione.

Una delle prime curiosità dello spettatore che si accosta alla visione di Enola Holmes è proprio questa. Enola avrà le stesse doti deduttive di Sherlock? Pare proprio di sì. Ma l’inizio del film si concentra su altro. L’anagramma di Enola è “Alone”, sola. Ed è quello a cui è stata abituata fin da piccola. È cresciuta da sola, con la madre (Helena Bonham Carter), che si è occupata anche – in modo molto particolare – della sua istruzione. Ma, a un certo punto, la mamma scompare. E la prima indagine di cui dovrà occuparsi Enola è proprio il mistero della sua scomparsa.

A raccontarci tutto questo è proprio lei, Enola. Millie Bobby Brown, sin dalla prima scena, quando appare in corsa su una bicicletta, sfonda la “quarta parete”, quella tra lei e il pubblico, e, guardando in macchina, si rivolge direttamente a noi. È un modo per entrare immediatamente in empatia, per conquistarci. L’Enola di Mille Bobby Brown ci è immediatamente simpatica. Nasino all’insù, grandi e tondi occhi castani, sguardo furbetto, ha un volto estremamente espressivo. Come già ci aveva fatto vedere in Stranger Things. Ma qui siamo su registri completamente diversi, più leggeri, più brillanti. Mille potrebbe essere un fumetto, per le espressioni che fa. E chi l’ha disegnata, l’ha disegnata in modo che fosse davvero irresistibile.

Accanto a lei c’è uno Sherlock Holmes molto diverso da quello che abbiamo sempre immaginato. È Henry Cavill, uno che è stato Superman (oltre che Gerald di Rivia in The Witcher e il villain di Mission: Impossible – Fallout). Ma, d’altra parte, a fare Sherlock Holmes Guy Ritchie ci aveva messo Iron Man (Robert Downey Jr.). In ogni caso, i tempi moderni ci hanno abituato all’idea di un investigatore che non è solo intelletto, ma anche prestanza fisica. Se il suo fisico appare quasi impacciato, costretto com’è nei rigidi abiti dell’epoca, il volto è serioso, ma fa trasparire una certa empatia con Enola, cosa che manca totalmente al loro fratello Mycroft (Sam Clafin).

Empatia per modo di dire. Entrambi pensano che una giovane donna dovrebbe vestire elegante, con corsetti e abiti appropriati. Ma questa è, in realtà, l’opinione di tutte le persone del tempo. Una donna dovrebbe essere graziosa e a modo per trovare marito. “Io non voglio un marito!”, esclama invece Enola. E allora capiamo che Enola Holmes è una storia di autodeterminazione ed emancipazione femminile e, in quanto tale, è una storia modernissima (il regista è Harry Bradbeer, già alla direzione di Fleabag). “Puoi percorrere due strade: la tua o quella che scelgono per te”. È il messaggio che la madre lascia a Enola, quello di cui farà tesoro. E quello che ha dentro il significato di tutto il film.

Ed è anche il punto di partenza di un’avventura che, sì, ci dimostrerà come Enola abbia il dono del fratello Sherlock, ma anche che sceglierà di usarlo in modo inconsueto. Enola Holmes è spassoso (ma, certo, anche davvero leggero…) per come segue le indagini della ragazza, per come sceglie qua e là di darci messaggi di attualità (si parla anche di diritto al voto) e per come ci mostra i travestimenti che di volta in volta Enola dovrà inventarsi per le sue indagini: da uomo, da dama elegante, da vedova in nero. Anche la Undi di Milli Bobby Brown la abbiamo vista trasformarsi: prima vestita da ragazzino, poi da ragazzina un po’ finta, per un momento anche in nero, quando appare in stile new wave alla fine della stagione 2. E poi, finalmente, se stessa. Quello di trovare se stesse è un augurio che Enola Holmes fa a tutte le giovani donne in evoluzione, combattute tra modelli e aspettative della società e indole e aspirazioni, personali. Se ai tempi di Sherlock Holmes era un’impresa, oggi, più che mai, è possibile, doveroso, essere se stesse. Quanto a Millie Bobby Brown, la sua trasformazione sta avvenendo, se non è già avvenuta. È quella in una star del cinema e della tv. Elementare, Millie.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Eventi TV

Il processo ai Chicago 7: storia, attori, Aaron Sorkin, il grande cinema è su Netflix

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Dal 16 ottobre, appena li avete, prendetevi due ore (e dieci) libere, e non fatevi interrompere da nessuno. Provate a ricreare il buio in sala, e immergetevi nella visione de Il processo ai Chicago 7, ora disponibile su Netflix dopo una breve uscita in sala. Prima di tutto, perché, anche se lo vedrete a casa, è uno di quei film che al cinema ci hanno tolto il fiato. E poi perché è così denso che non vi potrete distrarre nemmeno un attimo. Il processo ai Chicago 7 è scritto e diretto da Aaron Sorkin (sceneggiatore di West Wing, The Social Network e Steve Jobs). È la storia di un processo molto famoso nella storia americana. Quello a sette uomini accusati di cospirazione e incitamento alla sommossa. Nell’estate del 1968 quella che doveva essere una manifestazione pacifica alla convention del partito democratico statunitense da parte dei movimenti pacifisti contro la guerra nel Vietnam si trasformò in una serie di scontri violenti con la polizia e la Guardia nazionale. Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden, Bobby Seale e altri leader pacifisti finirono così sul banco degli imputati.

L’assassino torna sempre sul luogo del delitto. E Aaron Sorkin torna a quel legal drama che lo aveva visto esordire alla sceneggiatura nel lontano 1992 con Codice d’onore. I momenti emozionanti del genere di sono tutti: i teste chiamati a deporre, il famoso “obiezione, vostro onore”, i colpi di scena, gli oltraggi alla corte. Quello che cambia sono i toni. Qui è tutto più ironico, beffardo. Perché serve a ricordarci l’assurdità delle accuse, la malafede con cui fu gestito il processo. Che fu prima di tutto un processo politico. Una volta insediato il Presidente Nixon, e nominato il procuratore distrettuale in linea con le sue idee, vennero ripresi dei capi d’accusa che il precedente procuratore aveva fatto cadere. L’assurdità del processo è tutta nel personaggio del giudice, borioso e fazioso, interpretato alla grande da Frank Langella.

Il processo ai Chicago 7 è infatti prima di tutto un film di scrittura, ma anche un film di attori. La scrittura è puro Aaron Sorkin: esplosiva, briosa, una mitragliatrice di parole. Da qui il consiglio che vi davamo sopra: preparatevi per non perdervene neanche un secondo. Ancora una volta in Sorkin c’è un grande lavoro di documentazione unito a una scrittura in grado di rielaborare la realtà, enfatizzandone alcuni aspetti. È anche un film di montaggio, perché Sorkin è abilissimo nel legare il dentro e il fuori, il prima e il dopo, cioè quello che accade nell’aula di tribunale, nella quale ci troviamo per gran parte del film, con il mondo fuori.

Ma, come dicevamo, Il processo ai Chicago 7 è anche un film di attori. Di Frank Langella abbiamo detto. Ma dobbiamo citare anche Sacha Baron Cohen, nel ruolo dell’istrionico pacifista Abbie Hoffman, Joseph Gordon-Levitt, che per una volta fa il personaggio negativo, l’avvocato dell’accusa (ma guardate il film fino alla fine…) e Michael Keaton, in una breve e intensa apparizione nel ruolo del teste chiave. Eddie Redmayne è Tom Hayden, leader degli Students for a Democratic Society (SDS), il più lucido e moderato tra gli attivisti, destinato a una grande carriera politica, e Mark Rylance è l’empatico avvocato della difesa.

Il processo ai Chicago 7 è grande cinema civile. È la storia di un gruppo di persone che sono state picchiate e poi arrestate per aver portato in giro delle idee. Abramo Lincoln diceva che il popolo ha il diritto di smembrare o rovesciare i governi che non lo soddisfano. Il film di Aaron Sorkin è qui a ricordarci questo: il diritto al dissenso, il diritto alla democrazia. Guardatelo con la giusta attenzione. Lo vedrete in tv, o su un computer. Ma sarete al cinema.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Serie TV

The Haunting of Bly Manor: un nuovo “giro di vite” su Netflix

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C’era una grande attesa per l’arrivo su Netflix, di The Haunting Of Bly Manor, la serie disponibile dal 9 ottobre. L’ideatore, Mike Flanagan e il produttore, Trevor Macy, infatti, sono quelli di The Haunting of Hill House, la serie horror che due anni fa ci aveva spaventato, scosso, e commosso. Il nuovo, atteso capitolo della serie antologica, The Haunting Of Bly Manor, è ambientato nell’Inghilterra degli anni Ottanta. Henry Wingrave (Henry Thomas) assume una giovane bambinaia americana, Dani (Victoria Pedretti) per prendersi cura dei nipoti orfani (Amelie Bea Smith e Benjamin Evan Ainsworth) che vivono a Bly Manor con il cuoco Owen (Rahul Kohli), la giardiniera Jamie (Amelia Eve) e la governante, la signora Grose (T’Nia Miller). Apparentemente è un posto di lavoro ideale. Il fatto è che nessuno vuole prenderlo, dopo la tragica morte dell’istitutrice precedente. Nel castello, la sua presenza/assenza si sente. Ma non è la sola…

Mike Flanagan e Trevor Macy si sono ispirati alle classiche storie soprannaturali di Henry James, in particolare a Giro di vite. È una di quelle storie che può capitare di aver letto, o visto già in qualche adattamento, o in altre storie ispirate a questo classico. Assistere nuovamente a una storia di questo tipo, allora, da un lato può suonare familiare. Dall’altro, come sappiamo, ogni adattamento è una nuova vita. Come quando andate a vedere Shakespeare a teatro: magari avrete già visto Molto rumore per nulla, ma non ricordate tutti gli snodi, e a ogni nuovo adattamento potete apprezzare le nuove sfumature. Non abbiamo fatto questo esempio a caso. Perché il fatto che quella di The Haunting sia una serie antologica avvicina il lavoro di Mike Flanagan proprio a quello di un capocomico, un regista/impresario di una compagnia teatrale. Finito il suo spettacolo, cioè la serie precedente, non lavora a un seguito, ma mette in piedi una nuova pièce con quella che, in parte, è la stessa compagnia. Essendo in tv e non a teatro non può essere completamente così, vengono scelti nuovi attori in modo che possano cucirsi addosso su misura i nuovi ruoli. E alcuni attori del cast di The Haunting Of Hill House ritornano, con mansioni diverse. Carla Cugino così appare come narratrice, all’inizio e alla fine, e lascia poi spazio ad altri. Henry Thomas (era il bambino di E.T., osservatelo e lo riconoscerete), che era l’altro protagonista della prima stagione, si ritaglia il ruolo di Henry Wingrave, zio e tutore dei bambini, deus ex machina della storia che però rimane in disparte. Victoria Pedretti, invece, che era una delle figlie nella prima stagione, qui diventa la protagonista assoluta, Dani, la bambinaia/istitutrice dei due bambini. È lei (che abbiamo apprezzato anche nella seconda stagione di You, sempre su Netflix) uno dei motori della storia. I “fantasmi” del passato che riaffioreranno a Bly Manor si mescoleranno ai suoi.

La messinscena di The Haunting Of Bly Manor è vicina a quella di The Haunting Of Hill House: atmosfere gotiche, una casa che diventa un vero e proprio protagonista della storia, tinte scure, ma non così nere come nella stagione precedente. Sin dalle prime sequenze vi accorgerete che questa seconda stagione è in realtà diversa dalla prima: c’è la voglia di raccontare una ghost story più classica, con un respiro più ampio, dai ritmi più compassati. Come se, man mano che assistiamo alla storia, stessimo leggendo le pagine di un romanzo. C’è un’atmosfera di attesa e ci sono meno momenti di spavento vero e proprio. Non c’è, in The Haunting Of Bly Manor, quel continuo senso di pericolo, di morte (è paradossale, visto che la morte è uno degli elementi chiave della storia…) di dolore lancinante. Non siamo, in pratica, in un vero e proprio horror. L’intento non è quello di spaventarci, ma quello di farci entrare in una storia, raccontarcela, farcela vivere.

Da un lato, tutto questo è anche comprensibile. Per tornare al paragone teatrale da cui siamo partiti, è possibile che una compagnia che adatta Shakespeare, scelga di mettere in scena Molto rumore per nulla dopo l’Amleto, scegliendo di lavorare su altri toni e altri registri. The Haunting Of Bly Manor, insomma, è semplicemente un altro genere di spettacolo. Dall’altro lato, anche prendendo in considerazione questo aspetto, non tutto è riuscito. Anche se si è scelto di raccontare una storia prima ancora di spaventare, i momenti di paura, quando arrivano, non funzionano fino in fondo, e non sono inseriti bene nel racconto. Un racconto che, a volte, sembra avere pause troppo lunghe, momenti riempitivi. Alcuni dialoghi un po’ da serie televisiva vecchio stile ci lasciano a tratti un po’ perplessi, così come alcuni momenti sembrano essere stati inseriti per prendere tempo e allungare la storia. I flashback, poi, arrivano troppo presto e svelano troppo, facendo un po’ perdere quell’atmosfera di attesa e inquietudine che dovrebbe contraddistinguere una ghost story. The Haunting Of Bly Manor è comunque uno spettacolo di gran classe, curatissimo nelle scenografie e nella fotografia. Una storia di grande atmosfera in grado di avvolgere lo spettatore.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Serie TV

We Are Who We Are: gli absolute beginners di Luca Guadagnino nella nuova serie tv Sky

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Harper è un nome da ragazzo”. “È un nome per tante cose”. “Da dove vieni?” “Da tanti posti”. Harper in realtà si chiama Caitlin (Jordan Kristine Seamón) ed è una bellissima ragazza afroamericana. È una dei protagonisti di We Are Who We Are, la nuova serie tv Sky-HBO in otto episodi diretta da Luca Guadagnino, in onda dal 9 ottobre su Sky e in streaming su NOW TV. Siamo in una base americana in Italia, vicino a Chioggia. È il classico non luogo: non è l’America, che è lontana migliaia di chilometri. Ma non è nemmeno l’Italia, perché la base è territorio americano e ha regole tutte sue. È un mondo a parte. Una terra di nessuno, come è una terra di nessuno esistenziale quella in cui vivono i protagonisti della storia. Fraser (Jack Dylan Grazer), 14 anni, è appena arrivato da New York al seguito della madre Sarah (Chloe Sevigny) che prenderà il comando della base. Caitlin, o Harper, come si fa chiamare lei, è la figlia di un altro ufficiale: una bellissima ragazza che però non si sente tale, non si ritrova pienamente nel suo lato femminile, e sente in sé una parte di mascolinità.

Caitlin entra in scena, al mare, in un bikini nero, i lunghi capelli neri, lunghi e crespi, il volto e la capigliatura di una dea africana. Ma la vedremo in abiti maschili, con addosso la camicia del padre e con un cappellino da baseball a nascondere quei capelli così femminili La vedremo tirare di boxe, sparare. E provare interesse, quasi invidia, per i baffetti appena accennati di Fraser. Lui ha i capelli ossigenati, le unghie laccate, t-shirt e giacche coloratissime. Non sa ancora chi è. Forse gli piacciono i ragazzi. Ma si lega a Caitlin perché la sente un’anima gemella, l’unica che lo capisce, ed è così anche per lei. Il loro non è un amore convenzionale, è una comunione di intenti, una sintonia tra due persone che stanno affrontando un percorso, un passaggio. E quel viaggio vogliono farlo insieme. “Senti mai di non appartenere a nessun posto?” chiede Caitlin a Fraser? Quel posto a cui appartenere è qualcosa che cercheranno entrambi, fianco a fianco.

We Are Who We Are parla di fluidità di genere, di omosessualità, di libertà di esprimersi. Ma la serie firmata da Luca Guadagnino, con la sceneggiatura di Paolo Giordano e Francesca Manieri, non è solo questo, è una storia universale. È una storia d’amore, anzi una storia di storie d’amore, è un racconto sull’identità, vista da molteplici punti di vista. I ragazzi alla scoperta della loro sessualità, ma anche quelli italiani che cercano i ragazzi americani per cercare di uscire dal “buco” dove vivono. Gli adulti, divisi tra il loro ruolo pubblico e quello privato, tra i legami che hanno costruito negli anni e quelli nuovi che potrebbero stringere. I militari, divisi tra il loro essere tali e il loro essere persone, con i loro affetti e i loro bisogni.

Questa ricerca dell’identità, la vita all’interno di famiglie spesso problematiche a tratti avvicina We Are Who We Are a Euphoria, altra serie americana HBO passata su Sky lo scorso anno. Ma il tono di Luca Guadagnino è completamente diverso. We Are Who We Are non è mai un pugno nello stomaco, non è mai scioccante, pur essendo viscerale e a momenti molto dura. I toni sono più sfumati, in fondo leggeri. Quello che emerge è una sensualità ancora innocente, una vitalità pulsante, a tratti debordante e incontenibile, che Guadagnino riesce a raccontare come pochi sano fare, forse il solo Abdellatif Kechiche. Senza per forza dover ricorrere continuamente a momenti eclatanti, sconvolgenti (che ci sono, ma lo script non ne abusa), ma lasciando che il racconto segua il fluire della vita.
Il fatto che tutto si svolga in una base militare non fa che far risaltare questa vitalità. Perché poi i ragazzi devono rientrare tra quelle mura, convivere con quei rituali. Perché gli adulti sentono il loro corpi costretti in quelle divise, tanto che, quando le tolgono, quei corpi sembrano respirare, espandersi, esplodere. L’indole ribelle di certi personaggi risalta ancora di più in un mondo fatto di regole, di schemi, di procedure, un mondo rigidamente definito, che è tutto il contrario di quello che sono.

Così come spesso sono rigidamente definite le regole della serialità televisiva. Ma Luca Guadagnino decide di fare come i suoi personaggi, essere libero, indefinito. Il suo We Are Who We Are può essere visto come una serie in otto puntate, ma anche come un film di otto ore. Guadagnino non si preoccupa di cliffhanger, di ritmo, di suspense. Si permette di indugiare quasi per una puntata intera su una giornata di festa, di fermarsi per un attimo su una sequenza di ballo, che è allo stesso tempo avulsa e integrata nella storia, di fermare le immagini per qualche istante prima degli stacchi di montaggio, come se volesse bloccare in delle istantanee (una volta erano le Polaroid, oggi sono i selfie) alcuni momenti dei ragazzi. Il regista di Chiamami col tuo nome piega il tempo a suo piacimento, si permette di rallentarlo e poi di andare avanti veloce. Estate, autunno, inverno: non c’è la primavera. Possiamo intuirla, ma è fuori campo. Il suo stile è libero, emotivo, al servizio delle emozioni dei personaggi. Vi sembreranno strani, come ogni volta che incontrate una persona diversa da voi. Ma dopo poche ore vi troverete completamente immersi nelle loro vite, come se fossero quelle dei vostri amici.

Vi immergerete anche in un periodo ben preciso della Storia recente. America, 2016: è il semestre che porterà alla vittoria di Donald Trump alle presidenziali americane. “La possibilità era troppo ghiotta per non essere colta” ha raccontato Guadagnino. L’avvento di Trump, del “Make America Great Again” è un avvenimento a suo modo epocale nelle vite degli americani. Che, in un mondo che vive in base all’ordine e alle prove di forza come quello militare, non può non influire. “La gente vuole un capo che possa prendere decisioni difficili”, sentiamo dire a Sarah, la madre di Fraser, l’ufficiale in capo nella base, di fronte a una scelta che ha portato alla morte di alcuni soldati. Sì, perché lì fuori, fuori da quella bolla che è la base americana vicino a Chioggia, c’è il mondo reale, c’è la guerra, c’è la morte. Che irrompe, all’improvviso, nelle vite quasi irreali delle persone che vivono lì. E allora tutto si ferma, le aule sono vuote, i corridoi anche. E una matita si spezza, come in Twin Peaks alla notizia della morte di Laura…

Vi abbiamo parlato di Caitlin e di Fraser. Ma We Are Who We Are è anche la relazione tormentata tra Sarah (Chole Sevigny) e Maggie (Alice Braga), due donne sposate che sono le madri di Fraser, è la vita di Britney, inquieta ragazza americana in cerca d’amore e di emozioni (è la sorprendente Francesca Scorsese, sì, proprio la figlia di Martin Scorsese, una che ha respirato cinema fin dalla culla), l’amore tra Craig e Valentina, Romeo e Giulietta divisi non dalle famiglie ma dalla guerra. We Are Who We Are racconta tutte queste storie, dando a tutte, se non lo stesso spazio, la stessa dignità. Per una volta ci sbilanciamo, e diciamo che Luca Guadagnino, con We Are Who We Are, ha realizzato quello che è sin qui il suo lavoro migliore. Tutta l’emotività che mancava nei suoi film precedenti arriva qui, tutta insieme. Ed è impossibile resistervi. Come Fraser e Caitlin, per otto ore, diventiamo anche noi dei “debuttanti assoluti”, degli Absolute Beginners, come canta David Bowie alla fine della serie. “Fino a che siamo insieme il resto può andare all’inferno”, canta il Duca Bianco. E sembra che parli proprio di Fraser e Caitlin. O anche di tutti noi, nel momento in cui abbiamo sentito di trovare un’anima in cui specchiarci.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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