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Hollywood. Netflix ci racconta la mecca del cinema, com’era e come sarebbe potuta essere…

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Chiedi chi era Peg Entwistle. Hollywood, la nuova miniserie originale Netflix ideata e prodotta da Ryan Murphy e Ian Brennan, disponibile dal 1° maggio, ruota intorno a questa figura. Peg Entwistle era un’attrice inglese che nel 1932, a 24 anni, si tolse la vita gettandosi dalla prima lettera della scritta gigante che campeggia sopra le colline di Hollywood, che allora era Hollywoodland. È un fatto tragico, e incredibilmente simbolico per come è avvenuto. È come dire che il mondo di Hollywood, scintillante e magniloquente visto dall’esterno, visto da vicino, sotto l’apparenza, vive anche di drammi. Uno su mille ce la fa, canterebbe Gianni Morandi. Peg Entwistle è il simbolo di chi non ce l’ha fatta. E al centro di Hollywood c’è Peg, un immaginario film ispirato proprio alla sua storia.

Hollywood racconta la storia di un gruppo di aspiranti attori e registi che cerca a qualsiasi costo di sfondare nella Hollywood del secondo dopoguerra. Jack (David Corenswet) è un ex soldato che arriva a Hollwood con la moglie incinta, convinto che basti un bel volto per sfondare, ma si trova a lavorare in una pompa di benzina, che non è altro che una copertura per un’attività di gigolo. La stessa dove capita Archie (Jeremy Pope), sceneggiatore afroamericano e gay che sta scrivendo il film Peg. Il regista del film potrebbe essere Raymond (Darren Criss), e la sua ragazza Camille (Laura Harrier) potrebbe aspirare al ruolo di protagonista.

Ma non è così facile. Perché Camille è afroamericana e, nella Hollywood di quegli anni, non è previsto che faccia la protagonista, ma solo parti di cameriera e domestica. Perché anche Archie è nero, e uno sceneggiatore come lui può solo scrivere i film per i neri. E se fa un film “per tutti”, il suo nome deve scomparire dalle locandine. Perché se dovesse uscire un film con protagonista un’afroamericana tutti i cinema degli stati del sud lo boicotterebbero. E perché un attore gay non può nemmeno essere preso in considerazione: non solo dovrà nascondere la sua natura, ma anche cambiare nome, e scegliere un nome più da macho, come Rock Hudson. Proprio Rock Hudson (Jake Picking) è un personaggio reale, la cui storia è incastonata tra quella di personaggi immaginari. Ogni personaggio, in Hollywood, è simbolico: mette in evidenza gli ingiusti favoritismi che hanno caratterizzato quel periodo, le discriminazioni basate sul colore della pelle, sul genere e sulle preferenze sessuali. Ma Ryan Murphy immagina che, in quel momento, prenda vita una Hollywood diversa, guidata dalle donne, da persone di buon senso e coraggiose. E che abbia la forza di abbattere gli steccati, di rompere gli schemi. La Hollywood che avrebbe dovuto essere, che forse è, o potrebbe essere, quella di oggi.

Ma Rock Hudson non è il solo appiglio alla vera Hollywood di quel tempo. La serie di Ryan Murphy prende a piene mani da quell’immaginario, mettendo in scena Vivien Leigh, Cole Porter, George Cukor, o evocando Alfred Hitchcock e David O. Selznick, a volte anche un po’ forzatamente, quasi a voler dire: siamo proprio in quel mondo. Hollywood si appoggia su una grande ricostruzione storica, con una superficie laccata e quella luce inconfondibile della California, con i colori pastello e i toni caldi degli anni Quaranta, come ce li immaginiamo (perché le immagini dei film, quando li vediamo realizzati, sono in bianco e nero). La serie di Ryan Murphy vive della fascinazione che, da sempre, il mondo di Hollywood, automaticamente evoca: siano gli anni Quaranta di Viale del tramonto, gli anni Sessanta di C’era una volta a… Hollywood, i giorni nostri di La La Land, Hollywood è sempre un luogo mitico, aureo, fuori dallo spazio e dal tempo. E il luogo dove si creano i sogni. E dove altri sogni naufragano.

Vedere Hollywood sotto questa nuova luce che le getta addosso Ryan Murphy, è allo stesso tempo stimolante e straniante.

Lascia un po’ spiazzati, attoniti, quel tono costantemente sopra le righe, esagitato, che si trova costantemente sul limite di sfociare nella farsa, a volte fermandosi prima, a volte cadendoci dentro. Hollywood ha un andamento jazzato, vola leggero al ritmo del jazz e dello swing anni Quaranta (che a volte danno vita a una colonna sonora fin troppo invasiva). Ma non è un tono che serve a far ridere, con battute o situazioni, quanto piuttosto a provare a dare leggerezza a dei temi che sarebbero piuttosto duri, come razzismo, omofobia, emarginazione.  Per capirci, non siamo dalle parti di The Marvellous Mrs. Meisel, una serie che, parlando di comicità, punta dichiaratamente sul sorriso, per sottintendere poi una serie di altri temi. Qui, per dare un registro brillante alla storia, sarebbe servita una scrittura più arguta, un po’ alla Woody Allen, per condire il racconto con battute più sagaci. Perché il racconto, nel suo sviluppo e nei dialoghi, ha una struttura piuttosto didascalica: spiega fin troppo chiaramente quali siano i problemi, quali le istanze in ballo, e altrettanto semplicemente trova gli escamotage per risolverli.

Hollywood è un racconto particolare già dal suo episodio pilota che, a differenza di quello che accade normalmente, indugia per una buona mezz’ora su un solo personaggio, il protagonista Jack, per poi tirare dentro gli altri personaggi con una sorta di struttura a catena, in cui ognuno è legato a un altro e lo introduce nella storia. In questo modo, la serie stenta un po’ a decollare, indugiando sul gossip, e sulle relazioni sentimentali e sessuali, esagerando nei toni. Per poi riprendersi quando entra nel vivo, quando si parla della materia cinema, si entra dietro le quinte del film in lavorazione. Il cinema nel cinema, da Effetto notte di Truffaut a C’era una volta a… Hollywood di Tarantino, è sempre entusiasmante, perché ci mostra la materia di cui sono fatti i nostri sogni. E perché Hollywood, al di là della messinscena, ha cose importanti da dire. Cioè che chi fa cinema, come e forse più di chi si dedica alle altre arti, ha il compito di provare a cambiare le cose, ad anticipare la società, a spronarla. Ryan Murphy (Nip/Tuck, Glee, American Horror Story) da sempre attento ai giovani e ai diritti degli omosessuali, ci parla di una Hollywood e di quei tempi per dirci che produttori e artisti devono avere quel coraggio anche oggi. È curioso che a raccontare questa storia sia Netflix: il maggior produttore di tv in streaming celebra il cinema. Il che vuol dire almeno tre cose. Primo, che il cinema è arte, è storia, e senza il cinema non ci sarebbero nemmeno Netflix e i colossi dello streaming. Secondo, che a loro volta anche realtà come queste possono raccontare grandi storie, e il dualismo tra cinema e tv on line non ha più senso di esistere. Terzo, che forse oggi il mondo delle serie tv diffuse in streaming è più coraggioso e più avanti delle major del cinema. E che il cambiamento possa partire da qui.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Serie TV

Little Fires Everywhere. Reese Whiterspoon, Kerry Washington e quei piccoli fuochi… su Prime Video

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Una casa prende fuoco, nella notte. Elena Richardson e il marito Bill guardano la loro lussuosa villa andare in fumo. La polizia dice che ci sono stati “little fires everywhere”, tanti piccoli fuochi lungo tutta l’abitazione che hanno causato l’incendio. Little Fires Everywhere è la nuova serie Abc, cioè Disney Television Studios, andata in onda in America su Hulu, e disponibile ora anche in Italia su Amazon Prime Video dal 22 maggio (in inglese con sottotitoli in italiano, la versione doppiata arriverà più avanti). La serie è tratta dal romanzo Little Fires Everywhere del 2017 di Celeste Ng. (Tanti piccoli fuochi in italiano) e vede come protagoniste due grandi star: Reese Witherspoon e Kerry Washington.

Ma riavvolgiamo il nastro, ed eccoci a quattro mesi prima dell’incendio. Siamo nell’agosto del 1997, a Shaker Heights, un sobborgo di Cleveland, Ohio, una di quelle tante periferie residenziali che siamo ormai abituati a vedere nei film e nelle serie americane. Elena (Reese Witherspoon) è una giornalista ed è la madre di quattro figli, adolescenti o preadolescenti. Insieme al marito Bill (Joshua Jackson, l’indimenticabile Pacey di Dawson’s Creek) vive una vita perfettamente organizzata e schematizzata, dove ogni cosa ha un posto e ha un tempo. Anche fare l’amore ha il suo momento, il mercoledì o il sabato sera. Nel quartiere arriva Mia (Kerry Washington), madre single, con la figlia Pearl (Lexi Underwood). Mia è un’artista, vive alla giornata, e nella vita ha cambiato più volte casa e città. Elena le affitta una sua casa. Mia trova lavoro come cameriera in un ristorante cinese, e poi anche come domestica in casa di Elena, che ha capito la sua situazione e cerca di aiutarla. Mentre Pearl sembra legare particolarmente con Moody (Gavin Lewis), il figlio di Elena. Izzy (Megan Stott), la figlia minore di Elena e Bill, è una ribelle, tenta di bruciarsi i capelli e, a un concerto di musica classica, si presenta con la scritta sulla fronte “Not Your Puppet”, non sono il tuo burattino.

Quei piccoli fuochi del titolo allora sono tutte quelle piccole scintille che, nelle nostre vite, avvengono all’improvviso e, se trascurate, rischiano di divampare in incendi molto pericolosi. Possono accendersi con un niente, e crescere fino a diventare devastanti. Come quelle piccole grandi bugie che potrebbero sembrare innocenti, ma possono portare a delle tragedie. Non abbiamo usato queste parole a caso, perché Little Fires Everywhere sembra seguire la strada di Big Little Lies, che aveva proprio Reese Witherspoon come protagonista. Il viaggio nelle famiglie della borghesia americana, la dinamica di inclusione/esclusione dei nuovi arrivati e dei diversi, le ombre che si nascondono dietro case ed esistenze perfette sono le stesse. Little Fires Everywhere però ha una sua personalità e suo tono ben distinto. Le storie che si muovono tra le ville dell’Ohio sono meno tragiche, meno estreme e più sfumate (non a caso lì si parte con un omicidio, qui con un incendio…). C’è meno violenza, non c’è una vera e propria guerra, ma un confronto continuo, fatto di solidarietà e diffidenza, complicità e dubbi, tra due mondi completamente diversi. E, a differenza di Big Little Lies, dove i figli sono più piccoli e non sono una vera e propria parte integrante del racconto, quanto un mezzo per scatenare i contrasti tra le varie famiglie, qui ci sono dei figli adolescenti, con personalità definite, che sono i veri motori della storia.

Little Fires Everywhere è una storia fondata, da subito, sul contrasto. Elena entra in scena con un quadro da Mulino Bianco, la famiglia che fa colazione prima di uscire. Mia e la figlia si svegliano dopo aver dormito in macchina. Elena è wasp, bionda, chic e impeccabile, e ha tutto sotto controllo. Mia è afroamericana, scarmigliata, hippie, e la sua vita sembra un caos. La grande magione padronale e la piccola casa in affitto, una serie di vite pianificate contro una vita alla giornata. Elena pare aver buon cuore e aiutare Mia. Ma continua a sospettare di lei. E i loro due mondi cominciano a lavorare come due vasi comunicanti (di cui, evidentemente, uno è troppo pieno e l’altro troppo vuoto, per cui tendono a compensarsi). Così Pearl, la figlia di Mia, entra nelle simpatie di Elena, oltre che del figlio Moody, e rimane affascinata dalla loro grande casa e dalla loro vita. Izzy, ribelle e insicura, vittima di bullismo, sembra entrare in sintonia con Mia.

Se la storia è già molto forte, a farla vivere sono due grandi attrici che in tv stanno vivendo da tempo una nuova vita di successo. Reese Witherspoon, dopo essere stata una reginetta della commedia al cinema, in tv sta dando prova di una grande maturità, fino a diventare il simbolo delle contraddizioni delle donne borghesi americane. Il ruolo di Elena arriva dopo Big Little Lies (senza dimenticare The Morning Show). Kerry Washington, esplosa con il cinema di Spike Lee, arriva dal successo di Scandal, in cui aveva un personaggio molto diverso da Mia. Sensuale, empatica, dolente, Kerry Washington porta con sé un intero mondo in questa serie.

Little Fires Everywhere fa parte di un genere ormai molto ricco. Potremmo chiamarlo Suburbs Drama, e, tra cinema e tv, vive lungo quelle strade perfette dai prati verdi e dalle casette eleganti, tutte uguali, che si trovano nelle zone residenziali americane. Da American Beauty a Revolutionary Road, passando per le Desperate Housewifes di Wisteria Lane per arrivare a Big Little Lies e Littles Fires Everywhere, c’è tutto un mondo da scoprire dentro a queste ville così ben curate. Ed è un mondo che prende fuoco.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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The Eddy. Damien Chazelle e il jazz, atto terzo. Su Netflix

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Dove c’era la città delle stelle, oggi c’è la città delle luci. Dalla City Of Stars alla Ville Lumiere, Damien Chazelle ci regala l’atto terzo della sua storia d’amore con il jazz. The Eddy è la nuova serie tv, la prima nella sua carriera, che ha girato per Netflix, ed è disponibile dall’8 maggio. Dopo il jazz come sudore, sangue e lacrime di Whiplash, e il musical per cuori infranti di La La Land, in The Eddy vediamo la musica come duro lavoro, come quotidianità. The Eddy è un locale a Parigi dove suonare e far suonare jazz. A fondarlo sono stati Eliot (Andrè Holland) e Farid (Tahar Rahim). Ma nella vita di un locale come questo non c’è solo la musica che risuona quando le luci si spengono e rimangono accese solo quelle del palco. C’è una band da tenere unita a fatica, le prove certosine per far suonare al meglio una canzone, gli alcolici da pagare ai fornitori. Quando Farid viene assassinato, tutto diventa più difficile. E, quando a Parigi arriva Julie (Amandla Stenberg), la problematica figlia adolescente di Eliot, tutto diventa ancora più complicato.

The Eddy è il Damien Chazelle che non ti aspetti. La continuità con la sua opera è tematica (un cinema che racconta la musica e si fa musica), ma non stilistica. A differenza di altri autori cinematografici che usano la nuova tivù, quella delle piattaforme dello streaming, come prosecuzione su un altro mezzo del loro cinema, magari dilatando i tempi del racconto, ma non cambiando il proprio stile, Chazelle cambia decisamente passo. Il regista di La La Land interpreta il suo passaggio su una tv come se si dedicasse a un documentario, come se fosse un filmmaker che si immergesse nella vita reale di un locale e di una band per raccontarla dall’interno. The Eddy è girato spesso con una macchina da presa a mano, che si muove agile e veloce tra i tasti di un piano, lungo le superfici degli strumenti a fiato, accanto ai microfoni, e viaggia lungo tutti gli angoli del palco e i meandri del locale. La mdp di Chazelle si muove tra i corridoi di The Eddy, pedina i suoi personaggi, si muove alla loro altezza, sta in mezzo a loro senza mai guardarli dall’alto.

Spostandosi in Europa, Chazelle sceglie di abbracciare lo stile di un certo cinema europeo contemporaneo, soprattutto francese. Scordatevi i dolly della prima, famosissima scena di La La Land, la fotografia satura e brillante, o le figure tragiche e cariche di Whiplash. Anche gli attori, qui, sono alcune icone del cinema europeo. Tahar Rahim (Farid) è l’indimenticabile protagonista de Il profeta di Jacques Audiard, ma qui lo vediamo quasi sottotono, come una figura reale e non tragica: i capelli lunghi e raccolti, una barba accennata, un sorriso che ce lo fa vedere sotto una luce diversa. Così come Joanna Kulig (è Maja, cantante e compagna di Eliot), che ha fatto innamorare tutti in Cold War di Pawel Pawlikowski, senza essere ammantata dallo scintillante e stiloso bianco e nero di quel film, ci appare come una donna normale, anche lei, come tutti i protagonisti del film. La stessa Amandla Stenberg, che abbiamo visto in alcuni film americani, qui è calata nella quotidianità e lavora sui mezzi toni. Come tutti gli attori, del resto. Ogni puntata, pur portando avanti la storia, è dedicata a un personaggio, come se fosse la variazione su un tema di una sessione di jazz. Tra i produttori della serie c’è anche Glen Ballard, storico autore e produttore musicale.

In The Eddy c’è comunque molto del Damien Chazelle che abbiamo amato. Di Whiplash c’è l’idea del jazz come fatica, come sforzo continuo di provare e riprovare. Di La La Land ritroviamo il tema di un sogno da inseguire (aprire un proprio locale era quello del Sebastain di Ryan Gosling), la difficoltà nel raggiungere il successo, il fallimento che incombe come una spada di Damocle su chiunque provi questa strada. Ma The Eddy non ha la costruzione drammaturgica di Whiplash, né la coreografia e la perfezione scenica di La La Land. È la messa in scena della vita reale, anche con i suoi tempi morti. A Hitchcock, che diceva che il cinema non era questo, forse non piacerebbe. A chi ama un certo cinema europeo forse sì.

Insomma, dalla City Of Stars di La La Land alla Ville Lumiere di The Eddy il passo è breve, e allo stesso tempo anche molto lungo. Qui è tutto molto più prosaico, reale. Non si rischia di farsi lanciare addosso il piatto di una batteria, come capitò a Charlie Parker secondo la leggenda narrata in Whiplash, ma può capitare di essere picchiati dai fornitori degli alcolici per un mancato pagamento. In ogni caso, la morale della favola sembra essere la stessa. La vita è dura, per chi ama il jazz.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Summertime. Se Babi e Step diventano Summer e Ale. Su Netflix

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Si chiama Summer perché il padre, un musicista, amava quella canzone, Summertime, cantata da Billie Holiday ed Ella Fitzgerald. Ma, come recita un’altra famosa canzone di tanti anni fa, Summer odia l’estate. Forse perché tutti si divertono e lei deve lavorare. Forse perché durante l’estate quel padre che fa il musicista lavora e non c’è mai. Forse perché, come dice all’amica Sofia, d’estate arrivano tutti gli sfigati del mondo in vacanza. Siamo sulla Riviera Romagnola, a Cesenatico, un posto che sembra lontanissimo dalle tante Rimini Rimini degli anni Ottanta, ma anche da altri litorali che abbiamo visto al cinema e in tv. È quei che è ambientata Summertime, la nuova serie originale italiana Netflix (è la quarta, dopo Suburra, Baby e Luna nera, in attesa di Curon) prodotta da Cattleya e disponibile dal 29 aprile 2020. Dalla nota stampa leggiamo che è ispirata a Tre metri sopra il cielo di Federico Moccia. Ma se non ce l’avessero detto non avremmo riconosciuto la storia di Babi e Step in quella di Summer e Ale.

Di quella storia, probabilmente, rimane l’incontro tra due mondi diversi, ceti diversi, atteggiamenti diversi nei confronti della vita. Ale (Ludovico Tersigni, SKAM Italia) è un campione di moto, ribelle e deciso a riprendere in mano le redini della sua vita. Arriva da Roma, il padre ha lasciato tutto per lui, e il team ci punta molto: ma lui, reduce da un incidente, ha paura a riprendere, e non sopporta più le pressioni. Summer (l’esordiente Coco Rebecca Edogamhe) è una ragazza che rifiuta di omologarsi alla massa e sogna di volare lontano ma sa di essere il collante della sua famiglia. Mentre la scuola finisce, e i primi ombrelloni si aprono sulla spiaggia, i due si conoscono, si attraggono e si respingono, ma tra loro c’è un’inevitabile reazione chimica: sembrano destinati a innamorarsi. Insieme a loro ci sono Edo (Giovanni Maini) e Sofia (Amanda Campana), i migliori amici di Summer, e Dario (Andrea Lattanzi, Sulla mia pelle), amico fraterno di Ale.

Summertime è il secondo teen drama italiano di Netflix, e arriva un anno e mezzo dopo Baby, che era più urbano, dark, intimista. Summertime è più leggero, spensierato, anche superficiale, come una vacanza estiva quando hai sedici anni. Coloratissimo, e ritmatissimo sui beat della musica più attuale possibile, come la trap, è un racconto fatto di corpi e volti giovani e belli, e il più possibile veri e non patinati. Non ha paura di far vedere i ragazzi di oggi per come sono, i loro divertimenti anche scorretti (su cui forse indugia troppo), tra alcool a tutte le ore e altre storie di vite spericolate (la corsa in moto su un molo verso il nulla ricorda quella delle macchine verso il burrone di Gioventù bruciata). Accanto alla musica in voga oggi c’è, in ogni puntata, un salto nel passato, una canzone classica, di cui un estratto del testo dà il titolo alla puntata: Odio l’estate, Il cielo in una stanza, Il mondo.

E poi, a sorpresa, entrano in scena anche delle canzoni degli anni Ottanta, I Like Chopin di Gazebo e Tainted Love dei Soft Cell. Come mai? È presto detto, sono le canzoni dei genitori, roba da vecchi, da mettere su in certi baretti sul mare la sera, dove i ragazzi ovviamente si annoiano. Ecco, a guardare Summertime, molto più che rispetto ad altri teen drama recenti, ci si sente vecchi. Forse è perché riesce a raccontare davvero il mondo degli adolescenti nei loro riti e svaghi, e a renderlo esclusivo, staccandolo dal resto. O forse perché, a livello di scrittura, è un racconto piuttosto superficiale e non riesce ad essere universale in modo da raggiungere tutti. Di fronte alla frase (due personaggi parlano mentre uno sta mandando un messaggio) “le parole non contano, le faccine sono importanti” è chiaro che siamo di fronte a un gap generazionale. In ogni caso è un mondo dove solo gli adolescenti sembrano essere in grado di amare veramente. E gli adulti sono tutti separati, assenti, divorziati, complicati.

Insomma, se il pregio di Summertime è nella sua leggerezza e freschezza, l’altro lato della medaglia è in una certa ingenuità. Che è anche quella di molti attori ancora acerbi, incerti nella recitazione. Ma è il prezzo da pagare per aver trovato volti nuovi, davvero inediti e interessanti. Come quello di Coco Rebecca Edogamhe, che è Summer, la protagonista, giovane di colore con dei magnifici capelli alla Jimi Hendrix, occhi neri profondissimi e il fisico slanciato, o quello di Amanda Campana, occhi luminosi e curiosi, e un’aria sbarazzina e irresistibile. E quello, umanissimo e tenero di Giovanni Maini, con la sua impacciata avvenenza. Tra i protagonisti, hanno più esperienza e un passo in più Ludovico Tersigni, il protagonista, Ale, e Andrea Lattanzi, il suo amico Dario, personaggio molto particolare, timidissimo e ritroso al di là del suo aspetto fisico.

Sono proprio i due protagonisti, e i due personaggi principali, a marcare la differenza con Tre metri sopra il cielo di Federico Moccia e il film da cui è tratto. Ludovico Tersigni ha l’occhio azzurro, ma un piglio completamente diverso da Riccardo Scamarcio e dal suo Step, che era più scostante e tenebroso. Il suo Ale ha l’aria dolce, tenera, e una certa ironia a un modo di scherzare che conquistano. Così anche Summer è completamente diversa da Babi: più determinata, risolta, uno specchio delle giovani donne di oggi, rispetto a come si potevano immaginare più di vent’anni fa. Se lo schema dello scontro tra mondi diversi viene riproposto, Summertime mescola le carte: stavolta è Ale, il protagonista maschile, a venire da un mondo più agiato, anche se rimane il personaggio più tormentato tra i due. Mentre è Summer, come detto, che viene da una famiglia più umile, e tra i due rimane il personaggio meno complicato. A proposito di famiglie, la madre di Summer è interpretata da Thony, la cantautrice protagonista di Tutti i santi giorni di Virzì. Se lo ricordate, in quel film cercava in tutti i modi di mettere al mondo un bambino. Ora la vediamo mamma di due figlie adolescenti, ed è una sensazione strana. Non è facile, per gli adulti, nel mondo di Summertime. Un mondo che vediamo spesso dall’alto, in perfetto stile Netflix. Perché anche se è una serie italiana, Summertime vive nel mondo, ormai globalizzato, del colosso dello streaming. Ed è l’esempio che Netflix crede nel nostro paese. Quando le produzioni potranno riprendere, speriamo che la storia d’amore continui. Quella tra Summer e Ale. Ma anche quella tra Netflix e l’Italia.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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