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Il Mood del narrativo: la ricerca e l’innovazione nel nuovo libro sui gioielli presentato a Milano

T. Chiochia Cristina

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Milano e la sua vocazione per il lusso e per la moda attraverso l’arte dei gioielli. Ecco come si apre questo autunno milanese declinato questa volta nella sua essenza più bella: i volumi e le forme dello straordinario repertorio dei gioielli d’autore tra maestri orafi e grandi maison nazionali ed internazionali da quando cominciarono ad essere pensati ed ideati come prodotti “industriali” e la loro naturale innovazione. Per il libro, edito da Skira editoreGioielli: dall’art nouveau al 3d printing” si sono dati appuntamento nella Sala della Passione della Pinacoteca di Brera tutti i più grandi appassionati del mood del gioiello oltre che studiosi,studenti e semplici appassionati forse incuriositi proprio dalla scelta dell’arco temporale che il libro descrive.

Una panoramica unica ed inusuale, nel solco dell’ormai consolidato mood del narrativo nel gioiello, che già in precedenti articoli chi scrive ha definito una vera e propria officina di ricerca di innovazione del gioiello dal gusto narrativo. E cosi, proprio partendo storicamente dalla fine del secolo scorso, che cominciò a trattare i gioielli come prodotti industriali quando la tecnologia li cominciò a rendere anche più accessibili alla classe media, il libro dimostra e mostra che questo non fu un limite o sinonimo di un uso dei materiali preziosi e non, meno attento o curato ( o da uno style dei disegni sempre uguali ripetitivi o fatti male) ma anzi, offrì un ponte per una piccola rivoluzione culturale: far amare i gioielli in quanto tali, non solo nella “essenza” più bella di pietre rare o oro purissimo, ma anche come accessori “di moda” e spesso, creati proprio per la moda stessa a completamento di abiti e di quello che ora si direbbe “outfit”.

Attraverso la presentazione di Alba Cappellieri, professore ordinario di Design del Gioiello e dell’Accessorio Moda al Politecnico di Milano, nella sala messa a disposizione dalla Pinacoteca di Brera, quella della Passione -gremita per l’occasione di giornalisti, protagonisti del settore e appassionati di gioielli e bijoux -appaiono nomi noti e grandi studiosi della oreficeria e del bijoux italiano, sia sul palco che in sala con una storia ed una tradizione da condividere. Più di una presentazione del libro,ecco quindi quasi in una sorta di lectio magistralis, una carrellata di gioielli dell’art nouveau fino a quelli in 3d printing, una sorta di “museo del gioiello virtuale“, sull’arte orafa declinata per tecniche e materiali, colori, luci e forme con semplicità (e rigore) che rispecchia molto anche la struttura del libro appena uscito.

Un approfondito saggio storico-critico che introduce l’argomento in modo approfondito ma semplice e con una scelta di immagini ritenute quelle “significative”.
Repertorio di gioielli, quindi ma anche fantastico viaggio emozionale, dove gli orafi e le grandi maison internazionali , come recita il comunicato stampa “che, a partire dagli inizi del Novecento a oggi, hanno interpretato le evoluzioni del gusto in forme preziose […] dalla Francia all’Asia, dagli Stati Uniti all’Italia, dall’Inghilterra alla Germania, dall’Olanda ai paesi del Nord: dai capolavori dell’Art Nouveau di Lalique, Vever e Fouquet all’eleganza dell’Art Déco con le meraviglie di Cartier, Boucheron, Tiffany, Mario Buccellati e Fabergé; dalle invenzioni di Van Cleef & Arpels e di Bulgari negli anni cinquanta alle avanguardie olandesi e al gioiello d’artista degli anni sessanta, fino alle proposte dei designer e degli stilisti della contemporaneità“.

Un modo di viaggiare nell’arte orafa scoprendone tecnologie e manifatture artigianali fino ai processi di stampa 3d con le sue tecnologie “open source” che rendono il gioiello inedito e qualcosa di nuovo, rispetto a prima con scoperte e collaborazioni tra industria, design e artigianato ancora da esplorare.
Concludendo, forse è proprio l’accostamento alle tecniche del moderno 3d che cerca di far emergere questa rivalutazione storica a livello di storia di gioiello nell’era industriale dal periodo del Liberty in poi: non un cliente o appassionato “resistente” a questa rivoluzione ma felice di potersi permettere preziosi che raccontano qualcosa, sia per i costi ridotti ma anche per l’ innovazione e le inedite sinergie che lo creano. Impresa e design per rendere sostenibile l’intero processo produttivo artigianale di un gioiello, con strumenti di altissima tecnologia a cui gli artigiani stessi, in teoria non potrebbero accedere altrimenti a causa dei costi elevati.

Non a caso la curatrice del libro è proprio quella Alba Cappellieri che dirige, come recita il comunicato stampa “i corsi di laurea triennale e magistrale in Design della Moda, direttore del corso di alto perfezionamento in Design del Gioiello, del Master internazionale in Accessory Design e del Master in Fashion Direction: Brand & Product Management presso il Milano Fashion Institute. Dal 2013 al 2016 ha insegnato Design for Innovation alla Stanford University. È membro del Comitato Scientifico dell’École Van Cleef & Arpels a Parigi e della Fondazione Cologni a Milano. Nel 2017 è stata nominata ambassador del Design Italiano per l’Italian Design Day a Osaka. Dal 2014 è direttore del Museo del Gioiello in Basilica Palladiana a Vicenza, il primo museo italiano dedicato al gioiello”.

Un nuovo modo di pensare e di creare il gioiello partendo dalla fine del secolo scorso? Forse. Sicuramente un nuovo modo di raccontarlo e forse chissà, assumendosi anche il rischio di raccontarlo nel suo innovare.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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La poetica del frammento nelle opere di Paride Ranieri come mood dell’arte

T. Chiochia Cristina

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L’arte è sempre più “mood in the mood” ovvero quasi “in-attesa” e spezzettata in tanti singoli frammenti.
Ne sono un valido esempio manifestazioni alcune internazionali come la Wopart- work on paper art fair di Lugano che da tre anni oramai, esplora il contemporaneo anche attraverso materiali, in questo caso della carta.
Ma anche in Italia le gallerie d’arte e location prestigiose sono sempre più interessate all’utilizzo di supporti e nuovi materiali come gesto artistico dell’ io che si esprime liberamente.
Ne sarà un esempio l’inagurazione l’8 novembre 2018 alle 18.30 della personale del pittore Paride Ranieri a Milano, artista celebre per la performance contro la guerra a Milano lo scorso anno, dove un piccolo carro armato è stato realizzato con bossoli usati di fucile.
Dunque a settembre, al Centro Esposizioni di Lugano , La “fiera internazionale” organizzata dal Lobo Swiss e diretta da Luigi Belluzzi, ha permesso a più di 100 espositori di cui ben 85 gallerie, provenienti da 16 paesi di offrire un confronto schietto su di un panorama dell’arte e del collezionismo sempre più ampio di opere realizzate con materiali differenti, come la carta ma esiste davvero un “mood dell’arte” come poetica del frammento al fine di poter padroneggiare la volontà attraverso le nostre emozioni?

Per rispondere a questo, incontriamo proprio Paride Ranieri nel suo studio, con quella voglia di capire se rendere la comprensione artistica più umana sia davvero un lusso e per chi.
Classe 1966, il pittore comincia il suo racconto tra la citazione del corso di Storia Contemporanea a Milano ed a Roma oltre che ai suoi studi artistici presso l’accademia di Brera dove ha avuto modo anche di seguire gli insegnamenti del maestro L. Fabro.

DailyMood.it:  Grazie per averci concesso questo tempo insieme. Ci racconti di Lei, da dove comincia il suo lavoro artistico in particolare la sua arte del finger painting?
Paride Ranieri: Grazie a voi per l’interessamento. Direi da molto lontano. Sicuramente dal mio lavoro. Perchè ho lavorato in uno studio di architettura, alla scenografia teatrale e cinematografica [con Dino de Laurentis Group Usa/Italy n.d.r], ho svolto una pluriennale collaborazione con la Pirelli Pneumatici per cui ho girato il mondo, allestendo eventi promozionali, nazionali ed internazionali dal 1999 al 2007, questo il mio prima.

DM: Ed il suo dopo? Quale e quando è stato il punto di svolta, se c’è stato per la sua poetica del frammento, dove appunto il luogo privilegiato è appunto la metropoli moderna che addirittura l’hanno portata a lavorare con la tecnica del finger painting con gli ossidi di ferro, ovvero lo smog, materiali inediti insomma e tanto cari al mondo dell’arte e delle gallerie?

P.R.: Gli anni 2000 sono stati molto importanti. Perchè nel 2000 ho aderito per esempio al gruppo di artisti chiamato “Arte inattesa” e da lì ho partecipato a molte performance e personali, mostre colletive in Spagna, Italia, America. E nel 2006 arrivano anche le collaboriazioni con le gallerie Fabrica Eos di Milano e Glauco Cavaciuti a Milano e nel 2010 sono assistente del maestro R.Nonas per una nota installazione. Nel 2014 ho partecipato addirittura ad una mostra collettiva chiamata “il ritratto di un gallerista”. La mia poetica del frammento ha in sè una sorta di contemplazione quasi necessitasse di un linguaggio immediato, creando per questo meraviglia. Un atto creativo che diventa realtà artistica in frammenti di volta in volta quasi “riscattati”, quasi fossero un “potenziale da emancipare” come i miei lavori di china colore e aria compressa o la china su carta, fino alle tecniche miste ed appunto alle mie tele di grandi dimensioni, interamente create con la tecnica del finger painting con ossidi di ferro e disinfettanti.

DM: Ed ora? E’ possibile essere liberi creatori di un’opera d’arte attraverso materiali anche inediti per l’arte è possibile? E’ possibile descrivere una dimensione progressiva della modernità così evocativa nel mood dell’arte?

P.R. : Si. Il mondo dei frammeti e della contemplazione diventano qualcosa di importante proprio grazie all’uso di materiali e tecniche molto differenti tra di loro come le polveri, le ossidazioni, i disinfettanti. Dico spesso che l’immagine deve poter dire qualcosa ma in un rapporto di identità o di differenziazione molto forte. E in questi tempi l’arte rinvia spesso alla propria immagine , a ciò che è o il suo esatto contrario. L’interesse c’è. Tanto che un Museo come il Mu.Sa di Salò per esempio, ha acquistato due mie opere per la loro collezione permamente, direi quindi che c’è molta attenzione a questo desiderio dell’arte del frammento.
I miei lavori con le polveri e con la china ad aria compressa, per esempio, sono sviluppati come ricomposti, nell’atto di emergere, in quel senso evidente di dover sacrificare un ordine prestabilito per una unità sintetica tra frammentarietà e precarietà che però permette in questo modo la creazione (e ri-produzione n.d.r.) di un pensiero infinito sempre nuovo.

DM. : Concludendo quindi Lei trova nei lavori di poetica del frammento ha senso parlare di una continuità con la tradizione come vero mood dell’arte?

P.R.: Cito spesso il ritrovamento della statua del Laocoonte nel 1506. La poetica del frammento diventa quel “succederà” possibile. L’opera ritrovata diventa valore superiore alla copia romana o alla copia in sè. Noi siamo e saremo sempre neoclassici. Posso solo dire questo.

Frammento essenziale dove la pittura viene usata sia per quadri di grandi dimensioni che per fogli di carta o per la scultura; così come i materiali: polveri di ferro, disinfettanti, proiettili, plastiche e molto altro. Non resta che aspettare l’inaugurazione della mostra dell’8 novembre p.v., nel celebre esercizio storico del Giamaica nella zona di Brera a Milano, che fu ritrovo indiscusso di intellettuali ed artisti che ben esprimevano questo mood dell’arte come “mood in the mood”.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Intervista a Yury Revich e Simone Di Crescenzo

T. Chiochia Cristina

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E’ stato definito uno dei Festival estivi più sofisticati in Italia, eppure il Festival della Valle d’Itria è forse molto di più. Per quell’attenzione alle emozioni che ne è divenuto nel tempo, anche un tratto distintivo. In particolare negli appuntamenti sinfonici di quest’anno a Palazzo Ducale che, il 16 Luglio ospiterà sotto la direzione di Michael Halasz, il violinista Yury Revich e l’Orchestra Accademia del Teatro alla Scala di Milano con musiche di Mozart, Paganini e Haydn.
In occasione delle celebrazioni per Rossini, intervistiamo proprio Yury Revich e Simone Di Crescenzo, protagonisti della Soirée Rossini prevista per il 18 Luglio con Maria Aleida, Nicolai Pfeffer e Michele Pertusi.

INTERVISTA A YURY REVICH

DailyMood: Grazie per averci concesso l’Intervista. Ci racconti della sua formazione e di come è maturata in lei la dedizione per un lavoro come il suo?
Yury Revich: È un piacere. Io faccio parte della quarta generazione di violinisti nella mia famiglia. Mio nonno è stato il mio insegnante e ancora oggi mio padre, Alexandr Revich, è il mio insegnante principale. Inoltre, ho avuto la fortuna di poter studiare con Galiana Turchaninova, Victor Pikauzen e Pavel Vernikov. Dei maestri fantastici! Sono in continua evoluzione, prendendo ispirazione dalla gente, dalle arti, dalla natura e dall’esperienza sensoriale.

DM: Il violino che suona è un pezzo unico. Come descriverebbe il suo modo di suonare su uno strumento tanto prezioso?
YR: Spero che sia un buon modo di suonarlo! ☺ È un grande onore poter suonare uno Stradivari del 1709 affidatomi dalla Goh Family Foundation di Singapore.

DM:  Il mood degli short film spopola nel fashion e nell’arte con festival ed artisti. Lei si è dedicato con successo anche al genere degli short film, in questo caso musicali. Un mood che avvicina il target dei millenials alla musica classica?
YR: Mi piace scrivere e girare short film. È una mia passione e un hobby. Se questo aiutasse ad avvicinare la nuova generazione alla musica classica, sarebbe fantastico! La musica classica è un linguaggio universale che parla a chiunque.

DM:  Da dove è nata questa idea degli short music film?
YR: L’idea è nata poiché volevo creare e creare. Sono come un uomo del Rinascimento. Un artista è artista in tutto!

DM: Pensa che il futuro della musica classica possa identificarsi con la diffusione della musica scritta per gli strumenti ad arco?
YR: Si, dobbiamo trovare una maniera per rendere moderna la musica classica, soprattutto nel modo di presentarla, compatibile con i moderni standard di vita.

DM: Il suo è lo strumento più acuto degli archi, protagonista in orchestra e musica da camera, ma cosa ne pensa del successo del violino come suono legato al gusto popolare, presente nel tango e nel jazz zigano per esempio?
YR: Si, mi piace molto il tango! In questo periodo faccio anche musica elettronica con lo Stradivari. È divertente! D’altronde, il violino è uno strumento universale. La musica è così.

DM:  Lei è spesso in Italia, il suo recente concerto a Firenze è stato un successo. Come pensa andrà questa Soirée per Rossini il grande genio italiano?
YR: Grazie. Amo l’Italia e gli italiani: sono di grande ispirazione! Secondo me, la nostra Soirée sarà grandiosa! Come altro dovrebbe essere? ☺

Con Yury Revich ci sarà anche il pianista Simone di Crescenzo, ed è proprio a lui che chiediamo come è nato il progetto su Rossini per questo Festival.

INTERVISTA A SIMONE DI CRESCENZO

DM: Benvenuto a lei ed alla sua Musica. Ci parli del suo essere pianista e di come esprime la sua arte.
Simone di Crescenzo: Essere pianista oggi significa, secondo me, vivere la musica nella sua totalità, infatti preferisco definirmi musicista più che pianista in senso stretto. Voglio dire che interpretare un determinato repertorio, specie quello di cui mi occupo, presuppone, secondo il mio modo di vedere, uno studio anche storico-estetico e non soltanto tecnico-musicale. Quando mi avvicino ad un brano per la prima volta cerco di immaginare come renderlo il più possibile conforme alla concezione del compositore e al mio sentire, cerco un incontro fra queste due parti. C’è quindi sempre una piccola piacevole lotta fra una dimensione razionale ed una emotiva: ingredienti necessari per un interprete. D’altronde sono capricorno ascendente gemelli…(sorride)

DM: Lei ha seguito negli ultimi anni molti progetti sia nell’ambito della ricerca sia a livello concertistico e quest’anno uno dei fili conduttori è stato proprio Gioachino Rossini. Un invito alla musica del grande compositore per renderla anche attuale?
SdC: Rossini è assolutamente attuale: Rossini è Rap, Rossini è Rock! Possiamo trovare in lui le anticipazioni di queste correnti contemporanee, ma il tutto in una dimensione aulica, immaginifica, fiabesca, ma allo stesso tempo straordinariamente umana. La sua musica è in grado di farci ridere, di farci sognare, di disegnare atmosfere lontane, ma anche di evocare quei sentimenti più nascosti della nostra interiorità. Dialogare con Rossini suonando la sua musica è una delle esperienze più eccitanti che un musicista possa vivere.

DM: Il Festival della Valle d’Itria, con la sua programmazione continuativa, secondo lei è anche un invito alla musica per i giovani?
SdC: Il Festival della Valle d’Itria, uno dei più prestigiosi in Italia, è un luogo di incontro fra i giovani e la grande musica. È sempre stato e continua ad essere un trampolino di lancio per giovani artisti e, in particolar modo negli ultimi anni, sta attivando numerose iniziative per avvicinare anche i giovanissimi alla musica colta. In questo senso sono di grande supporto alle attività del Festival sia la Fondazione “Paolo Grassi” sia l’Accademia del Belcanto “Rodolfo Celletti”, che con le loro iniziative contribuiscono all’incontro e alla fusione fra giovane pubblico e nuovi interpreti.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Intervista a Beatriz Alonso, designer di Bettisima

DailyMood.it

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Beatriz Alonso è la fondatrice e designer del brand spagnolo di bigiotteria Bettisima. I suoi disegni sono estremamente dinamici e prorompenti. Un mix di sfumature cromatiche che quasi sfiorano l’irriverenza. Insomma, il look giusto per le donne che amano apparire. Noi di Daily Mood l’abbiamo incontrata ed ecco cosa ci ha raccontato.

Daily Mood: Beatriz la tua storia è particolarmente interessante. Non nasci come designer, hai avuto prima una lunga carriera professionale nel mondo dell’economia fino a che non hai deciso di lasciare tutto e reinventarti nel mondo della moda. Cosa ti ha spinto a intraprendere questo percorso? Raccontaci un po’ come è stato questo cambiamento.
Beatriz Alonso: Beh, la vera motivazione è stata la nascita dei miei tre figli, che mi ha fatto ripensare a ciò che mi rendeva davvero felice, ossia essere al loro fianco ma allo stesso tempo dedicarmi a quella che era sempre stata la mia grande passione, la moda appunto. Avevo bisogno di creare qualcosa che mi permettesse di organizzare al meglio il mio tempo per poter stare con i miei figli, ma ancora di più avevo bisogno di trovare un modo per far conciliare due ruoli importanti nella mia vita, quello di madre e quello di designer.

DM: Quali sono state le prime soddisfazioni e le prime difficoltà che hai incontrato come designer?
BA: Senza dubbio, la difficoltà maggiore è stata proprio quella di affacciarmi per la prima volta ad una realtà a me completamente sconosciuta, senza nessuna indicazione o riferimento da parte di nessuno. Ma devo dire che le soddisfazioni sono state immense. Vedere come la gente apprezza le tue creazioni, follower e clienti che crescono a dismisura, soprattutto vedere trasformarsi qualcosa che è nato come semplice hobby in un vero e proprio business non ha prezzo. La parte del mio lavoro che più mi gratifica è quando ricevo messaggi da parte dei miei clienti che si congratulano con me dicendomi che i miei gioielli sono ancora più belli dal vivo che in foto. Parole come queste sono a dir poco impagabili!

DM: I tuoi gioielli sono estremamente vivaci e appariscenti, a cosa ti ispiri per crearli?
BA: Diciamo che mi lascio guidare dalla passione. Dopo essermi lasciata conquistare dai migliori materiali, mi siedo in laboratorio e mi godo la fase di creazione che viene da sola, in modo del tutto spontaneo.

DM: Il tuo stile ricorda un po’ lo spirito innovativo, e oseremo dire geniale, di grandi designer e brand come Jeremy Scott, Moschino e Custo Barcelona. Per te rappresentano un modello?
BA: Beh, grazie mille, lo prendo come un enorme complimento. Essere anche solo accostata a grandi designer e brand come questi è un vero onore. Ma devo essere sincera, in realtà non ho un vero e proprio modello di riferimento. Le mie creazioni hanno un segno distintivo piuttosto marcato, vivono d’identità propria e credo sia proprio questo il loro punto di forza, essere diverse da tutto il resto.

DM: Qual è il tipo di donna a cui pensi quando disegni i tuoi gioielli? E cosa vorresti trasmettere alle donne che li indossano?
BA: Parto sempre da me. Penso a ciò che mi piace e faccio fatica a trovare. Ma se dovessi descrivere il tipo di donna ideale per i miei gioielli, sicuramente direi una donna con una forte personalità, estroversa e che ama ostentare un look sempre diverso e d’impatto.

DM: Qual è il tuo accessorio preferito e perché?
BA: Sono sempre state le collane, penso che siano il complemento perfetto perché adatte ad ogni tipo di look. Ma ultimamente mi sto spostando di più sugli orecchini, specie da quando è stato rivalorizzato l’over size. Ovviamente, oltre ad essere grandi, devono essere rigorosamente colorati!

DM: Delle tue creazioni, qual è quella che maggiormente ti rappresenta e a cui ti senti più legata?
BA: È impossibile sceglierne una. Ogni disegno è quasi come un figlio per me, li faccio tutti con le mie mani e con enorme amore. Non potrei sceglierne uno…

DM: Scegli tre aggettivi per descrivere il tuo brand.
BA: Creativo, divertente e con una forte personalità.

DM: Bettisima, perché hai scelto questo nome e cosa significa per te?
BA: Il nome del brand deriva da un nomignolo che mi dava la mia famiglia quando ero piccola. Da bambina infatti mi chiamavano sempre “Betti”. Così, quando mi sono trovata a scegliere un nome per il mio marchio mi è venuto in mente. Volevo che fosse qualcosa di molto personale e, francamente, cosa c’è di più personale di questo? Poi, ho decido di aggiungere un “isima” per renderlo ancora più efficace, ed ecco che è nato “Bettisima”.

DM: Hai mai pensato di aprirti anche al mercato italiano?
BA: Beh, entrare nel mercato della moda italiana che amo moltissimo e credo sia un punto di riferimento imprescindibile per qualsiasi designer, sarebbe davvero un sogno e un onore. Chissà se magari questa intervista non possa rappresentare un primo passo in quella direzione.

DM: Progetti futuri?
BA: L’Italia? (ride, nda)

di Francesca Polici per DailyMood.it

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