Inizia così questa bellissima storia, un doppio romanzo di formazione. Perché, stando vicine, sia Joyce che Klara crescono. Klara non è un robot connesso, non ha una memoria preesistente. Lei, e quelli come lei, sono come dei bambini: imparano man mano, vivendo e crescendo. Sono fatti per assecondare il loro amico reale, per cui non hanno una vera capacità di scegliere, di distinguere tra bene e male. Klara imparerà molto da Joyce. E anche Joyce che, scopriremo, ha grandi doti ma anche grandi problemi, avrà molto da imparare da Klara.

Un po’ manichini, un po’ Barbie a grandezza naturale, gli Amici Artificiali sono molto diversi dai robot che abbiamo visto finora al cinema. Non hanno la freddezza e il carattere, e neanche la forza e la pericolosità dei replicanti di Blade Runner, non hanno la perfezione e l’intelligenza degli automi di Westworld, la loro bellezza. Sono forse più vicini a David, il mecha di A.I. – Intelligenza Artificiale di Spielberg, più che altro per la loro funzione. Ma gli Amici Artificiali hanno coscienza del loro stato, del loro scopo. E anche del loro essere incompleti, imperfetti, limitati a un compito definito e preciso.

In comune con molte delle creature di cui abbiamo parlato hanno quell’umanità che finisce per essere realmente tale, in confronto agli umani, sempre meno umani presi da passioni, dolori, calcoli, ripicche, invidie. L’amore incondizionato, la fedeltà, la devozione di Klara a Joyce è qualcosa di davvero commovente. In un mondo individualista ed egoista come quello di oggi, vedere una persona dedicarsi totalmente all’altro è qualcosa di rivoluzionario, un atto potentissimo. Così come, in un mondo secolarizzato in cui la fede vacilla, è incredibile vedere qualcuno che crede ciecamente in qualcosa di trascendente e superiore. Klara parla con il sole, lo prega e crede che le sue preghiere possano avverarsi. È una metafora del nostro rapporto con Dio, quello che avevamo e forse non abbiamo più, presi come siamo dal mondo.

Jenna Ortega qui è bravissima ad uscire dai ruoli iconici per cui è diventata famosa, la Mercoledì Addams della serie a lei dedicata e la protagonista di Scream, e a disegnare un ritratto perfetto di Klara, Amica Artificiale. Gioca molto sul volto, dove le sue lentiggini rimangono al loro posto, ma gli occhi sono sempre spalancati, pieni allo stesso tempo di stupore e gratitudine. Ha un sorriso stampato sul volto, innaturale come deve esserlo quello di un essere che è artificiale, ma che man mano che la storia procede diventa sempre più naturale ed empatico. Gioca anche con il corpo, con movimenti a scatti, meccanici. Ed è bravissima a ricreare il ritratto di un essere artificiale, ma, a su modo, umano. Il film è tratto dalla penna di Kazuo Ishiguro, che aveva già trattato un tema simile nel bellissimo romanzo Non lasciarmi (anch’esso diventato un ottimo film), di cui questa storia è la naturale evoluzione. Stessi temi e stessa riflessione, ma legata a un’altra fascia d’età, l’adolescenza. Teen drama per taglio e personaggi, Klara e il sole è in realtà un film molto adulto. Parlando ai ragazzi, tocca temi come l’amicizia e la crescita, ma anche l’accettazione di sé, la malattia e la morte. È un film che possono, e devono vedere tutti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Ragione e sentimento è la storia delle sorelle Elinor e Marianne Dashwood che, insieme alla madre e alla sorella minore Margaret, si ritrovano improvvisamente in ristrettezze economiche dopo la morte del padre, la cui eredità passa interamente al fratellastro John a causa delle leggi dell’epoca. Sfrattate dalla loro casa di famiglia nel Sussex, la madre e le sorelle Dashwood si trasferiscono in un modesto cottage nel Devonshire. Qui, con vista su Londra, le due sorelle maggiori dovranno navigare tra le rigide convenzioni sociali e i dolori dei loro rispettivi e tormentati primi amori, incarnati dalle figure di Edward Ferrars, John Willoughby e del colonnello Brandon.

L’idea dell’amore e del matrimonio di Jane Austen era questa. Un’unione che nasce da un sentimento lasciato decantare e da una conoscenza profonda dei rispettivi interessi e compatibilità ha più ragione d’essere rispetto a un cosiddetto colpo di fulmine, a un amore basato solo sulla passione e sull’istinto. Le sue storie ci dicono sempre questo. Non sempre, anzi quasi mai, quello che a prima vista sembrava amore lo è davvero. Per questo i personaggi che si gettano a capofitto in una storia, di solito, ne escono con le ossa rotte. Anche se hanno la possibilità di rifarsi con un amore più “ragionato”.

E così le due visioni dell’amore di Jane Austen sono affidate a due personaggi vicini e allo stesso tempo lontani. Le due protagoniste sono due sorelle, ma sono profondamente diverse per temperamento. Elinor è guidata dalla prudenza e dal controllo delle emozioni: è lei “sense”, la ragione. Marianne dall’impulso e dalla passione romantica: è appunto “sensibility”, il sentimento. Per Marianne l’amore deve essere “senza freni, senza inibizioni”. Per Elinor è contegno, riflessione, attesa.

Le due eroine letterarie vivono in due volti attualissimi eppure perfetti per incarnare personaggi d’altri tempi. Daisy Edgar-Jones è credibile sia nei panni di una ragazza irlandese dei nostri giorni come nella bellissima serie Normal People che nel ruolo di una ragazza inglese dell’Ottocento. Il suo volto è bellissimo, ma è al tempo stesso semplice, neutro. È una tela su cui puoi dipingere qualsiasi quadro. Gli occhi bistrati di Normal People come il volto al naturale di Elinor. I profondi occhi neri sono gli stessi, così come il volto fiero, il mento con la fossetta e quel modo unico di muovere la bocca, piccola e perfetta. Ma se Daisy Edgar Jones è già una star, presto lo diventerà anche Ceara Coveney, che interpreta a sorella Marianne. Volto da bambina, carnagione chiara, tratti delicati e occhi blu ghiaccio, ma ribollenti di passione. Ne sentiremo ancora parlare. La sua Marianne è straordinaria.

Ragione e sentimento, allora, è un classico della letteratura trattato come si è soliti trattare un romanzo di questo tipo, senza il bisogno di riscriverlo, come ha voluto fare Emerald Fennel con Cime tempestose. Alla regia c’è anche qui una donna, Georgia Oakley, ma le sue scelte sono agli antipodi della regista di Promising Young Woman. La sua messa in scena è tradizionale, con l’uso più possibile di luci naturali. La regista punta sui corpi delle giovani donne, guardandoli da un punto di vista femminile, con pudore e mai con voyeurismo. Riprende le ragazze in simbiosi con la natura, in modo da far sentire il loro legame con la terra in cui sono cresciute. Si sente che le considera spiriti affini, si identifica in loro, non le guarda dall’alto e non le giudica, ma si mette invece in mezzo a loro, sul loro stesso piano. Giudica gli uomini, certo, ma non in chiave di scontro, quanto del normale gioco delle parti che erano le relazioni dell’epoca, influenzate dalle leggi e dal retaggio. Quanto alle attrici protagoniste, pur in una messinscena classica e rispettosa, chiede loro di tirare fuori di più sensazioni e sentimenti, chiede loro interpretazioni più viscerali di quelle che siamo abituati ad associare agli adattamenti da Jane Austen.

Ragione e sentimento è la prova che le grandi storie non muoiono mai. Che non ci si stanca mai di vederle. Ma c’è una cosa da dire su questa nuova versione di Ragione e sentimento. L’importanza di questo film sta nel vedere, oggi, un personaggio come Elinore Dashwood, un personaggio che non vuole causare l’infelicità di un’altra persona per raggiungere la propria felicità. Vedere oggi Elinore vuol dire vedere una vera eroina, che si staglia sul mondo di oggi che è tutto individualità ed egoismo. Se una storia come questa è così forte è anche merito di questo personaggio.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Digger Rockwell (Tom Cruise) è un miliardario americano a capo di un impero petrolifero. Un mattino gli arriva una terribile notizia. Un’esplosione in uno dei pozzi petroliferi in Groenlandia sta per causare un disastro ecologico. Un enorme iceberg si sta staccando e potrebbe raggiungere il nord dell’Europa, creare uno tsunami e inondare la Gran Bretagna e la Norvegia. Digger, così, convoca un vertice con il Presidente degli Stati Uniti (John Goodman) per risolvere la situazione.

È una storia che si svolge in America, che ritrae gli USA di oggi in modo caustico e spietato come solo chi non è americano forse oggi potrebbe fare. Da messicano, visto il probabile dente avvelenato con l’amministrazione USA per la questione dei muri e dell’immigrazione, Iñárritu mette in scena l’America dove “prima si bombarda poi si chiede” e che viene a dire a noi “l’America è stata al fianco dell’Europa nella sua ora più buia ed è pronta a farlo di nuovo”. È una frase che oggi suona ironica. Così come è ironico, e per nulla casuale, che al centro di tutto ci sia la Groenlandia, terra oggetto dei desideri di Trump.

Ma, attenzione, il j’accuse di Iñárritu non è rivolto solo all’America ma a tutti noi. Quando Digger parla davanti ai politici europei in realtà sta parlando a ogni singolo abitante del mondo. E ci mette davanti a una realtà inconfutabile e disarmante. “Perché non smetto di trivellare? Perché non volete che io smetta. Volete roba che non vi serve consegnata in due giorni.  Volete la libertà di godervi il confort della vostra vita insostenibile”. Sta parlando a noi che ci siamo abituati agli acquisti su Amazon e facciamo sì che merci viaggino per tutto il mondo con un grande consumo di anidride carbonica. Noi che usiamo di continuo l’Intelligenza Artificiale consumando una quantità enorme di energia per alimentarne i server.

Come Don’t Look Up, la commedia con Leonardo Di Caprio in cui l’asteroide che colpiva la Terra e nessuno voleva vedere era una chiara metafora della crisi climatica, anche in Digger il tema dell’ambiente viene raccontato con toni non seri, ma solo apparentemente. Digger è satirico, grottesco, farsesco, ma durissimo. Continuiamo così, facciamoci del male, come diceva un famoso film. La crisi climatica e già qui. Quando ce ne accorgeremo sarà troppo tardi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Dopo un drammatico incidente aereo, l’ufficiale delle Forze Speciali James Belmont (Brad Pitt) si ritrova disperso nelle terre più remote e inospitali dell’Alaska. Al suo fianco c’è solo Odino, il fedele cane militare con cui ha condiviso missioni estreme e situazioni al limite. Circondati da una natura selvaggia e spietata, tra freddo estremo, predatori e ostacoli imprevedibili, James e Odin dovranno affidarsi l’uno all’altro per sopravvivere. Mentre ogni passo verso la salvezza si trasforma in una sfida, il loro legame verrà messo alla prova come mai prima d’ora.

I capelli rasati, come ne L’esercito delle 12 scimmie e Fight Club, la barba lunga ma non troppo, ben curata. Una serie di tatuaggi sul collo e le braccia per farlo entrare nel personaggio. Brad Pitt in Heart Of The Beast è in scena così, in maniera naturale, con pochissimi orpelli. Si porta con sé quelle rughe naturali, poche, che gli ha regalato il tempo, rendendolo ancora più interessante di quando era giovane. Come vi avevamo raccontato a proposito di F1 – Il film, oggi Brad Pitt ha bisogno di fare pochissimo per comunicare ogni suo personaggio, non ha bisogno di una recitazione plateale, di scene madri. E anche qui, in quello che è un film d’azione, che prevede un grande lavoro, una prova fisica, non è mai sopra le righe, è sempre credibile, sempre misurato. Oggi Brad Pitt è l’essenziale del cinema. Oltre ad essere, con Tom Cruise, forse l’ultima della star storiche di Hollywood ad essere ancora saldamente sul suo trono.

Brad Pitt è in grado di reggere da solo un film. Ma qui ha un co-protagonista eccezionale, Odino. Come abbiamo scritto, è interpretato da 4 cani diversi. Il suo personaggio è senza una zampa, ha i denti in titanio perché, in servizio, li ha persi. Come il suo padrone, anche Odino è un reduce di guerra, soffre di stress post traumatico, di notte ha gli incubi. La storia di Odino è quella di tanti cani impiegati nell’esercito, cani che salvano le vite, ma che pagano un prezzo altissimo. E che, a volte, riescono a iniziare una seconda vita. I cani che interpretano Odino sono espressivi, hanno uno sguardo fiero, intenso, un’empatia con l’attore in scena che è un vero punto di forza del film. C’è una cosa che Odino riesce a trasmettere più di ogni altra cosa. La preoccupazione di un cane per il suo padrone. E in questo è impagabile.

Sono 3mila i cani che sono stati impiegato dall’esercito americano negli ultimi 20 anni. Il film ci racconta questo. Ci racconta il rapporto tra l’uomo e il suo migliore amico. Ci racconta l’istinto di sopravvivenza che contraddistingue l’uomo e l’animale. È un film ad alto tasso di adrenalina, di tensione, e di commozione. È uno di quei film che non si fanno più, con gli animali addestrati (riguarda i cani, mentre altri animali sono realizzati in computer grafica per evidenti motivi), con pochi attori, poche parole, e girati in location reali, impervie. Perché solo così si può dare un senso di realismo a tutta la storia. È una sorta di Into The Wild che incontra The Revenant e Alpha – Un’amicizia forte come la vita, quel film che raccontava come è nata l’amicizia tra l’uomo e il lupo, dando vita al cane. Andate a vedere Heart Of The Beast. Ma preparate i fazzoletti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Negli anni che sono passati tra le due storie, infatti Sally (Sandra Bullock), dopo la morte del primo e del secondo marito, ha deciso di rinunciare alla magia, di non raccontare mai niente della maledizione alle due figlie, e di non legarsi più a nessuno. Gillian (Nicole Kidman), da sempre è stata restia ai legami. Non ha rinunciato alla magia. Ed è tornata nella casa delle zie, nel Massachusetts. Una delle figlie di Sally ha conosciuto qualcuno e forse è innamorata. La maledizione, lo sapete, fa sì che ogni volta che qualcuno della famiglia si innamora di una persona, questa muore.

Come il primo film, Anche Amori & incantesimi 2 gioca sul contrasto tra le due attrici e i due personaggi. Sorelle diverse, sia fisicamente che nell’indole. Sandra Bullock è la donna con la testa a posto, riflessiva, quella che si innamorava e si sposava, e ora è madre. Nicole Kidman è la scapestrata, la libertina, l’irrequieta e l’emancipata. Quella che sceglieva storie travolgenti, a volte con gli uomini sbagliati, ma che non si innamorava. E che, ancora, non si innamora. Il contrasto, come detto, è anche fisico. Una donna ha i capelli corvini, dai profondi occhi neri come il carbone, dai tratti decisi del volto, e un corpo tonico e giovanile. Un’altra ha i capelli rossi e ricci, un’aura da bellezza preraffaellita, la carnagione bianco latte, il fisico esile e longilineo. Due elementi opposti che, come in chimica, si attraggono e danno vita a un composto potente.

Nicole Kidman è in scena con un perfetto look da strega, una sorta di witch-grunge-chic che riprende un abbigliamento vintage, lo mescola con un po’ di grunge e detta la linea di quella che potrebbe essere una nuova moda. Lunghe gonne scozzesi, a quadri, portate con t-shirt bianche. Abiti leggeri e setosi abbinati a quelle camicie di pizzo a collo alto che si usavano un tempo, con giacche di tessuto broccato o maglioni. O ancora, come usa la giovane strega, figlia di Sally (interpretata da Joey King), sottovesti abbinate a camice di flanella, giacche di pelle, con gli anfibi ai piedi. Sandra Bullock è la strega che ha deciso di rinunciare ai poteri, di diventare una donna normale. E questo si riflette anche nel suo look, fatto di jeans e camicie bianche, golfini e magliette nere, leggins neri portati con le ballerine.

Amori & incantesimi 2 ha in parte gli stessi difetti del primo film, in parte altri, qualcuno lo risolve e qualcuno no. Il primo film aveva un tono davvero troppo leggero e una trama esile ed incerta, con un finale che lasciava la storia in sospeso. Il secondo film prosegue per gran parte sulla falsariga del primo, leggero e impalpabile, per poi lanciarsi, nella seconda parte, in una trama più articolata, ma anche forzata. E a un finale tra il fantasy, l’action e l’horror che, se giustifica la presenza di due streghe nella storia, cambia anche bruscamente il tono del film. Le scene d’azione non sono all’altezza di questo genere di film. Di meglio, rispetto al primo film, ha alcune battute che suscitano qualche sorriso in più.

Alla regia c’è Susanne Bier, la regista danese di Dopo il matrimonio e Noi due sconosciuti (Things We Lost In The Fire), nata con il Dogma e Lars Von Trier. La Bier oggi lavora soprattutto negli Stati Uniti dove è diventata una regista di film d’azione e di serie ad alta tensione. Aveva già lavorato con Sandra Bullock in Bird Box e con Nicole Kidman nella serie The Undoing. In quello che è chiaramente un film su commissione, Susanne Bier prova a portare il suo senso per i rapporti familiari, per i segreti e le cose non dette, per i rapporti tra genitori e figli. Che non sono facili quando si parla di streghe. Ma che, in fondo, non sono facili in ogni caso.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Ma lo sono tutti i film che sono stati premiati, segno che è stata un’ottima edizione del Festival di Venezia. Possible Love di Lee Chang-dong ha vinto il Gran Premio della Giuria raccontando con poesia e sensibilità la lotta di classe in Corea, e mettendosi dalla parte degli ultimi. Wild Horse Nine di Martin McDonagh ha regalato una meritatissima Coppa Volpi per il miglior attore a John Malkovich, e potrebbe far passare questa edizione di Venezia alla storia per quella che ha lanciato il grande attore verso gli Oscar, con un film geniale, divertente e anche piuttosto deciso nel mettere alla berlina un certo modo di essere degli Stati Uniti. Per molti è stato il più bel film della mostra e doveva vincere il Leone d’Oro (stessa cosa che è stata detta per Possible Love). Ma l’occasione di premiare un film valorizzando allo stesso tempo un grande attore faceva pensare che Wilde Horse Nine sarebbe stato un film da Coppa Volpi. Fino a qui i film che hanno messo d’accordo tutti.

C’era chi aveva pronosticato anche che Dau avrebbe vinto il premio per la Miglior Regia, assegnato a Ilya Khrzhanovsky, e chi credeva che non sarebbe stato così, essendo l’opera in parte una rielaborazione di materiale già usato. Hanno avuto ragione i primi e ha vinto il regista dissidente russo, anti-putiniano, che ha dedicato il premio alla resistenza ucraina.  Un bon petit soldat, di Stephane Brizé è stato premiato per la Miglior sceneggiatura, e anche questo si poteva immaginare: è un film di parole e di scrittura, un pamphlet sul mondo del lavoro di oggi e le sue dinamiche perverse. Si pensava che la Coppa Volpi per la migliore attrice sarebbe potuta andare alla protagonista, la nostra Alba Rohwacher, ma il premio alla protagonista di Woman Unknown (e la scelta di premiare questo film per la sceneggiatura) l’hanno eliminata dalla corsa. È un film che ha diviso, e non poteva essere altrimenti, quello che ha vinto il Premio Speciale della Giuria: NAZA, di Yuval Abraham e Rachel Szor, che parla della situazione tra Israele e Palestina. Quando un film divide è difficile che vinca un Leone d’Oro. Ma non è solo un documentario politico, in molti lo hanno apprezzato anche dal punto di vista visivo.

Se ci mettiamo altri film che non sono andati a premio, come l’amatissimo Look Back, come Succederà questa notte, definito da molti il miglior film di Nanni Moretti da molti anni a questa parte, il giudizio complessivo del Festival di Venezia n. 83 è ottimo. È probabilmente una delle migliori edizioni tra le ultime, e, per molti, la selezione è stata persino superiore al Festival di Cannes. Pur nelle discussioni su chi meritasse i premi più alti e quelli meno importanti, la cosa che ha messo d’accordo tutti, o quasi, è che tutti i film citati sono accessibili a tutti, a un pubblico ampio, film comprensibili ed estremamente godibili. Sono film, soprattutto, che usciranno al cinema e non rimarranno confinati nella categoria “film da festival”. Facciamo il tifo per loro, e per il cinema: speriamo che il pubblico torni a riempire le sale.

Speriamo che il pubblico torni al cinema soprattutto per i film italiani, visto che ci interessa che l’industria resti sana e sostenibile. Non abbiamo vinto nessun premio nel concorso principale, è vero, e in molti hanno visto una crisi del cinema italiano. In realtà abbiamo presentato degli ottimi film: L’estranea di Paolo Strippoli, i film di Amelio (Nessun dolore) e di Moretti (Succederà questa notte), quelli di Edoardo De Angelis (Il fuoco che ti porti dentro) e Mario Martone (Scherzetto). E poi I figli della scimmia di Tommaso Landucci, che ha vinto due premi a Orizzonti: Riccardo Scamarcio è stato il Miglior Attore e il film ha vinto anche per la Sceneggiatura. È una storia che parla di disabilità in modo nuovo e originale, e da giovedì 17 sarà in sala. Lo ripetiamo ancora: andate al cinema!

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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È il momento in cui la tensione del concorso cinquantennale lascia spazio alla pura celebrazione estetica, trasformando la passerella in un compendio di creatività sartoriale, audacia visiva e fascino senza tempo. L’ottantatreesima edizione della Mostra Internazionale d’arte Cinematografica si congeda così, regalando agli occhi degli appassionati un’ultima notte di grande spettacolo.

Tra le dive che riaffermano con orgoglio la supremazia dell’iconico total black e chi, al contrario, sceglie di osare con scintillii metallici o tonalità inattese, il red carpet di chiusura ha saputo offrire una sintesi perfetta di ciò che il Festival rappresenta nell’immaginario collettivo: un’armoniosa fusione tra l’arte della recitazione e l’eccellenza della haute couture.

Greta Scarano: l’assoluta grazia della padrona di casa

Granitica certezza di tutta la manifestazione e impeccabile interprete dell’eleganza contemporanea, la madrina della Mostra, Greta Scarano ha sigillato la sua esperienza veneziana affidandosi alla maestria di Giorgio Armani Privé. Il suo abito a colonna in velluto nero, caratterizzato da una silhouette a sirena di sublime essenzialità, si è aperto sul davanti in una scollatura profonda e vertiginosa, impreziosita lungo i bordi da una pioggia di cristalli tono su tono. A completare un insieme da vera diva del cinema classico, un beauty look d’eccezione curato nei minimi dettagli. Un carré corto con punte ad arte spettinate e un make-up luminoso, dominato da labbra dall’effetto glossato estremamente contemporaneo.

Maggie Gyllenhaal: la maestria sartoriale di Prada e lo scintillio Bulgari

Presidente di giuria tra le più ammirate dell’intero decennio, Maggie Gyllenhaal ha confermato ancora una volta la sua inclinazione per un glamour concettuale e di grande impatto visivo. L’attrice e regista americana ha sfilato con una creazione lineare firmata Prada. La severità del lungo abito nero veniva alleggerita dalle maniche a sbuffo color azzurro cielo, impreziosite da delicati ricami di perle e cristalli.

Un piccolo fiocco sulla nuca aggiungeva al look una nota bon ton. A contrastarlo, il carattere deciso degli occhiali da sole extralarge. Protagonista assoluto dell’outfit era però il collier della collezione Serpenti di Bvlgari. Un vero fulcro di luce, capace di catalizzare lo sguardo e completare con forza l’intera mise.

Barbara Ronchi e Francesca Michielin: dettagli di stile e architetture di tessuto

Non è passata inosservata Barbara Ronchi, membro della giuria della sezione Orizzonti, che ha saputo spezzare la monotonia del nero tradizionale inserendo un tocco di verde acido sapientemente distribuito sulle pietre che ricamavano il suo vestito senza maniche. Il modello, anch’esso siglato Armani Privé, lasciava la schiena completamente scoperta, creando un gioco di vedo-non-vedo di rara raffinatezza.

Sulla stessa lunghezza d’onda, ma orientata verso una sobrietà più minimalista, la guest star musicale della serata finale, Francesca Michielin: per lei un abito monospalla scuro dotato di un fluido strascico laterale, sublimato da una parure di diamanti e smeraldi dal valore inestimabile.

Carolina Cavalli e Kaouther Ben Hania: abbaglianti riflessi rame e oro

A rompere con decisione l’egemonia del colore scuro sono state le personalità più eclettiche del panorama direttoriale. Carolina Cavalli, presidente della giuria per l’Opera Prima, si è distinta per una scelta sartoriale targata Giorgio Armani che non è certo passata inosservata. Un abito impreziosito da una fitta pioggia di paillettes color rame capace di sprigionare caldi riflessi a ogni passo, abbinato a calzature dalle sfumature metalliche. Analogamente, la regista tunisina Kaouther Ben Hania ha catturato i flash dei fotografi optando per un tessuto dorato altamente riflettente, capace di fasciare la figura con grande sensualità e di regalare alla passerella un momento di puro sfarzo scenografico.

Nicoletta Romanoff e Stephy Qi Wei: la trasparente delicatezza del satin

Il tappeto rosso ha celebrato anche la fluidità e la luminosità dei tessuti satinati. Tra le apparizioni più apprezzate, quella di Nicoletta Romanoff al fianco di Federico Alverà. L’attrice ha scelto un abito color pesca dalle linee morbide e scivolate. Il modello valorizzava la figura con discrezione, regalando al look una femminilità raffinata e naturale. La stessa eleganza eterea e scenografica ha caratterizzato l’outfit di Stephy Qi Wei. L’attrice e cantante cinese ha sfilato con un abito in raso grigio acciaio. A completare il look, una selezione di preziosi gioielli da sera, scelti per esaltare la sua carnagione porcellanata.

Nicolas Maupas: l’evoluzione contemporanea del completo scuro

Sul fronte maschile, invece, l’attenzione si è concentrata soprattutto su Nicolas Maupas, chiamato a condividere con Greta Scarano la conduzione della serata finale. Per l’occasione, il giovane attore ha mostrato un’interessante evoluzione rispetto al look esibito durante la giornata di apertura. Per il gran finale, infatti, Maupas ha scelto un completo scuro firmato Prada, caratterizzato da una giacca accollata a tre bottoni. Tuttavia, a rendere il look particolarmente interessante sono stati soprattutto i dettagli, capaci di introdurre un elemento di rottura all’interno di una costruzione sartoriale rigorosa.

Innanzitutto, l’attore ha rinunciato alla classica cravatta, optando invece per una camicia scura. Da quest’ultima emergevano poi inaspettati polsini rosa, ulteriormente messi in risalto da eleganti gemelli. Nel complesso, quindi, il look ha dimostrato come la sartorialità maschile possa rinnovarsi attraverso piccoli contrasti cromatici e scelte meno convenzionali, senza per questo perdere eleganza e solennità.

Riccardo Scamarcio e i maestri del cinema: l’impeccabile rigore dello smoking

Di segno diametralmente opposto la scelta di Riccardo Scamarcio, arrivato al Lido per presentare il suo ultimo progetto cinematografico. L’attore italiano ha preferito affidarsi ai codici più ferrei dell’eleganza tradizionale, sfoggiando uno smoking tagliato su misura dalla vestibilità impeccabile. Giacca ad un solo bottone, camicia bianca immacolata e un papillon dalle proporzioni perfette hanno conferito all’artista quel fascino maturo e carismatico che da sempre lo rende una delle presenze più fotografate e amate della passerella veneziana.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

Crediti copertina: Riccardo_Scamarcio__ph._Andrea_Avezz___-_Courtesy_Archivio_Storico_La_Biennale_di_Venezia

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Nella serata che ha visto intrecciarsi il documentario Be Brave dedicato a Renzo Rosso e la magia teatrale di Scherzetto firmato da Mario Martone, la moda ha celebrato la sua ultima, grande festa. Dalle icone del grande schermo alle provocazioni dell’avanguardia, il tappeto rosso ha regalato un mosaico di stile in cui la grande sartorialità si è fusa con la spontaneità del pop, donandoci immagini destinate a rimanere nell’immaginario di questa edizione che si appresta a chiudere i battenti.

La diva in rosso: la magia di Serena Rossi

A rubare ogni sguardo e a fermare il tempo in questi ultimi sprazzi di Mostra è stata Serena Rossi, protagonista assoluta della serata in occasione del conferimento del premio Campari Passion for Film. L’attrice ha sfilato in un abito rosso corsa firmato Vivienne Westwood dalla costruzione magistrale: la scollatura scultorea del bustino è un omaggio viscerale e bellissimo alla Sophia Loren che ballava il mambo in Pane, amore e…, un tributo alla carne e alla grazia del nostro cinema più autentico. Completavano la poesia una treccia morbida d’ispirazione romantica e gocce di diamante ai lobi. Semplicemente divina.

L’avanguardia d’autore: Rick Owens e Michèle Lamy

Di segno opposto, ma con la medesima carica magnetica, l’apparizione di Rick Owens e Michèle Lamy. La coppia simbolo della moda concettuale ha portato in Laguna una lezione pura di estetica dark-chic e glunge, trasformando il carpet serale in una pellicola distopica. Con volumi scultorei, texture materiche e un’attitudine sfrontatamente aliena, sono l’avanguardia fatta persona che sfida la solennità della chiusura del festival.

La nonchalance parigina: Chiara Mastroianni

Pura classe senza sforzo quella mostrata da Chiara Mastroianni per la première di Un Peu Avant Minuit. L’attrice racchiude in sé il meglio di due mondi: l’eleganza parigina e la grande eredità del cinema italiano. Il suo abito nero dritto, impreziosito sul fondo da maxi fiori tridimensionali in tessuto, abbinato a slingback con tacco medio e un hairstyle volutamente imperfetto, è il manifesto del “less is more” che non passa mai di moda.

Dal pop alla grande tradizione teatrale

Non sono mancati i tocchi d’irriverenza per alleggerire la tensione dei giorni finali, come la presenza di Rosario Fiorello e Susanna Biondo. La coppia ha sfoderato una versione casual e brillante firmata Diesel. Giacca grigio ghiaccio su t-shirt e occhiali arancioni per l’entertainer, toni caldi del malva e del marrone per la moglie. Una parentesi di freschezza democratica che dimostra come il denim possa varcare con allegria anche le soglie più austere.

Alta moda e rockstar: Natasha Poly e Achille Lauro

Sul fronte dell’alta moda d’impatto, Natasha Poly ha trasformato l’essenzialità di una canottiera in jersey in un capolavoro di couture. Il modello si prolunga in uno strascico scultoreo e candido, illuminato solo dai diamanti Damiani. Poco distante, Achille Lauro ha confermato il suo status di rockstar sofisticata. Ha scelto pantaloni neri da smoking con fascia e una camicia in raso scivolata. Immancabile l’occhiale da sole, a schermare uno sguardo sempre scenografico.

Il sipario sul glamour: Toni Servillo e le star della Tv

Infine, la chiusura tra teatro e pop culture che accompagna la Mostra verso la proclamazione dei vincitori di domani. Da un lato la maestosità di Toni Servillo, impeccabile nello smoking d’ordinanza al fianco di Manuela Lamanna in completo azzurro cielo; dall’altro un tuffo nella memoria con Katherine Kelly Lang e Ronn Moss. I due volti storici di Beautiful, tra abiti gioiello e smoking d’altri tempi, hanno ricordato a tutti che la seduzione, a Venezia, non ha mai data di scadenza.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

Crediti copertina: RED_CARPET_-_SCHERZETTO__TRICK__-_Actress_Serena_Rossi__Ph._Aleksander_Kalka_-_Courtesy_Archivio_Storico_la_Biennale_di_Venezia

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Scherzetto è una storia piccola, intimista, girata tra quattro mura.  E un balcone, il vuoto, le voci della strada che risalgono con la loro oscena vitalità, e poi la sfida tra un nonno e un nipotino. Il nonno, Daniele Mallarico (Toni Servillo), ha superato i settant’anni, è un noto illustratore che, ormai vedovo, vive da solo a Milano. Il nipote si chiama Mario, cinque anni, una peste che parla come un libro stampato, conosce tutto, sa fare tutto, spiega ogni cosa. I suoi genitori sono orgogliosissimi di lui. È stata proprio la figlia Betta a chiedere a Daniele di tornare a Napoli, nella casa di famiglia, per tenere per qualche giorno Mario mentre lei e il marito, Saverio, sono fuori per un convegno, ma certo non poteva immaginare… Tra quattro mura e un balcone, si consuma un vero e proprio duello che mette Daniele di fronte ai suoi fantasmi. Martone ha voluto fortemente dirigere questo film, che doveva essere affidato a un giovane regista, per quanto aveva amato il libro di Starnone. E ha voluto girarlo in una vera casa, e non ricostruire i set in studio, perché tutto fosse più reale e si sentisse il senso del luogo chiuso, un luogo che ha una storia, un passato, che spaventa. E poi il balcone, qualcosa che fa paura. “Io soffro di vertigini, come credo Mario Martone” ha raccontato Toni Servillo. “Trovo efficace la metafora del balcone come immagine della paura di fronte non tanto all’altezza, ma al vuoto. Il mio Daniele sente che è il vuoto che ha dentro di sé”. “Mi affascina che il mio personaggio si interroghi sul suo valore” ha aggiunto. “A un certo punto si domanda: io corrispondo alle cose che faccio? O mi sono costruito un’immagine di me sulla base del credito che gli altri mi hanno dato?”. Sono interrogativi che, se ci pensiamo, sono universali.

Si cambia completamente registro se si pensa a NAZA di Yuva Abraham e Rachel Szor, che, come si può immaginare, è un film che ha sconvolto Venezia e che probabilmente dirà la sua quando si tratterà di assegnare i premi. Il film è un documento importante e scomodo: sono state raccolte le testimonianze di 24 membri dei servizi segreti e dell’esercito israeliano che dopo il 7 ottobre del 2023 hanno partecipato alla distruzione di Gaza. Il documentario è breve (solo 80 minuti), freddo, incisivo e non arriva a conclusioni. Vuole solo raccontare come vengono sacrificati uomini, donne e bambini: NAZA è proprio l’acronimo che viene usato in Israele per definire i danni collaterali. Ecco cosa hanno spiegato gli autori nelle note di regia. “Molte delle rivelazioni contenute nel film sono state pubblicate quasi subito dopo che ne siamo venuti a conoscenza, nei mesi successivi agli attacchi del 7 ottobre, da The Guardian (tra i produttori di NAZA), in collaborazione con i partner d’inchiesta +972 Magazine e Local Call. Il film ci permette di esplorare qualcosa di più profondo rispetto al solo giornalismo d’inchiesta: non solo le parole pronunciate, ma anche quelle non dette, il silenzio. Spetta a tutti noi rompere quel silenzio”. Vedremo l’impatto che un film di questo tipo avrà tra i premi del Festival di Venezia.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il fuoco che ti porti dentro di Edoardo De Angelis è la storia di una madre autoritaria e invadente, interpretata da Vanessa Scalera, che da Napoli sale a Milano per passare le feste con il figlio (Lino Musella). Lui non ne è felice, non la sopporta, ma prova a contenersi in nome della moglie e dei figli. Ma lei è molto determinata, ha una buona parola per tutti, non molla di un millimetro. Così come non lascia un attimo di respiro la macchina da presa, sempre addosso agli attori per provare a scrutare dentro di loro mentre la regia li costringe in uno di quegli spazi chiusi dove le situazioni sono destinate ad esplodere. I riferimenti del film che sono stati fatti vanno da Parenti serpenti a Natale in casa Cupiello fino a Festen, ovviamente nello stile diverso e personale di De Angelis. Vanessa Scalera ha definito questo “il ruolo della vita”. “Io l’ho dovuto immaginare, perché non sono madre” ha aggiunto. “Il mio personaggio è una madre non madre, quasi sprovvista di empatia. Forse mi ha aiutata non avere figli. In lei c’è il godimento di dire parole altisonanti… è profondamente attrice, come scrive anche Franchini nel libro da cui è tratto il film”. Per l’attrice di Imma Tataranni è un passo avanti, una svolta nella carriera. “Se avessi continuato con quel personaggio non avrei incontrato questo” ha detto. “Ho cercato questa strada, dandomi un obiettivo circa la serialità: 5 anni. Poi mi sono buttata”.

Un bon petit soldat di Stephane Brizé è un discorso che continua ormai da molti film, un viaggio nell’alienante e crudele mondo del lavoro di oggi. Alba Rohrwacher è Carla, responsabile delle risorse umane in una società di assicurazioni guidata da un capo autoritario, interpretato da Vincent Lindon. Quella competitività è stata recepita in qualche modo da Carla, e lei cerca di trasmetterla al figlio, cosa che non piace al marito, separato. E Carla, a un certo punto, si trova davanti a una scelta che la farà riflettere su se stessa. “Il mio è un atto politico” ha raccontato. “Questa donna è parte di un sistema costruito su meccanismi di sopraffazione violenti a cui, senza neanche rendersene conto, ha aderito, al punto di replicarli nella vita privata con il figlio. Si trova a scendere a compromessi che mettono in discussione la sua integrità, la sua scala di valori”. La scelta difficile avviene quando esplode un caso di mobbing. E si deve confrontare con il suo capo, scaltro e spietato. “È un film politico e in qualche modo anche femminista” ha dichiarato l’attrice. “Ci dice che il sistema è malato e chi prova a preservare la propria integrità è destinato a soccombere”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Tra palette vibranti che catturano i flash, silhouette scultoree e una sensualità che scommette sull’understatement e sulla perfezione dei dettagli, la moda tesse la sua trama più seducente al servizio della settima arte.

Le regine della serata: eleganza rétro e minimalismo d’autore

La regina indiscutibile del Lido è senza dubbio Pamela Anderson. Nel pomeriggio, in occasione della proiezione di Place to Be, la star canadese ha regalato una vera sferzata di energia vitaminica. Dopo aver incantato nei giorni scorsi in un arancione firmato Calvin Klein, l’attrice ha scelto un acceso giallo sole. L’abito, in raso effetto oro liquido, è una splendida creazione vintage di Carolina Herrera.

Lo scollo a bustier valorizza le spalle, mentre le maniche morbide e vaporose aggiungono movimento alla silhouette. Dalla schiena parte poi uno strascico fluido, che accompagna con eleganza ogni passo. Ad impreziosire il décolleté spicca una ricca creazione Pandora, abbinata a stiletto affilati. Il raccolto ondulato completa il look con un’allure brillantemente rétro. Il tocco finale resta la scelta di non indossare make-up. Una dichiarazione di libertà ormai iconica, capace di esaltare ancora di più la sua bellezza autentica. Sul fronte opposto della ricerca stilistica, Alba Rohrwacher conferma la cifra del suo stile discreto, intellettuale e impeccabile. Protagonista di Un bon petit soldat accanto a Vincent Lindon, l’attrice sceglie un outfit firmato Prada.

La mise accosta una classica camicia bianca in cotone Oxford a una lunga gonna a tubino in raso tech nero. La silhouette è pulita, essenziale e slanciata. A renderla ancora più sofisticata sono alcuni dettagli sartoriali, come il cinturino che sale in vita e il colletto chiuso sulla nuca. Completano il look orecchini chandelier, sandali brillanti e l’immancabile tocco di rossetto rosso. A portare sul red carpet una lezione di stile senza tempo è anche Marina Abramović, performer nel cast dell’opera-mondo DAU di Ilya Khrzhanovsky.

L’artista declina ancora una volta il suo amatissimo nero attraverso un completo pantaloni fluido, abbinato a un lungo soprabito. Il tutto viene indossato con la consueta disinvoltura, insieme a stringate basse in pelle e a una pochette coordinata. L’unico punto di colore è il suo iconico rossetto rosso. Tra le protagoniste della serata si distingue infine Laura Barth. Per il red carpet sceglie un abito a sirena finemente lavorato di Peter Langner, capace di valorizzarne la silhouette con eleganza.  A completare il look è una preziosa parure, dominata da un collier rigido con motivo floreale. Un dettaglio luminoso che incornicia il volto e aggiunge ulteriore raffinatezza alla mise.

Geometrie, trasparenze e audacia: la passerella serale

Non sono mancati i cambi d’immagine capaci di sorprendere, come quello di Anna Foglietta. Abbandonata la chioma bionda e morbida dei giorni scorsi, l’attrice sfoggia un’acconciatura più rigorosa che ben si adatta all’abito scultura viola intenso firmato Balenciaga da Pierpaolo Piccioli, caratterizzato da drappeggi magistrali e linee architettoniche.

Greta Scarano, nel suo ruolo di madrina della Mostra, si conferma infatigabile e impeccabile, regalando ad ogni apparizione una sfaccettatura diversa. Per la sfilata del 9 settembre sceglie una tunica plissettata nero notte, velata e leggermente see-through, con volumi generosi sui fianchi che accompagnano il movimento. I capelli raccolti e i preziosi gioielli Cartier dalle forme rettililinee completano un look estremamente sinuoso.

Tra le presenze più originali spicca Barbara Ronchi, membro della giuria della sezione Orizzonti, che porta sul red carpet una creazione argento ritmata da frange oscillanti. L’hairstyling con treccia bassa e volutamente scompigliata d’arte completa un abbinamento dal sapore bohémien ma perfetto per il gran galà. Per la première di Il fuoco che ti porti dentro, Elena Radonicich opta invece per un vestito scultura color giallo burro dallo scollo squadrato, abbinato alle deliziose pumps di Roger Vivier curate da Gherardo Felloni e impreziosite da un bocciolo fiorito sulla punta.

Infine, il pizzo ha trovato due interpretazioni opposte ma ugualmente affascinanti. Aurora Ruffino ha scelto la via del romanticismo seducente con un abito di merletto chiaro che esalta l’incarnato di porcellana, mentre Mitsuki Kimura, nota anche come Koki, ha preferito un pizzo nero ultra-aderente a maniche lunghe con trasparenze audaci calibrate sulla lingerie in tinta.

Le sfumature del pomeriggio e lo stile maschile

La sfilata pomeridiana ha visto protagonista la numerosa delegazione del film in Concorso DAU, che ha proposto un’eleganza corale fondata su toni scuri e profondi. Victoriia Skytska si è distinta con uno slip dress rosa cipria abbinato a un blazer bianco e sandali alti, un abbinamento perfetto per la luce del giorno. Radmila Shchogolieva ha optato per la praticità raffinata di una tuta blu notte, mentre Maria Nafpliotou ha scelto un abito verde bosco impreziosito da un nodo frontale. A completare il gruppo, Ekaterina Andreeva ha mostrato una grazia d’altri tempi con un essenziale abito scuro accompagnato da una borsa a mano in tinta. Fuori dal gruppo del film, Cristina Chiabotto ha sfilato con un essenziale black dress in satin con spacco laterale, abbinato a sandali dal tacco basso e gioielli Damiani.

Anche il panorama maschile ha offerto spunti d’interesse sul tappeto rosso del Lido. Il cast e la regia di Place to Be hanno mostrato due visioni differenti dell’eleganza: se Taika Waititi si è confermato attento e ironico nel vestire proponendo uno spezzato impeccabile guidato da un blazer blu, il regista ungherese Kornél Mundruczó ha preferito la via della tradizione con un completo scuro e cravatta.

Infine, l’attore australiano Murray Bartlett ha conquistato gli obiettivi durante i photocall con una combinazione da giorno disinvolta, dove il mix tra i toni della terra e una camicia azzurra ha dimostrato come anche l’informale possa trasformarsi in una scelta di grande classe.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

Crediti copertina: RED_CARPET_-_UN_BON_PETIT_SOLDAT_-__Actress_Alba_Rohrwacher__Ph._Jacopo_Salvi_-_Courtesy_Archivio_Storico_La_BIennale_di_Venezia___

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Tra le star americane, che quest’anno sono poche, c’è Casey Affleck, fratello minore del più noto Ben Affleck, anche lui presente a Venezia. Casey Affleck ha presentato il suo film da regista, Company. È una storia che si snoda in America lungo un arco temporale di decenni. Inizia nel 1975, quando una misteriosa ragazza si presenta a casa di una famiglia borghese e inizia a raccontare delle storie: quella di un’attrice salvata da una tempesta di neve in Colorado 20 anni prima da un anziano solitario. A cui aveva raccontato una storia ancora più antica, nata al tempo dei coloni del West. Il film di Affleck è un gioco di scatole cinesi, un gioco a incastri, fatto di storie che ne contengono al suo interno altre, e in cui i destini e le nature dei vari personaggi sono legate. È un film intrigante, carico di metafore, che parla di violenza e di perdono, di vendetta e di destino.

Il destino di Paolo Strippoli, invece, è quello di diventare uno dei nostri grandi registi. Anzi, probabilmente lo è già. Al suo quarto film, con L’estranea è arrivato finalmente a Venezia in concorso, dove è stato, fino ad oggi, probabilmente il miglior film italiano. Paolo Strippoli è un regista di film di genere, gira horror e thriller. Ma, con l’estranea, è riuscito a dare vita a qualcosa di più complesso e universale. È un film che ci parla delle scelte che facciamo e delle conseguenze che ricadono su di noi e sugli altri, di quel mondo tra gli anni Novanta e i primi Duemila con i nuovi ricchi. È una nuova saga familiare sul modello de I Buddenbrook di Thomas Mann, che è stato fonte di ispirazione per il regista. La famiglia è quella dei Colonna (Jasmine Trinca e Adriano Giannini), che vivono una vita perfetta nella Bari degli anni Novanta. Quando la figlia piccola ha un incidente, stringono un patto con una donna misteriosa, un’estranea, che finisce per avere conseguenze nefaste e innescare una discesa agli inferi inarrestabile. Quando la figlia diventa grande (a interpretarla è Romana Maggiora Vergano) capirà a sue spese le conseguenze di quel patto. Il film presenta tre delle attrici italiane più affascinante. Alle due già citate si aggiunge la grande protagonista, l’estranea che dà il titolo al film: la interpreta una sempre geniale Valeria Bruni Tedeschi, che attraversa il film con una divisa inconfondibile, un elegante trench beige e i tacchi a spillo, e la sua proverbiale vena di follia, qui velata di nero. È un film che racconta le nostre ossessioni di controllo, la nostra paura della morte, e lo fa in un costante crescendo di tensione fino a un grande finale. Uscirà a ottobre, e sarà uno di quei film da non perdere.

Da non perdere, vista la grande passione che dilaga per il Giappone, i manga e gli anime, è Look Back, di Hirokazu Kore-eda. È la storia di due bambine appassionate di manga che crescono insieme e finiscono per dare vita al loro sogno e creare il loro anime, mentre la vita scorre. È un film poetico in cui Kore-eda continua il suo discorso sulla famiglia e affronta anche temi come l’hikikomori. La forza del disegno e gli elementi magici si intrecciano a questo romanzo di formazione. Anche questo, una volta arrivato in sala, sarà un film da non perdere.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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L’atmosfera cambia immediatamente quando una delle coppie più iconiche del cinema contemporaneo arriva sul tappeto rosso di Venezia 83. Penélope Cruz e Javier Bardem fanno il loro ingresso mano nella mano, mostrando ancora una volta una complicità autentica e magnetica.

Una diva in rosso

Penélope Cruz conquista la scena con un look che celebra la femminilità mediterranea. Per il red carpet sceglie un abito Chanel rosso acceso, dalla linea lunga e scultorea. Il modello avvolge la figura con eleganza. Le sottili spalline incorniciano il décolleté, mentre la gonna scende dritta fino al suolo. A rendere il look più deciso è un profondo spacco laterale, impreziosito da bottoni dorati. Inoltre, leggere frange sui fianchi aggiungono movimento alla silhouette. Anche i gioielli contribuiscono a illuminare l’insieme. Penélope indossa orecchini pendenti a forma di stella e un importante anello con diamante citrino. Il risultato è luminoso, sensuale e sofisticato.

Javier Bardem, eleganza in blu notte

Al suo fianco, Javier Bardem sceglie invece un’eleganza più classica. L’attore indossa uno smoking blu notte firmato Zegna, realizzato su misura. La giacca monopetto è abbinata a una camicia bianca e a un papillon in seta. A completare il look, scarpe eleganti e perfettamente lucidate. Una scelta essenziale, ma di grande effetto.

Bardem dimostra così come la sartorialità maschile possa ancora essere uno dei linguaggi più efficaci dell’eleganza sul red carpet. Insieme, Penélope Cruz e Javier Bardem costruiscono una delle immagini più riuscite della serata: lei luminosa e passionale, lui sobrio e impeccabile. Due interpretazioni diverse dello stile, unite dalla stessa naturale presenza scenica. Il rosso, colore della passione cinematografica per eccellenza, non è rimasto un’esclusiva della Cruz. Sulla passerella veneziana si sono alternate interpretazioni differenti ma egualmente ipnotiche di questa tonalità così audace.

Rocío Muñoz Morales: La danza dei volant firmata Alberta Ferretti

Rocío Muñoz Morales sa perfettamente come dominare la scena e regalare un momento da pura diva d’altri tempi. L’attrice e conduttrice incanta i fotografi indossando una creazione da sogno firmata Alberta Ferretti, declinata in una calda sfumatura di rosso scuro. L’abito è un trionfo di leggerezza e movimento: le maniche a mantella e i molteplici strati di volant voluttuosi creano un effetto scenografico unico a ogni passo, trasformando la sua sfilata in una danza boho-chic. Il look è coronato da un maestoso pendente di Crivelli con un rubino incastonato in tinta e da un chignon tirato e rigoroso, perfetto tributo all’iconografia classica spagnola.

Patrick Schwarzenegger: il Dandy contemporaneo in Tom Ford

Chi l’ha detto che l’uomo debba necessariamente rifugiarsi nel solito completo scuro? Patrick Schwarzenegger rompe gli schemi tradizionali del menswear da grande occasione e stupisce sul red carpet con un completo Tom Ford by Haider Ackermann di rara raffinatezza. La giacca doppiopetto, declinata in un rosso vivo e vibrante, si abbina a pantaloni neri dal taglio impeccabile, a una camicia a righe azzurre e bianche e a una cravatta coordinata. L’insieme, audace ed eccentrico, strizza l’occhio all’estetica dandy e consacra il giovane attore tra gli uomini più eleganti e coraggiosi della serata.

Il rosso rappresenta una vera fiammata di energia, mentre il nero rimane, invece, la scelta d’elezione per chi desidera muoversi con passo sicuro nell’universo del fascino notturno. Del resto, minimalista, drammatico e scultoreo, il nero ha vestito protagoniste e protagonisti del Lido attraverso interpretazioni diverse, ma, allo stesso tempo, tutte capaci di lasciare il segno. Inoltre, stagione dopo stagione, questa tonalità si è confermata una presenza immancabile sul red carpet, proprio grazie alla sua capacità di adattarsi a stili e personalità differenti. In definitiva, il nero continua così a rappresentare una scelta senza tempo, capace di coniugare eleganza, carattere e un’immediata forza scenografica.

Maggie Gyllenhaal: la regalità del velluto Armani Privé

In qualità di presidentessa della giuria, Maggie Gyllenhaal continua a dare lezioni indiscusse di stile, senza mai sbagliare un colpo. Per la serata sceglie una creazione di Giorgio Armani Privé in velluto blu notte, così profondo da confondersi con la tenebra della sera. L’abito a maniche lunghe avvolge e scolpisce la silhouette con una grazia regale, guidando lo sguardo verso una profonda scollatura a V impreziosita da un sottile bordo di luce scintillante. Il piccolo strascico che scivola con discrezione sul tappeto rosso completa una visione di straordinaria misura, compostezza e nobiltà sartoriale.

Il fascino audace dello smoking a pelle

Greta Scarano, volto e conduttrice di questa edizione della Mostra, conferma la sua predilezione per il guardaroba maschile reinterpretato in chiave ultra-femminile. L’attrice e regista sfila con un completo da sera firmato Giorgio Armani, composto da pantaloni a sigaretta alla caviglia e da un blazer lungo indossato con audacia direttamente a pelle. A spezzare l’austerità del tailleur pensano i gioielli da sogno tempestati di diamanti e le calzature dai tacchi vertiginosi. Ad addolcire l’insieme contribuisce anche l’hairstyle: un bob corto pettinato con un morbido e voluminoso gusto anni Novanta che dona freschezza all’intero look.

Catherine Caylee Cowan: mistero dark e trasparenze scultoree

Tra le apparizioni più ammirate e fotografate della serata c’è indubbiamente Catherine Caylee Cowan. L’attrice regala un momento di glamour purissimo e vagamente dark presentandosi con un abito bustier nero da vera sirena della notte. Il corpetto steccato a vita bassa gioca sapientemente con le trasparenze del tessuto, lasciando intuire la figura senza mai eccedere, mentre la gonna scivola fluida fino a terra. Il make-up intenso e l’acconciatura tirata indietro le conferiscono uno sguardo fiero e statuario che non ammette repliche: una delle interpretazioni più riuscite ed eleganti di tutto il Festival.

Casey e Ben Affleck: L’unione fraterna e la tradizione hollywoodiana

L’arrivo di Company porta al Lido una massiccia dose di fascino hollywoodiano, affidata alla presenza dei fratelli Affleck. Impegnato nel triplo ruolo di regista, sceneggiatore e protagonista, Casey sceglie un minimalismo impeccabile. Il suo abito sartoriale total black, caratterizzato da revers stretti e lucidi, riflette perfettamente l’approccio schivo e rigoroso dell’artista.

Al suo fianco, Ben Affleck sorride sornione ai fotografi e punta sulla tradizione con un classico completo scuro, abbinato a una camicia bianca e una cravatta in tinta. Il risultato racconta due modi differenti ma complementari di interpretare l’eleganza maschile americana. Da una parte il rigore essenziale di Casey, dall’altra la disinvoltura sofisticata di Ben. A unirli sono una solida tradizione sartoriale, una naturale presenza scenica e quell’inconfondibile fascino hollywoodiano.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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Una storia d’amore in cui i confini tra presenza e assenza, cura e dipendenza, desiderio e controllo si confondono fino a dissolversi. Leo e Anne si inseguono, si sfiorano, si perdono, si cercano. Non riescono a lasciarsi né a liberarsi. Tra le stanze risuona la voce di Ava che attraversa il tempo e lascia affiorare ciò che resiste, o che non può più essere trattenuto.

L’appartamento è uno dei protagonisti della storia, sullo stesso piano dei tre personaggi principali. Tutto quello che vediamo avviene lì dentro. Quello che avviene fuori è solo immaginato o evocato. E, mentre gli altri personaggi entrano ed escono di scena, l’appartamento è sempre lì, presente, solido, immutabile. È un personaggio non solo per questo, ma perché contribuisce al dialogo tra gli altri caratteri, li lega, li unisce. Dopo un primo fatto tragico che segna uno spartiacque nella storia, infatti, Leo e Anne cominciano a non vedersi più. Quando lui c’è lei non c’è. Quando lui esce lei entra per abitare quell’appartamento, cogliere e lasciare segnali, sentire delle parti di lui.

Leo è un Luca Marinelli che, dopo tante trasformazioni e ruoli sopra le righe, vediamo finalmente al naturale. O, almeno, con le variazioni minime di cui il personaggio ha bisogno. I capelli lunghi e lisci che vivono di vita propria, la barba folta e curata, gli occhi azzurri profondi e liquidi, quel sorriso buono, empatico. Il corpo atletico e tonico, ma senza quell’esibizione eccessiva di muscoli che vediamo in tanti attori oggi. Luca Marinelli, con il suo fare affabile, ci trascina dentro la storia.

Dolce, ritrosa e riservata ed empatica è anche Alicia Wikander nel ruolo di Anne. Il volto da bambina, semplice, pulito. Il corpo adolescenziale, minuto, nervoso, la rendono perfetta nel ruolo di un medico che inizia a curare Leo, alleviandogli prima il dolore fisico e poi un malessere esistenziale. Finendo per trasformare la cura in amore o in qualcosa di simile. Tra loro c’è Ava, Susan Sarandon. Non il terzo incomodo di un triangolo, ma piuttosto un ulteriore collante, un altro mezzo di comunicazione tra loro, la voce, una canzone per riunirli. Susan Sarandon, in una parola, è aura. È carisma, è i suoi occhi profondi, i suoi tratti inconfondibili. È una voce bassa, profonda. Che nei numeri musicali dà i brividi.

Perché Leo e Anne si avvicinano e si allontanano continuamente? È la parabola del porcospino. Quando è inverno, i porcospini si avvicinano sempre di più per stare al caldo. Ma, in questo modo, più si avvicinano più finiscono per ferirsi l’un l’altro. È così anche per Leo e Anne. Ma non è forse così per tutti? Così il loro rapporto è un continuo adattamento, un continuo chiedersi “sono troppo vicino? E adesso?”. Ma non è forse stato così per tutti noi in certi momenti della nostra vita?

Andrea Pallaoro riprende l’eredità di Bertolucci, e dei suoi tanti film girati tra 4 mura, e ne fa un film molto personale, lontano dallo stile del grande Maestro. Dove, nel cinema dell’autore di Ultimo tango a Parigi, tutto era passionale, intenso, qui è tutto raffreddato, tutto minimalista, intimista e giocato sulla sottrazione. The Echo Chamber (il titolo ha a che fare con la musica e quell’enorme stanza negli studi di registrazione usata per creare l’effetto dell’eco) è un film rarefatto, ipnotico, magnetico. In cui la passione è tenuta a freno, come del resto fanno i protagonisti, ma c’è. E in cui la musica, magnifica, è onnipresente e in primo piano. Ci ricorda che un appartamento, con i suoi oggetti, i suoi libri, i suoi strumenti, può lasciare un messaggio. Che una canzone, incisa appositamente, può essere una lettera d’amore. Call My Name. Chiama il mio nome.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il sesto red carpet della laguna diventa il palcoscenico ideale per celebrare il potere del total black: un rifugio stilistico sicuro, simbolo indiscusso di sartorialità ed enigma che sul tappeto rosso non delude mai. Eppure, in questa parata di sobrietà, non sono mancati improvvisi e folgoranti bagliori di luce, pennellate di colore inaspettate e scelte di stile d’autore capaci di spezzare la monotonia con pura personalità.

Le Regine della notte: il seducente mistero del nero

A guidare la parata di fascino della serata è Irina Shayk, che trasforma la semplicità in pura teatralità contemporanea. La supermodella incanta i fotografi con un abito nero dalla costruzione sartoriale impeccabile. La silhouette è definita da una profonda scollatura sulla schiena, drappeggi fluidi e maniche asimmetriche. A fare davvero la differenza, però, è l’attitudine effortless. Il make-up è quasi impercettibile, mentre i gioielli rigidi aggiungono carattere. Ai piedi arriva, infine, la sorpresa più cool: i camperos in maglia firmati Camper x Issey Miyake. Un contrasto inaspettato che rende il look ancora più contemporaneo. Non tutti quelli che fanno la differenza indossano una tuta da allenatore.

Il trionfo del classico: Valeria Bruni Tedeschi, Jasmine Trinca e Romana Maggiora Vergano

Valeria Bruni Tedeschi illumina il red carpet con un lungo tubino nero ricoperto da una pioggia di paillettes ton sur ton. A completare il look, un maxi collier con pietre rosa crea un raffinato punto luce. Al suo fianco, Jasmine Trinca punta invece su una raffinatezza misurata e senza tempo. Onde morbide e orecchini pendenti di brillanti completano un’immagine elegante e sofisticata.

Romana Maggiora Vergano sceglie, invece, l’alta moda d’altri tempi. L’attrice indossa una creazione Chanel Couture da sera, resa ancora più intensa dal rossetto rosso fuoco e dai gioielli preziosi.

Il dandy e il concettuale: l’universo maschile

Anche l’eleganza maschile risponde a colpi di sartorialità e dettagli ricchi di significato. Adriano Giannini ruba la scena con una classe innata. Il suo completo blu notte è completato da gemelli e papillon, in un’immagine che richiama inevitabilmente l’allure del padre Giancarlo. Più concettuale è invece il look del regista Paolo Strippoli. Sul suo outfit scuro spicca una spirale stampata sulla cravatta, un dettaglio dal forte valore simbolico e narrativo, legato al suo film The Spiral.

Infine, Riccardo Scamarcio gioca la carta della bellezza distratta. La camicia leggermente aperta completa un look disinvolto e sensuale, perfettamente coerente con il suo ruolo di “bello e impossibile”.

I colpi di scena: la rivoluzione dei toni chiari e delle sfumature pop

Non mancano, tuttavia, le star pronte a spezzare l’egemonia del nero con autentici colpi di luce. Greta Scarano, madrina del Festival, abbandona le tinte scure dei giorni precedenti e sceglie un completo color bianco panna. Il look è composto da pantaloni palazzo e giacca doppiopetto.

A illuminarlo ulteriormente sono una preziosa parure di smeraldi e uno chignon basso dall’effetto scultoreo. Il risultato è sofisticato, luminoso e decisamente scenografico. Pamela Anderson prosegue invece la sua celebre rivoluzione no make-up. Per l’occasione sceglie la delicatezza del glicine in un total look Carolina Herrera. Dettagli tartarugati e un’inedita pochette a ventaglio completano l’ensemble, confermandone l’attitudine elegante ma mai prevedibile.

Maggie Gyllenhaal e il gioco dei volumi

Sullo sfondo, ma non certo per importanza, Maggie Gyllenhaal impartisce l’ennesima lezione di stile all’insegna dell’effortless chic. Radiosa e perfettamente padrona del suo ruolo di Presidente di Giuria, l’attrice e regista dimostra ancora una volta come bilanciare le proporzioni con maestria. Pur prediligendo una palette dai toni cupi, la Gyllenhaal illumina il red carpet indossando un seducente top burgundy, reso vibrante da un gioco architettonico di ruches e volant che dona dinamismo e romanticismo dark alla silhouette.

A contrastare questo volume scultoreo, un paio di rigorosi pantaloni neri svasati che slanciano la figura, fondendo formalità e un tocco squisitamente anni Settanta. A completare il quadro, gioielli in argento dai bagliori freddi e un paio di occhiali da sole da diva firmati Christian Dior, perfetti per aggiungere quel guizzo di mistero intellettuale che tanto la contraddistingue. Il risultato è un ensemble sofisticato, rilassato e profondamente contemporaneo.

Il caftano solare di Ellen Burstyn

Ma la vera regina della serata, capace di eclissare ogni moda passeggera, è la novantatreenne Ellen Burstyn. Per ritirare il suo Leone d’Oro alla Carriera, la divina attrice Premio Oscar sceglie un ensemble vitaminico giallo e arancione composto da un lungo caftano e un soprabito tempestato di strass. Un’esplosione di gioia, personalità e carisma che ricorda a tutti la regola aurea del glamour: lo stile più bello è quello che celebra la propria storia con il sorriso.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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Iniziamo da lui, da Robert Pattinson, divo, o ex divo, del nostro cinema di oggi, visto che sta privilegiando ruoli sempre più scomodi e sfaccettati. Pattinson è stato perfetto al Lido, in entrambe le vesti: quelle di protagonista sul red carpet, in un look total white di Dior, un abito gessato bianco con giacca a doppiopetto e una cravatta regimental bordeaux con righe bianche e azzurre. Di Dior anche gli occhiali. Perfetta, accanto a lui, anche la compagna Suki Waterhouse, attrice e musicista, in un abito di pizzo verde salvia di Saint Laurent. Pattinson non ha deluso neanche nell’altra veste, quella di protagonista del film Primetime di Lance Oppenheim, prima opera di finzione di un documentarista, la storia di un conduttore senza scrupoli di un reality show della NBC, To Catch A Predator, che provava ad attirare pedofili e smascherarli in diretta. C’è chi, vedendo il film, ha detto di aver provato un sincero fastidio per il personaggio e per la storia. E questo vuol dire che Robert Pattinson ha fatto un grande lavoro. Sì, perché è proprio questo che è stato Chris Hansen. E non è che l’ultimo della galleria dei personaggi ambigui che Pattinson sta portando sullo schermo. Abbiamo ancora negli occhi il viscido e disturbante Antinoo dell’Odissea di Nolan. E proprio l’attore, a Venezia, ha confessato la vicinanza tra i due personaggi. “C’è stato poco stacco tra i due film. Ogni tanto vedevo Antinoo e ci ritrovavo qualcosa di Hansen”.

Divi e antidivi per antonomasia, rockstar con oltre 30 anni di carriera alle spalle, sono Liam e Noel Gallagher, fratelli coltelli, amici e nemici e poi di nuovo amici, artefici della storia di una delle band più di successo degli anni Novanta, poi sciolta e ricomposta nella famosa reunion con relativo tour mondiale. Oasis: Don’t Look Back In Anger è il film che racconta questa storia e che ha portato i fratelli Gallagher – loro in look total black, sneakers a parte – sul red carpet di Venezia. Il racconto della reunion inizia con le prove, dove i due fratelli arrivano con mood completamente diversi: Noel arriva subito giovale e saluta tutti, Liam arriva dopo due giorni scorbutico e nervoso. Qualcosa però cambia. Perché inizia a scorrere la musica ed è questa grande musica che, in questi anni, ha unito i fratelli. E, possiamo dirlo, ha unito anche noi che li abbiamo ascoltati a lungo. E poi il giorno del debutto sul palco, con Liam che prende la mano del fratello maggiore, davanti a tutti. Il racconto di questi due fratelli si intreccia con quello dei fan della band, con le storie private dei Gallagher e dei loro figli. È la loro storia. Ma è anche la nostra.

La star di casa nostra, invece, è lui. Nanni Moretti ha presentato, in concorso, il suo nuovo film, Succederà questa notte, ed è stato un grande successo. Il precedente film tratto da un libro di Eshkol Nevo, Tre piani, presentato qualche anno fa a Cannes, non era sembrato poi molto riuscito. Tratto dallo stesso autore, Succederà questa notte è un film che parla di amore, di attrazione, della nascita e del suo percorso negli anni. La storia, infatti, si snoda lungo tre città e lungo un arco temporale di diciassette anni. È un film meno intellettuale, e più emotivo, di quelli a cui siamo abituati. Nel cast ci sono Louis Garrell e Jasmine Trinca, gli alter ego del regista, e Laura Morante. Per Moretti, oggi, l’amore è “o tutto o niente”: è la storia dell’attrazione tra Matteo, libraio, e Greta, attrice. Si conoscono su un campo di tennis, si legano ad altri, coinvolgono altre persone nelle loro vite e nel loro amore. Dieci minuti di applausi, così si dice, applausi anche all’apparizione in sala stampa. “Anni fa avevo coniato una frase un po’ scema, ‘vorrei fare sempre lo stesso film, possibilmente sempre più bello’. Ecco, con il passare del tempo mi sono detto che non voglio fare sempre lo stesso film”. E, finalmente, Nanni Moretti ha fatto un film davvero diverso dal solito. C’è sempre la passione, l’alto livello della recitazione, i balletti. E le canzoni. Ascoltiamo Bruce Springsteen con Hungry Hearts e Because The Night (riprese durante un suo concerto a San Sebastian) e She’s Like The Rainbow dei Rolling Stones. Per citare una sua celebre frase: continuiamo così, facciamoci del bene. E dei bei film.

Tra i film italiani ha diviso il pubblico, che ha risposto con applausi e fischi, La città dei vivi di Edoardo Gabbriellini, un passato da ottimo attore (era il protagonista di Ovosodo) e un presente da regista. La città dei vivi è tratto dal romanzo di Nicola Lagioia sull’omicidio di Luca Varani. Se il romanzo si concentrava sulla gratuità dell’omicidio e sulle polemiche successive, il film cambia prospettiva. Cerca di evitare la pornografia del dolore, il sensazionalismo, per raccontare quello che i media non avevano raccontato, cioè la vita della vittima prima del suo omicidio. Il regista lo chiama “un romanzo di formazione interrotto”, che però non vuole trovare le ragioni di quell’interruzione. Il protagonista è il giovane Emanuele Maria Di Stefano, e nel cast brilla, nel ruolo del padre, Valerio Mastandrea. Balcanica è l’opera prima di Nicola Sorcinelli, presentata alle Giornate degli Autori. Parla di un viaggio lungo la rotta balcanica – quel percorso dei migranti che non passa per il mare e non è mai visto – di un padre e un figlio che arrivano dall’Afghanistan quando la musica viene vietata. È un film importante per far sapere quello che accade e che troppo poco spesso ci viene raccontato. Ieri, a Venezia, è stato presentato in concorso anche The Echo Chamber di Andrea Pallaoro, di cui vi parleremo domani.

La giornata di ieri, al Lido, è stata anche quella dell’unica regista donna in concorso (in realtà si è aggiunta anche Rachel Szork, coautrice del film NAZA, che verrà presentato i prossimi giorni). È May el-Toukhy, regista danese di origini egiziane, che ha presentato Kvinde Ukedt (Woman Unknown). È la storia di un matrimonio minacciato da un’ombra nel passato. È un’opera importante dal punto di vista sociale e storico. Marie sta per sposare il ricco vedovo Christian, di cui è stata la tata della figlia. Ma siamo nel 1945, alla fine della guerra. E la donna porta con sé un segreto scomodo. Woman Unknown è un film che parla del disprezzo per il corpo delle donne, di indipendenza femminile, di differenza di classe, delle ferite che si portano dietro la guerra e i totalitarismi. È un film di cui si parla già di Leone d’Oro, o, almeno, di un posto nel palmares.

E al Leone d’Oro si candida anche un film in arrivo dall’Oriente, dalla fertile Corea. È Possible Love di Lee Chang-dong, uno dei più grandi autori coreani, Leone d’Argento a Venezia nel 2002 con Oasis, ispirato a uno dei capitoli del decalogo di Kieslowski. È la storia di un documentario che una donna ricca e borghese intende fare su un operaio che è stato licenziato. A farsi intervistare è la moglie, affascinata da quella differenza di classe che crede possa sparire, mentre il marito si trincera dietro un risentimento che non sembra poter sparire. È una storia commovente, che ha delle basi vere, uno sciopero represso con la violenza. L’autore coreano ci fa vedere questa storia da un altro punto di vista: l’amore che riesce a sconfiggere il potere. Segnate questo film. Perché ne sentiremo parlare a lungo.

Ci sono altri bei film che sono passati al Lido in questi giorni. 15/18 di Cedric Kahn è un viaggio dentro un ospedale psichiatrico per adolescenti (il titolo indica proprio l’età dei pazienti che si trovano lì). Seguiamo una serie di ragazzi e ragazze e le loro patologie, l tensioni, le crisi e le speranze. E i medici e infermieri che cercano di fare del loro meglio per aiutarli. Cedric Khan, che interpreta anche un ruolo, quello di uno dei medici, racconta questa comunità con empatia, provando a entrare nel mondo e nell’anima di questi ragazzi. Non vuole dare lezioni, né giudizi. Ma provando a cogliere la voglia di vita di questi giovani.

Nelson-san, anata wa hito o koroshimashita ka, che vuol dire “Ha mai ucciso qualcuno, signor Nelson?”) di Shin’ya Tsukamoto è tratto dal libro autobiografico di Allan Nelson sul trauma per la guerra in Vietnam e il suo superamento. L’educazione a uccidere che si ha diventando un marine, i massacri che avvengono in ogni guerra, e il conseguente disagio provato al rientro dal Vietnam. Uno psichiatra, interpretato dall’empatico Geoffrey Rush, riesce a salvarlo. La morte, il sangue, le ferite appaiono negli incubi di Nelson, ed è una cosa per stomaci forti. Ma l’orrore della guerra è questo. Ed è giusto raccontarlo perché di guerre non ce ne siano più.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Accanto alla sartorialità più classica trovano spazio silhouette sensuali, contrasti cromatici e accessori capaci di catturare immediatamente l’attenzione. Allo stesso tempo, alcune star scelgono la moda come strumento per veicolare messaggi importanti. Il risultato è un red carpet vario e contemporaneo, dove glamour, personalità e impegno civile convivono. Ecco, quindi, alcuni dei look che hanno già conquistato i riflettori della Laguna.

Eleganza e sartorialità sul red carpet

Riflettori puntati sulla coppia più attesa della Laguna. Alicia Vikander e Michael Fassbender incantano il pubblico con una perfetta sintesi di romanticismo e sartorialità. L’attrice sfila con un abito celeste a bustier senza spalline. Il maxi fiocco scultoreo in vita definisce la silhouette e aggiunge volume al look. A completare l’insieme ci sono gioielli ridotti al minimo. La scelta lascia così protagonista la linea dell’abito. Al suo fianco, Michael Fassbender punta invece sull’impeccabilità del classico smoking doppiopetto nero. Il look è completato da un papillon strutturato. Inoltre, gli occhiali da sole scuri aggiungono un’attitudine tipicamente hollywoodiana. Anche Carolina Crescentini si conferma tra le presenze più raffinate di questa edizione. L’attrice indossa un abito a colonna dalla linea pulitissima. Il design gioca sul contrasto tra il bianco del davanti e il nero profondo del retro.

A fare la differenza sono soprattutto i dettagli. Una microsciarpa scura è annodata al collo, mentre ai piedi spiccano décolleté in raso di seta color giallo sole. Il risultato è sofisticato e, allo stesso tempo, sorprendente. Il dettaglio cromatico aggiunge infatti luce e personalità all’intero outfit. Anche Pilar Fogliati porta una nota di luminosità sul tappeto rosso. Il suo abito a bustier senza spalline, declinato nelle tonalità dell’oro freddo, cattura immediatamente la luce. Inoltre, il tessuto brillante viene valorizzato da gioielli di grande formato. Tra questi spiccano un importante anello cocktail e orecchini impreziositi da pietre rosa a contrasto.

Il glamour incontra l’impegno civile

Madrina e presenza costante di questa edizione della Mostra, Greta Scarano sceglie un’eleganza carica di significato. Sul red carpet si presenta con una creazione rosso intenso. Il look comprende una camicia velata e un’ampia gonna strutturata, che stringe la vita e valorizza la silhouette.
A rendere l’outfit ancora più significativo è, però, la scelta di rinunciare al maquillage tradizionale. Al suo posto compare il segno rosso sulla guancia, simbolo della campagna contro la violenza sulle donne. Infine, un rigido collier completa la mise con un tocco deciso.

Anche Susan Sarandon affida a un dettaglio il messaggio del suo look. L’icona del cinema internazionale sceglie un’eleganza minimalista e consapevole. Il suo abito nero d’ispirazione monacale presenta maniche lunghe e un elegante scollo a barca.
Proprio sullo scollo spicca una spilla con la colomba bianca e un messaggio dedicato alla pace. Il dettaglio si armonizza con un girocollo a catena in oro giallo. Inoltre, gli occhiali da sole dalla montatura brillante aggiungono un accento prezioso. Il risultato mette così in equilibrio rigore e glamour.

Audacia e codici contemporanei

Grande impatto visivo per Ricky Martin, che porta sul tappeto rosso un abbinamento ad alto rischio stilistico. Il look, curato da Tom Ford by Haider Ackermann, combina elementi classici e dettagli più disinvolti. Il cantante indossa una giacca doppiopetto bianca. La abbina a pantaloni scuri sartoriali e a una camicia lasciata aperta sul collo. L’ensemble mantiene quindi un’anima elegante, ma appare allo stesso tempo rilassato. Infine, gli occhiali da sole e il taglio cortissimo accentuano il carisma d’altri tempi dell’artista.

Sensualità e codici contemporanei, invece, per Irina Shayk. La supermodella russa riconferma la sua predilezione per le linee lingerie e i dettagli audaci. Per l’occasione sceglie un abito sottoveste in satin firmato Dolce&Gabbana. Il modello è caratterizzato da intrecci e lacci laterali lasciati a vista sulla lingerie coordinata. A completare l’insieme intervengono un gambaletto opaco al ginocchio e un imponente collare di diamanti. Il risultato è volutamente audace e mette in primo piano la sensualità della silhouette.

Lo stile bohémien

Fedele ai propri codici estetici, Luca Marinelli opta per un’eleganza rilassata e lontana dagli schemi più tradizionali. Il protagonista della serata indossa un completo con giacca doppiopetto dal taglio leggermente over. La abbina a una camicia scura, lasciata sbottonata sul collo.
Al posto della classica cravatta o del papillon, l’attore sceglie una bandana con motivi grafici bianchi. L’accessorio, annodato al collo, rende il completo più personale e informale. In questo modo, Marinelli interpreta la sartorialità attraverso una chiave bohémien.

Anche Alessandro Preziosi rivisita lo smoking Giorgio Armani in una chiave contemporanea. Sotto la giacca doppiopetto, l’attore sostituisce la camicia formale con una semplice T-shirt nera. Completa poi il look con mocassini in velluto, scelti al posto delle classiche calzature stringate. Infine, Orlando Bloom punta su una cifra stilistica più classica. L’attore sceglie il rigore cromatico del total black. Sfila con un completo monopetto nero e pantaloni dal taglio sartoriale affilato. La camicia scura e il papillon, quasi mimetizzato nella stessa tonalità, completano un look essenziale e impeccabile.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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A proposito di giornalisti e di giornali, e di storie, il Festival di Venezia si è aperto con Ink, il nuovo film di Danny Boyle, che racconta l’arrivo del magnate australiano Rupert Murdoch a Londra e il suo ingresso nel business dei giornali. Parliamo del Sun, acquistato nel 1969, e fatto diventare il più noto tabloid inglese. Ink nasce da una pièce teatrale, che diventa però altro al cinema, grazie a un montaggio ritmato, a inquadrature ricercate e a cambi di prospettiva, che dannò al film un grande senso di movimento. Impeccabile a livello formale, Ink porta con sé anche una serie di dubbi morali. Perché il rischio è una sorta di “santificazione” della figura di Ruper Murdoch, interpretato da un bravo Guy Pearce. Accanto a lui, Claire Foy e Jack O’Connell.

Un altro modo di dire fascino ha due nomi e lo stesso cognome. Rooney Mara e Kate Mara. Sorelle, entrambe lanciate da anni nello star system (Rooney è stata la Lisbeth Salander nella versione americana di Millennium – Uomini che odiano le donne, Kate la Zoe Barnes di House Of Cards), ma mai insieme sullo schermo. Werner Herzog le ha scelte per interpretare due gemelle, due personaggi realmente esistiti, Freda e Greta Chaplin, nessuna parentela con Charli Chaplin, ma una vita singolare vissuta insieme. Che è al centro di Bucking Fastard. Nate nel 1943 a New York, erano due gemelle identiche che parlavano all’unisono, si vestivano allo stesso modo, facevano gli stessi gesti e amavano le stesse cose. Anche lo stesso uomo, Ken Iverson (interpretato da Orlando Bloom), che diventa oggetto delle loro ossessioni. Il film è una favola surreale, visionaria, poetica, ispirata. Per capire di che cosa stiamo parlando, Werner Herzog ha dedicato il suo film a David Lynch. È a lui che avrebbe voluto far vedere il film per primo. E già questo basta a far venire la voglia di vederlo. Eteree, sensuali, espressive, le due sorelle star sono perfette per portarci in un viaggio pieno di sorprese.

E provate a dire che non ha fascino John Malkovich, che a Venezia ha presentato Wild Horse Nine di Martin McDonagh, uno di quei film farseschi e divertenti che sembrano fatti apposta per far risaltare le sue doti istrioniche. La storia è ambientata poco prima del colpo di Stato avvenuto in Cile a opera di Pinochet nel 1973. Malkovich e Sam Rockwell, altro funambolo della recitazione, sono due agenti della CIA che lasciano Santiago del Cile per l’Isola di Pasqua. Wild Horse Nine è una commedia dark, che alla proiezione veneziana ha suscitato grandi risate. Malkovich azzecca un’interpretazione straordinaria, forse anche da Oscar, nei panni di un vecchio svagato che sembra lasciarsi sfuggire le cose, tra cui i tanti segreti che conosce. E, con ironia, McDonagh riesce a parlare anche degli Stati Uniti e della loro natura imperialista. E così torniamo al punto da cui siamo partiti. A quell’America che oggi avrebbe bisogno di un nuovo presidente.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il risultato è una passerella hollywoodiana a cielo aperto dove, accanto agli interpreti dei film in Concorso e Fuori Concorso, sono le supermodelle a dettare il ritmo. E quando arrivano Kendall Jenner e Vittoria Ceretti, entrambe legate ad Armani, il red carpet cambia immediatamente temperatura.

Kendall Jenner, l’oro vintage di Giorgio Armani

Kendall Jenner sceglie Venezia 83 per un’apparizione che punta tutto sulla forza della semplicità. La modella arriva sul red carpet di Wild Horse Nine avvolta in un abito d’archivio di Giorgio Armani, risalente alla collezione del 1995. È un lungo dress color oro sabbia, interamente ricamato di paillettes e perline, capace di catturare la luce a ogni movimento senza bisogno di ulteriori artifici. Una silhouette essenziale, aderente e liquida, che lascia parlare la materia preziosa dell’abito. Ai piedi, sandali Aquazzurra tono su tono. Il beauty look segue la stessa filosofia: capelli lunghissimi, lisci, portati con riga laterale, e make-up Armani Beauty luminoso e naturale.

È il genere di look che non ha bisogno di gridare per farsi notare. Kendall lo indossa con quella sicurezza ormai diventata parte della sua cifra estetica: minimalismo, pelle luminosa, proporzioni perfette e un solo elemento destinato a dominare la scena. In questo caso, l’abito.

Vittoria Ceretti, quando il nero diventa couture

Se Kendall punta sulla luce dell’oro, Vittoria Ceretti sceglie l’opposto: il nero. Ma è un nero tutt’altro che austero. La top model italiana fa il suo ingresso sul red carpet di Wild Horse Nine in Armani Privé, con un abito che costruisce il suo fascino sul contrasto tra pelle, trasparenze e cristalli. Il bustier in tulle scintillante disegna il corpo e crea una sorta di nuvola luminosa sul décolleté, mentre la parte nera dell’abito porta l’insieme verso una sensualità più sofisticata che esplicita. Le scarpe con cinturino completano la silhouette senza sottrarle protagonismo.

Ceretti, che da qualche mese è Global Make-Up Ambassador di Armani Beauty, sceglie anche questa volta un beauty look calibrato: incarnato luminoso e attenzione allo sguardo, mentre i capelli lisci, con la riga laterale e raccolti dietro le orecchie, lasciano il volto completamente scoperto. È un’apparizione costruita sulla sottrazione. È proprio per questo che funziona.

Le sorelle Mara, il red carpet come esercizio di stile coordinato

Prima delle supermodelle, il tappeto rosso aveva già regalato un piccolo manifesto di eleganza con Kate e Rooney Mara, protagoniste insieme del film di Werner Herzog Bucking Fastard. Le due sorelle arrivano quasi come un’unica figura cinematografica: acconciature raccolte, gestualità composta e una palette che alterna il nero alla luce delle paillettes. Kate Mara sceglie un lungo Armani Privé scintillante, interamente ricoperto di paillettes, con un corpetto bianco attraversato da lacci sulla schiena e una grande perla centrale. Rooney Mara risponde con un abito nero Louis Vuitton dalla silhouette sottile, movimentato da un voluminoso fondo a palloncino in tessuto goffrato. A completare il look di Rooney, gioielli Swarovski Created Diamonds e scarpe Aquazzurra. Non è solo una questione di abiti coordinati: è una precisa grammatica visiva che le due attrici hanno portato avanti durante tutta la giornata veneziana, tra photocall, conferenza stampa e red carpet.

Orlando Bloom, lo smoking non sbaglia mai

Orlando Bloom arriva al Lido tra l’entusiasmo dei fan e sul tappeto rosso sceglie una formula classica, aggiornata nelle proporzioni. Il suo smoking Zegna ha un fit contemporaneo e viene accompagnato da camicia e scarpe della stessa maison. Il dettaglio che accende il look è però sul bavero: una spilla floreale della collezione Margherita di Damiani, in oro bianco e diamanti. Un piccolo gioiello che conferma quanto, ormai, anche per gli uomini il red carpet sia diventato una questione di accessori.

John Malkovich e l’arte di rendere cool una gorgiera

Poi arriva John Malkovich e cambia completamente le regole. L’attore sceglie un completo da sera Dior Men disegnato da Jonathan Anderson, ma è la camicia con colletto Peter Pan plissé, quasi una moderna gorgiera, a trasformare il look in qualcosa di immediatamente memorabile. Su chiunque altro potrebbe sembrare un azzardo teatrale. Su Malkovich diventa naturale. È uno di quei momenti in cui l’abbigliamento smette di essere semplice eleganza e diventa carattere. E il suo è un modo di vestirsi che non cerca l’approvazione: la pretende.

Parker Posey, la diva che vuole volteggiare

Sul versante più spettacolare c’è Parker Posey, che per Venezia sceglie ancora una volta Valentino nella visione creativa di Alessandro Michele. Il suo abito ha tutto quello che ci si aspetta da una diva sul red carpet: volume, movimento, teatralità. Posey lo interpreta come un costume di scena, volteggiando davanti ai fotografi e trasformando ogni passo in una piccola performance. È glamour nel senso più classico del termine, ma con quella dose di eccentricità che impedisce al risultato di diventare prevedibile.

Mariacarla Boscono e la carta stampata che diventa haute couture

Anche Mariacarla Boscono porta sul tappeto rosso una delle tendenze più interessanti della stagione: la newspaper print. La modella sceglie un sontuoso abito Chanel firmato da Matthieu Blazy, dalla silhouette ampia e sofisticata, con la stampa giornalistica trasformata in materia couture. A illuminare il look, gioielli Damiani: una collana in oro bianco con diamanti e paraiba e un anello coordinato. È la dimostrazione che la carta stampata, quando passa attraverso il linguaggio della moda, può smettere di essere quotidiana e diventare preziosa.

Il nero resta protagonista

La serata veneziana conferma anche una delle regole più resistenti del red carpet: il nero non passa mai di moda. Lo scelgono Steve Buscemi e Karen Ho, sobri e impeccabili; Leslie Bibb lo porta verso una dimensione più sensuale accostandolo al blu in un abito ArdAzAei che valorizza la sua silhouette. Laura Dern, dopo l’apparizione del giorno precedente, torna in scena con un abito nero Dior decorato da ricami floreali. E Valeria Golino chiude la lunga parata con un’elegante tunica satinata di Fendi, profilata a contrasto e illuminata da una parure di diamanti e smeraldi. La profonda scollatura a V aggiunge un tocco di sensualità a un look altrimenti essenziale.

Tra couture e personalità, Venezia conferma la sua vocazione glamour

Dal dorato d’archivio di Kendall Jenner al nero couture di Vittoria Ceretti, dalle paillettes delle sorelle Mara alla gorgiera di John Malkovich, il secondo red carpet della Mostra dimostra ancora una volta che a Venezia l’abito non è un semplice dettaglio della serata. È parte della storia. C’è chi sceglie la couture per brillare, chi il minimalismo per sedurre, chi punta sui gioielli e chi, come Malkovich, decide semplicemente di indossare qualcosa che nessun altro avrebbe avuto il coraggio di indossare. Ed è forse proprio questa la magia del red carpet veneziano: per una sera, cinema e moda parlano la stessa lingua.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

Copertina Crediti copertina: RED CARPET – WILD HORSE NINE – Kendall Jenner (Ph. Aleksander Kalka – Courtesy Archivio Storico La Biennale di Venezia)

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Questa 83esima edizione parte all’insegna del glamour senza mezze misure. Smoking impeccabili e silhouette scultoree, velluto e satin, pizzo e trasparenze, cristalli e gioielli importanti: il red carpet riscopre il piacere di essere spettacolare. Ma senza tornare semplicemente al passato. Il glamour di oggi è più personale, più teatrale, a volte persino sfacciato.

Perché se Hollywood porta al Lido il suo consueto esercito di star, sono gli abiti a raccontare la storia prima ancora che inizi la proiezione. Il nero resta il grande classico, il velluto aggiunge profondità, il satin cattura la luce, il pizzo riscrive la sensualità e la sartorialità maschile si fa più morbida, libera, meno ingessata.

Il nero, naturalmente

A Venezia il nero non passa mai di moda. Cambia forma, però. Amal Clooney sceglie la via più sofisticata: un abito a colonna nero su misura di Tom Ford by Haider Ackermann. Essenziale solo in apparenza, è costruito attraverso drappeggi e spalline sottili.

Accanto a lei, George Clooney conferma la propria idea di tuxedo con uno smoking Giorgio Armani, impeccabile e senza tempo. Insieme dimostrano che il vero lusso, sul red carpet, è spesso una questione di misura.

Sul versante femminile, il nero torna anche con Matilde Gioli. L’attrice lo interpreta attraverso incroci, drappeggi e un gioco di trasparenze. Barbara Ronchi sceglie invece uno slip dress impreziosito dal pizzo.

Due declinazioni molto diverse della stessa idea: il minimalismo non è necessariamente minimal. Anche Alessandra Ambrosio punta sul total black. Il suo abito aderente ha una silhouette scolpita ed è accompagnato da una cascata di diamanti. È il linguaggio della diva hollywoodiana nella sua versione più classica: onde morbide, pelle luminosa e gioielli capaci di catturare la luce dei flash.

Il nuovo smoking maschile

Se c’è una tendenza che emerge con particolare chiarezza da questo primo capitolo veneziano è la trasformazione dello smoking. Jonathan Bailey, in Giorgio Armani, ne offre una delle interpretazioni più convincenti. Blu, volumi più morbidi e sovrapposizioni sostituiscono la rigidità del tuxedo tradizionale senza sacrificarne l’eleganza. È una sartorialità che non ha bisogno di ostentare la propria costruzione. Ancora più interessante è Nicholas Galitzine, in Emporio Armani, che arriva senza giacca e lascia alla camicia da smoking il compito di costruire il look.

La spilla Art Déco aggiunge quel dettaglio prezioso che trasforma un outfit formale in un gesto di stile. Poi c’è Jack O’Connell, che sceglie una strada completamente diversa: giacca sartoriale e lunga sciarpa con frange. Il risultato è rilassato, teatrale, quasi bohémien, ma perfettamente calibrato per il Lido. È forse questa la vera evoluzione del red carpet maschile: non più l’obbligo di essere impeccabili, ma la possibilità di essere riconoscibili.

Guy Pearce, al contrario, sceglie la tradizione. Completo sartoriale, proporzioni classiche e quella sicurezza che arriva dopo decenni davanti alle macchine fotografiche. A Venezia, anche il tempo può diventare un accessorio.

Velluto, borgogna e il ritorno della diva

Tra le immagini più sofisticate di questa apertura c’è quella di Greta Scarano, che sceglie un abito Armani in velluto color borgogna. Bustier, scollatura a cuore drappeggiata e gioielli importanti: una silhouette profondamente cinematografica, ma senza nostalgia.

È una tonalità che sembra fatta per Venezia: più sensuale del nero, più adulta del rosso, perfetta quando la luce comincia a cambiare. Dall’altra parte dello spettro cromatico arriva Eugenia Silva, con un abito bianco argentato dalla struttura quasi floreale e una corona sulla fronte. Qui il red carpet diventa apertamente couture: il corpo scompare dietro la costruzione dell’abito e la figura si trasforma in un’immagine.

Quando il red carpet diventa spettacolo

C’è poi chi decide di non passare inosservato. Bianca Balti arriva con un abito bustier rosa confetto di Ilya Migmoon, caratterizzato da coppe strutturate, drappeggi e scenografiche ali che trasformano la silhouette in quella di una statua contemporanea. È uno di quei look che funzionano perché comprendono perfettamente il linguaggio del tappeto rosso: non basta essere eleganti, bisogna creare una fotografia memorabile.

Più sensuale è Paola Turani, che punta sul color cioccolato e su una profonda scollatura a V accompagnata da uno spacco deciso. Il beauty look, lasciato volutamente naturale, evita che l’abito diventi eccessivo e lascia alla silhouette il compito di parlare.

Claire Foy, invece, sceglie il rosso assoluto. Tubino Bottega Veneta, guanti lunghi e sandali con il tacco vertiginoso: una dichiarazione cromatica netta, quasi cinematografica, completata da gioielli Swarovski ed ear cuff importanti. Il rosso non è mai una scelta timida e, sul tappeto veneziano, acquista una teatralità ancora maggiore. Foy lo interpreta con un’attitudine sofisticata ma volutamente audace, trasformando il classico abito da sera in un’immagine più contemporanea.

E se il rosso rappresenta la spettacolarità, il verde sceglie invece la strada della profondità. Nina Dobrev arriva con una creazione Armani Privé verde bosco, un bustier ricoperto di paillettes luminose e una sopragonna leggera che accompagna il movimento. È un abito che vive soprattutto sotto i flash: a ogni passo la superficie cambia, catturando la luce e restituendola in modo quasi liquido.

Il ritorno del glamour

A Venezia il glamour non è mai veramente scomparso. Semplicemente, negli ultimi anni ha imparato a essere meno rumoroso. Laura Dern ne offre una delle interpretazioni più convincenti con un abito midi in mikado Prada. La silhouette è composta, quasi bon ton, e proprio per questo sorprende in un contesto nel quale il red carpet tende spesso alla spettacolarità. Le décolleté con kitten heel e il collier di diamanti e rubini aggiungono il necessario elemento prezioso senza compromettere l’equilibrio dell’insieme. \È una forma di lusso che non chiede attenzione, ma la ottiene comunque.

Anche Maggie Gyllenhaal sceglie un’eleganza più intellettuale. Il suo abito nero Celine, con scollatura incrociata, dialoga con il collier Serpenti di Bulgari, creando una silhouette rétro ma assolutamente contemporanea. È il genere di look che non sembra costruito per i social, ma per durare nella memoria.

Il pizzo, le trasparenze, la nuova sensualità

La sensualità di questa Venezia non passa necessariamente attraverso spacchi vertiginosi o scollature profonde. Molto più spesso si nasconde nei materiali. Barbara Ronchi sceglie uno slip dress nero con inserti di pizzo, illuminato da un collier con una grande gemma verde. È una combinazione delicata e sofisticata, dove il romanticismo del pizzo viene bilanciato dalla severità del nero.

Levante, invece, porta sul tappeto rosso una versione più eterea della stessa tendenza. L’abito Giorgio Armani, decorato con motivi floreali, gioca con trasparenze e aperture che lasciano intravedere le gambe. I guanti di velo e le scarpe a punta aggiungono un elemento rétro, quasi da diva d’altri tempi.

È interessante come, in questa edizione della Mostra, la trasparenza non sembri più voler provocare. È diventata un elemento di costruzione dell’abito, una superficie attraverso cui giocare con la luce e con il movimento.

L’oro e l’animalier

Poi c’è chi sceglie di brillare senza compromessi. Kaouther Ben Hania arriva con un abito da sera color oro, prezioso e strutturato, completato da una borsa a mano coordinata. Il risultato è opulento, quasi scultoreo, e ricorda che il red carpet veneziano può ancora concedersi una dose generosa di magnificenza.

Ancora più audace Jewel, che porta l’animalier in una dimensione completamente diversa. Il suo abito fasciante, interamente ricoperto di cristalli, trasforma una stampa tradizionalmente aggressiva in qualcosa di prezioso e quasi gioiello. Il bob liscio e l’atteggiamento sicuro completano un’immagine precisa, senza elementi superflui.

Le modelle tornano protagoniste

Come da tradizione, Venezia è anche il territorio naturale delle top model. Alessandra Ambrosio interpreta il glamour attraverso un abito nero aderente, con top sagomato e una gonna caratterizzata da morbide arricciature. Onde da diva e diamanti completano un’immagine che conosce perfettamente il funzionamento del red carpet.

Alana Champion sceglie invece un abito nero dalla gonna ampia e dalle tasche, una silhouette più rilassata illuminata da un importante collier con pendente. I capelli lasciati naturalmente mossi evitano che l’insieme diventi troppo costruito.

E poi c’è Eugenia Silva, che con il suo abito bianco argentato sembra quasi appartenere a un’altra epoca. Il bustier si apre come un fiore, mentre una corona sulla fronte porta il look verso un territorio apertamente couture. Non è semplicemente un abito da red carpet: è una dichiarazione.

La nuova eleganza maschile

Se il glamour femminile cambia attraverso tessuti e silhouette, quello maschile passa soprattutto dalla proporzione. Jonathan Bailey in Giorgio Armani è forse l’esempio più evidente. Le tonalità di blu, le linee più morbide e le sovrapposizioni rendono la sartorialità meno rigida, più contemporanea. È l’eleganza di chi non ha bisogno di dimostrare di essere elegante.

Nicholas Galitzine, in Emporio Armani, sceglie invece di rinunciare alla giacca e lasciare protagonista la camicia da smoking, impreziosita da una spilla Art Déco. Una scelta apparentemente semplice, ma sufficiente a rompere la prevedibilità del classico completo da sera.

Jack O’Connell percorre una strada ancora più personale con la lunga sciarpa dalle frange, portata sopra la giacca. È un dettaglio capace di cambiare completamente la percezione dello smoking: meno formale, più cinematografico, quasi rock. Guy Pearce, al contrario, rimane fedele alla tradizione con un completo sartoriale impeccabile. Nessun esperimento necessario quando il taglio è perfetto e l’attitudine fa il resto.

Venezia, ancora una volta

Alla fine, il fascino dei look veneziani sta proprio nella loro varietà. C’è chi sceglie il nero e chi il rosso, chi preferisce il velluto e chi i cristalli, chi riscopre il pizzo e chi invece punta tutto sulla sartorialità. Ma il filo conduttore è uno: la voglia di tornare a vestirsi per un’occasione. Dopo stagioni di minimalismo, quiet luxury e guardaroba sempre più informali, il red carpet della Mostra sembra voler ricordare che esiste ancora un piacere quasi cinematografico nel costruire un’apparizione. Un abito può essere spettacolare, un gioiello può essere esagerato, uno smoking può avere una silhouette inattesa.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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Una scelta che segna anche una piccola svolta nella tradizione veneziana. Quest’anno, infatti, la formula cambia: non più soltanto una madrina o un padrino, ma due protagonisti chiamati a condividere la scena, a dialogare e a tenere insieme leggerezza e autorevolezza. E se il sipario sulla loro Venezia deve ancora alzarsi, il primo atto è già andato in scena al Lido. Tra flash, sorrisi e saluti ai fotografi, Scarano e Maupas hanno mostrato due interpretazioni diverse ma complementari dell’eleganza: lei sofisticata e minimal in Giorgio Armani, lui rilassato e impeccabile, con un look giocato sui toni del beige e del nero. Il loro debutto veneziano, insomma, è già una questione di stile. Ma non soltanto.

Greta Scarano, la lezione del minimalismo chic

A bordo di un motoscafo, Greta Scarano raggiunge l’iconico imbarcadero dell’Excelsior. Ad attenderla ci sono fotografi, flash, fan e obiettivi puntati.
Lei risponde con sorrisi, saluti e baci lanciati verso i fotografi. Una naturalezza che, davanti all’obiettivo, acquista ancora più fascino.
Per il primo look della sua Venezia, l’attrice sceglie Giorgio Armani. E punta tutto sulla discrezione.
Jeans skinny dal lavaggio scuro, T-shirt bianca e blazer doppiopetto blu navy costruiscono una silhouette essenziale e sofisticata. La borsa, nella stessa tonalità del blazer, completa l’insieme con grande coerenza.

Ai piedi, décolleté dal tacco elegante. Sul volto, occhiali da sole scuri. Al collo, una sottile catena con ciondolo. Gli orecchini e gli altri gioielli restano minimal.
È il genere di outfit che non ha bisogno di urlare per farsi notare. Il blu e il bianco evocano quasi naturalmente l’atmosfera marina del Lido, ma senza trasformarsi in un esercizio di stile troppo costruito. C’è qualcosa di profondamente italiano nell’equilibrio scelto da Scarano: sartorialità, semplicità, qualità dei materiali e nessun dettaglio superfluo. Il risultato è un’eleganza low profile, apparentemente casual e in realtà studiata in ogni particolare.

Nicolas Maupas, eleganza rilassata al maschile

Poche ore dopo, anche Nicolas Maupas fa il suo ingresso all’Excelsior. Per il suo arrivo al Lido l’attore sceglie una strada diversa, ma altrettanto efficace firmato Giorgio Armani. Pantaloni fluidi color beige, polo nera e blazer nero: tre elementi semplici che costruiscono una mise sofisticata senza perdere quella componente rilassata che ormai è diventata una delle chiavi dell’eleganza maschile contemporanea. Ai piedi, mocassini. A completare il look, gli immancabili occhiali da sole.

Il contrasto tra i pantaloni chiari e la parte superiore total black rende l’insieme immediatamente riconoscibile, senza bisogno di loghi o accessori vistosi. Maupas punta sulla proporzione e sulla silhouette, scegliendo un guardaroba che sembra pensato per muoversi naturalmente tra il pontile dell’Excelsior, il photocall e, perché no, una passeggiata sul Lido. È un’eleganza meno formale di quella che immaginiamo sul red carpet, ma proprio per questo perfetta per un arrivo.

Due stili diversi, la stessa idea di eleganza

Scarano e Maupas arrivano dunque a Venezia con due interpretazioni differenti dello stesso concetto: vestire bene senza sembrare vestiti per forza per impressionare. Lei sceglie il rigore morbido della sartorialità Armani, lui la fluidità di un’eleganza maschile contemporanea. Lei punta sulle sfumature del blu e sul bianco, lui sul contrasto tra beige e nero. Due look che non cercano il colpo di scena, ma costruiscono una presenza. E forse è proprio questo il modo migliore per inaugurare una Venezia che li vuole protagonisti della scena.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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Ci sarà, poi, tutto il meglio del cinema italiano. A partire da Nanni Moretti, con il suo Succederà questa notte, con Louis Garrel e Jasmine Trinca, in competizione. Sono 5 i film italiani in concorso. The Echo Chamber di Andrea Pallaoro nasce dall’ultima sceneggiatura scritta da Bernardo Bertolucci. L’estranea di Paolo Strippoli, con Jasmine Trinca, Romana Maggiora Vergano, Adriano Giannini e Valeria Bruni Tedeschi, è un film di genere, un thriller/horror.  Ritorno a Buenos Aires è il nuovo film di Marco Bechis, con Adriano Giannini, che ritorna sul tema della dittatura argentina. Il fuoco che ti porti dentro di Edoardo De Angelis, con Vanessa Scalera, è la storia di una madre possessiva e ostile.

Non c’è Hollywood, ma ci sono molte produzioni in lingua inglese. Ink di Danny Boyle racconta l’ascesa del quotidiano The Sun di Rupert Murdoch. Company di Casey Affleck è ambientato lungo più di un secolo nei villaggi remoti degli Stati Uniti: nel cast ci sono Nick Nolte e Ben Mendelsohn. Wild Horse Nine di Martin McDonagh, con John Malkovich e Sam Rockwell, segue due agenti della CIA in missione in Cile alla vigilia del colpo di stato di Pinochet. Primetime di Lance Oppenheim con Robert Pattinson è la storia di un conduttore di un reality show della NBC che vuole attirare pedofili e smascherarli in diretta. Ci sono poi i film francesi. Un Bon Petit Soldat di Stéphane Brizé continua il suo discorso sul mondo del lavoro, con Alba Rohrwacher e Vincent Lindon.  15/18 (A Place To Heal) di Cédric Kahn è la storia di medico che cura adolescenti con problemi psicologici o psichiatrici. Un Peu Avant Minuit di Nicolas Pariser, con Melvil Poupaud e Chiara Mastroianni, è la storia di un uomo che ripensa ai suoi rapporti con le donne alla luce della sensibilità moderna.

Ma i film arrivano da tutto il mondo Kami Nour (A Bit Of Light) di Ali Asgari parla del regime in Iran, Kvinde Ukedt (Woman Unknown) di May el-Toukhy (regista egiziana ma produzione danese), di un matrimonio minacciato da un’ombra nel passato. In Bucking Fastard di Werner Herzog, Kate Mara e Rooney Mara, sorelle nella vita, impersonano due gemelle che che condividevano comportamento e amori. Dau di Ilya Khrzhanovsky, regista russo, racconta la storia del più grande scienziato dell’era sovietica che ha contribuito alla prima bomba atomica. Look Back del giapponese Hirokazu Koreeda, adattamento cinematografico di un manga, è un coming of age di due ragazzine adolescenti che cominciano a disegnare i loro primi manga e poi intraprendono una carriera nella grande industria. Arriva dal Giappone Mr. Nelson, Did You Kill People? di Shinya Tsukamoto, storia di un reduce dalla Guerra che predica pace nelle scuole. Ga-Neung-Han Sa-Rang (Possible Love) di Lee Chang-dong, arriva dalla Corea, ed è ispirato a uno dei capitoli del decalogo di Kieslowski.

In Orizzonti ci sono quattro film italiani. La ragazza con la Leica di Alina Marazzi, racconta la figura di una fotografa dimenticata, Gerda Taro. Una Storia è l’esordio alla regia di Anna Foglietta con Alba Rohrwacher e Guido Caprino: una moglie scopre il vuoto della propria esistenza dopo che la figlia ha lasciato la casa per l’università. La città dei vivi di Edoardo Gabriellini è tratto dal romanzo di Nicola Lagioia con Valerio Mastandrea. I figli della scimmia, di Tommaso Landucci con Riccardo Scamarcio, racconta una storia di disabilità.

Fuori concorso nella sezione Non Fiction, uno dei film che sembrano più interessanti è Be Brave di Franceso Carrozzini, il primo film dedicato a Renzo Rosso, fondatore di Diesel, e primo documentario italiano realizzato interamente con l’Intelligenza Artificiale. Fuori concorso c’è anche Dio ride di Giovanni Veronesi, con Pierfrancesco Favino e Silvio Orlando, che sarà il film di chiusura. E ci sono due grandi autori: Nessun dolore di Gianni Amelio, con Alessandro Borghi, Valeria Golino e Valerio Mastandrea, e Scherzetto di Mario Martone, con Toni Servillo e Serena Rossi. Place To Be di Kornél Mundruczò è l’ultima apparizione di Ellen Burstyn. The Basics Of Philosophy è il nuovo film del grande Paul Schrader, un’opera morale nel suo stile, con Sofia Boutella e Bill Pulmman. Un Bon Avocat di Tristan Séguéla, con Laurent Lafitte, Mélanie Laurent e Carole Bouquet, è la storia di avvocato dedito alla cocaina. Jupiter di Alexandre Smia con Denis Mènochet e Andrè Dussolier, è la storia di un presidente francese appena insediato che deve prendere una decisione in base a un ultimatum atomico della Russia. Father Joe di Barthélémy Grossmann è la storia di un prete vendicatore che ruba ai ricchi per donare ai poveri, prodotto da Luc Besson, con Kiefer Sutherland e Al Pacino. C’è una sola serie, Peccato di Valerio Vestoso, con Emanuela Fanelli, un mockumentary comedy in cui, in un futuro immaginario, si racconterà la tragicomica carriera di Emanuela Fanelli (la vedremo su HBO Max). Ci sono i cortometraggi, tra cui Flesh Impact di Maggie Gyllenhaal, presidente di giuria, che è dedicato a Marilyn Monroe. E ci sono film lunghissimi, come Joie De Vivre di Luca Guadagnino, un documentario di 435’, 7 ore di analisi dei film di Bernardo Bertolucci. Per quanto riguarda i film sul cinema, ci saranno anche Juso per ferie di Karen di Porto, Nino – Un film su Nino Rota di Walter Fasano, The Pervert’s Guide To Utopias di Sophie Fiennes, Twist And Shoot Mister Suzuki di Yves Montmayeur e Intermission di Yonfan. Nella sezione, Non Fiction, oltre ai film su Renzo Rosso e sugli Oasis e al film di Russell Crowe, c’è Musk di Alex Gibney, dedicato a Elon Musk, un documentario di 4 ore. Nella sezione Venezia Spotlight segnaliamo Hombre Al Agua di Gael Garcia Bernal (Messico) e Serpenti di Roberto De Paolis Maino con Alessandro Borghi, Pietro Castellitto e Valeria Golino.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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È un film pieno di sorprese, Coyote Vs Acme. A partire dall’inizio, in cui, dopo la gag iniziale, e una volta accesa la lampadina della possibile causa nella testa del protagonista, con un breve flashback ci fa vedere una serie di gag storiche di Willy Coyote e Beep Beep, quelle con cui siamo cresciuti, con cui abbiamo riso ogni volta. E qui già qualcosa scatta. Ma le sorprese non finiscono qui. Una volta che il nostro eroe arriva ad Albuquerque, capiamo che Coyote Vs Acme è uno di quei film a tecnica mista, animazione e live action, o meglio animazione 2D e live action, quella tecnica che ha fatto grandi film come Chi ha incastrato Roger Rabbit? e Elliot il drago invisibile, e che presuppone una certa sospensione dell’incredulità per cui si dà per scontato che uomini e cartoni animati vivano insieme e possano comunicare.

Ma le sorprese non finiscono qui. Coyote Vs Acme diventa, sempre virato in commedia e con gag slapstick da cartoon, una sorta di legal thriller. O meglio, uno di quei film sulle cause civili in cui un avvocato e un querelante, soli contro tutti, combattono non solo per sé ma per un bene superiore, il bene della comunità. Ovviamente ad armi impari, come Davide contro Golia. Ed ecco che, tra continui scoppi, cadute, corse e rincorse, salti e giravolte, Coyote Vs Acme segue tutte le regole e gli stilemi di quel tipo di film. Con l’avvocato più improbabile su piazza, certo. Ma improbabile quanto il suo cliente.

Quello che esce da Coyote Vs Acme è un nuovo profilo di Willy Coyote. È finalmente fiero, sicuro, battagliero. L’idea di avere ragione, di essere dalla parte dei giusti, di poter far valere la giustizia, lo rende finalmente qualcuno di determinato. È un’altra persona. Pardon, un altro cartone. Ed è finalmente esplicitato quello che abbiamo sempre pensato sul rapporto con il suo rivale. Senza svelarvi troppo, il destino di Wily Coyote e Beep Beep, alias il Roadrunner, è quello di essere due lati della stessa medaglia. Sono come Rocky e Apollo Creed, come Daniel Larusso e Johnny Lawrence di Karate Kid e Cobra Kai.

Beep Beep è parte della storia, e non poteva essere altrimenti. Ma Coyote Vs Acme è ricco di camei e di citazioni, dal mondo Looney Tunes e non solo. Uno dei personaggi, il Dr. Lorre, fa riferimento, ad esempio, a Peter Lorre, storico attore degli anni Trenta, noto, tra le altre cose, per M – Il mostro di Dusseldorf. È inserito nella storia in modo geniale, come è inserito bene ogni personaggio che entra in scena.

Ma c’è qualcosa di più che ci dice questo Coyote Vs Acme. Che Willy Coyote è un simbolo di resilienza, costanza, impegno. Uno che lavora duro per ottenere il suo obiettivo. Uno che, ogni volta che cade, si rialza e riprova ancora, ancora e ancora. È qualcuno da cui abbiamo davvero tanto da imparare. La bellezza di questo film è che sia riuscito a dare un carattere e una storia a dei personaggi che sembravano bidimensionali, ridotti solo a semplici, per quanto geniali, gag. Geniale anche Lucky Red a prendersi e regalarci questo film che ha avuto una storia tormentata. Prodotto dalla Warner Bros., che è titolare dei diritti dei Looney Tunes, e poi abbandonato, è stato completato da un’altra casa di produzione, ma non era più nei piani distribuitivi della major. Era quindi una carta libera, sul tavolo, solo da pescare. E Lucky Red lo ha fatto. È un film per tutte le età. Piacerà ai più piccoli, ma sarà un cult per il pubblico adulto, visto che intere generazioni sono cresciute con quei bellissimi cartoni animati.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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George Clooney e la lezione del divinismo hollywoodiano

Il re indiscusso della kermesse sarà ancora una volta George Clooney. L’attore riceverà il Leone d’oro alla carriera nella sera d’apertura che si preannuncia memorabile, omaggiato da Laura Dern. Per Clooney, Venezia è una seconda casa, lo sfondo ideale dove celebrare il proprio mito e l’amore con Amal Alamuddin. Ed è proprio sulla giurista, icona di eleganza, che si concentreranno gli sguardi della vigilia:il loro sbarco al Lido è da sempre il compendio perfetto dell’alta sartorialità incontrata dal glamour hollywoodiano d’altri tempi.

Cruz-Bardem e il carisma delle grandi coppie

Il red carpet promette scintille anche grazie alle grandi coppie del cinema e della musica. Penélope Cruz e Javier Bardem tornano insieme al Festival per presentare Bunker di Florian Zeller. Sono insieme da vent’anni, hanno vinto due premi Oscar e sanno dominare la scena con naturalezza. Lei conquista con il suo fascino mediterraneo. Lui porta un carisma austero che rende ogni loro apparizione un vero evento.

Di segno molto diverso, ma altrettanto attesi, sono Liam e Noel Gallagher. L’arrivo dei due fratelli degli Oasis è senza dubbio uno dei più clamorosi dell’anno. I Gallagher saranno al Festival per l’anteprima del documentario sulla reunion degli Oasis, Don’t Look Back in Anger. Occhiali tondi, giacche parka e atteggiamento sfrontato promettono di cambiare il bon ton della kermesse. Per una notte, il Palazzo del Cinema potrebbe trasformarsi in una vera tribuna di Wembley.

Il Lido sarà anche il palcoscenico di importanti cambiamenti di stile. Robert Pattinson, atteso con Primetime, rappresenta bene il nuovo divo contemporaneo. Il suo stile passa dall’eleganza più rilassata al minimalismo d’autore, senza mai perdere personalità.

Grande curiosità anche per Pamela Anderson, presente al Festival con Place to Be. Negli ultimi anni ha scelto un’immagine più naturale e autentica. La sua nuova bellezza punta sulla semplicità e sulla consapevolezza. È proprio questa scelta a renderla uno dei volti più affascinanti e fotografati della stagione.

A completare il quadro ci saranno le sorelle Rooney e Kate Mara, pronte a conquistare il red carpet con il loro stile elegante e ricercato. Attesa anche Maggie Gyllenhaal, presidente della giuria. A rappresentare l’Italia ci sarà una ricca delegazione guidata da Alessandro Borghi, Pierfrancesco Favino, Valeria Golino e Jasmine Trinca.

Tra le luci della Laguna, gioielli da sogno e flash senza sosta, Venezia 83 si prepara così a celebrare ancora una volta il fascino del grande cinema. Perché il cinema, oltre alle storie e ai grandi talenti, vive anche di bellezza, stile e capacità di incantare.

di Cristina Siciliano per DailyMood.it

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Spider-Man: Brand New Day, recita il titolo del quarto capitolo della saga con Tom Holland (nessun Uomo Ragno finora è durato di più, senza contare i film collettivi). Ed è davvero un “nuovo giorno” per Peter Parker. Combattere il crimine a tempo pieno nei panni di Spider-Man in un mondo che non si ricorda di lui — e la pressione di vedere i suoi vecchi amici andare avanti senza di lui — innesca in Peter un cambiamento che potrebbe non riuscire a controllare. Ma questa trasformazione potrebbe essere l’unica cosa in grado di fermare una nuova e sconvolgente minaccia per la città e per le persone che ama: un potente nemico impossibile da vedere. Il mondo può aver dimenticato Peter Parker, ma lui non ha dimenticato nessuno.

Spider-Man: Brand New Day è un film per nulla banale e scontato. Lo si può vedere come una storia di supereroi, certo, e questo è. Ma anche, dimenticando quello che è il “lavoro” di Peter Parker, come una storia su tutti noi. Quando vede le vite degli altri da lontano, sullo schermo di uno smartphone, senza partecipare alle loro esistenze, in fondo fa quello che facciamo in tanti, restare in qualche modo connessi solo tramite uno schermo e non dal vivo. Per alcuni è una scelta, per altri una necessità, per altri ancora l’unico modo. Per Spidey, che per proteggere MJ e i suoi amici ha chiesto a Dr. Strange di cancellare il suo ricordo, è davvero una scelta obbligata. Anche se, di tanto in tanto, prova ad avvicinarsi

Ancora, Spider-Man: Brand New Day è una riflessione sull’amore. Peter ama MJ perché lui non ha dimenticato niente, ricorda ogni momento, ogni bacio e ogni parola. Lei non sa che esiste. Ma, anche se dovesse incontrarlo, capire chi è, non potrebbe esserne innamorata perché non ricorda niente e, in fondo, non lo conosce. Questo elemento mèlo, l’impossibilità di un amore, già lanciato alla fine del terzo film, è uno dei motori della storia ed è gestito molto bene, con dei momenti struggenti. Ancora una volta parliamo di supereroi, ma con i problemi di ognuno di noi.

Ma tutto questo confluisce in quello che è il vero cuore del film. Peter Parker comincia a sentire dei nuovi poteri, delle nuove sensazioni. Ha i sensi più sviluppati, i riflessi più pronti, una nuova forza. E le famose ragnatele biologiche che spuntano dalle braccia. Ma questo lo porta anche ad avere degli istinti pericolosi, a fare delle scelte sbagliate. A volte l’ira e la violenza rischiano di sopraffarlo. E tutto questo è una metafora molto semplice. È il passaggio all’età adulta. Crescere, diventare grandi, comporta anche dei disagi, dei momenti di passaggio, un adattamento. Diventa spesso una sfida con se stessi. Ed è questo che è il racconto del nuovo film dell’Uomo Ragno. C’è una tesi che vuole che tutti e tre i film dello Spider-Man di Tom Holland siano una lunga, lunghissima origin story. E che la vera storia del supereroe cominci adesso. Probabilmente è proprio così.

Tutto questo è il cuore di una storia raccontata in modo molto originale. A partire da un cattivo che, per gran parte del film, è senza volto.  O meglio, ha mille volti. È infatti in grado di trasferire la sua mente in qualsiasi corpo riesce a raggiungere. Il pericolo, così, assume continuamente sembianze diverse e per l’eroe, e anche per noi che guardiamo, è impossibile capire da dove arrivi. Con tutt’altro tono e atmosfera, questo espediente ci ha ricordato quello di un thriller degli anni Novanta, Il tocco del male, in cui, con un semplice tocco di mano o di qualsiasi parte del corpo, sulle note di Time Is On My Side dei Rolling Stone, qualcuno che era probabilmente il Diavolo passava di corpo in corpo.

Qui la risposta arriverà. E avremo anche un volto. E segnerà l’entrata in scena di un personaggio di cui non vogliamo parlarvi, perché rovinerebbe la visione del film. Quello che possiamo dirvi, perché già reso noto, è che in scena ci sono personaggi storici come Mark Ruffalo nei panni del “mite” professore Bruce Banner (che, però, come sapete, è anche Hulk…), personaggi più recenti di cui ci siamo già innamorati, come la Vedova Nera di Florence Pugh (che riceve i suoi ospiti nel suo “ufficio”, nuda in una piscina, in uno dei momenti più sexy e divertenti del film) e nuovi ingressi come Frank Castle, alias The Punisher, eroe scorretto e complementare a Spider-Man.

La costruzione di Spider-Man: Brand New Day è molto interessante, perché permette di aprire molte porte. Trame e sottotrame, ma anche i personaggi entrati in scena, fanno sì che la storia possa continuare con il quinto film di Spider-Man, che arriverà, nei film collettivi degli Avengers (il primo Avengers: Doomsday, è in uscita a dicembre, e anche in nuovi film dedicati ai vari personaggi che vediamo in scena. Il nuovo Spider-Man è un continuo crossover tra storie e mondi. Che la storia andrà avanti ce lo dice la scena post-credit, che stavolta è una sola e poco significativa. Ma quello che conta è che continuerà nei prossimi film. Grandi poteri, grandi responsabilità. Grandissimi poteri, grandissime responsabilità. E, a quanto pare, grandi film.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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