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Terni Pop Film Fest – Festival del Cinema Popolare

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Presentato il Terni Pop Film Fest – festival del cinema popolare

È stato presentato questa mattina in conferenza stampa il Terni Pop Film Fest – Festival del Cinema Popolare che si terrà a Terni dal 27 al 30 settembre, alla presenza dei direttori artistici Simone Isola e Antonio Valerio Spera, il direttore organizzativo Michele Castellani, il Vice Sindaco e Assessore alla Cultura del Comune di Terni Andrea Giuli e l’artista che ha firmato le opere che verranno consegnate ai premiati Lauretta Barcaroli.

Ad aprire la conferenza è stato il Vice Sindaco Giuli che ha espresso subito molto entusiasmo nei confronti della manifestazione: “Sono davvero felice di questa splendida iniziativa. Grazie al coraggio dei due direttori artistici Simone Isola e Antonio V. Spera e a quello del direttore organizzativo Michele Castellani, Terni torna a splendere, risollevando le sorti culturali della nostra città con il cinema”. Gli ha fatto eco il direttore organizzativo Michele Castellani: “Ho avuto la fortuna di conoscere Isola e Spera che mi hanno coinvolto in questa bellissima ‘follia’. Il nostro è un festival che vuole rendere omaggio al cinema popolare, restituendogli il peso culturale che merita”.

Simone Isola, invece, ci ha tenuto a porre l’accento sull’importanza di “legare il pubblico al cinema” e di farlo “in un luogo diverso da Roma, cercando di instaurare un forte legame con il territorio. Un’idea necessaria, nata da un’intuizione di Spera, perché oggi i meccanismi di distribuzione e di fruizione sono cambiati. Quello che speriamo di riuscire a fare con questo festival è cercare di ricreare una sinergia fra il pubblico e la sala cinematografica”.

Il cinema popolare è cultura” – ha esordito Spera – “Anche se, purtroppo, negli ultimi tempi non è più considerato tale. Il nostro obiettivo è proprio quello di restituire al cinema popolare il suo giusto ruolo, specie perché parliamo di un’arte, quella cinematografica, che è l’arte popolare per eccellenza”.

Pop ieri, pop oggi ma anche pop domani. È sulla scia di queste tre linee guida che si svolgeranno le quattro giornate interamente dedicate al cinema popolare. “Abbiamo fortemente voluto omaggiare il passato, e per questo abbiamo scelto proprio un grande del passato con cui aprire questa prima edizione, Bud Spencer. Un omaggio a cui prenderà parte anche la famiglia Pedersoli e di cui siamo molto felici” – ha spiegato Spera. A rappresentare il “pop di oggi e di domani”, invece, saranno le due anteprime nazionali Un nemico che ti vuole bene di Denis Rabaglia (nelle sale dal 4 ottobre con Medusa) e Non è vero ma ci credo di Stefano Anselmi (nelle sale dal 4 ottobre con Notorious Pictures). A chiudere il festival sarà la consegna del Premio alla carriera a Christian De Sica durante la cerimonia di chiusura, in cui l’artista si concederà a un incontro con il pubblico, ripercorrendo i migliori momenti della sua carriera.

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Moonage Daydream: Chiedi chi era David Bowie

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“Chi è? Da dove viene? È una presenza aliena?”. Così una voce introduce David Bowie sul palco prima di un concerto, in una delle prime scene di Moonage Daydream, il film di Brett Morgen dedicato al Duca Bianco, in esclusiva IMAX dal 15 al 21 settembre e dal 26 al 28 settembre al cinema. Il film prova a rispondere alla domanda “chi è David Bowie”, ma non nella maniera che chiunque si aspetterebbe, con il classico documentario fatto di interviste, testimonianze e ricostruzioni esatte e cronologiche dei fatti. Prova a rispondere alla domanda facendoci provare le emozioni profonde che la sua musica, i suoi video, le sue idee ci suscitano. Moonage Daydream è un viaggio nel mondo – anzi nei tanti mondi – di David Bowie, un film emotivo e immersivo, irresistibile e stordente. È un’esperienza totalizzante, a cui abbandonarsi, assolutamente in sala, un flusso di coscienza fatto di musica, immagini e parole da cui farsi travolgere. Probabilmente l’esperienza più vicina a un concerto di David Bowie che possiate vivere oggi.

Chi è allora David Bowie? È stato un simbolo, un modello per molte persone che avevano bisogno di trovare se stesse, la loro identità, il loro posto nel mondo. Il periodo di Ziggy Stardust, quel vestirsi in modo così personale, “vistoso”, come lo definisce lui, è servito a tante persone per liberare il proprio io, la propria personalità, per apparire ed essere chi davvero sentivano di essere. Ognuno, finalmente, poteva essere un “individuo” e non solo parte di una massa. Il suo Ziggy Stardust era nato per raffigurare una rockstar aliena, che riunisse maschile e femminile in sé, come alcune divinità del passato. Ma ognuno poi ci ha trovato dei significati, ognuno si è fatto la sua idea di Ziggy “Era un miscuglio di tante idee. Ci siamo presi la responsabilità di creare il XXI secolo nel 1971”. Le esibizioni dal vivo del periodo di Ziggy Stardust, le foto di Mick Rock prendono lo spazio per tutta la prima parte del film. Assistiamo anche alla famosa posa in cui, simulando una fellatio, Bowie si avvicinava alla chitarra di Mick Ronson e fingeva di suonarla con la bocca.

David Bowie ha scelto di diventare una rockstar anche per quell’aura di mistero che un tempo aveva il mondo della musica. “Ascoltavo Fats Domino senza capire una sola parola dei testi che ha scritto. Rendeva tutto più misterioso. Volevo far parte di quel mondo magico”. E magico David Bowie lo è stato davvero, il mistero delle star del rock è qualcosa che in lui è convissuto con la continua voglia di cambiare e sperimentare. “Molti cambiamenti della mia carriera musicale sono stati una sfida con me stesso”. Tutto questo è evidente in tutta la sua vita artistica, ma soprattutto nella parte che riguarda la “Trilogia Berlinese”, i suoi album Low, “Heroes” e Lodger. Così come si sente la sorpresa per la mancanza di sperimentazione nel periodo di Let’s Dance, che però Brett Morgen, che ammette di non aver compreso appieno quel periodo, qui ci fa capire le sue ragioni, quella voglia di fare una musica più semplice e diretta di diventare semplicemente un performer.

Brett Morgen racconta tutto questo accostando immagini di epoche diverse, mescolando versioni diverse, eseguite in diversi periodi, della stessa canzone. Così una Space Oddity eseguita negli anni Novanta sfuma in una eseguita negli anni Settanta. Il montaggio di Brett Morgen non è mai scontato, non segue una logica prettamente cronologica, ma segue suggestioni, affinità elettive, influenze. A volte sembra che, grazie al montaggio, il Bowie più giovane e quello più maturo si guardino tra loro, si scambino dei cenni di intesa. È come se assistessimo a un Big Bang con migliaia di frammenti, quelli che formano l’eclettico universo di Bowie, a viaggiare sullo schermo per poi riunirsi, Le tante anime di Bowie, e le sue influenze musicali, cinematografiche, artistiche, alla fine si legano tra loro per dare vita a un artista unico e irripetibile.

Brett Morgen ha avuto accesso a un enorme archivio e ha scrutato per anni il materiale a disposizione, cercando di regalare ai fan il materiale più inedito, quello meno scontato, quello che probabilmente non avevano mai visto. Il risultato è strepitoso, è un’opera monumentale in cui ognuno di noi può scegliere il momento preferito, quello da cui farsi sorprendere. Ci sono dei frammenti del famoso documentario Cracked Actor, che coglie David Bowie, intervistato in un’auto, nel massimo della sua paranoia nel periodo americano, negli anni Settanta, da cui è stata tratta ispirazione per alcune scene de L’uomo che cadde sulla Terra (vediamo molte sequenze di quel film, insieme agli altri in cui ha recitato). Vediamo una straordinaria versione di “Heroes” dall’Isolar Tour, quello che seguì l’album in questione. Ascoltiamo World On A Wing mentre la voce di Bowie, da interviste di repertorio, racconta il suo incontro con Iman. È l’unico accenno alla sua vita privata, della prima moglie e del primo figlio non c’è menzione.

La sua vita si è tinta di rosa, racconta Bowie. Proprio lui che, fino a qualche anno prima, nelle interviste diceva di evitare l’amore per evitare distrazioni nella sua arte, di essersi costruito una corazza contro l’amore. Lui che aveva raccontato di non aver mai avuto un orsacchiotto da piccolo, che non gli erano mai piaciute le cose da bambini. Anche se non si racconta la sua vita privata, conosciamo comunque un Bowie intimo, spirituale, profondo. “Crede in Dio?” “Credo in una forma di energia a cui non vorrei dare il nome. Amo la vita, tanto”. In Moonage Daydream ci sono l’immagine, la musica, ma anche la spiritualità di David Bowie, la sua visione personale della fede e di Dio.

Ma David Bowie crede anche nel caos. “Il mondo ha deciso di rifiutare il caos, che invece fa parte delle nostre vite”. Il caos come ispirazione, come spinta creativa. E, se ci pensate, è quello che accade proprio in Moonage Daydream, un caos di immagini e di spunti dove, però, tutto trova magicamente senso, unità, coesione. È davvero un nuovo modo di raccontare i grandi della musica (l’idea di Morgen di un film di questo tipo inizialmente era destinata ai Beatles), senza racchiuderla negli stereotipi del biopic con le storie di caduta e redenzione, senza attori destinati a “imitare” e non “essere” gli artisti in questione, senza regole e paletti. Con Moonage Daydream Brett Morgen ha trovato il modo perfetto per raccontare David Bowie. E di film come questo ne vorremmo tanti altri.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Venezia 79, Leone d’Oro a sorpresa e soddisfazione per Luca Guadagnino

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E anche questa Mostra di Venezia è terminata. Con le solite sorprese finali, qualche piccola immancabile polemica e una (meritata) soddisfazione italiana.

La giuria presieduta da Julianne Moore ha spiazzato tutti. Fino a qualche ora prima della cerimonia di chiusura sembrava non ci fossero dubbi: il Leone d’Oro era di No Bears di Jafar Panahi, regista nuovamente in carcere in Iran, accusato di propaganda contro il regime. Un film bellissimo, che ha emozionato e unito nel giudizio pubblico e critica e che sembrava destinato alla vittoria.

Per chi ha seguito il festival, la sfida era soltanto con un altro titolo, e cioè Saint-Omer di Alice Diop, la documentarista franco-senegalese per la prima volta alle prese con un’opera di finzione. E infatti questi due film sono entrati nel palmares, ma ad avere la meglio è stato un inaspettato terzo “incomodo”, All The Beauty and The Bloodshed di Laura Poitras, documentario incentrato sulla figura della fotografa Nan Goldin. La regista premio Oscar nel 2015 per Citizenfour si è aggiudicata a sorpresa il Leone d’Oro e, dopo le vittorie di Chloé Zhao e di Audrey Diwan, per il terzo anno consecutivo è una donna a trionfare al Lido.

Se a questo aggiungiamo che Saint-Omer alla fine ha ottenuto il Gran Premio della Giuria, quindi il secondo premio per importanza del palmares, non si può non affermare che questa sia stata un’edizione segnata dallo sguardo femminile.

Ed è proprio sul film della Diop che però è nata la polemica. O meglio, sui premi che le sono stati assegnati. Saint-Omer si è infatti aggiudicato anche il premio De Laurentiis per la miglior opera prima. Il problema non è nel merito del riconoscimento ma risiede altrove e cioè nel regolamento della Biennale, che considera ancora opere prime soltanto gli esordi nel cinema di finzione. Ma in un’epoca in cui ormai il documentario è considerato alla stregua del cinema di finzione, dove il cinema del reale ormai partecipa (e vince) nei concorsi ufficiali dei festival generalisti di tutto il mondo (e la vittoria di Laura Poitras ne è la dimostrazione), può una regista che ha alle spalle sedici anni di carriera nel cinema documentario considerarsi un’esordiente? Il direttore Barbera dovrà fare i suoi ragionamenti e – speriamo – mettere mano al regolamento.

Se il film della Diop si è portato a casa due premi, la “doppietta” è stata fatta anche da The Banshees of Inisherin di Martin McDonagh e Bones and All di Luca Guadagnino – in barba al regolamento che non lo permetterebbe (è stata chiesta una deroga). Il film dell’irlandese ha vinto per la miglior sceneggiatura ed è valso la Coppa Volpi a Colin Farrell, mentre il teen horror dell’italiano si è aggiudicato il Leone d’Argento per la miglior regia e la protagonista Taylor Russell ha vinto il premio Mastroianni come giovane rivelazione. Finalmente una bella soddisfazione per Guadagnino, i cui film avevano sempre diviso la Mostra e che invece adesso si è preso la sua meritata rivincita.

La miglior interprete femminile è stata, ovviamente, Cate Blanchett, straordinaria in Tar di Todd Field. E No Bears di Panahi? Come detto è entrato nella lista dei vincitori, ma si è dovuto accontentare del Premio Speciale della Giuria, accolto con una standing ovation dal pubblico presente alla cerimonia.

Qualcuno ha storto il naso per le scelte di Julianne Moore e della sua giuria. Ma in fondo i verdetti a sorpresa, che si sia d’accordo o meno, aggiungono sempre un po’ di brio alla fine di una manifestazione cinematografica. Anche questo è il bello dei festival, è il bello di Venezia. Al prossimo anno, con altissime aspettative per l’80esima edizione.
Photo Credits: @MatteoMignani per DailyMood.it

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Festival Del Cinema di Venezia 79 – Red Carpet | Lion’s Day

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Venezia 79 scopri i protagonisiti del Lion’s Day del Festival Del Cinema.

Per voi i bellissimi scatti di DailyMood.it

Photo Credits: ©matteomignani per DailyMood.it

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