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Westworld. Il “nuovo lost” è molto attuale

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I sogni non significano niente, Dolores. Sono solo rumore. Non sono reali.” “Cos’è reale?” “Quello che è insostituibile“. È finalmente iniziata la seconda, attesissima, stagione di Westworld, che arriva a diciotto mesi dalla prima. A Westworld niente è come sembra. E niente sarà più come prima, ora che la rivolta è iniziata, e che i primi “host”, i residenti del parco a tema ambientato nel vecchio west hanno preso consapevolezza del loro essere, e della loro esistenza. Quella di essere degli automi, degli esseri artificiali creati dall’uomo per il suo piacere e divertimento, destinati a subire, a non decidere, a essere feriti, rovinati. E poi riparati, riprogrammati, resettati – e ignari – per un altro giro di giostra. Tutto questo fino a che la consapevolezza, l’illuminazione di due di loro, Dolores (Evan Rachel Wood) e Maeve (Thandie Newton), ha risvegliato le coscienze di altri host. Ed è iniziata la rivolta, nell’ultima puntata della prima stagione. Westworld 2 inizia da qui. E segue la storia attraverso le due eroine. E l’Uomo in Nero di Ed Harris, e il Bernard di Jeffrey Wright.

La Stagione 1, quella in cui conoscevamo il mondo di Westworld, il parco, i protagonisti, il punto chiave della storia (cioè la consapevolezza del loro stato da parte degli automi), aveva fretta di arrivare a un punto di arrivo, di compiere un percorso, quello delle effettive conseguenze di questa “illuminazione”. La Stagione 2, che a questo punto fa parte di un progetto più ampio (la stagione 3 è già stata confermata), si prende tutto il tempo per raccontare, analizzare, intrattenere (con grandiu sequenze d’azione, spesso molto violente), anche divagare. Per la sua caratteristica di serie rompicapo, di gioco ad incastro, di mistero costante, Westworld, creata da Jonathan Nolan e Lisa Joy (con J.J. Abrams tra i produttori) è evidentemente il nuovo Lost. Lo è nel suo incedere: mentre si aspetta la prosecuzione di una storia, ci si ritrova all’improvviso in un’altra, magari nuova, apparentemente staccata. Lo è nel dipanarsi della storia: ci si aspetta una spiegazione, ma spesso non arriva, e arrivano altri misteri. Lo è nelle linee narrative: il doppio piano temporale, sorpresa che deflagrava come una bomba alla fine della prima stagione, offre una dialettica tra passato e presente come il flashback e i flashforward di Lost. Ma con un aspetto in più. Lì il gioco era dichiarato da subito. Qui passato e presente, nella prima stagione, sono parsi la stessa cosa fino allo svelamento finale. Nella seconda stagione ormai abbiamo capito il gioco. Ma, nonostante questo, il passaggio tra l’uno e l’altro appaiono sempre sfumati.

Questo è uno dei motivi per cui Westworld, in questa seconda stagione, è un mondo espanso. Perché alla timeline del qui e ora c’è quella del passato, circa 35 anni prima, e anche quella di un passato molto più recente. Ma non si espande solo nel tempo, lo fa anche nello spazio. Usciamo fuori dal parco, nel mondo reale, prima che il parco vada a regime. E ci spostiamo in altri parchi, altri “mondi”, altri temi: affascinanti, caratterizzati, spietati come il mondo del vecchio west. In particolare, è affascinante il momento in cui vediamo il mondo “fuori” dal parco, la vita reale della seconda puntata, Reunion. Siamo nel passato, Dolores finora ha vissuto in Westworld, ma il parco deve ancora essere lanciato. E così alcuni automi vengono portati a un ricevimento, nella vita reale, per testare come non si possano distinguere dagli umani. La Dolores di Evan Rachel Wood, affascinante in borghese, in un semplice tubino, guarda il mondo, e le luci della città per la prima volta, con lo stupore di una bambina.

Come abbiamo detto, sono lei e Maeve il nostro punto di riferimento in questo viaggio alla scoperta dei sogni e dei desideri degli automi. Dolores e Maeve sono il “filosofo” della caverna di Platone, colui che ha scoperto che le loro vite non sono che ombre riflesse, una copia della realtà. E ora hanno il compito di dirlo agli altri. È interessante che il risveglio e la rivolta sia guidata da due donne. È una metafora, forse non voluta ma intrigante, del risveglio del movimento femminile alla prevaricazione e alle molestie, quello noto con la sigla #metoo. Dolores e Maeve sono due donne che, inizialmente da sole, credute a stento, si ribellano contro uno status quo acquisito di violenze, prevaricazioni, riduzioni del loro ruolo ad oggetto. È qualcosa di molto attuale. Come lo è tutto il discorso dei dati e delle informazioni che la Delos, la compagnia che gestisce il parco, raccoglie sui propri utenti…

Westworld è un racconto tanto oscuro, e intricato, quanto appassionante. Il gioco è stato chiaro fin dai primi minuti di questa storia. Entriamo in empatia con questi automi (li abbiamo chiamati replicanti, androidi, mecha) che sono più umani degli umani: hanno sogni semplici, come libertà, amore, condivisione, verità. Mentre l’uomo, che nel parco non ha freni né inibizioni, ormai sfodera la sua vera natura di violenza, ingordigia, lussuria, un’evoluzione che lo porta sempre più lontano da quella parola che è umanità. Per gli automi è reale quello che fa provare loro qualcosa. E allora non importa che il ricordo della figlia di Maeve sia un programma, com’erano un “innesto” i ricordi della Rachel di Blade Runner: è reale perché le fa provare qualcosa, la fa sentire viva.

di Ermisino Ermisino per DailyMood.it

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You. Natale con lo stalker. Su Netflix

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C’è New York. C’è una vecchia libreria. E un libro che lei sta cercando. C’è un ragazzo, che lavora lì, che l’aiuta. C’è un gioco di sguardi. Sorrisi. Battute. Potremmo essere in una tipica Rom Com americana, potremmo essere in Serendipity. E invece no. Siamo dentro You, la nuova serie originale Netflix che ci terrà compagnia durante queste feste natalizie, per la precisione dal 26 dicembre. Non è una storia d’amore, ma quella di un’ossessione. Joe (Penn Badgley) è un libraio, brillante ed educato, che sa scrutare e capire gli altri. Guinevere, per gli amici Beck (Elizabeth Lail) è una studentessa di lettere, e un’aspirante scrittrice: è bella, brillante, istintiva. È naturale che si piacciano, che si frequentino. Il problema è che lui non lo fa come lo farebbe un qualsiasi ragazzo. Dal primo istante comincia a seguirla, a controllarla, in tutti i modi. Sì, You potrebbe chiamarsi Diario di uno stalker.

C’è quella finestra sempre aperta, senza tende, in quell’appartamento al piano terra di Beck. Non è la finestra sul cortile di Hitchcock, dà su una strada. Ma il concetto è quello, Joe è sempre là. Ma se, ai tempi di Hitch, o a quelli di Omicidio a luci rosse di Brian De Palma, scrutare era qualcosa che coinvolgeva solo la vista diretta – al limite aumentata da qualche teleobiettivo – oggi il nostro sguardo è potenziato dai social media. Joe infatti non esita a entrare nei suoi profili social, nel suo smartphone, in modo da scrutare ogni aspetto della sua vita. E non esita a eliminare ogni ostacolo si frapponga tra lui e Beck. L’amore ai tempi dei social media è molto più complesso. E lo sono anche le violazioni della privacy.

In molti film Joe sarebbe il cattivo. Lo è, questo non lo mettiamo in dubbio. Ma è anche il protagonista. Seguiamo il racconto dal suo flusso di coscienza, dalla sua voce narrante. E, se non entriamo in empatia con lui, non ne condividiamo i comportamenti, non possiamo fare a meno di entrare nel suo punto di vista. La vera forza di You sta nell’ambiguità dei personaggi. Joe è uno stalker, un manipolatore, ma si prende cura di quel bambino che vive vicino a casa sua, e ha una situazione familiare tremenda. Gli presta i libri. Gli fa leggere Don Chisciotte, uno che crede di essere un cavaliere, ed è gentile con le donne. Ecco: Joe è così. È gentile con le donne, è gentile con tutti. Ma poi ha anche un altro lato. Così anche Beck fa spesso scelte controverse. È una donna, non è una santa, come diceva quella vecchia canzone.

E questa dualità si rispecchia nella forma narrativa di You. Quella che ci racconta è fondamentalmente una storia da thriller e, nel novanta per cento dei casi, sarebbe stata trattata come tale. L’originalità di Greg Berlanti e Sera Gamble, i creatori di You, sta nel maneggiare questo materiale con i toni della commedia sentimentale: le puntate scorrono leggere, briose, sospese. Con un’inquietudine che striscia sotto pelle e non ci abbandona mai. A contribuire alla confezione c’è una New York (siamo nel Village) ideale, incantata, avvolta in una luce calda, pastosa, dorata, che potrebbe essere quella di un caldo pomeriggio di inizio autunno. È la New York dove tutti vorremmo vivere un sogno. Invece è un incubo. Che, sappiatelo, non finirà qui: la serie è stata confermata per una seconda stagione.

Perché dentro a quella libreria dove vorremmo tanto perderci, c’è un cuore oscuro. È il piano interrato, dove c’è una stanza con una “cella” che serve a conservare, in uno stato perfetto, i libri antichi. Potrebbe essere l’antro di un alchimista, lo studio di un profiler dell’FBI. Potrebbe essere il nascondiglio di un serial killer. Quei vetri che chiudono lo spazio, con quelle prese d’aria rotonde, ci ricordano tanto anche il luogo di custodia di Hannibal Lecter ne Il silenzio degli innocenti.

Ma è proprio da questo posto che partiamo per spiegare come non tutto, in You, funzioni. La serie ha sostanzialmente dei problemi di plausibilità. Come è possibile che nessuno scenda mai in quella cantina e non si accorga di cosa succede? Come è possibile che, dopo alcune cose che accadono lì, tutto torni magicamente a posto? Domande legittime, che però non inficiano la piacevolezza della visione di quella che è sicuramente una serie “minore” per Netflix, con attori non eccezionali ma tutto sommato funzionali, e una produzione lontana dai grandi capisaldi della narrazione Netflix. You è dolcemente inquietante, o inquietamente dolce. Fate voi. Per qualche brivido dopo Natale può andare bene.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

 

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The First. Sean Penn, il primo uomo su Marte

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Quello che è lontano è vicino. Così vicino che è sotto la pelle. Che respira, pulsa, corre. Aspetta che tu lo trovi”. Sentiamo queste parole dalla voce narrante di Tom Hagerty, il protagonista di The First, interpretato da Sean Penn, per la prima volta attore in una serie tv. The First, prodotta da Westword Productions in collaborazione con Hulu, Channel 4 and Endeavor Content, è disponibile in streaming su TimVision dal 19 dicembre. Racconta la preparazione di un team di astronauti alla prima missione su Marte guidata dal capitano Tom Hagerty, dopo che un tentativo, a cui il capitano non ha preso parte per volere altrui, è fallito, e varie persone hanno perso la vita. L’autore di The First è Beau Willimon, conosciuto per la sceneggiatura de Le idi di marzo e come showrunner di House Of Cards. The First non racconta solo la corsa allo spazio, ma anche le vicende di Tom Hagerty (Sean Penn) con la figlia Denise (Anna Jacoby-Heron, Stranger Things, Grey’s Anatomy), degli altri astronauti e della responsabile della società aereospaziale Laz Ingram (Natascha McElhone, Designated Survivor, Californication, The Truman Show).

L’anima dello show, inutile dirlo, è lui. Sean Penn. Da un po’ non lo vedevamo in un grande ruolo al cinema: lo ritroviamo qui, sul piccolo schermo. Penn è come il vino: invecchiando migliora. E ogni ruga, ogni segno, ogni piccolo grande solco sul suo viso sembra raccontare una storia. Ovviamente racconta la sua. Ma sembra raccontare anche la storia di Tom, il suo passato, la sua vita non facile. L’aver messo il piede sulla Luna (una scritta, in tv, ci dice che è stato il tredicesimo uomo), l’aver perso la moglie, aver perso e poi ritrovato i contatti con la figlia, che ha problemi di dipendenze. E poi aver dovuto rinunciare, per ordini dall’alto, al primo lancio della missione su Marte. E, proprio per questo, essere sopravvissuto ai suoi compagni e aver assistito alla loro morte. Se Penn è l’anima di The First, Hagerty è l’anima della missione spaziale, la memoria storica e il leader, l’esperienza e la passione per i viaggi nel cosmo. È lui che, nel momento in cui i finanziamenti ai viaggi spaziali vengono messi in dubbio, viene scelto come testimonial per rilanciare la corsa allo spazio. È lui il primo ad arrivare sul luogo dell’incidente dopo che il primo lancio è finito tragicamente. E sarà lui a guidare la prossima missione, 23 mesi dopo la prima.

Sean Penn lavora di sottrazione. Il suo personaggio, come certi eroi dei film western, parla pochissimo. Gli basta uno sguardo, un annuire, un commento laconico. Il suo Tom Hagerty è un personaggio carico di umanità. E sembra saper fare sempre la cosa giusta. Come quando, pur soffrendo per non essere sulla navicella in partenza, chiama il suo equipaggio per incitarlo. O quando, chiamato per perorare la causa dei viaggi nello spazio davanti a una commissione governativa, non se la sente di dire troppo per rispetto verso i genitori di una delle vittime. È un uomo tutto d’un pezzo. Ma non esita a diventare buffo, quando gioca con un tramezzino per non far pensare alla morte una bambina che ha appena perso il padre. O quando rispolvera una vecchia gag per consolare la figlia, che ora è grande, e ha problemi di tossicodipendenza.

Il suo Tom Hagerty è uno che si sporca le mani. Perché nel 2030 raccontato dal film le auto saranno a guida autonoma, tutto si azionerà con il comando vocale, ma i tubi dell’acqua si rompono ancora, e le cantine polverose si devono ancora pulire. The First indugia molto su questo contrasto tra progresso e radici, tra moderno e antico, tra tecnologia e lavoro manuale. In tutto il film Penn è spesso alle prese con cose tattili, pratiche, materiche. Il suo sguardo è rivolto verso le stelle, e i suoi piedi sono ben piantati per terra. Così, The First mescola l’epica all’intimismo, il grande al piccolo, il pubblico al privato. Come sa fare la grande serialità di oggi, mette al centro l’uomo, e si prende tutto il tempo per raccontarlo. Se Beau Willimon, in House Of Cards, metteva in piedi un meccanismo frenetico e isterico di rincorsa al potere, qui trova un racconto di ampio respiro, dai ritmi rilassati. Entra nel mito tutto americano della corsa allo spazio per demolirlo e ricostruirlo da capo. E ci fa guardare le stelle per farci guardare dentro.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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The Marvelous Mrs. Maisel. Siamo donne, negli anni Cinquanta come oggi

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Immaginate un Woody Allen pieno di gioia di vivere. E, soprattutto, donna. Ora immaginatela con un corpo da pin-up e un volto da fata. Tutto questo è Miriam Maisel, protagonista di The Marvelous Mrs. Maisel, con il corpo e il volto di Rachel Brosnahan. La fortunata serie di Amazon Prime Video, dopo una prima stagione scoppiettante, e svariati Emmy, torna dal 5 dicembre con la seconda stagione.

La storia probabilmente la conoscerete: Miriam Maisel, per tutti Midge, una donna dell’alta borghesia ebrea nella New York degli anni Cinquanta, viene lasciata dal marito Joel, commerciale con velleità di fare il comico, la sera dopo un’esibizione disastrosa di lui sul palcoscenico di un piccolo club. Il caso la porta a salire su quel palco ed esibirsi con un grande successo. La prima stagione iniziava così. La seconda prende l’avvio dopo un’altra strepitosa esibizione, quella che aveva chiuso la prima: Midge ha avuto recensioni positive e comincia ad essere richiesta per i suoi show. Ma è costretta a volare a Parigi dove, all’improvviso, è andata la madre Rose. Quello show che l’ha consacrata, però, ha anche interrotto bruscamente la storia con Joel proprio mentre stava per ricominciare…

È quasi una consuetudine, nelle serie più importanti degli ultimi anni (vedi Westworld e The Handmaid’s Tale), cambiare il ritmo e il respiro narrativo a partire dalla seconda stagione. Spesso la prima stagione serve a sparare molte delle cartucce nel caricatore, a mostrare il potenziale. E così la serie viaggia spedita, con un arco narrativo perfetto tra l’inizio e la fine. Se una serie ha successo e viene confermata si comincia a pensare allo svolgimento dell’arco narrativo su più stagioni. E quindi il respiro si fa più rilassato, la serie si prende più tempo per arrivare dove deve. È così anche per The Marvelous Mrs. Maisel. L’escursione a Parigi sembra un po’ questo, un prendere tempo, una digressione. Più interessante è invece lo spazio che viene dato a Joel (Michael Zegen), anche quando non è in relazione a Midge: l’inizio della serie poteva farne anche una comparsa, o un antagonista. Invece diventa un personaggio a tutto tondo, scritto e interpretato con garbo. C’è più spazio anche per la manager di Midge, Susie (Alex Borstein). Ma quando la signora Maisel non è in scena l’attenzione cala.

Sì, se The Marvelous Mrs. Maisel è un successo è anche grazie alla sua protagonista. Occhi verdi, pelle di porcellana e capelli dai riflessi ramati, la mascella volitiva che sa aprirsi in un sorriso dolcissimo, Rachel Brosnahan (che avevamo visto in House Of Cards) è bellissima eppure è buffa. Potrebbe essere un unicum nel panorama della serialità e, un giorno, anche del cinema. È raro vedere attrici così belle che sappiano essere non solo brillanti, ma anche comiche. Meg Ryan era soprattutto una star della rom com, Cameron Diaz è entrata alla grande in mondi comici come quello dei Fratelli Farrelly, ma era soprattutto una spalla per altri. Rachel Brosnahan entra in un personaggio che è una protagonista assoluta, è divertente, tagliente, sfrontata, e mette alla berlina gli uomini, facendo ridere dei loro difetti.

Se ci pensiamo è proprio quello che fa The Marvelous Mrs. Maisel, la serie creata da Amy Sherman-Palladino (Una mamma per amica). È una serie che arriva tempestivamente nel dibattito sociale dei nostri giorni, quelli del #metoo e della rivincita femminile. La serie della Sherman-Palladino parla proprio di quanto sia difficile per una donna stare in un mondo maschile, fare un lavoro maschile (o meglio, fare un lavoro…), senza venire additata, sottovalutata, esclusa. Dai tempi di Dante Alighieri parlare del passato per raccontare il presente è stata sempre un’operazione riuscita. E così gli anni Cinquanta, con i loro colori pastello, i loro schemi, i loro rituali, sono lì per dirci che ancora oggi, per le donne, la strada è in salita.

Non citiamo Woody Allen a caso, perché in The Marvelous Mrs. Maisel c’è tutto il suo umorismo jewish, tutto il suo fare ironia su se stesso, la sua nevrosi e la sua New York. Prendere il mondo degli stand up comedian è la chiave perfetta per raccontare un percorso di consapevolezza e di rinascita al femminile, per liberare il talento comico della protagonista in quello che, sul palco, diventa allo stesso tempo uno show e una seduta di autoanalisi, un percorso personale e un discorso universale. Miriam Maisel è come un supereroe: una donna dall’intelligenza sottile e dal carattere brillante per cui il palco è il fattore scatenante di un superpotere, la trasforma e la fa diventare ancora più forte. È sul palco che porta a termina la sua missione. Midge è come Hulk, trasformata dalla rabbia per quello che le accade nella vita. Non diventa verde, ma spassosa, tremendamente tagliente e divertente. La rabbia diventa spettacolo, e torna indietro trasformata in consapevolezza e libertà. La signora Maisel ci ricorda cosa vuol dire spesso essere donna. È come quello che accade a Midge alla fine della seconda puntata: per una donna i riflettori tardano sempre un po’ di più ad arrivare.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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