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Il natural mood nella mostra Extinct in the Wild di Michael Wang

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Largo ai giovani talenti. E se Prada Group è da sempre attiva nella promozione e nel sostegno dei talenti , in modo particolare al fine di creare nuovi percorsi creativi, il lancio di un concorso mondiale con altri attori e partner di eccellenza, ha portato in questi ultimi anni, alla realizzazione di progetti dai contenuti e percorsi pronti ad essere esplorati e declinati per creatività e qualità. Nasce così il progetto Extinct in the Wild nell’ala nord della Fondazione Prada a Milano dell’americano Michael Wang. L’artista, nel 2014 vincitore proprio con questo progetto “Extinct in the Wild di Michael Wang“, sviluppò ed ha sviluppato da allora sino ad oggi, quello che è il ruolo degli essere umani nella conservazione della specie di flora e fauna che, inevitabilmente, nel corso dei secoli ha colonizzato e fatto propria. Nella mostra, il progetto artistico è evidente: per le specie animali e vegetali la targetta dell’opera diventa titolo con l’indicazione del solo nome scientifico. E non solo. Le categorie di classe, ordine e specie ecc. diventano sintesi della tecnica utilizzata: la registrazione del loro anno di ultimo avvistamento, che sostituisce nella targhetta, il materiale che viene utilizzato e viceversa. Una raccolta quindi di esemplari sicuramente unica, sia di flora che di fauna, spesso di tipi non più esistenti in natura, che sopravvivono solo grazie all’intervento dell’uomo in un nuovo percorso di vita. Perchè far crescere un albero, abbandonare la coltivazione di alcune biodiversità di specie (per altre), costringere la natura a svilupparsi fuori dal proprio ambiente naturale (per sopravvivere o farla scoparire,) pare accogliere il pubblico attento come in una teca di luce. Inoltre, attraverso le fotografie che ne fanno da corredo lungo le pareti di fondo, pare quasi ripercorrere la storia del progetto attraverso la sua sintesi estrema. Ecco che le grandi teche-serra in mostra alla Fondazione Prada a Milano, predono quindi vita propria e ripercorrono, affiancate come sono dalla mostra fotografica sul fondo della parete, i due registri linguistici presentati che, in un continuo discorrere provocano ed ammiccano confondendo l’ambiente industriale che, si solito, ospita arte prodotta e non viva: come biopsie fotografiche, le immagini, a gruppi di due, offrono allo sguardo del visitatore il sito dell’ultimo avvistamento e l’attinenza alla specie naturale stessa: un mondo naturale che si offre dall’Est all’Ovest del mondo, mentre la cura delle teche, affidato ad un team della Fondazione che si occuperà non solo di questi organismi viventi (tra cui alcuni piccoli animali) ma anche della manutenzione, identifica l’unica intenzione umana possibile: l’unico fine, di mantenere in vita se non addirittura “salvare” la natura frastornata dai cambiamenti che l’uomo vuole. Una testimonianza diretta e “viva” quindi, di quanto, avendo bisogno dell’uomo, il mondo naturale sia quasi in una costante “cattività” e di come l’uomo culturale, necessiti quasi di un percorso emozionale che funga da “biopsia” dei vari tipi di flora e fauna presentati nelle teche ed a cui l’uomo stesso l’ha condannata e costretta come si evince dalle foto. Un mondo “fuori”, che si puo’ spiare dando un’occhiata spietata nelle teche, dove un ambiente al 100% naturale viene reso più confortevolmente umano, snaturandolo oppure concimandolo. Esattamente come accade nell’arte contemporanea e moderna, dove viene presentato un mondo umano che spesso, di umano non ha più molto.
Come il mood del naturale esemplifica appieno e che abbiamo in altri articoli più volte citato, la ricerca di una radice comune o di un “homo” radix appare invece sempre più sentita ed essenziale da cercare: non solo interessante ma utile, al fine di comprendere meglio non solo i fenomeni culturali (di una società in cui lasciare andare appare più semplice che preservare). In modo particolare quando si parla di testimoniare la bellezza, naturale o culturale che sia.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Eventi

Vite controcorrente ed il mood delle donne nella mostra Divine e Avanguardie di Palazzo Reale a Milano

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Retrospettive di straordinarie pittrici russe, stavolta a Palazzo Reale di Milano, che nel rispetto del DPCM del 3 novembre rimarra’ chiuso sino al 3 Dicembre ma sara’ visitabile sino al 5 Aprile 2021 e che ripercorrono spesso vite controcorrente paragonandole alle loro opere, cercando di evidenziarne il felice esito tra evoluzione culturale ma soprattutto, sociale nell’ Urss di ieri, oggi e domani.Quadri molto significativi ma in Italia sconosciuti o poco noti, in particolare per quell’idea di “restituzione dell’arte russa” che enfatizza il ruolo che le donne hanno avuto in questo paese. Proponendole nel loro ruolo sociale e nella loro capacita’ di “azione-reazione” rispetto al mondo esplorato e non , dell’arte.Una mostra che pare quasi un iter emozionale, fondamentale per comprendere  e “restituire”, come recita la presentazione alla stampa: “un’idea dell’arte russa e del fondamentale ruolo delle donne in questo Paese, del loro contributo alla Storia dell’Arte, del loro ruolo nella società per l’emancipazione e per il riconoscimento dei diritti attraverso un ricco corpus di opere, tramite mezzi espressivi e tecniche differenti per rappresentare

l’evoluzione culturale e sociale […]“, riuscendoci appieno. Otto sezioni -imperdibili le prime sale con le Madonne e le Sante e le successive delle contadine-operaie vs le imperatrici- e due grandi capitoli. Ecco in sintesi la mostra. Grandi “divine” dell’arte , pittrici e muse, che nelle sale, significative anche grazie all’ausilio delle audioguide, guardandone i quadri aiutano lo spettatore ad immergersi nel mondo a cui appartengono e che diventano quasi una sorta di racconto emozionale appunto, per inquadrature di una storia nella storia della donna e del suo ruolo sociale in una terra che, ancora oggi, appare lontana. Dove i quadri narrati, diventano racconti quasi “in parallelo” di quei mondi lontani, delle loro vite stesse. Come una sorta di manuale con vari segnalibri, ecco che i quadri presentati nelle sale e molto ben spiegati e presentati in catalogo, edito da Skira. Una mostra che vanta illustri patrocini tra cui quello del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e il Turismo, Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, Consolato Generale della Federazione Russa e sotto la cura e la supervisione di Evgenia Petrova, Direttore Scientifico del Museo Russo e Joseph Kiblitsky. Un proclama coraggioso di donne che in questo modo diventano appunto “dive” in continuo dialogo con l’essenza della rilettura della storia Circa 90 opere in una sorta di circuito, insomma, mostrate molte per la prima volta in Italia: come recita il materiale stampa infatti ecco ” Il’ja Repin, Boris Kustodiev e Filipp Maljavin, il suprematista Kazimir Malevich e i maestri degli anni Dieci e Venti del Novecento, Aleksandr Dejneka, Kuzma Petrov-Vodkin, autore del ritratto della poetessa Anna Achmatova, solo per citarne alcuni”. Una mostra fortemente voluta dal Comune di Milano e Palazzo reale, con CMS Cultura e nato dalla fitta collaborazione con il museo di stato russo di San Pietroburgo.Emozionarsi, per emozionare. Il mood delle donne che diventano “fattrici” di un  ruolo di artiste che le identificano appieno nel loro essere avanguardia, in particolare “russa”. Un modo per immergersi in una atmosfera dal sapore originale tra nomi quali  Natalia Goncharova, Ljubov Popova, Aleksandra Ekster , una accanto all’altra tra cielo e terra, tra trono ed indipendenza, come appunto sono titolate le varie sezioni della mostra.Tra famiglia, rituali e convenzioni, irrompe anche la moda, il corpo delle donne tra femminilita’ e scoperta di se’ , su alcuni manichini proposti nella penultima sezione della mostra, attraverso i colori e le luci accese degli accostamenti mai provocanti, ma “provocati” quando l’arte era ovunque, anche negli abiti da portare che rendono il corpo e l’anima delle donne sempre piu’ voluminoso , una sorta di “corpo a corpo” con quello dell’uomo. Bellissimo , concludendo, l’effetto che ne ottiene l’allestimento dell’ultima sala, con il modello in bronzo di Vera Mukhina pe il padiglione URSS di Expo 1937. Ed ora? Il mood delle donne puo’ ancora considerarsi una avanguardia?  Ai posteri l’ardua sentenza ma resta l’esempio di queste donne, da cui forse attingere, in particolare in momenti di difficolta’ come quelli in cui si vive a causa della pandemia che seppero fare di “necessita’ virtu’ “, alcune delle quali amando, creando connubi artistici (noto quello della Natalia Goncharova con Mikhail Larionov)  altre creando arte a 360 gradi ma tutte, offrendo esperimenti emozionali in tempi difficili fatti di arte, pittura, moda e teatro, sino ad arrivare alla performance.

di Cristina T. Chiochia  per DailyMood.it

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Il mood dell’essere donne nella nuova mostra su Margaret Bourke- White. Una riflessione nella città del secondo lockdown

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Prima, donna. Margaret Bourke-White è una mostra che si sta volgendo a Milano sul tema dell’essere primi, dal 25 settembre 2020 al 14 febbraio 2021 ( e che in ottemperanza del decreto sarà chiuso dal 5 novembre al 2 dicembre 2020). E parla di una donna fotografa un pò speciale, come la identifica il titolo appunto. Coraggiosa e forte di fronte alle difficoltà della vita e probabilmente non è un caso che la mostra si svolga proprio a Milano, durante il secondo lockdown a causa della pandemia. Prima in assoluto dunque , chiara in quello che mostra e non perchè fosse una donna. Per questo invita a riflettere sul mood dell’essere donne ancora una volta, dopo la mostra su Frida Khalo, citando ora questa mostra che sembra una vera e propria riflessione nella città più colpita di questa fase della pandemia. Infatti, come recita il comunicato stampa del volume che la completa :”ripercorre le vicende e il lavoro di una delle figure più rappresentative ed emblematiche del fotogiornalismo internazionale. Una donna che, con le sue immagini, le sue parole e tutta la sua vita, è stata in grado di creare un personaggio forte e invidiabile costruendo il mito attraente di se stessa. Pioniera dell’informazione e dell’immagine, Margaret Bourke-White ha esplorato ogni aspetto della fotografia: dalle prime immagini dedicate al mondo dell’industria e ai progetti corporate, fino ai grandi reportage per le testate più importanti come Fortune e Life; dalle cronache visive del secondo conflitto mondiale, ai celebri ritratti di Stalin prima e poi di Gandhi (conosciuto durante il reportage sulla nascita della nuova India e ritratto poco prima della sua morte); dal Sud Africa dell’apartheid, all’America dei conflitti razziali  fino al brivido delle visioni aeree del continente americano. E a un certo punto sarà Margaret Bourke-White stessa che accetta di porsi davanti e non dietro all’obiettivo, diventando a sua volta il soggetto di un reportage in cui il collega Alfred Eisenstadt documenta la lotta della fotografa contro il morbo di Parkinson, malattia che la porterà alla morte. Una battaglia in cui non avrà paura di mostrarsi debole e invecchiata, nonostante un’eleganza e un buon gusto a cui non rinuncerà mai, confermandosi ancora una volta la prima in tutto“.

La Riflessione sul mood della donna parte quindi da questa “unicità” di essere “prima in tutto”, in tantissime sfide, perchè essere umano. La sua fotografia densa e particolare (così reale da diventare astratta) tanto da essere particolarmente riconoscibile ancora oggi, per le sfide che rappresenta. L’essere donna quindi come testimonianza del coraggio che ci vuole nell’affrontare la vita e le particolari situazioni e sfide che offre ed offrirà sempre, semplicemente perchè è la vita e bisogna affrontarla: come una sfida che bisogna affrontare, imparando a compiere quella che è una vera scelta sulla “giusta distanza”, in una modalità che a tratti diventa “aerea” (salendo sui cornicioni dei grattacieli) a tratti giocando sulle dimensioni micro e macro del formato e poi, occupando un posto di primo piano come “cronista”, nell’accezione piu’ bella del termine: come testimone degli avvenimenti che accadono, per documentarli.

La mostra suddivisa per stanze tematiche quasi una sorta di percorso biografico per immagini, infatti sono 11 e permettono di spaziare dalle foto più piccole a quelle di grande formato, dalle acciaierie a quelle piu,’ documentaristiche con forte impatto sociale, come quelle sulla grande depressione a quelle delle foto prodotte con le riviste Life e Fortune, sino a quelle che si inseriscono in modo magnifico nel “mood delle donne” del coraggio, come testimonianza della svolta fotografica dove documenta gli anni della seconda guerra mondiale come fotoreporter (per lei fu disegnata la prima divisa militare per una donna corrispondente di guerra) e che la porto’ al seguito dell’esercito americano Nord Africa, Germania e Italia, in quel di Cassino e la sua tragedia, dove si scontra con la realtà delle persone. Vere, affamate. Disperate. E delle loro vite nella miseria della disperazione. E da lì la svolta fotografica. I bellissimi reportage sulle persone e non solo al vero e proprio lavoro di documentazione: dall’India di Gandhi (sua la foto al celebre arcolaio con il Mahatma che, prima di fargliela fare, le chiese di imparare ad usarlo ed il Sud Africa dell’aparthaid ed infine, la sua stessa fragile vita, segnata dalla malattia invalidante per antonomasia. Fotografa composta e coraggiosa, per comprendere il valore di “avere una macchina fotografica” , in particolare nelle fotografie in germania, nei campi di concentramento. Con avvenimenti difficili da raccontare. Con l’obbligo morale pero’, di raccontarlo agli altri. Concludendo quindi, il mood delle donne segna un vero e proprio intuito del riuscire a “mettere a fuoco” la vita, quando tutto diventa entropico e veloce, affidandosi ad un particolare intuito che fa da “zoom”, piuttosto che l’esperienza in sè. Imparando a “tenersi stretta” la realtà, per come è, non per come dovrebbe essere, come modo di vedere il mondo per sopravvergli, in tutti i modi (celebre l’aneddoto che lei stessa racconta in un documentario sulla sua vita ed esposto in mostra dove parla dei tempi della guerra, del bombardamento della nave su cui era e di una scatoletta di carne che le consegnarono in scialuppa, l’unico sostentamento li, dispersi, in mezzo al mare, ma che lei non aprì a differenza di molti altri ed usò, per tutta la vita come fermacarte sulla scrivania del suo lussuoso appartamento perchè ne avrebbe potuto , chissà, averne bisogno). E non averne paura. Ecco. Non avere paura. Ecco il vero mood delle donne che testimonia Margaret Bourke White. Per catturare, con coraggio, la possibilità di essere e di sentirsi vivi pur in una realtà inumana, difficile da vivere e da comprendere. Caratteristiche importanti anche ora, per restare umani, aspettando che tutto finisca per riprendere le proprie vite, proprio come un lungo lockdown.

di Cristina T.Chiochia per DailyMood.it

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Ripartire dall’arte del gioiello per riconoscersi nella mostra “Caos Dentro” su Frida Khalo

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A Milano, presso la Fabbrica del Vapore, è stata inaugurata recentemente una bella mostra su di una donna significativa oltre che pittrice messicana: Frida Khalo che proseguirà sino al 28 Marzo 2021. Un vero e proprio percorso sensoriale che, grazie anche all’uso della tecnologia, offre nelle varie stanze, spunti interessanti sulla vita reale, la disabilità mai subita, l’amore per il marito, la passione per la vita di questa donna che è diventata una vera e propria icona di stile. Ma non solo. Grazie anche ai vari curatori delle sezioni in mostra, coordinati da Antonio Arevalo, la mostra “Frida Kahlo- il caos dentro” va oltre.

Infatti, una intera sezione della mostra offre la possibilità di osservare da vicino, in teche illuminate e  distribuite in una sorta di percorso, gioielli ed accessori di bigiotteria, tutti realizzati a mano, per comprendere i gusti della pittrice ed il suo stile al fine di far riflettere il visitatore su quel senso estetico del “riconoscersi” che , purtroppo, nelle difficoltà, molti non riescono più a comunicare. Questa pittrice invece, vi riesce, pur limitata fisicamente da un grave incidente e con molte difficolta’ fisiche, offrendosi come “modella di se stessa” vivente, riconoscendosi nella ricerca degli accessori e dei gioielli e di una moda etnica che diventerà, grazie a lei, conosciuta nel mondo.  Come recita il comunicato stampa: “[…]  i pezzi esposti sono stati scelti meticolosamente dalla curatrice e designer di moda Milagros Ancheita, in collaborazione con altri esperti, prendendo spunto minuziosamente dalla documentazione fotografica, da informazioni riportate per iscritto in fonti ufficiali e dalle stesse opere pittoriche dell’artista. Innanzitutto si è fatto ricorso a pezzi realizzati artigianalmente con materiali che, per la maggior parte, sono di origine naturale, così come piaceva a Frida“.

Una mostra nella mostra, insomma, tra oggetti che danno il senso di appartenenza di questa artista unica e che amava ornarsi con stili differenti ma sempre unici. Un mix di vintage e etnico messicano che l’hanno resa un’icona di stile internazionale ma anche la rappresentazione della donna che, in fondo era e che voleva comunicare agli altri, al di la’ delle difficoltà fisiche e della malattia.
Appassionata dell’idea di essere un originale in un mondo di falsi, ecco che il moderno si fonde con il vintage come nelle prime due teche, mentre, le teche successive offrono una idea del suo gusto particolare, di sovrapporre gli accessori tra di loro per farne un “unicum”.
E continua il comunicato: “la nota antropologa Marta Turok, esperta di prodotti tessili artigianali, nella mostra “Frida Kahlo: a través de la lente de Nickolas Muray”, realizzata a Puebla, in Messico, ha selezionato 12 oggetti personali e abiti dell’icona, conservati in bagno e nel guardaroba, il cui accesso, per quasi mezzo secolo, era stato interdetto al pubblico per volere di Diego Rivera. Questi stessi abiti e accessori, poi utilizzati nelle esposizioni realizzate da Circe Henestrosa, curatrice della mostra “Las apariencias engañan: los vestidos de Frida Kahlo”, tenutasi al museo La Casa Azul di Città del Messico e, successivamente, al Victoria and Albert Museum di Londra, sono stati preziosi per la selezione di questa esposizione“.

Insomma, un mix di anelli, collane, bracciali che richiamano poi la moda degli abiti che era solita indossare e che è presente, nella sezione successiva della mostra. Ripartire dall’arte del gioiello e della moda per ritrovarsi. Un binomio dove anche la “semplice” bigiotteria, se unica, diventa qualcosa che indica un forte senso di appartenenza. A solo titolo di esempio si vedano gli orecchini esposti in mostra: dove viene molto ben messo in risalto tutto questo, grazie alle foto ed ai manichini con gli abiti ( in particolare le gonne ricamate) e la tipica acconciatura “a treccia” che l’ha resa una icona mondiale della “messicanità”. Riconoscersi. Per ricominciare.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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