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Cristóbal Balenciaga: L’ultimo vero couturier, gli altri sono semplici stilisti. La serie è su Disney+

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“Lo riconoscerei anche se fossi cieca”. Lo dice una donna, una sera, mentre assiste a una sfilata. Sta parlando dello stile di Coco Chanel. Cristóbal Balenciaga è a quella sfilata ed è molto colpito da quelle parole. Sarà anche questa frase che lo spingerà a trovare uno stile personale, immediatamente riconoscibile. È un dettaglio che ci fa capire che cosa sia Cristóbal Balenciaga, la serie drama originale ispirata alla vita e all’eredità del creatore spagnolo di Guetaria, uno degli stilisti più iconici di tutti i tempi, in esclusiva dal 19 gennaio su Disney+. Nella serie, creata da Lourdes Iglesias e dai 12 volte vincitori del premio Goya Aitor Arregi, Jon Garaño e Jose Mari Goenaga (La trincea infinita), l’attore Alberto San Juan interpreta Cristóbal Balenciaga, un uomo enigmatico e di straordinario talento che sfidò le convenzioni sociali dell’epoca e rivoluzionò il mondo della moda.

Balenciaga nell’impero della moda sofisticata di Parigi
Parigi, 1971. Si tengono i funerali di Coco Chanel. In chiesa, una donna guarda insistentemente un uomo. Lui è Cristóbal Balenciaga, famoso stilista che si è ritirato ormai da tre anni. Lei è la giornalista del Times Prudence Glynn. Balenciaga per tutti è una sorta di mistero. Non parla mai, o quasi. Non appare quasi mai nemmeno in fotografia. La giornalista lo contatta per una lunga intervista che fa da cornice al racconto. Così torniamo indietro nel tempo. Balenciaga arriva a Parigi nel gennaio 1937, in fuga dalla Spagna di Franco, e nell’estate dello stesso anno presenta la sua prima collezione di Haute Couture parigina. Si è lasciato alle spalle una carriera di successo nei suoi atelier di Madrid e San Sebastian vestendo l’élite e l’aristocrazia spagnola. Ma i modelli che avevano fatto tendenza in Spagna non funzionano nell’impero della moda sofisticata di Parigi, dove Chanel, Dior e Givenchy sono il punto di riferimento dell’Haute Couture. Guidato dall’ossessione per il controllo in tutti gli aspetti della sua vita, Cristóbal Balenciaga definirà il suo stile e alla fine diventerà uno dei più importanti stilisti di tutti i tempi.

Cristóbal Balenciaga: uno stile folcloristico, esotico ed estetico
È tutta questione di stile. Le recensioni della sua prima sfilata parlano di uno stilista che conquista Parigi grazie alla semplicità delle linee e l’assenza di elementi superficiali. Parlano di vestiti eleganti, di semplicità sofisticata. Ma Balenciaga non è soddisfatto. Per lui questo è come un “sei”, una sufficienza. Nessuno parla di genialità. Cristóbal così studia, ci riflette, torna alle sue radici. Guarda delle foto e trova la sua ispirazione nei vecchi costumi spagnoli. Prende la tradizione e crea qualcosa di nuovo. Punta forte sui tessuti. Nasce così quello che viene definito uno stile folcloristico, esotico ed estetico allo stesso tempo.

Non piegarsi al prêt-à-porter
La serie affronta diversi aspetti della vita di Balenciaga. Ognuno dei sei episodi è come se fosse un film. Il secondo episodio, The Occupation, ad esempio, racconta la sopravvivenza della sua maison, e del mondo della moda, all’occupazione nazista di Parigi, un momento durante il quale c’è chi definisce lo stile di Balenciaga una sorta di ribellione attraverso dei cappelli provocatori. Il terzo episodio, A Rival To Balenciaga, racconta il confronto tra lo stilista spagnolo e un altro grande della moda, Christian Dior. Uno stilista che è più bravo in una cosa rispetto a Balenciaga: comunicare. E così la sua presenza lo spinge ad aprirsi, a comunicare di più. In qualche modo, a fare marketing. Il quarto episodio, Replicas, racconta lo sbarco di Balenciaga negli Stati Uniti e la questione delle repliche. Il mercato presenta delle copie degli abiti dei grandi stilisti, e questi sono economici. Per cui gli americani che producono Balenciaga negli States vorrebbero usare dei tessuti locali, per essere più competitivi a livello di prezzi. Ma Cristóbal è contrario. E sceglie di creare da sé i propri tessuti. L’episodio 5, Dressing A Queen, parla del suo non volersi piegare al prêt-à-porter, e il racconto della nascita dell’abito nuziale di Fabiola, futura regina consorte del Belgio.

Una serie compassata, riflessiva e, ovviamente, elegante
La Spagna, in questi anni, ci aveva abituato a uno stile ben preciso di serialità. Da La casa di carta a White Lines, da Elite a Sky Rojo, sono arrivati a noi sempre prodotti dal forte impatto, adrenalinici, tachicardici, a volte anche grossolani. Cristóbal Balenciaga ci mostra un altro lato della serialità spagnola, come questa storia ha bisogno. Più compassata, riflessiva e, ovviamente, elegante. Non è chiaramente una serie che colpisce per il ritmo e l’azione, ma per lo stile, la classe. E l’approfondimento. Mette in scena infatti vari lati dello stilista, anche quelli più controversi, come quando, durante l’occupazione nazista, non si schierò apertamente contro il regime.

Una serie imperdibile per chiunque si interessi di moda
Quello che conta è che è una serie imperdibile per chiunque si interessi di moda. La cosa più emozionante è poter entrare dietro le quinte di questo mondo. Addentrarsi tra le mura di una casa di moda. Studiare i modelli, viaggiare nelle sartorie, avere quasi la sensazione di toccare le preziose stoffe. Vedere uno stilista mentre cura ogni minimo dettaglio. E vivere quei momenti febbrili prima e dopo una sfilata. È un documento prezioso, perché tra una sequenza e l’altra di girato, inserisce anche alcune immagini di repertorio, con i veri abiti della maison Balenciaga. Guardate le prime immagini dell’episodio 6, I Am Balenciaga, che ci riportano negli anni Sessanta, e – tra girato e repertorio – ci raccontano la fine della storia.

Belén Cuesta è Fabiola de Mora y Aragón, regina del Belgio
Cristóbal Balenciaga è interpretato da Alberto San Juan.  Belén Cuesta (che avevamo visto ne La casa di carta) è la famosa Fabiola de Mora y Aragón, regina del Belgio. Ma hanno dei ruoli importanti anche Josean Bengoetxea, che è l’uomo d’affari di San Sebastian, Nicolás Bizkarrondo e Thomas Coumans, Wladzio D’Attainville, socio e partner commerciale di Cristóbal Balenciaga. Gemma Whelan è Prudence Glynn, la giornalista del Times, e Anouk Grinberg è la leggendaria Coco Chanel. Patrice Thibaud è un altro personaggio chiave, Christian Dior, e Anna-Victoire Olivier è l’attrice Audrey Hepburn. Ma ogni attore “scompare” nel suo personaggio ed è funzionale alla storia. Ognuno è la tessera di un mosaico, ognuno contribuisce a creare quello che non è solo il racconto di Balenciaga, ma un affresco su un’età dell’oro della moda. Una menzione, in questo caso, va fatta per i costumisti: sono Bina Daigeler, candidata agli Academy Award per Mulan dei Walt Disney Studios e agli Emmy Award per Mrs. America, e Pepo Ruiz Dorado.

Il corpo di una donna, un pezzo di stoffa e l’aria
Cristóbal Balenciaga riesce a svelare il mistero dello stilista di Guetaria, il suo segreto. Era nei tessuti che gli permettevano di dare forme mai viste agli abiti, senza dover aggiungere peso. Gli permettevano, soprattutto, di giocare con l’aria, con lo spazio. L’aria tra il corpo e il tessuto era parte del vestito. Il corpo di una donna, un pezzo di stoffa e l’aria. E un paio di cuciture per tenere tutto questo assieme. D’altra parte, lo diceva proprio Coco Chanel. “Balenciaga è l’ultimo vero couturier, tutti noi siamo solo semplici stilisti”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Fallout: Se la catastrofe nucleare è un (video)gioco… e una serie, su Prime Video

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L’inizio di Fallout, la nuova serie Prime Video, è – letteralmente – esplosivo.  Siamo in un mondo in cui sembra tutto tranquillo, idilliaco. Siamo negli anni Cinquanta, in America, in quell’atmosfera inconfondibile, patinata. È una festa di compleanno per bambini, dove l’attrazione è stata un cowboy con il suo cavallo. Ogni cosa sembra perfettamente tranquilla, ideale. Se non fosse che c’è una strana inquietudine che traspare da un programma tv. “Come posso fare le previsioni per la prossima settimana, se non so se ci sarà una prossima settimana?” esclama lo speaker delle previsioni del tempo. Fuori, quel cowboy e la sua bambina si chiedono se stia per accadere un’esplosione. “Dicono che devi guardare il pollice” dice il padre. “Se la nuvola è più piccola devi correre oltre le colline. Se è più grande, non occorre che ti preoccupi di correre”. “Il tuo pollice o il mio?” chiede la bambina. Ma il papà non ha tempo di rispondere. L’esplosione avviene prima negli occhi di chi sta guardando, e poi nei nostri, come in Oppeheimer. È un fungo atomico, che si alza altissimo nel cielo. È enorme. E inarrestabile. Ma è solo l’inizio.

La storia di Fallout inizia 219 anni dopo. L’umanità esiste ancora, non si è estinta. Vive nei “vault”, dei rifugi sotterranei, fatti di cunicoli, dove prova a condurre una vita normale. E a riprodurre quella vita tranquilla dell’America del 1950. Ma si fa presto a dire una vita normale. Si sente il suono di allarmi, sirene, rumori meccanici. E, lì sopra, c’è il mondo reale. Lucy, la protagonista, sta per sposarsi. Ha l’abito bianco, il padre la accompagna all’altare. Ma non conosce chi andrà a sposare….

Fallout è basata sul popolarissimo franchise di videogiochi retro-futuristici. Gli esperti in materia videoludica hanno accolto con grande entusiasmo la serie, che è stata definita uno dei migliori adattamenti da videogame mai realizzati. Il videogame è stato adattato per lo schermo da Jonathan Nolan e Lisa Joy, i creatori della serie cult Westworld. In comune con Westworld Fallout ha molte cose. È una storia che guarda al futuro, ma anche al passato (retro-futuristica, appunto, come il gioco), con un contrasto che, nello spettatore, crea un cortocircuito, ma anche curiosità e interesse. È una storia di esseri che cercano la loro anima, la loro speranza, in un mondo arido e desertificato, nella forma come nei valori.

Quello che a prima vista colpisce in Fallout è lo scenario. Se ci pensate, i racconti post-apocalittici, post-atomici, distopici, sono tutti permeati di toni – di racconto e di colori – cupi, plumbei, desolati. In Fallout la desolazione prossima ventura c’è, e non potrebbe essere altrimenti. Ma accanto ci sono i colori accesi delle tute, la patina anni Cinquanta e Sessanta, un’ironia e un dark humour che rendono tutto molto particolare e inaspettato. La musica dei Fifties e dei Sixties contribuisce a creare l’atmosfera e a fare da contrasto. Sentire la musica di Johnny Cash, la sua voce baritonale, le chitarre country-blues in un’azione ambientata nel futuro, e in una scena molto violenta, quella di un pestaggio, spiazza lo spettatore. E, sì, funziona.

Al centro di questo mondo originale ci sono gli attori, corpi che devono essere in grado di trasformare le creature in pixel del videogioco in esseri in carne ed ossa. In questo senso, Ella Purnell, nei panni della protagonista Lucy, è perfetta. La ricordiamo nel ruolo di Jackie nella serie Yellowjackets, ma è una vera veterana (è stata nel cast di Non lasciarmi e Maleficent, interpretando la versione giovane dei personaggi di Keira Knightley e Angelina Jolie). La Lucy di Ella Purnell ha degli occhi enormi, sgranati, un viso regolare. Sembra davvero disegnata da un computer come se fosse davvero fatta di pixel. Accanto a lei, nel ruolo del padre, c’è Kyle MacLachlan, l’indimenticato agente Dale Cooper di Twin Peaks. Uno che di atmosfere misteriose (ma, in fondo, anche ironiche e surreali) se ne intende. Qui ci sembra in uno dei ruoli migliori della sua carriera, e da tempo non lo vedevamo così a fuoco in un personaggio. Nel cast ci sono anche Walton Goggins (The Hateful Eight), Sarita Choudhury (Homeland) e Michael Emerson (Lost e Person of Interest). Di più non possiamo raccontarvi per non guastarvi la sorpresa. Fallout è una serie che va vista. Che siate amanti dei videogame o meno.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il giovane Berlusconi – dall’11 aprile su Netflix

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Un racconto vero, ironico, controverso, ricco di archivi e storie mai raccontate prima: le testimonianze di uomini e donne che, per motivi diversi, hanno conosciuto Silvio Berlusconi, dagli esordi degli anni ‘70, da Milano 2 all’invenzione della TV commerciale fino alla discesa in campo.

Dentro gli archivi iconici e inediti, e tra le testimonianze dei più stretti collaboratori di Silvio Berlusconi – personaggi noti, ma anche tecnici, autori, pubblicitari, figure chiave che hanno contribuito al suo successo personale e a quello della sua televisione – e di coloro che lo hanno avversato e criticato.

Un racconto avvincente, dietro le quinte dell’impresa culturale che ha cambiato il costume e i consumi di intere generazioni, prima in Italia e poi in tutta Europa, la TV commerciale: “Il giovane Berlusconi” arriva in streaming dall’11 aprile, in Italia su Netflix e a seguire in molti altri paesi partendo da Francia, Germania e Austria dove verrà trasmesso da ZDF Arte e ORF.

La docuserie è una produzione B&B Film in coproduzione con la società di produzione tedesca Gebreuder Beetz Filmproduktion e con l’emittente franco tedesca ZDF Arte, co-finanziata dalla Regione Lazio (Lazio Cinema International), dal programma Media di Europa Creativa, realizzata anche grazie al Tax Credit del MiC.

La docuserie – composta da tre episodi – tratta del successo di Silvio Berlusconi dai suoi esordi come imprenditore all’invenzione della televisione commerciale alla metà degli anni ’70 fino alle elezioni politiche del ’94.

Figlio del boom economico dei primi anni ’60, Silvio Berlusconi si lancia, come molti in quegli anni, nel business dell’edilizia. Realizza Milano 2, una new town avveniristica immersa nel verde, dove per evitare la selva delle antenne sui tetti, si progetta, per la prima volta in Italia, la cablatura di tutta la cittadina con il cavo coassiale. Ed è così che, nel 1974, in un sottoscala nasce una televisione al servizio dei residenti che possono seguire la messa, le riunioni di condominio, le attività sportive dei propri figli e la pubblicità del negoziante sotto casa. Nessuno avrebbe immaginato che da lì a poco la televisione condominiale di TeleMilanoCavo si sarebbe trasformata in uno dei più grandi gruppi televisivi privati europei.

La situazione delle emittenti private a metà degli anni ’70 è paragonabile a un “mucchio selvaggio” e Berlusconi fiuta l’affare: la televisione privata è il business del futuro. Vuole dei programmi vivaci, colorati, ma al tempo stesso rassicuranti, e la pubblicità deve esserne l’anima. Il monopolio della Rai viene aggirato dal cosiddetto “pizzone” di Berlusconi, un nastro registrato con programmi e pubblicità che viene consegnato a tutte le emittenti, sparse lungo il territorio nazionale, affiliate con Canale5, che ha ormai sostituito TeleMilano. Con questo escamotage rudimentale quanto geniale, una piccola televisione locale di Milano riesce a far sentire la sua voce in tutta Italia e a vendere tanta, tantissima, pubblicità.

E così, durante la coda sanguinosa degli anni di piombo Berlusconi fa sognare i telespettatori, raccontando un’Italia che ancora non esiste, ma che si paleserà da lì a poco. Intere generazioni crescono davanti ai teleschermi del gruppo Fininvest, che mandano in onda telequiz, soap opera, telefilm americani, cartoni animati giapponesi, calcio, programmi comici.

Berlusconi parla al consumatore e agli inserzionisti, mentre la TV di Stato si rivolge al cittadino: da questo momento i confini tra i due mondi si faranno più labili, la comunicazione berlusconiana plasma un pubblico nuovo, che presto diventerà elettorato. E non si ferma: per tutti gli anni ’80 l’impero di Berlusconi cresce così a dismisura, inglobando, oltre alle televisioni e alla pubblicità, anche l’editoria, giornali, riviste, assicurazioni, banche, catene di negozi e una squadra di calcio, l’AC Milan, rendendo ancora più popolare la sua immagine di imprenditore di successo.

La docuserie racconta la straordinaria storia di una delle più famose e controverse personalità europee. Tre puntate della durata di 50’ ciascuna, nessun narratore, ma un cast selezionato di testimoni, capaci di confidenze e aneddoti inediti. Un racconto vero, sincero, emotivamente coinvolgente, ricco di storie mai raccontate prima. Oltre alle interviste, la serie è costituita da materiale di repertorio, in parte inedito o raro.

Divertente, sorprendente, ironica: la serie usa la musica, gli archivi e i racconti personali come elementi chiave di una storia di grande impatto visivo, con una forte costruzione drammaturgica, una scrittura capace di raccontare cos’è stato Berlusconi non solo al pubblico italiano, ma anche agli spettatori internazionali.

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Antonia: Chiara Martegiani, le donne dolcemente complicate e l’attitudine punk… Su Prime Video

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Siamo così, è difficile spiegare, certe giornate amare, lascia stare…” Era una canzone che cantava Fiorella Mannoia, si chiamava Quello che le donne non dicono e – anche se l’aveva scritta un uomo, Enrico Ruggeri – raccontava benissimo le donne e quel loro essere “dolcemente complicate”. Quella canzone ci è venuta in mente guardando Antonia, la nuova serie con Chiara Martegiani e Valerio Mastandrea, diretta da Chiara Malta, in streaming su Prime Video dal 4 marzo, proprio perché riesce a raccontarci davvero bene le donne di oggi. E perché riesce a farlo in modo inedito, non allineato. Racconta le trentenni di oggi, e quei momenti in cui capita loro di sentirsi in crisi, di non sapere in che direzione andare. E anche una malattia come l’endometriosi, poco conosciuta, ma che colpisce davvero tante donne. È una serie tachicardica, ritmata, spassosa, e anche dolorosa, che si candida ad essere una delle serie italiane dell’anno. Da non perdere assolutamente.

Antonia (Chiara Martegiani), dopo aver lasciato la sua famiglia poco più che adolescente, ha trovato una sorta di equilibrio a Roma, una giungla urbana ed emotiva perfetta per integrarsi senza dover fornire troppe spiegazioni. Antonia fa l’attrice (in realtà, una comparsa parlante…) in una soap opera, ha un compagno comprensivo, Manfredi (Valerio Mastandrea), e una coppia di amici che ha appena avuto una bambina. Ma, al suo 33esimo compleanno, il suo piano di difesa fallisce: litiga con tutti, viene licenziata e finisce in ospedale, dove scopre di avere l’endometriosi, malattia cronica che, senza che Antonia se ne rendesse conto, ha influenzato tutta la sua vita. Attraverso uno strano percorso di psicoterapia, la scoperta della malattia diventerà però un’occasione per conoscersi e smettere di scappare, iniziando ad affrontare i nodi della sua vita.

Chiara Martegiani, anche autrice della serie insieme a a Elisa Casseri e Carlotta Corradi, tra scrittura e interpretazione riesce a disegnare un ritratto di donna memorabile. Antonia è urticante, scontrosa, insopportabile. Eppure, a suo modo, è adorabile, irresistibile. E poi capiamo ben presto che un motivo perché è così ce l’ha. Per il suo taglio, la sua irriverenza, lo sguardo ironico al femminile, Antonia, ancor prima dell’uscita, è stata definita subito la Fleabag italiana. Ma confessiamo che abbiamo provato subito molta più empatia con Chiara Martegiani e la sua Antonia che con la fredda Phoebe Waller-Bridge.

Labbra rosso Coca-Cola, come diceva un’altra canzone, occhi neri enormi, vispi e caldi, Antonia ha un viso che buca lo schermo e un corpo che lo riempie e detta la linea del film. Antonia ha le gambe lunghissime, l’andatura disordinata e dinoccolata. La sua falcata nervosa e veloce detta il ritmo della serie, che è fremente e indiavolato. La regista Chiara Malta ha scelto di mettere la macchina da presa costantemente su di lei e di costruire il ritratto di una donna scassata, non performante. Ha preso una palla di spugna e l’messa sotto la macchina da presa per dare questo senso di instabilità all’inquadratura, che è l’instabilità della vita di Antonia.

Valerio Mastandrea, compagno di Chiara Martegiani nella vita oltre che sul set, è Manfredi, e porta in scena tutto lo spleen tragicomico che è in grado di dare ai suoi personaggi, il suo lavoro di sottrazione, l’ennesima sfumatura del tipo di uomo che ha raccontato per tutta la sua carriera. Nel ritratto di Manfredi si legge il bisogno di raccontare maschi che di solito non si raccontano, maschi fragili che nella loro fragilità trovano la loro sicurezza. Come faceva, già 40 anni fa, il grande Massimo Troisi. Nel casto ci sono anche Chiara Caselli, la madre problematica di Antonia, Emanuele Linfatti, nel ruolo di Michele, uno sconosciuto che diventa amico di Antonia, Tiziano Menichelli, che dà il volto a Nico, il figlio di Manfredi, e Hildegard Lena Kuhlenberg, che è Gertrud, la pittoresca agente di Antonia che vive perennemente nel passato. Ma a conquistarci sono soprattutto Leonardo Lidi e Barbara Chichiarelli: sono Marco e Radiosa, una coppia che ha appena avuto una bambina. E sono anche loro in crisi, ma di un altro tipo.

Il personaggio di Antonia, lo vedrete, diventerà iconico. Il vestito nero con il colletto bianco e le spalle scoperte è già un cult. Così come il look da uomo, con giacca, camicia e una sottile cravatta scura. O ancora, il giubbino di jeans smanicato, anni Ottanta, con le spalline larghissime, portato con dei pantaloni della tuta in acetato. Nel look, come nel suo muoversi, nel reagire, nel suo essere Antonia sembra avere un’attitudine punk. Come recita il titolo della nota pagina Facebook, “adottare soluzioni punk per sopravvivere” potrebbe essere il sottotitolo della serie.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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