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Noi, i ragazzi dello Zoo di Berlino: Chiedi chi era Christiane F. E chi era David Bowie

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C’era una volta Christiane F., c’erano i ragazzi dello Zoo di Berlino. E c’era David Bowie, che in quella Berlino era rinato, aveva respirato aria nuova, e aveva fissato quella città e quell’epoca in una serie di capolavori, la sua Trilogia Berlinese. Noi, i ragazzi dello Zoo di Berlino è diventata una serie, dal 7 maggio su Prime Video. È un racconto che ci trasporta di nuovo lì, tra gli anni Settanta e gli anni Ottanta a Berlino. Siamo lì, ma in qualche modo, come vedrete, siamo anche in un limbo fuori dal tempo, in un’era indefinita. E allora la nuova serie Prime Video va vista, ma con l’idea di andarsi a vedere, o rivedere, Christiane F. – Noi i ragazzi dello Zoo di Berlino, il film di Uli Edel.

Christiane F. – Noi i ragazzi dello Zoo usciva nel 1980, sconvolgendo una generazione di ragazzi  – ma anche di adulti – e continuando a farlo nel corso degli anni. Ancora oggi, è un film di una potenza rara, di un realismo che ci lascia sconvolti e indifesi. Allora il film di Uli Edel aveva rivelato un mondo di tossicodipendenza e prostituzione, la vita senza speranze di tanti giovani nelle periferie delle metropoli. Berlino Ovest, 1975-1977: quella a cui assistiamo è una storia vera, è la vita di Christiane Vera Felscherinow, autrice del libro da cui è tratto il film. Siamo proprio negli anni in cui, a Berlino, David Bowie creava i suoi capolavori, la sua famosa Trilogia Berlinese (Low, “Heroes” e Lodger). La sua musica è l’anima del film, l’aria che respirano i personaggi, il tessuto connettivo, l’opera artistica che documenta un mondo e un’epoca.  David Bowie aveva assorbito gli umori della città e l’ha fatta diventare arte, l’ha fissata per sempre nel tempo e nella Storia. Nel film di Uli Edel è fondamentale perché accentua le tentazioni e la disperazione di alcuni momenti, e in altri è catartica. In altri ancora funziona come un “Coro” alle storie dei protagonisti. David Bowie, tra l’altro, a Berlino era riuscito a sfuggire alla dipendenza dalla cocaina e alle paranoie che ne conseguivano, e che avevano caratterizzato la sua vita precedente, a Los Angeles.

Nella nuova serie Prime Video siamo in effetti nella Berlino di fine anni Settanta. Christiane (Jana McKinnon) vive con i genitori, sul punto di separarsi, e soffre terribilmente per questa situazione. Stella (Lena Urzendowsky) vive con la madre alcolizzata, che gestisce una birreria. Babsi (Lea Drinda) viene da una famiglia borghese, vive con la nonna, e immagina di parlare con il padre, morto anni prima. In questa nuova serie il racconto non riguarda solo Christiane, ma anche altri personaggi. Se, da un lato, la cosa è interessante, perché ci mostra la storia da altri punti di vista, dall’altro la serie a volte divaga troppo e si allontana dal cuore della storia. La Christiane F. del film era un personaggio scritto benissimo, perché era tratto dal libro, che era scritto da lei in prima persona. I personaggi collaterali, scritti per la serie, non hanno quella profondità, non hanno la stessa realtà, ma questo è inevitabile. Quanto agli attori, Jana McKinnon, che interpreta Christiane, dà vita a una ragazza sicura di sé, affascinante. L’attrice è bellissima e catalizza l’attenzione. Ma è molto lontana dall’immagine che abbiamo di Christiane F., una ragazza ancora acerba, insicura, impreparata.

La nuova serie Prime Video, insomma, è qualcosa di molto diverso. Dove nel libro e nel film c’era disperazione, degrado, una sporcizia che sembrava di toccare con mano, in cui si precipitava senza possibilità di tornare indietro, qui c’è molto edonismo, molto glamour. Unito ovviamente a una certa dose di disagio e insoddisfazione. Ma che non arriva mai completamente, mai nel modo duro che è nell’anima della storia, e che il film originale ci restituiva alla perfezione. I protagonisti sono troppo affascinanti: giacche di pelle, cappotti e giacche di velluto, pellicce e hot pants, stivali alti fino al ginocchio. Potrebbero essere dei ragazzi degli anni Settanta, ma anche dei ragazzi di oggi che vestono vintage, visto che il rock, più che stile di vita, è diventato ormai una moda. È un modo per ammiccare a un pubblico young adult, certo. Ma così si rischia di dare ai personaggi un’aura di fascino, mentre nel racconto originale erano disperati. Il rischio è che questo stile di vita possa affascinare, dove nel film disgustava e spaventava. In alcuni momenti, specie quando siamo nel club, il famoso Sound, abbiamo la sensazione di essere fuori dal tempo: la musica e il look potrebbero essere quelli degli anni Novanta o di oggi. E anche questo porta la storia un po’ più lontano da quel mondo in cui è nata. L’eroina, Berlino, il passaggio tra i Settanta e gli Ottanta erano un mondo ben preciso, dove quella storia aveva un senso.

E così anche David Bowie (che nel film appare alcune volte, impersonato da Alexander Scheer) in questa serie ha un senso diverso. Non ascoltiamo i suoi brani berlinesi, le sue hit e quegli strumentali cupi e atmosferici che rendevano unico il film. C’è piuttosto un suo greatest hits: Rebel Rebel, Starman, Changes, Suffragette City, The Jean Genie, canzoni del suo periodo glam rock, o ancora precedenti, che poco c’entrano con Berlino e con quegli anni. O Modern Love, in una cover, lenta e con una suadente voce femminile, che arriva dal repertorio anni Ottanta, dall’album Let’s Dance. Detto che, ogni volta che ascoltiamo David Bowie ci vengono comunque i brividi, è tutta un’altra storia. Guardate allora questa nuova serie, a patto di andare a recuperare il film originale, o il libro. Come diceva quella canzone, chiedi chi era Christiane F. E chiedi chi era David Bowie, quello di Berlino.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Scene da un matrimonio: Jessica Chastain, Oscar Isaac e l’intimità di una coppia. Su Sky e NOW

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A volte ci è capitato di parlare, a proposito di un film, di un’esperienza immersiva. Lo abbiamo fatto proprio qui, la scorsa settimana, parlando di un film come Dune. Ma ci sono anche altri modi di immergersi e perdersi dentro una storia, dentro un mondo, che non siano grandi film di fantascienza dagli scenari sterminati. Può capitare, ad esempio, di immergersi totalmente dentro una storia che scorre sullo schermo di una tv, e si svolge dentro le quattro mura di una casa. Stiamo parlando di Scene da un matrimonio, la nuova serie tv in onda dal 20 settembre alle 21.15 tutti i lunedì con un episodio a settimana su Sky Atlantic e in streaming su NOW. Oscar Isaac e Jessica Chastain – anche produttori esecutivi – sono i protagonisti assoluti dell’omaggio al classico di Ingmar Bergman targato HBO e firmato da Hagai Levi (In Treatment).

Guardare Scene da un matrimonio è un’esperienza immersiva. Perché dentro a quelle quattro mura della casa dei protagonisti ti ci trovi davvero, avvolto, invischiato, turbato. Sei lì, accanto a loro, a vivere i loro tormenti. O forse sei uno di loro, visto che il racconto della vita quotidiana di una coppia sposata è qualcosa di universale, quello che accade loro può accadere a tutti, ognuno ha vissuto, a suo modo, le proprie scene da un matrimonio. La serie di Hagai Levi riprende una coppia in cinque momenti, quasi cinque “atti” teatrali, staccati fra loro ma simbolici del loro percorso. Mira (Jessica Chastain) è un’affermata professionista nell’ambito del tech insoddisfatta del suo matrimonio. Jonathan (Oscar Isaac) è un professore di filosofia che si sforza di salvare la sua relazione con lei. Li conosciamo nel corso di un’intervista, che una studentessa sta conducendo per la sua tesi. Loro ci sembrano affiatati, divertiti, pacificati nei loro ruoli, organizzati nella loro vita, certi del loro lavoro e di tutto quello che li definisce. Eppure lei sembra essere assente, guarda nervosamente il cellulare. Una domanda sulla monogamia ci trasporta in un’altra scena, in cui si confrontano con una coppia di amici che sembra molto meno solida di loro. La sera, a letto, prima di andare a dormire, Mira dirà a Jonathan qualcosa. È il primo colpo di scena. E negli ultimi dieci minuti ce ne sarà un altro.

Ed è solo l’inizio di cinque atti che ci porteranno su un ottovolante, un saliscendi, una continua doccia scozzese dove la tenerezza e la complicità si alterneranno prima ai dubbi, e poi alle frustrazioni, alle recriminazioni, al rancore. Eppure, a quella coppia che stiamo letteralmente spiando nella loro vita, vorresti dire di non mollare, di tenere duro, di provare ad aggiustare le cose. Vorresti dire loro che ce la possono fare, che alla fine andrà tutto bene. Vediamo che, seppur a tratti, tra loro c’è intimità, c’è intesa, c’è, o almeno c’è stato, quell’attimo di eterno di cui parlava quella canzone. Ma nella vita accadono cose che a volte ti fanno prendere una strada dalla quale, poi, è difficile tornare indietro. Certo, dovete avere voglia di assistere a questa storia, dovete avere voglia di fare questa esperienza, un’esperienza dolorosa. Vivere accanto a queste due persone e accompagnarle in un viaggio molto duro. Sapendo che, da quelle parti, potreste esserci anche voi. O forse ci siete già stati.

Ma vale la pena di vivere la loro storia. Scene da un matrimonio è un’esperienza totalizzante, unica. A trascinarvici dentro ci penseranno Jessica Chastain e Oscar Isaac, due attori in stato di grazia e affiatati come pochi altri ci è capitato di vedere su grande e piccolo schermo. Capaci di infinite sfumature e variazioni sul tema, capaci di mettersi (anche letteralmente) a nudo, di farci vivere la loro intimità, di farci credere a quello che vediamo. D’altra parte, all’inizio di ogni puntata Hagai Levi ce li mostra dietro le quinte, prima del ciak o subito dopo, preoccupandosi bene di mostrarci i set. È qualcosa che non vediamo mai nei film o nelle serie tv, ed è molto interessante. Levi sembra quasi volerci dire subito “guardate che comunque è tutta finzione, che siamo a teatro, che quelli che vedete sono solo dei personaggi”, quasi a stemperare la tensione di quelle scene che andremo a vedere, che a tratti è altissima. Ma è anche forse una testimonianza di quello che è stato girare una serie ai tempi del Covid, con le mascherine sul volto della troupe e la massima attenzione per ogni aspetto.

È anche forse un modo per dirci che siamo solo su un set e che quella casa, dove tutto è così intenso, non esiste, è solo un insieme di quinte costruite per la serie. Perché la casa di Mira e Jonathan è un vero e proprio protagonista della storia (attenzione alla, sorprendente, quinta puntata), un personaggio che accompagna marito e moglie nelle loro storie. Dalla camera da letto a quel divano in soggiorno, dalla cucina fino alla stanza sull’attico, ogni luogo si imprimerà nella vostra testa assieme a quello che accade in quei luoghi. La casa di Mira e Jonathan, fin dalle prime scene, è fotografata con dei toni caldi, tra il seppia e il dorato. È qualcosa che sembra volerci dire che siamo a casa, in un luogo familiare, rassicurante e luminoso, caldo e quotidiano. Ma anche nel posto dove ci sentiamo più sicuri, in fondo, non lo siamo. Anche a proposito della luce, fate attenzione all’ultima puntata.

In un prodotto di eccellenza come Scene da un matrimonio anche il montaggio ha il suo ruolo importante. Le scelte sono quelle di lasciare il più possibile le lunghe scene madri senza interromperle, per farci vivere tutta la loro intensità. Alcune idee ci hanno colpito in particolare. Nella prima puntata, quando, alla domanda sulla monogamia dell’intervista, una lunga risata irrompe nella scena, e ci trasporta così alla scena successiva, dove i protagonisti sono a cena con degli amici e stanno proprio parlando di quella domanda e di quell’argomento. E poi c’è lo stacco netto di montaggio alla fine del primo episodio, che ci trasporta di colpo verso una scelta che, nella scena precedente, ci sembrava andare in un’altra direzione. La vita di Mira e Jonathan prenderà più volte direzioni inaspettate. Ma così è la vita. Non perdete l’occasione di assistere alla loro storia.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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La casa di carta 5: Lisbona, Stoccolma e Tokyo, le Tre Grazie che sanno decidere e imporsi

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Entrano in scena a piedi nudi, con la tuta rossa slacciata, una maglietta nera attillata e il volto scoperto. E sono abbracciate. Tre Grazie che decidono di prendere in mano la situazione e metterci la faccia. È quello che accade nel primo episodio della quinta stagione de La casa di carta, la serie spagnola di Netflix che è arrivata alla sua stagione finale divisa in due parti: la Parte 5 Volume 1 è in streaming dal 3 settembre (il volume 2 arriverà a fine anno). Lisbona, Stoccolma, Tokyo, ma potete chiamarle anche Raquel, Monica, Silene. In questa nuova stagione de La casa di carta i protagonisti si chiamano sempre più spesso con i loro nomi, e non solo con i nomi di città. Segno che hanno raggiunto tra loro una certa intimità. Come quella che abbiamo ormai noi con loro. Ma in quell’abbraccio, quell’atto di coraggio che le tre donne hanno avuto nell’uscire allo scoperto, per trattare con la polizia, ci abbiamo visto tante cose.

Sì, perché, dopo aver visto le altre serie create per Netflix da Álex Pina, in particolare Sky Rojo, ci siamo interrogati sul ruolo delle donne nelle sue opere. Una delle famose frasi de La casa di carta era “Inizia il matriarcato”, pronunciata da Nairobi. In Sky Rojo, una serie incentrata su tre donne che dovrebbe sposare il loro punto di vista, ci aveva lasciato perplessi quel reiterato, forse compiaciuto uso della violenza che sembrava davvero mancare di rispetto alle donne. Per fortuna, tornando a vedere La casa di carta nella prima parte di quella che è la stagione finale, ritroviamo quella vicinanza alle donne che era stato uno dei punti di forza della serie. Ogni volta che Alex Pina indossa la tuta rossa e la maschera di Dalì torna ad essere quell’uomo che amava le donne che ci aveva colpito nelle prime stagioni della serie. E così, continua il matriarcato.

Quella a cui assistiamo, nei primi episodi della stagione 5 de La casa di carta, è una sorta di “sorellanza”, di solidarietà femminile. Nel momento in cui Lisbona (Itziar Ituño), rientrata nella Banca, incontra Tokyo (Ursula Corberò), sembra scontrarsi con lei, che sospetta della sua fedeltà alla causa. Ma, subito dopo, complice un bagno caldo per la nuova arrivata, le due si avvicinano. Cominciano le confessioni. Lisbona è innamorata del suo uomo, il Professore (Álvaro Morte). Dice che è molto romantico il fatto che lui abbia scavato per lei un tunnel di 12 metri, e che le abbia fatto fare un giro della città in elicottero. Tokyo invece le confessa un segreto, il suo primo grande, amore, che ancora rimpiange: René (Miguel Ángel Silvestre, visto in Sky Rojo), che ha perso la vita durante una rapina. “Durante le rapine l’amore diventa più forte. Perché ogni minuto può essere l’ultimo” confessa. Più tardi, la vedremo comunque dedicarsi al suo amore attuale, Rio, e flirtare con lui. “Tu da qui non esci senza di me”. “Vuoi tagliare l’acciaio o provarci con me?” “Posso fare le due cose insieme, e provare a fare anche una terza”. È questo il dialogo tra Tokyo e Rio. Questa è la risposta di Tokyo. Sì, le donne sono più forti, sono multitasking, possono fare tante cose insieme. Ecco un altro segnale di come, almeno qui, Álex Pina ami le sue donne.

Ma fate attenzione a un altro momento. Con il Professore sotto scacco, dopo che Alicia Sierra, alla fine della stagione 4, aveva in qualche modo scoperto il suo covo, è proprio Lisbona, nel momento in cui, insieme alle altre due ragazze esce a trattare con la polizia, a notare un particolare, qualcosa che la polizia non dice, durante le trattative. Lisbona è la compagna del Professore, e sembra avere il suo acume, le sue intuizioni. Quello che Álex Pina vuole dirci in questa quinta stagione è che Lisbona, una donna, può essere una leader. Può fare il capo – grazie alla sua intelligenza e al suo carisma – come, e forse meglio di un uomo. C’è una certa dolcezza con cui, durante quel bagno caldo, la regia accarezza il corpo di quella donna matura, ancora sensuale, grazie alla sua bellezza, ma anche alla sua intelligenza.

E poi c’è Monica (Esther Acebo). Ora si chiama Stoccolma, non a caso. Era la segretaria dei Arturo Roman, Arturito, alla Zecca di Stato. Poi è stata preda di una Sindrome di Stoccolma, da ostaggio si è innamorata del suo sequestratore, Denver. E così ha preso il nuovo nome. Tra tutte sembra la più fragile. C’è chi le dice che non è adatta a questa nuova vita, che ha sbagliato a lasciare da solo il figlio che ha appena avuto. Chi le dice “sarai sempre e solo una segretaria”. Con quel viso preraffaellita, botticelliano, ci sembra sempre una dama da proteggere. E invece vedremo che, anche lei, saprà trovare il suo spazio, senza permettere a nessuno di definirla, di determinarla. Anche questo, se ci pensate, è molto attuale. E così torniamo a quell’immagine iniziale. Monica, Raquel e Silene, chiamiamole così, sono a piedi nudi, sono strette in un abbraccio e rivolte verso chi guarda. Come le Tre Grazie del Canova. Un’immagine classica (anzi, neoclassica) e allo stesso tempo moderna. In ogni caso, potentissima.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Omicidio a Easttown: Kate Winslet, una donna in un mondo di uomini. Su Sky e NOW

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La grandiosità è sopravvalutata. La gente si aspetta questo da noi, ogni giorno. Non si rende conto che siamo dei disperati come loro”. Sono le parole di Mare Sheehan, una grande Kate Winslet, nella nuova miniserie HBO Omicidio A Easttown (Mare Of Easttown in originale), in arrivo su su Sky e NOW il 9 giugno. Nella serie, in sette episodi, di cui è anche produttrice, Kate Winslet interpreta Mare Sheehan, una detective di una cittadina della Pennsylvania che indaga su un caso di omicidio mentre la sua vita va a rotoli. La chiave della vita, e del lavoro, di Mare è tutta in quelle parole. C’è dentro quel continuo senso di ansia per un’aspettativa delle persone verso il suo ruolo, qualcosa per cui non crede di essere all’altezza. Ma in quella ossessione per i casi da risolvere, che va al di là del normale impegno per il suo lavoro, c’è molto altro: è un nascondersi dietro la sofferenza di altre persone per non vedere la propria.

Siamo a Easttown, nei sobborghi di Philadelphia. Mare Sheehan è una disincantata detective che si ritrova a indagare sull’omicidio di una giovanissima ragazza madre.  Ma c’è un altro caso, vecchio ormai di un anno e mai risolto, la sparizione della figlia di una sua ex compagna di scuola, che la tormenta. Ma la vita privata di Mare non è più semplice. È divorziata, vive con la madre e con la figlia, e si prende anche cura del nipote. È anche una vecchia gloria del basket locale, grazie a un tiro da record durante una partita del liceo 25 anni prima, che le è valso il soprannome di Lady Hawke (le aquile è il nome della squadra).

Mare è una donna in un mondo di uomini. Fa un lavoro da uomini, il poliziotto, che era quello del padre, un lavoro che, insieme alle disgrazie che hanno attraversato la sua vita, l’ha indurita, stancata. Mare a volta zoppica, o ha comunque un’andatura goffa. Veste con camicioni a quadri, maglioni e giacconi da uomo. Il mondo di Easttown è quello del maschilismo tossico, quello che solo oggi abbiamo capito quanto sia pericoloso. Un mondo in cui le donne o decidono di rimanere in silenzio e subire, oppure devono in qualche modo diventare rudi per tenere testa agli uomini. Dove le ragazzine sono costrette a crescere e diventare amanti o madri troppo in fretta, e dove i figli restano spesso senza madri e senza padri. È un mondo dove tutti bevono, dalla mattina alla sera, per annegare i dispiaceri o magari solo per noia o per abitudine. E dove, è l’America, ognuno in qualche modo riesce ad avere, o a procurarsi, una dannata pistola con estrema facilità.

Kate Winslet attraversa questo mondo con la sua Mare, di cui riesce a fare un ritratto eccezionale. Lo avevamo già capito, pochi anni dopo Titanic, con film come Holy Smoke e molti altri, che sarebbe stata un’attrice che non si sarebbe fermata a Rose e ai ruoli romantici, ai boccoli e agli abiti sfarzosi. Come ha fatto molte volte nella sua carriera, Kate Winslet qui è capace di essere bella in modo diverso. Senza paura di mostrare dei chili in più, se servono a rendere reale e umano il suo personaggio. La regia si ferma spesso sui suoi primi piani. Ed è un piacere scrutare il suo volto, a partire dalla bocca, capace di infinite espressioni. Le labbra sono spesso serrate, e gli angoli della bocca increspati. Si aprono appena, in un sorriso timido, quando vede qualcuno che le piace, o in un sorriso più tagliente, quando deve liquidare qualcuno con la sua sottile ironia. Ma i suoi sorrisi sono sempre accennati, mai aperti, segno di una persona che non può mai lasciarsi andare completamente. I suoi occhi a volte sembrano vuoti, ma non lo sono. Dentro c’è tutta la stanchezza di anni faticosi, sul piano del lavoro e ancor di più su quello personale. A volte gli occhi sono lucidi, per le delusioni, le frustrazioni. E sono incorniciati da sottili rughe. Mare è una donna stanca, provata, sfinita. Ma con dentro un’anima ancora viva. È uno dei personaggi femminili più belli che abbiamo visto recentemente sul piccolo schermo.

Omicidio a Easttown è una serie HBO, una sicurezza. È una storia intensa, scritta benissimo prima ancora che recitata alla grande. Il modo in cui le indagini si intersecano alla vita privata della protagonista è perfetto. La piccola comunità fa sì che ogni aspetto dell’indagine porti sempre a qualcuno che è vicino a Mare, un parente, un amico, un conoscente. E l’approfondimento attento dei personaggi non toglie nulla alla trama gialla, che si snoda comunque avvincente e sorprendente. Ognuno potrebbe essere un sospettato, e ovviamente dobbiamo diffidare dalle soluzioni troppo facili. A ogni puntata c’è un colpo di scena, a volte più di uno, e non è mai banale. E il racconto sembra arrivare più volte alla conclusione, ma, anche quando il mistero sembra svelato, c’è ancora molto da scoprire. Vedrete che, anche quando il caso sembra risolto, c’è ancora una puntata intera in cui può accadere qualcosa. E solo vedendo fino all’ultima scena il racconto capiremo completamente il percorso di Mare. Quella di Mare Of Easttown è una sceneggiatura a orologeria che non ci fa staccare per un attimo dalla storia fino a che non siamo arrivati alla fine. La piccola città, la comunità ristretta, poi, è un classico nel mondo del noir e del giallo. Pensiamo a Twin Peaks, o al recente Sharp Objects. È un mondo chiuso, ristretto, dove la vicinanza tra le persone rende tutto altamente infiammabile.

Accanto a Kate Winslet, Omicidio a Easttown ha un grande cast. Guy Pearce (Memento, L.A. Confidential, The Hurt Locker), è Richard Ryan, un professore di scrittura creativa, Julianne Nicholson (vista in Masters Of Sex, The Outsider e Tonya) presta il suo volto enigmatico e diafano a Lori Ross, la migliore amica di una vita della protagonista, e Jean Smart (Watchmen) interpreta la madre di Mare, Helen. Ma è una sorpresa anche la giovane Angourie Rice (Spiderman: Homecoming, L’inganno, The Nice Guys) che è il volto pulito e sagace della figlia di Mare, Siobahn, ed è un piacere ritrovare Evan Peters (WandaVision, Pose, X-Men), nei panni di Colin Zabel, giovane detective che aiuterà Mare nelle indagini. Lo showrunner e produttore esecutivo è Brad Ingelsby (Tornare a vincere, Il fuoco della vendetta – Out of the furnace), e la regia è di Craig Zobel (The Hunt, Manglehorn, The Leftovers). Non vi resta che immergervi nella cittadina di Easttown, e passare qualche ora insieme a Mare e agli altri abitanti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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