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C’era una volta a… Hollywood. Credete nel cinema. Come Quentin Tarantino

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Se in un romanzo compare una pistola, bisogna che spari, diceva Anton Cechov. Se in un film compare un lanciafiamme, bisogna che prima o poi dia fuoco a qualcosa, diciamo noi, iniziando a parlarvi di C’era una volta a… Hollywood, il nono, attesissimo film di Quentin Tarantino, il suo film più riflessivo, maturo, nostalgico: un nuovo modo di fare cinema, e allo stesso tempo il Tarantino di sempre. Non appena si inizia a seguire il film, ci si sente subito a casa: atmosfere, parole e immagini sono inconfondibili. C’era una volta a… Hollywood racconta la storia di Rick Dalton (Leonardo Di Caprio), attore famoso per i suoi ruoli d’azione negli anni Cinquanta e nei primi Sessanta, che, nel 1969 in cui si svolge il film, sta vivendo una fase di declino: nessuno gli fa fare più il protagonista, ed è cercato solo per fare ruoli da cattivo. Il suo agente (Al Pacino) gli propone di andare in Italia e fare gli Spaghetti Western, ma lui non è convinto. Accanto a Rick c’è il fidato Cliff Booth (Brad Pitt), che gli fa da controfigura, in tutte le sue sequenze d’azione, da anni: ma è molto più che uno stuntman, è un tuttofare, un’ombra che lo segue, un grande amico. I due sono alle prese con l’inizio di un nuovo film, mentre nella villa accanto a quella di Rick arriva una giovane coppia: sono Roman Polanski, regista europeo reduce dal successo di Rosemary’s Baby, e la sua bellissima moglie Sharon Tate, in costante ascesa nel firmamento di Hollywood.

Tutti i film di Quentin Tarantino non sono ambientati nella realtà, ma in un mondo a se stante, creato dal geniale cineasta americano, un mondo che è quello del cinema. L’universo nel quale si svolgono storie come Le iene, Pulp Fiction, Jackie Brown e tutte le altre è costruito con mattoncini presi da tutta una serie di altri film e, come se fossero dei Lego, sono smontati e rimontati per creare qualcosa di nuovo. Ma C’era una volta a… Hollywood è ancora più di questo. È una dichiarazione d’amore verso il cinema. È l’Effetto notte di Tarantino, metacinema come il classico di Truffaut, ma ovviamente alla maniera del nostro. È un intricato gioco di scatole cinesi, un film che al suo interno ne contiene molti altri, probabilmente tutti i precedenti film di Tarantino, e ovviamente tutto il cinema di cui si nutrono. Sin dalle prime scene, C’era una volta a… Hollywood è un continuo entrare e uscire dai film, dai set, dalle sale cinematografiche, un continuo passaggio dalla realtà al cinema: solo che anche la realtà, come dicevamo, è fatta di cinema, e questo rende il film come una di quelle case degli specchi in cui ogni immagine si specchia in un’altra creando un riflesso infinito.

C’era una volta a… Hollywood, dicevamo, racchiude tutto il cinema di Quentin Tarantino. Il regista americano non ha paura di metterci dentro tutto quello che ama e che ha contribuito a creare il suo cinema. Oppure siamo noi che amiamo così tanto i suoi film da rivederli ovunque, e all’infinito. Così nel suo nono film vediamo il Cliff Booth di Brad Pitt sfrecciare in auto nella notte e pensiamo subito alle corse di Vincent Vega in Pulp Fiction. Arriviamo sul set e, come direttore degli stunt, troviamo proprio Kurt Russell, cioè lo Stuntman Mike di Grindhouse: A prova di morte, e accanto a lui ecco Zoe Bell, anche lei protagonista di quel film, e anche controfigura di Uma Thurman in Kill Bill. A proposito, ricordate la tuta gialla e nera che riprendeva quella di Bruce Lee? In quella scena con Russell e la Bell c’è anche il personaggio di Lee, in uno dei momenti più esilaranti del film, in cui Brad Pitt – come per tutto il film del resto – è ai livelli di Bastardi senza gloria.

Sì, C’era una volta a… Hollywood è un film di attori, e un film sugli attori, quei tipi “falsi, che dicono battute scritte da altre persone”. Riunisce Brad Pitt e Leonardo Di Caprio, già con Tarantino rispettivamente in Bastardi senza gloria e Django Unchained: il primo irresistibile, ammiccante, sexy, il secondo drammatico, dolente, tormentato. Il verso per richiamare il cane del primo, e le lacrime del secondo, dopo aver girato una scena che gli fa capire di essere ancora un grande attore, sono tra le cose che resteranno. Ma, ovviamente, c’è di più. Quando sentiamo dire al Rick Dalton di Di Caprio che quando un attore comincia a fare il cattivo è a fine carriera, Tarantino sembra parlare proprio del suo cinema e dei suoi attori, di quelle star come John Travolta, o Kurt Russell, che il regista ha preso, ridipinto come villain e rilanciato verso una nuova carriera. L’ironia sta anche nel fatto che, un tempo, fare il cattivo era visto come un passo indietro, mentre oggi gli attori fanno a gara per i ruoli da villain diretti dai grandi registi (pensiamo a Tom Cruise in Collateral o a Heath Ledger ne Il ritorno del Cavaliere Oscuro). E proprio Di Caprio, l’attore protagonista per eccellenza, l’eroe di Titanic, in carriera si è evoluto spesso in personaggi tormentati, creando un villain da antologia proprio per Tarantino.

A un certo punto di C’era una volta a… Hollywood, un set si apre, una quinta scivola di lato e svela ciò che c’è dietro, rivela la finzione e il gioco che tutti noi, dal regista allo spettatore, accettiamo ogni volta che parliamo di cinema. Il cinema, con film reali o inventati per l’occasione, entra spesso, in tutti i modi (il suono di una mitragliatrice, il dietro le quinte di un set, una scena che, mentre viene girata, ha già i movimenti di macchina e le luci del film finito) nel racconto principale, spezzando un film che, a parte questi inserti, ha un andamento piuttosto lineare, un respiro ampio, un ritmo più assorto rispetto agli altri prodotti di Tarantino, che partono in quarta e sparano subito alcune delle migliori cartucce. Sono film che prendono subito una direzione precisa, per poi cambiarla. Qui siamo a lungo in attesa di capire che direzione prenderà Tarantino, ma quando lo capiamo vediamo che tutto aveva un senso. A Quentin Tarantino, che era un commesso in una videoteca, il cinema ha probabilmente salvato la vita. E, in C’era una volta a… Hollywood, capiamo che il cinema le vite le può salvare davvero. Basta scrivere le storie con un altro finale. Basta crederci. E Quentin Tarantino crede talmente nel cinema da immaginare che possa fare qualsiasi cosa. Credeteci anche voi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Gli anni più belli, Gabriele Muccino e il bilancio di una generazione

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Una storia d’amore e d’amicizia quella che Gabriele Muccino racconta ne Gli anni più belli. Quarant’anni di speranze, sogni, rimpianti e delusioni che scorrono sullo schermo seguendo le vicende di quattro amici dagli anni Ottanta ad oggi. Il regista romano, allontanandosi dal dramma familiare in chiave melò del suo ultimo fortunatissimo A casa tutti bene, torna dietro la macchina da presa per fare un bilancio della sua generazione. Un bilancio sotto forma di epico romanzo popolare che vive di umanità e di sentimenti, che si sviluppa cadenzato dalle più importanti tappe della storia recente e che riesce tanto a guardare al passato quanto ad interrogarsi sul futuro.

Protagonisti sono Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo (Kim Rossi Stuart) e Riccardo, anche chiamato Sopravvissuto (Claudio Santamaria). Il film segue la loro crescita dall’adolescenza liceale fino all’età adulta e oltre, quando superati i cinquant’anni non possono far altro che cercare di trovare un senso per la vita dei propri figli.

Alla base del film di Muccino c’è C’eravamo tanto amati, il capolavoro di Ettore Scola del 1974, film caro al regista, del quale ha acquistato i diritti. Ma non si tratta di un remake o di un reboot. Gli anni più belli è soltanto un grande omaggio a quella pellicola e a quel modo di fare cinema. Un cinema di cui – che piaccia o meno – Muccino rappresenta uno dei pochi eredi. Per spirito, vitalità, sguardo. Uno sguardo sincero, che ha il coraggio di non soffocare la semplice e naturale voglia di raccontare dietro una costruita autorialità, il coraggio di piegarsi alla narrazione e ai sentimenti, di concedersi al pubblico senza la paura di essere considerato “popolare”. E’ chiaro, si tratta di uno sguardo contemporaneo, più sentimentale che intellettuale, in quanto onestamente figlio dei nostri tempi, ma è comunque uno sguardo che indaga con acume la realtà sociale del nostro Paese.

E, dunque, anche se l’Italia sembra che faccia soltanto da sfondo al racconto, con gli eventi degli ultimi decenni (la caduta del Muro, Mani Pulite, la “scesa in campo” di Berlusconi, l’ascesa dei 5stelle) semplicemente a contestualizzare temporalmente le vicende dei quattro protagonisti, in verità è proprio in quest’ultimi che l’Italia stessa si riflette. Giulio, Paolo, Claudio e Gemma rappresentano le diverse anime della società italiana degli ultimi quarant’anni, contraddittoria, confusa e confusionaria, stanca di fare battaglie, lontana dall’ideologia, un po’ vigliacca e rinunciataria, all’apparenza superficiale ma in fondo passionale e capace in ogni momento di tirar fuori il desiderio di riscatto.

Gli anni più belli è dunque il ritratto di una generazione rabbiosa e indecisa, appesa nel vuoto politico e culturale dell’Italia. Una generazione che con difficoltà riesce a tracciare la strada per il futuro e a comprendere il solco lasciato nel passato. Muccino, per questo film, sicuramente ha attinto dal suo vissuto, e questa riflessione generazionale appare anche come una riflessione su se stesso – e non è un caso, infatti, che per quest’operazione abbia scelto di omaggiare un capolavoro del nostro cinema che lui ama molto. Il regista romano ci ripropone così, tutte insieme, tante tematiche e tante dinamiche a lui care: ci immerge nei sogni e nelle aspirazioni giovanili (qui da “tempo delle mele”), si tuffa senza freni nell’amore, indaga nuovamente lo scontro-genitori figli e lo sfaldamento del nucleo familiare, ci parla di amicizia, di tradimenti, di finti idealismi e di tradimenti. Ma non ritroviamo l’ “isteria” tipica del suo cinema, i sentimenti urlati, la “violenta” verbosità dei personaggi, la sua regia frenetica e vorticosa. Già con A casa tutti bene avevamo trovato un regista più riflessivo e delicato, ma Gli anni più belli ci restituisce un Muccino ancora diverso, intriso di malinconia, desideroso di dolcezza, pieno di speranza. Sentimenti, quest’ultimi, che dominano il racconto, e che gli interpreti, Rossi Stuart, Favino, Santamaria e Micaela Ramazzotti, veicolano perfettamente nel delineare sullo schermo l’evoluzione dei loro personaggi.

E’ anche grazie a loro se il film possiede una potentissima forza evocativa. Tutti perfettamente in parte, infondono ogni incontro, ogni sguardo, ogni abbraccio, ogni litigata di vera umanità, di passione sincera. Una passione, la stessa del loro regista, che avvolge completamente lo spettatore e che lo rende, ci rende tutti, i veri protagonisti del film.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Parasite riscrive la storia degli Oscar, Brad Pitt e Joaquin Phoenix finalmente premiati

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Di Antonio Valerio Spera

La storia degli Oscar è stata riscritta. Per la prima volta in novantadue anni è una pellicola in lingua straniera ad aggiudicarsi la statuetta più ambita, quella per Miglior film. Il sudcoreano Parasite di Bong Joon-ho riesce laddove La vita è bella, La tigre e il dragone, Amour e Roma non erano riusciti. Ci era già riuscito, in realtà, The Artist nel 2012, ma in quel caso, pur essendo una produzione francese, si trattava di un film muto.

I pronostici che vedevano 1917 favorito nel duello con il dramma grottesco Palma d’Oro a Cannes sono stati dunque ribaltati. “È un momento storico, voglio ringraziare l’Academy per questa scelta“, ha dichiarato la produttrice del film Kwan Sin Ae. Un momento storico anche perché Parasite si è aggiudicato tutti i premi principali per i quali concorreva. Oltre alla statuetta come Miglior Film dell’anno, si è infatti portato a casa quella per Miglior Film Internazionale (nuova denominazione del “vecchio” Film in lingua straniera), per la miglior sceneggiatura originale e per la miglior regia, categoria in cui Bong ha battuto il favorito della vigilia per i bookmakers, e cioè Sam Mendes, il Todd Phillips di Joker, e i maestri Quentin Tarantino e Martin Scorsese. “Dopo il premio per il Film internazionale e la sceneggiatura, non avrei mai pensato di vincere anche per la regia” – ha dichiarato il regista orientale con la statuetta in man. E poi ha continuato: “vorrei avere una motosega per dividere il premio in cinque parti. Todd, Sam, vi ammiro molto. Quentin ha sempre messo i miei film nella lista dei preferiti anche quando non mi conosceva nessuno negli Usa, e poi Martin Scorsese. Quando ero a scuola studiavo i suoi film”. E così, quest’ultimo, che con il suo The Irishman è rimasto completamente a bocca asciutta nonostante le 10 nomination, è stato poi salutato da una standing ovation, con tutto il pubblico del Kodak Theatre in piedi ad applaudirlo.

Uno dei momenti più belli ed emozionanti di questa 92a edizione degli Academy Awards. Un’edizione che ha proposto nuovamente una cerimonia senza presentatore ufficiale, ma che ha comunque visto sfilare sul palco grandi nomi di Hollywood e in generale dell’entertainment internazionale.

La serata si è aperta con Janelle Monáe che ha cantato una versione modificata della sua canzone “Come Alive”, con il verso «That’s when I come alive like a schizo running wild» diventato «It’s time to come alive because the Oscars is so white» («È ora di svegliarsi, perché gli Oscar sono troppo bianchi»). D’altronde un’edizione degli Oscar senza alcun rimando alle questioni che da qualche tempo stanno segnando il panorama hollywoodiano non sarebbe degna del suo nome. Ed ecco quindi il riferimento della Monáe alla polemica che riguarda il fatto che, ormai da anni, ci siano troppi bianchi a votare e a vincere agli Oscar, e poi non poteva mancare neanche il richiamo alle battaglie del #metoo. Si è iniziato con Natalie Portman, che sul tappeto rosso ha attirato i flash dei fotografi non solo per la sua bellezza ma anche per la curiosa giacca indossata per l’occasione. Un capo con ricamati sopra i nomi di alcune registe donne che non sono entrate nelle cinquine di quest’anno: Lulu Wang (The Farewell), Greta Gerwig (Piccole Donne), Lorene Scafaria (Le ragazze di Wall Street – Business Is Business), Marielle Heller (Un amico straordinario), Melina Matsoukas (Queen & Slim), Alma Har’el (Honey Boy), Céline Sciamma (Ritratto della giovane in fiamme) e Mati Diop (Atlantics). Il tutto è poi proseguito sul palco, durante la cerimonia, con Sigourney Weaver, Brie Larson e Gal Gadot che hanno invitato tutti gli uomini presenti ad un Fight Club a fine serata: “chi perde deve rispondere alle domande dei giornalisti su come si sente una donna ad Hollywood“.

A concludere la “marcia” femminista di questa edizione, infine, è stata la splendida Hildur Guonadottir, vincitrice dell’Oscar per la colonna sonora di Joker: “abbiamo bisogno di far sentire la nostra voce” – ha dichiarato la compositrice islandese rivolgendosi a tutte le donne in sala.

Vicino all’orgoglio “rosa” di queste protagoniste del cinema, non si è potuto non notare anche il viola delle giacche di Elton John, vincitore dell’Oscar per la miglior canzone originale (Rocketman), che ha incantato la serata con la sua performance live, e soprattutto quella di Spike Lee, che ha optato per questo colore per rendere omaggio a Kobe Bryant e ai Los Angeles Lakers.

Venendo agli altri premi di questa edizione, tutto è andato come previsto, senza colpi di scena. Tra gli attori ci sono state tre annunciate “prime volte”. Laura Dern, alla sua terza nomination, ha vinto come non protagonista per Storia di un matrimonio; Joaquin Phoenix si è finalmente portato a casa la sua prima statuetta (dopo tre candidature andate a vuoto) per il suo fantastico Joker, e al momento della premiazione ha fatto autocritica (“ho fatto cose brutte nella vita, sono stato egoista, cattivo e crudele”) e ha ricordato il fratello River scomparso nel 1993; ed infine Brad Pitt, che nonostante avesse già vinto un Oscar come produttore per 12 anni schiavo, si è aggiudicato il suo primo Academy Award come attore, in questo caso non protagonista per il ruolo di Cliff Booth in C’era una volta a… Hollywood. Dopo aver ringraziato l’Academy per questo grandissimo onore, Pitt ha voluto spendere parole di riconoscenza per Tarantino (“Quentin è unico, cerca sempre il meglio delle persone”) e per il compagno di set Leonardo Di Caprio (“non potrei non essere un tuo amico”), per dedicare infine il premio ai suoi figli: “Questo premio è per loro: faccio tutto per voi, vi adoro.
La miglior attrice protagonista è stata invece Reneé Zellweger, per la sua interpretazione di Judy Garland nel commovente biopic Judy. Nel suo discorso, l’attrice, al suo secondo Oscar dopo quello per Ritorno a Cold Mountain, ha rivolto il suo pensiero proprio alla Garland: “Judy non ha ricevuto questo onore, ma sono certa che questo momento sia un’estensione della sua eredità artistica”.

La serata, impreziosita dalla performance non annunciata di Eminem, che ha cantato la sua canzone Lose Yourself (premio Oscar nel 2003), ha visto poi la vittoria di Toy Story 4 come miglior film d’animazione, quella di Roger Deakins per la fotografia di 1917, quella di due premi tecnici (meritatissimi, per montaggio e montaggio sonoro) di Le Mans 66 – La grande sfida, e quella di American Factory nella categoria dei documentari. Quest’ultima è l’unica statuetta, oltre a quella della Dern, che si è riuscito ad aggiudicare Netflix. Il colosso mondiale dello streaming, nonostante le 24 nomination, si porta a casa, quindi, soltanto due Oscar, risultando il grande sconfitto della serata.

E l’Italia? Niente, ovviamente, dato che non avevamo alcun candidato. Nonostante questo, è però giusto sentirsi, in piccolissima parte, partecipi del trionfo di Parasite. A contribuire alla bellezza del film è anche la scena ormai cult in cui In ginocchio da te di Gianni Morandi commenta la violenta zuffa all’interno della villa. Per quest’anno, accontentiamoci di questa piccola soddisfazione.

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Parasite: il film di Bong Joon-ho che ha riscritto la storia degli Oscar

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Il momento è storico. In un’annata straordinaria, di quelle che non capitavano da molto, con una serie di film straordinari a contendersi i favori dell’Academy, il premio Oscar per il miglior film, al di là di tutti i pronostici, è stato vinto da Parasite, del sudcoreano Bong Joon-ho. Il momento è storico perché Parasite è il primo film straniero, cioè in lingua non inglese, a vincere l’Oscar come miglior film. Ma la statuetta più importante è stata solo il punto d’arrivo di una serata in cui Bong Joon-ho ha anche vinto il premio per la miglior regia, quello per la miglior sceneggiatura originale e quello per il miglior film straniero. Praticamente tutti i premi più importanti, andando molto oltre le speranze dei tanti che hanno amato questo film, e che speravano, al massimo, nell’Oscar come miglior film straniero e per la sceneggiatura.

Ma Parasite, si è capito subito già dal maggio scorso, quando a Cannes ha incantato tutti portando a casa la Palma d’Oro, è un film nato per stupire.  È la storia di Ki-woo, un giovane studente che vive con la famiglia (padre, madre e sorella) in un seminterrato maleodorante e decrepito nel quartiere più povero della città. La sua vita cambia quando ha l’occasione di sostituire un amico, che sta partendo per andare all’estero: dovrà insegnare inglese a una studentessa del liceo, e anche… tenerla d’occhio, visto che il suo amico, al ritorno, ha intenzione di fidanzarsi con lei. Arrivato a destinazione, si trova in un mondo mai visto prima. La casa è una villa su più piani, lussuosa e ipertecnologica, fatta di grandi spazi e grandi vetrate sul verde. E lì, a Ki-woo, viene il colpo di genio: siccome il fratello minore della studentessa ha dei problemi, gli viene in mente che potrebbe aver bisogno di lezioni di arte, o arte terapia. E lui conoscerebbe la persona adatta. Così, senza che nessuno sappia davvero chi è, porta nella casa anche la sorella. Ma è solo l’inizio.

Parasite è qualcosa che non avete mai visto. È un segno dei tempi che stiamo vivendo, prima di tutto. Perché racconta i profondi squilibri economici che connotano il mondo di oggi, in ogni sua parte. Per questo Parasite non è una storia coreana, ma è un racconto universale. Parasite è la storia di una guerra di ricchi contro poveri, prima sottile, poi dichiarata, poi inevitabile. Ma non pensate di assistere a un film “sociale”, uno di quei film drammatici, di quelle opere a tesi. Non aspettatevi una storia dove i poveri sono quelli buoni, e quelli cattivi i ricchi. La forza di Parasite è proprio quella di non avere regole, non avere categorie. Come nella vita, ogni personaggio, o quasi, ha in sé il bianco e il nero.

Ma che cos’è Parasite? È prima di tutto un divertentissimo gioco di scatole cinesi che si protrae all’infinito. Non appena se ne apre una, e si crede di aver assistito a una grande sorpresa, è già il tempo di aprire l’altra, e saltare sulla sedia per la sorpresa seguente. E si va avanti così, di scatola,in scatola, e quando ci chiediamo “che cosa può succedere ancora?”, immediata ci arriva una nuova risposta. Parasite è un film drammatico, un thriller, una commedia acida, un film grottesco, con tratti splatter. C’è dentro quella follia, quella crudeltà, quell’immaginazione senza limiti che è tipica del cinema coreano e che molti di noi, se non dalle opere precedenti di Bong Joon-ho, conoscono da un colpo di fulmine del 2003, quell’Old Boy di Park Chan-wook, che proprio in un festival di Cannes trovò la sua consacrazione. Pare che quella follia, quel senso di violenza, di imminente pericolo nasca nei coreani dalla lunga divisione in due della loro nazione, da quel confine, quell’avere un nemico perennemente di fronte a sé. Se ci pensate, è quello che accade in Parasite.

È un film dove c’è anche un po’ di Italia. Bong Joon-ho, appassionato di musica italiana, ha inserito nel film anche una canzone storica di casa nostra, In ginocchio da te di Gianni Morandi. Ma non aspettatevi di trovarla inserita in una scena d’amore. Ormai lo avrete capito, in Parasite non dovete dare nulla di scontato. Il film di Bong Joon-ho, che ieri sera, dal palco dove ha ricevuto le statuette, ha ringraziato, tra gli altri, Martin Scorsese, e Quentin Tarantino, deve molto anche ai film di Alfred Hitchcock: le scale sono un motivo ricorrente del film, e un altro è il voyeurismo, visto che i personaggi del film guardano attraverso le finestre 14 volte. Nella casa, poi, vediamo velocemente anche una collezione di Hitchcock.

Parasite, distribuito in Italia lo scorso novembre grazie a una felice intuizione di Academy Two e Lucky Red, è appena tornato nelle nostre sale, dal 6 febbraio. E, in occasione di questi fortunati Oscar, arriverà nelle sale anche Memorie di un assassino – Memories Of Murder, il film di Bong Joon-ho del 2003 ancora inedito in Italia: è in uscita il 13 febbraio. Ma le novità non sono finite qui: come aveva fatto una decina di anni fa con Madre, Bong Joon-ho ha realizzato anche una versione in bianco e nero di Parasite: dopo la presentazione all’International Film Festival Rotterdam sta uscendo in alcuni paesi tra cui la Francia. “Penso che tutti i personaggi abbiano un aspetto ancora più toccante e che le distinzioni tra i tre diversi spazi in cui vivono le famiglie, con tutte le sfumature del grigio, siano ancora più tragiche” ha dichiarato il regista. Per ora, in Italia, possiamo vederlo a colori. Ed è una visione da non perdere.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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