Courtesy photo of Fendi

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Il ritorno della grande couture: Fendi riscrive il dialogo tra moda e cultura proviene da Daily Mood.

L'articolo McQueen torna a Londra: il ritorno più atteso alla London Fashion Week proviene da Daily Mood.

La sua prima grande dichiarazione per Gucci non poteva che essere teatrale. A New York, il 17 maggio 2026, Times Square si è trasformata in una gigantesca passerella a cielo aperto per la Cruise 2027. Schermi pubblicitari, maxi billboard e insegne luminose hanno trasmesso in simultanea la sfilata, mentre modelli e celebrity attraversavano Manhattan come personaggi di un film distopico sul lusso contemporaneo. Demna ha chiamato questa visione “Gucci Core”: un guardaroba che mescola tailoring rigoroso, pellicce esagerate, sensualità Anni Novanta, streetwear e riferimenti alla vita quotidiana americana. In passerella si sono visti trench destrutturati, completi gessati, stole leopardate e abiti satinati, mentre tra il pubblico sedevano Kim Kardashian, Anna Wintour, Mariah Carey e Paris Hilton. A rendere ancora più potente la visione di Demna è stata la presenza in passerella di Cindy Crawford, icona assoluta degli Anni Novanta, che ha chiuso la sfilata in un teatrale abito nero di piume: non un semplice cameo nostalgico, ma il simbolo di una moda capace di attraversare il tempo senza perdere la propria forza. Il vero protagonista del fashion show era comunque il luogo stesso, nessuna maison aveva mai occupato Times Square in questo modo. Gucci ha trasformato il centro simbolico del capitalismo visivo in un manifesto di moda totale. Gli schermi mostravano campagne vere e false, spot immaginari e prodotti Gucci inventati, in un gioco ambiguo tra pubblicità e parodia.  Ed è qui che il dialogo con “Gucci Storia” diventa evidente. Se a Firenze Gucci guarda al proprio archivio per ritrovare autenticità, a New York Demna porta quel patrimonio dentro il rumore del presente. La storia diventa materiale da remixare, l’heritage non è più qualcosa da proteggere sotto vetro, ma un codice da manipolare, amplificare e persino contraddire. In fondo, Gucci ha sempre funzionato così: oscillando tra eleganza aristocratica e cultura pop, tra artigianato italiano e desiderio globale. Negli Anni Novanta Tom Ford trasformò il marchio in simbolo di erotismo sofisticato; Alessandro Michele lo rese un universo massimalista e romantico; oggi Demna sembra volerlo spingere verso una dimensione più cinica, urbana e concettuale. Eppure, nonostante il cambio di linguaggio, Firenze resta il centro simbolico della narrazione. La mostra “Gucci Storia” ricorda che ogni rivoluzione, per essere credibile, ha bisogno di radici. Times Square, invece, dimostra che quelle radici possono ancora parlare al mondo contemporaneo, purché abbiano il coraggio di cambiare forma. Forse è proprio questa la nuova intuizione di Gucci: usare la memoria non come rifugio, ma come provocazione.

Photo Courtesy of Gucci

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Gucci tra memoria e rivoluzione, il nuovo capitolo di Demna proviene da Daily Mood.

L'articolo Versace La vacanza 2026 Campaign VERSACE OBSESSED proviene da Daily Mood.

Matthieu Blazy

Sous le salon la plage: a Biarritz, Gabrielle Chanel aprì la sua maison di couture e presentò le sue prime collezioni. Qui mise in dialogo il mondo naturale, senza tempo, con quello moderno, contingente, cambiando così definitivamente l’ordine esistente della moda.

Contribuendo a liberare le donne dai vincoli letterali delle convenzioni imposte da un’esistenza confinata nei salon, fu il mondo all’aperto — gli elementi, il mare, la spiaggia, il sole e il vento — a richiedere praticità e comfort nel movimento. Gabrielle Chanel rispose con il suo nuovo jersey e con lo sportswear.

Nella sua prima collezione Cruise per CHANEL, Matthieu Blazy, Direttore Artistico delle Attività Moda, celebra la costa basca con intenzione e spirito giocoso. Sperimentando modi disinvolti di essere e di guardare, dalla funzionalità dell’abito nero alla dimensione fantastica della sirena, prende forma un nuovo folklore CHANEL.

Unendo abiti da lavoro francesi, capi per il tempo libero e grandeur, l’effervescente e il rigoroso, dalle uniformi dei marinai allo slancio degli abiti da sera, vengono superati i codici gerarchici dell’abbigliamento. Il salon scivola sulla spiaggia, il comfort si allea con la sofisticazione, e la riga basca diventa un filo conduttore dell’intera collezione.

Perennemente in movimento, dagli ensemble in foulard di seta svolazzante alle gonne in rafia frusciante, fino ai completi in canvas di cotone lavato, la collezione è guidata dal piacere essenziale del vestirsi e dello svestirsi — anche il costume da bagno assume un ruolo centrale. Sensorialmente piacevoli e sperimentali, lavorazioni tessili impareggiabili richiamano l’abbondanza del mondo naturale circostante attraverso sete fluide, tweed elastici, flock compatti, morbide maglie ricamate con perline e paillettes scintillanti a effetto squame di pesce.

Qui, la doppia C è l’altro filo conduttore, rappresentata non come esercizio di branding, ma come parte di un’architettura elementare degli abiti. Introdotta radicalmente nell’abbigliamento negli anni Trenta, con i suoi contorni sinuosi esprime la firma rigorosa di Gabrielle Chanel e il senso del suo manifesto e della sua autobiografia attraverso l’abito. Ora spetta a chi lo indossa aggiungere la propria.

Gli accessori della collezione rafforzano l’idea del viaggio, muovendosi tra praticità e gioco attraverso una grande varietà di stili. Da una piccola borsa-valigia a un grande borsone; da una flap bag impermeabile a un enorme panier da spiaggia a righe. Fa la sua comparsa persino una custodia per pala. Le scarpe attraversano salon e spiaggia, accompagnando chi le indossa ovunque desideri andare: dagli eleganti tacchi Art Déco ai “copritalloni” da indossare a piedi nudi. Anche i gioielli richiamano l’architettura Art Déco di Biarritz e la sua vita acquatica, con orecchini a forma di conchiglia accostati all’orecchio e la perla CHANEL che trova qui la sua casa spirituale.

«Non esiste bellezza senza libertà del corpo.»

Gabrielle Chanel

L’abito nero di CHANEL

«Ho imposto il nero; ancora oggi resiste, perché il nero cancella tutto ciò che gli sta intorno.»
Gabrielle Chanel

«Si parla molto del “revenge dress”: questo potrebbe essere considerato l’originale.»
Matthieu Blazy

Un classico non è mai un classico all’inizio: spesso è una rivoluzione. È il caso dell’abito nero di Gabrielle Chanel. Funzionale, preciso e seducente nella sua semplicità, fu un’innovazione audace nel 1926, nel pieno di un’haute couture grandiosa e ricercata. Quell’anno, Vogue lo definì la “Ford” di Chanel. Eppure non era qualcosa di sconosciuto. Furono piuttosto la fattura, il contesto — senza dimenticare la risonanza mediatica — a trasformare l’abito e il suo pubblico.

L’abito e il suo colore erano da tempo familiari alle donne che lavoravano, comprese domestiche, commesse e suore nei conventi. L’innovazione di Gabrielle Chanel — lei stessa, dopotutto, era stata una commessa cresciuta tra le suore — fu quella di far desiderare alle gran dame di assomigliare alle donne che le servivano, con intenzione e precisione. Fece loro desiderare di assomigliare a lei. A quel punto, dovevano trovare un significato personale nell’indossare un abito simile. Questo poteva essere letto come una forma di rivalsa.

L’abito nero di Chanel segnò un cambio di paradigma. Ciò che poteva essere considerato “alla moda” sarebbe diventato “archetipico”. Qui, chi indossa l’abito diventa finalmente visibile: essenziale, fiera, senza ornamenti e senza chiedere scusa di essere se stessa. L’abito nero, come “workwear” capace di sfumare le gerarchie perché indossato da diversi strati della società, avrebbe trovato un’eco nella seconda metà del secolo scorso nei jeans in denim. Lo stesso denim si ritiene abbia origine nel Sud della Francia, a Nîmes: “de Nîmes”.

In questa collezione Cruise, Matthieu Blazy presenta l’abito nero del 1926 di Gabrielle Chanel come primo look. Tornando al bozzetto d’archivio originale, il disegno dell’abito ampiamente diffuso nel 1926 non mostrava un grande fiocco visibile sul retro. Oggi, quel dettaglio viene trasposto in una clutch. La collezione abbraccia inoltre le tradizioni di molte forme di abbigliamento da lavoro francese, dalla marinière del marinaio al bleu de travail, valorizzandone sia lo status funzionale sia quello immaginifico e ribelle. Tutti hanno raggiunto una statura classica, ulteriormente confermata dalla loro presenza nel repertorio CHANEL.

Copyright CHANEL

L'articolo CHANEL Collezione Cruise 2026/27 Biarritz – Sous le salon la plage proviene da Daily Mood.

Tra gli elementi più originali della sfilata: scarpe decorate con motivi di ninfee, mini dress csfon volants ispirati alla Belle Époque, cappotti con colletti alti, denim reinterpretato in chiave couture. l risultato è una collezione che gioca con il tempo, mescolando epoche diverse e creando un guardaroba parigino immaginario. Con questa sfilata, Jonathan Anderson ha inaugurato una nuova fase per Dior. Il designer, già noto per il suo lavoro con il brand Loewe e con il marchio JW Anderson, porta nella maison francese un approccio creativo basato sulla sperimentazione, sul dialogo con l’arte e sulla reinterpretazione dei codici storici. La sua visione sembra voler liberare Dior dal peso della nostalgia, mantenendo però un forte legame con il patrimonio della maison. La sfilata Dior a Parigi non è stata soltanto una presentazione di abiti, ma una vera esperienza narrativa. Dall’invito simbolico alle scenografie dei Tuileries, fino ai capi che reinterpretano la tradizione del New Look, ogni elemento è stato pensato per raccontare una storia: quella di una passeggiata immaginaria nella Parigi della moda. Con la sua prima collezione femminile, Jonathan Anderson dimostra che il futuro di Dior può nascere proprio dall’incontro tra memoria e innovazione. E mentre le modelle attraversavano il ponte sospeso tra le ninfee, la passerella sembrava trasformarsi in una metafora perfetta della moda contemporanea: un equilibrio fragile tra storia, spettacolo e desiderio.

Photo Courtesy of Dior

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Dior una passeggiata teatrale nei Jardin des Tuileries proviene da Daily Mood.

In passerella Dolce & Gabbana hanno costruito un racconto estetico coerente e riconoscibile. Il pizzo, elemento simbolo del brand, si è declinato in sottovesti, abiti trasparenti e corsetti strutturati. Il risultato è una femminilità intensa e consapevole, in cui la sensualità non è mai ostentazione gratuita, ma un codice culturale. Il pizzo nero evoca la tradizione delle vedove siciliane, mentre le linee sartoriali precise ricordano l’arte del tailoring italiano. La collezione alterna silhouette aderenti e capi strutturati: bustier, giacche monopetto, abiti sottoveste e cappotti dal taglio rigoroso. Il risultato è un equilibrio tra lingerie e alta sartoria, una cifra stilistica che da sempre caratterizza la maison. Non mancano i richiami alla tradizione familiare e alla cultura del Sud Italia: scialli lavorati all’uncinetto, borse ricamate e dettagli che ricordano l’artigianato italiano, reinterpretato in chiave contemporanea. Come spesso accade negli eventi firmati Dolce & Gabbana, la sfilata non si è limitata alla presentazione della collezione, ma si è trasformata in un vero spettacolo culturale.

Al termine dello show Madonna ha preso parte a un’esibizione privata organizzata nei saloni della maison interpretando una versione inedita di “La Bambola”, storico brano di Patty Pravo. La performance, accompagnata da pianoforte e quartetto d’archi, ha celebrato il legame tra musica e moda che da sempre caratterizza la carriera della cantante e il percorso creativo dei due stilisti. In questo contesto, lo show ha assunto il valore di una dichiarazione artistica: la moda come linguaggio interdisciplinare capace di dialogare con musica, cinema e cultura pop. La collezione presentata a Milano dimostra come Dolce & Gabbana abbiano scelto di non inseguire le tendenze effimere, ma di rafforzare il proprio DNA creativo. In un momento storico in cui molte maison cercano nuovi codici estetici, gli stilisti riaffermano il valore della continuità. Il pizzo, il nero, la sensualità barocca e la celebrazione della femminilità mediterranea non sono nostalgie del passato, ma strumenti per raccontare un’identità forte e riconoscibile. La presenza di Madonna in prima fila diventa quindi simbolica: un’icona capace di attraversare decenni di cultura pop, proprio come Dolce & Gabbana attraversano le stagioni della moda senza rinunciare alla propria essenza.
Photo Courtesy of Dolce& Gabbana

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Il trionfo del nero: Dolce & Gabbana riscrivono la loro identità con Madonna proviene da Daily Mood.

COLLEZIONE

La superficie cede a impulsi più profondi; l’artificio si dissolve.
La collezione esplora una tensione psicologica tra interiorità ed esteriorità, tra performance e paranoia. L’individualismo sotto uno sguardo costante e inflessibile.
La patina levigata si incrina, lasciando emergere qualcosa di vibrante e tattile, umano, pur mantenendo precisione e controllo.
Il confine tra la costrizione degli spazi interni e l’ampiezza della natura si sfuma, liberando il domestico. Le stampe floreali da carta da parati e il pizzo vengono portati all’esterno. Le bed jacket diventano abiti da sera, reinterpretate come bomber trapuntati a rose in tonalità glaciali e hitchcockiane. Fiori selvatici ricamati a mano affiorano da silhouette anni Sessanta, madreperlacei e affilati fino a una punta sottile.
I tessuti classici vengono sovvertiti attraverso trattamenti materici e una lucentezza inattesa: trench in pelle cangiante e perlata, completi in mikado di seta tagliato e jacquard floreali stropicciati.
La sartoria, radicata nell’eredità Savile Row della maison, incarna le sue tensioni intrinseche: tagliente come un rasoio, con un colletto a cascata d’archivio che dona fluidità al rigore strutturale di McQueen.
L’immagine nasconde un’arte interiore. Il pizzo non è un dettaglio di superficie, ma qualcosa di intimo, intrappolato tra strati di organza leggerissima. Gli abiti sono incorniciati da intricati ricami di piume, evocazione di libertà, che fondono filo dorato, punto raso e organza.
Un trompe-l’œil che invita a un’esplorazione più profonda, al tatto.
La natura prende il sopravvento. Sollievo e tregua nel suo dispiegarsi.

BORSE

La geometria d’archivio viene reinterpretata: la borsa Locke mette a contrasto una pelle morbida e scolpita con un lucchetto in metallo; la Manta reimmagina la sua struttura ripiegata attraverso un ricamo floreale metallico esteso su tutta la superficie; la Soft Knuckle Clutch contrappone il suo hardware distintivo a una nuova forma morbida, tattile e destrutturata.

SCARPE

Gli archetipi dell’iperfemminilità vengono sovvertiti: gli stivali Niko e le Mary Jane presentano una punta angolare e un dettaglio metallico; le décolleté a punta Koko e i sandali con fiocco sono caratterizzati da un tacco ibrido tra stiletto e zeppa.

SCENOGRAFIA

Un senso di tensione psicologica, modellato sulla facciata di una domesticità perfetta. Un austero labirinto a spirale di corridoi drappeggiati da tende, che suscita il sommesso disagio del quotidiano.

MUSICA

Una colonna sonora originale prodotta da A. G. Cook, che prosegue la collaborazione di McQueen con artisti britannici capaci di guidare l’innovazione musicale.

CREDITI

Tom Scutt è un artista britannico vincitore del Tony Award, attivo tra teatro, musica dal vivo e moda come scenografo, regista teatrale e direttore creativo. Tra i suoi lavori recenti più significativi figurano Cabaret nel West End e a Broadway, il tour Dreamworld dei Pet Shop Boys e Carmen al Metropolitan Opera House di New York.

A. G. Cook è un musicista e produttore britannico vincitore del Grammy Award, noto per il suo stile innovativo e sperimentale. Cook ha avuto un ruolo fondamentale nell’evoluzione del pop contemporaneo, collaborando con artisti del calibro di Beyoncé, Charli xcx, Troye Sivan e altri.

S T Y L I N G – Camille Bidault-Waddington
C A S T I N G – Julia Lange
H A I R – Anthony Turner
M A K E U P – Daniel Sallstrom
N A I L S – Ama Quashie
C O N C E P T A N D P R O D U C T I O N D E S I G N – Tom Scutt
M U S I C – A. G. Cook
M O V E M E N T – Ryan Chappell
PRODUCTION – La Mode en Images
LIGHTING – Raiden Studios

L'articolo McQueen Autumn Winter 2026 Show proviene da Daily Mood.

Le creazioni GUROSI si distinguono per una ricerca materica sofisticata e per un’estetica che unisce minimalismo contemporaneo e memoria culturale. Le borse e gli accessori raccontano una nuova visione del design dell’Europa orientale: essenziale, simbolica, radicata nelle tradizioni ma proiettata verso un mercato globale.

Il dialogo tra couture e accessorio ha creato un equilibrio armonico tra struttura e dettaglio, tra abito e oggetto-icona, offrendo un’esperienza completa e coerente dal punto di vista curatoriale.

Una dialogo internazionale Fashion Vibes conferma così il proprio ruolo come piattaforma indipendente capace di costruire ponti culturali attraverso la moda. L’evento non si limita a presentare collezioni, ma crea uno spazio di confronto tra visioni, heritage e linguaggi contemporanei.

In un momento storico in cui la moda è chiamata a ridefinire il proprio significato, Fashion Vibes propone una risposta chiara: la moda come dialogo, come cultura, come storia, come espressione consapevole dell’identità globale.

La Showroom Experience live ha fatto  diventare  la  sfilata una narrazione globale, presentando i designer Gurosi, Luxe Living Fashions e Ira Langevin in un viaggio immaginario ambientato nello storia millenaria del cortile del Centro Ambrosiano, con un abbinamento armonioso   di accessori e  abiti, che, con gli abiti della sfilata, hanno raccontato la storia e l’anima dei loro paesi, presentando accessori artigianali e creativi, abiti glamour, seducendo gli ospiti, buyer e la stampa, offrendo uno spettacolo  di haute couture, accessori, artigianato e fashion concettuale, segni, forme, colori intensi, giovani, pieni di simboli, per un dialogo culturale e profondo.

Un grazie a TATO DVALI per la colonna sonora che ha accompagnato la sfilata, alla ballerina Anita Frezzato, a WAM, ad Alexandra, all’ Accademia Style.

L'articolo FASHION VIBES a Milano Centro Ambrosiano proviene da Daily Mood.

L’apertura della sfilata è stata affidata alla ballerina professionista Anita Frezzato, che ha inaugurato la sfilata con un gesto scenico di intensa eleganza. La colonna sonora originale firmata da Tato Dvali, composta appositamente per l’opening, ha avvolto la sala in un’atmosfera sospesa, accompagnando lo spettacolo come un filo invisibile capace di unire emozione e movimento.

LUXE LIVING
Il primo capitolo della serata è stato firmato Luxe Living, che ha superato la tradizionale dinamica passerella-platea. Cinque modelle si sono alzate direttamente dal pubblico, dissolvendo il confine tra spettatore e scena in un atto teatrale sofisticato e sorprendente.
Un momento potente, concettuale, che ha definito immediatamente il tono dell’intero evento: audace, elegante, memorabile.

IRA LANGEVIN
Con Ira Langevin, la moda ha assunto la forma di arte pura.
Non una semplice collezione, ma una visione artistica costruita attraverso tessuti lavorati a mano, superfici materiche e strutture sartoriali che dialogavano con il corpo come sculture viventi. Ogni look ha espresso una ricerca estetica profonda, autentica, radicale.
Un manifesto creativo che ha lasciato il pubblico visibilmente colpito.

 MORAN TUBUL
A chiudere la serata, la bridal couture di Moran Tubul ha portato in passerella una visione contemporanea della sposa: luminosa, sofisticata, potente.
Silhouette impeccabili, lavorazioni preziose e un’eleganza scenografica hanno regalato un finale emozionante, accolto da un lungo applauso.

In passerella anche le creazioni di Indira & Isidro, Guardazel, Mohikas, Tuttrostyle, Atelier Ancheita Italy, By Milagros — ognuno interprete di una visione distinta, capace di contribuire a un racconto collettivo di grande intensità estetica.
Ogni designer ha presentato qualcosa di unico, forte, costruito con un ampia visione per arrivare al risultato, un mosaico creativo di altissimo livello, accolto con entusiasmo da buyer, stampa e ospiti internazionali.

Showroom & Private Experience live
Nel cortile storico, il brand georgiano Guriosi ha presentato le proprie borse e accessori, attirando l’interesse di professionisti del settore e ospiti grazie a un’identità forte e riconoscibile.
Anche Ira Langevin e Luxe Living hanno incontrato il pubblico nello showroom, trasformando l’esperienza in un dialogo diretto tra creatività e marketing.

Backstage

Dietro la bellezza visibile in passerella, un lavoro impeccabile e silenzioso.
Un ringraziamento speciale al team backstage guidato da Alessandro alla ballerina Anita Frezzato, a Tato Dvali, a Wam e a tutti i professionisti che hanno lavorato con precisione, energia e dedizione straordinaria. La sinergia tra produzione, stylist, make-up, hair e coordinamento ha reso possibile una serata di altissimo livello.

Fashion Vibes Milano conferma la propria identità: non una semplice sfilata, ma una piattaforma curatoriale dove ogni elemento — suono, luce, corpo, tessuto — diventa parte di un’unica esperienza immersiva.
Una serata che ha lasciato il pubblico in piedi, tra applausi e stupore.
Un momento che non si limita a essere visto, ma viene ricordato.

L'articolo Il dialogo Globale di Fashion Vibes a Milano Centro Ambrosiano MILAN WOMEN’S FASHION WEEK 2026/27 proviene da Daily Mood.

The Unexpected With Traditional
Bomber e giacche corte dalle forme stondate o asimmetriche segnano il punto vita: sono in lana, tessuti impermeabili, fantasie tartan e dai check multicolor. Tutti i capisaldi della tradizione british assumono nuove connotazioni.
Vengono abbinate camicie bianche con rushes vittoriane ma anche corsetti in lana, recall di bustier elisabettiani.
Lunghi, morbidi o croccanti, i pantaloni in denim flock, lana fantasia tartan o tinta unita.
Abiti alla caviglia scivolati sul corpo con maniche lunghe, impalpabili in creponne e plissé di tulle e seta. In marrone, verde giada o bianco.
I tradizionali foulard, accessorio immancabile per i week end nella natura e simboli di un’eleganza ereditata, sono ristampati su capi in raso satin con proporzioni nuove, fantasie delicate e macro, dando vita a un gioco di movimenti che si anima a ogni passo.

New Suiting
I nuovi completi in corduroy si animano di delicati ricami a bouquet o di giocose ruches in maglia, declinati su raffinati toni di bianco e blu essenziali, per un equilibrio perfetto tra charme romantico e minimalismo contemporaneo.
La Swinging London e il mito di Mary Quant vivono nel binomio gonna mini in tessuto check e pull argyle dalla lavorazione garzata su cuissard in nappa.
Il Royal Leopard Coat è il capospalla must to have della collezione, linea asciutta, dettagli a contrasto in velluto e preziosa lavorazione jacquard in alpaca e lana e dalla superficie finemente garzata.

Aristocratic Beauty
Il pantalone pyjama è protagonista. Tinta unita o stampato. Inseparabile da uno spencer night blue o da una cappa couture dalle fantasie nero e oro, capo passepartout per un cocktail o un aristocratic dinner.
Un guardaroba royal & clean, dove inaspettato e tradizione trasformano la quotidianità femminile.

L'articolo forte_forte – Collezione Autunno/Inverno 2026-27: MAGNIFICENT proviene da Daily Mood.

Una gonna maxi in cashmere a godet che abbraccia i fianchi, una tunica da paggio in morbida pelle scamosciata, stivali ultra-piatti che salgono oltre il ginocchio e ancora, rivetti metallici e cappotti con inserti in nabuk: c’è qualcosa di incredibilmente attuale nel design che richiama l’età medievale.

La storia regala agli oggetti più amati una bellezza affinata dal tempo. L’artigianalità impeccabile e i materiali autentici sono un valore assoluto per Max Mara. Gli iconici tessuti in cammello, cashmere, alpaca, mohair, le lane pregiate, insieme ai double-face lucenti e ai tessuti effetto teddy diventano compagni di vita. Testimoniano le storie delle donne che li indossano e li amano.

“Saggia come un serpente, semplice come una colomba”: combinando serenità e forza, Matilde di Canossa, la figura più potente della sua epoca, è la musa di Max Mara. Abile diplomatica, leader militare e mecenate delle arti, governò vasti territori dai suoi castelli situati proprio sopra la città natale di Max Mara. Architetto di pace tra principi e papi, e femminista ante litteram, Matilde è l’eroina moderna che rivive oggi in ogni donna.

Il momento cruciale per Matilde fu l’anno 1081; per Max Mara è stato il 1981, data di nascita del leggendario cappotto 101801. Da allora, con la sua promessa di empowerment, il brand è diventato un punto di riferimento per le donne. L’archivio Max Mara è ricco di ispirazioni tratte da quei capispalla architettonici dalle spalle decise che hanno reso celebre il marchio. Nelle tinte ispirate al manto del lupo, della volpe e del leone, Max Mara immagina la donna moderna come una nuova Matilde: una regina imperturbabile e sicura di sé, che non domina il campo di battaglia, ma la propria vita.

Hair : Odile Gilbert – L’Oréal
Make up : Lisa Butler – Nars
Nails: Violette
Music : Teho Teardo

L'articolo Max Mara – Autunno-Inverno 2026 proviene da Daily Mood.

Nella collezione prende forma un’opulenta ribellione: un gioco dichiarato di contrasti che cattura lo spirito del mondo contemporaneo. Per Redemption, la moda è sempre un atto creativo che mantiene uno sguardo lucido sulla realtà.

Per enfatizzare questa tensione, Moratti utilizza materiali delicati come georgette lurex, velluti devorati e rasi martellati, accostandoli a tessuti più corposi e intensamente lavorati quali broccati, paillettes, tweed ricamati ed ecopelle. La palette cromatica si sviluppa attorno ad un ricco mix di viola e rosso, accanto al classico bianco e nero, illuminati da accenti metallici.

Il risultato finale è fedele all’etica Redemption: raffinata sensualità ma carica di forza; eleganza con un twist urbano e ribelle.

Protagonisti della collezione sono sicuramente gli abiti, sia lunghi che corti. Fluidi, sensuali, caratterizzati da profonde scollature sia davanti che dietro.
Modernità senza tempo e orgogliosa manifattura italiana, pilastri del brand, emergono invece in giacche regimental, redingote e corsetti strutturati.

Perfecto in ecopelle, completi sartoriali e bluse semi-trasparenti definiscono il guardaroba essenziale della donna Redemption, sospesa tra maschile e femminile, in un equilibrio tra rigore e libertà decorativa. Non mancano paillettes ricamate, stampe glitter e dettagli in metallo dorato a impreziosire i capi.

Una volta combinati, questi elementi danno vita a un super mix che si traduce in un soffio fresco di ribellione nella moda contemporanea. «Il contrasto, per Redemption, è l’essenza dell’eleganza moderna.» Dice Gabriele Moratti, fondatore e direttore creativo di Redemption.

L'articolo Aristopunk is back, la nuova collezione di Redemption proviene da Daily Mood.

L'articolo MISSONI Fall Winter 2026 proviene da Daily Mood.

L’idea di allestimento nasce dal desiderio di evocare un mare invernale silenzioso, rarefatto, quasi mitologico. Una presenza intuita, mai completamente svelata: quella della sirena, figura simbolica e poetica che attraversa l’intero progetto.

Avvicinandosi alle vetrine dall’esterno, elementi materici minimal suggerivano il mondo marino: dune di sabbia e vegetazione stilizzata anticipavano l’esperienza sensoriale che si sarebbe rivelata all’interno della boutique.

All’ingresso, una nota olfattiva marina segnava il passaggio verso uno spazio altro, rallentato e silenzioso. Il percorso era guidato da garze e tessuti leggeri che fluivano dal soffitto fino a sfiorare il pavimento, creando trasparenze e giochi di vedo e non vedo, svelato e nascosto, come occhi aperti sott’acqua. Un dialogo delicato e coerente con la pulizia formale della collezione e con l’architettura dello spazio.

In alcuni punti, il pavimento si trasformava in una spiaggia di sabbia e sale, con piccoli rialzi e dislivelli capaci di offrire una suggestione visiva viva. Elementi vegetali, acqua e vetro evocavano i riflessi del mare, mentre proiezioni di immagini accompagnate da un tappeto sonoro ipnotico trasformavano l’ambiente in un’onda visiva e sensoriale continua.

L’esperienza immersiva conduceva il visitatore nel cuore di Forget Me Not, collezione che celebra il canto immortale delle sirene: creature che accolgono e riconciliano, simbolo di una femminilità potente e gentile.

La collezione racconta l’incontro tra sirene e marinai, trasformando il mare in uno spazio emotivo e onirico, un luogo sospeso, contraddittorio, profondo e magnetico. Palette, materiali e dettagli evocano fluidità, corposità e desiderio. Forget Me Not è un invito a ricordare, a lasciarsi attraversare dal desiderio, a non temere la profondità.

A completare l’esperienza, alle ore 18, la performance live di Gaia Banfi. Con il suo timbro arioso, all’interno di un universo in cui la canzone d’autore si intreccia a influenze elettroniche e suoni distorti, e dove la voce viene utilizzata come strumento musicale e materia sonora, l’artista ha accompagnato gli ospiti in una malinconia luminosa attraverso due brani dedicati al concetto della vita che riposa. La musica, già presente come sottofondo durante l’evento, ha trovato nella performance live un momento di intensa connessione emotiva, amplificando il carattere ipnotico e sensoriale dell’allestimento.

Con la FW 26 Forget Me Not, Erika Cavallini, sotto la direzione creativa di Fabrizio Corbo, firma un racconto poetico e immersivo in cui moda, spazio e suono si fondono in un’unica visione: quella di una sirena d’inverno, silenziosa, elegante e misteriosa, che sussurra le sue verità.

L'articolo Erika Cavallini – FW26 Collection – Forget me not proviene da Daily Mood.

Ogni modello è radicato nel saper fare italiano, frutto di un’artigianalità meticolosa e di una cultura che dà valore al tempo e alla qualità assoluta dei materiali e dei pellami: suede, coccodrillo, vitello.

Le silhouette sono definite da dinamiche esplorazioni geometriche, dalla tattilità tridimensionale: stivali arricchiti da raffinati intrecci laterali, sottili borchie su décolleté, arricciature smock in suede sui mocassini.

La palette presenta raffinate tonalità: verde oliva, burgundy, blu, nero, marrone e cammello.

Nuovi must-have dal lusso discreto raccontano una storia di eleganza fondata su un equilibrio perfetto tra tradizione e innovazione.

Ogni dettaglio esprime una visione di stile distintiva, facendo di Christopher un nuovo brand di riferimento per chi ama il luxury comfort.

L'articolo Christopher – Collezione Autunno-Inverno 26/27 proviene da Daily Mood.

Materiali: Lane da sartoria, panno di lana, garza di lana, ecopelliccia, pelle riciclata, cotone tecnico, voile di cotone, denim a spina di pesce.
Palette cromatica: Nero lucido e polveroso, bianco polveroso, blu elettrico, rosso fuoco, verde sera, color vino, terracotta, blu indaco, grigio luminoso.
Decorazioni: Stampa 3D, ricamo su stampa, tinture a guazzo e acquerello ispirate al make-up di David Bowie, Mick Jagger e agli anni ’80.

L'articolo VALETTE STUDIO Autumn-Winter 2026/2027 Collection The New Romantics proviene da Daily Mood.

In collaborazione con Art of Heritage, istituzione culturale impegnata nella salvaguardia del patrimonio artigianale dell’Arabia Saudita, la maison ha presentato una capsule collection di abiti esclusivi Vivienne Westwood, ricamati a mano da artigiani locali.

La collezione è stata accompagnata dai look Primavera/Estate 2026 e da alcune iconiche creazioni d’archivio, in un dialogo armonioso tra tradizione, innovazione e moda contemporanea.

La collaborazione con Art of Heritage rappresenta un impegno condiviso per la tutela della cultura, l’empowerment femminile e il dialogo globale. Ogni look della capsule collection è caratterizzato da ricami realizzati a mano, ispirati alle molteplici tradizioni del ricco patrimonio saudita e realizzati con tecniche che riflettono l’eccellenza dell’artigianato locale.

Questo lavoro minuzioso si ritrova negli abiti di alta moda Vivienne Westwood, che uniscono la storica e sperimentale tecnica di taglio della maison a elementi iconici come corsetti strutturati, drappeggi ispirati alle statue dell’antica Grecia, mantelli romantici e linee scolpite, pensate per creare una silhouette contemporanea.

Tra le tecniche tradizionali impiegate figurano Hashu, Nadqdah (Talli), Dabkah e Zari – utilizzate per decorare e arricchire i capi con effetti tridimensionali, giochi di texture e riflessi di luce che donano profondità e preziosità alle creazioni couture. In passerella sono apparsi anche alcuni highlight della collezione Primavera/Estate 2026 di Vivienne Westwood.

L’attenzione alla tecnica, da sempre cifra stilistica della maison, è stata esplorata attraverso il taglio sartoriale sia maschile che femminile. Un gilet abbinato a pantaloni ampi Bag e a una giacca doppiopetto in drill di lino e lana ha espresso un’eleganza contemporanea grazie a proporzioni volutamente esagerate. Quadri e tartan hanno aggiunto texture, mentre le maniche a sbuffo hanno impreziosito le camicie. Un abito midi con scollatura a goccia ha completato la proposta. La palette cromatica spaziava dall’azzurro cielo e crema, al turchese, fino al nero — uno dei colori iconici della casa di moda.

Vivienne Westwood da sempre valorizza la maestria artigianale e il patrimonio culturale, collaborando da decenni con industrie e artigiani locali nel Regno Unito, in Europa, in Africa e in India. Questa sfilata ha rappresentato un’occasione unica per collaborare con le specialiste saudite del ricamo a mano, celebrando l’arte dell’artigianato e lo scambio culturale.

Tra gli ospiti della sfilata c’erano Faye Peraya, Win Metawin e Yara Alnamlah.

Per maggiori informazioni sulla Riyadh Fashion Week, visita: www.riyadhfashionweek.com. Per rimanere aggiornati sulla Riyadh Fashion Week, visita www.riyadhfashionweek.com e le piattaforme social ufficiali:

• Instagram: @riyadhfashionweek
• Twitter: @riyadhfw
• TikTok: @riyadhfashionweek
• Snapchat: @riyadhfw
• YouTube: @riyadhfashionweek

L'articolo Vivienne Westwood apre la Riyadh Fashion Week 2025 proviene da Daily Mood.

Photo Courtesy of Saint Laurent

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo L’aristocratica licenziosa di Saint Laurent sfila sotto la Torre Eiffel proviene da Daily Mood.

«Chanel parla d’amore. La nascita della modernità nella moda nasce da una storia d’amore. È questo che trovo più bello. Non ha tempo né spazio; è un’idea di libertà. La libertà indossata e conquistata da Gabrielle Chanel.» – Matthieu Blazy
«Non c’è tempo per la monotonia preconfezionata. C’è un tempo per il lavoro. E un tempo per l’amore. E non resta tempo per altro.» – Gabrielle Chanel

Questo è un universo — l’universo di Chanel.
Al suo interno, al di fuori dei limiti abituali di spazio e tempo, si svolge una conversazione in tre atti.
Una conversazione tra Matthieu Blazy, nuovo Direttore Artistico delle Attività Moda di Chanel, e Gabrielle Chanel, la fondatrice.

UN PARADOSSO

Tutto inizia con una tradizione maschile: una camicia e un paio di pantaloni.
Capo preso in prestito da Gabrielle Chanel dal guardaroba di Boy Capel, il suo grande amore. All’epoca la camicia era firmata Charvet, storico camiciaio francese; oggi è realizzata insieme a Chanel. Appesantita da una catena in metallo, mantiene le proporzioni classiche del taglio maschile.
A queste si aggiungono giacche da uomo tagliate e rifinite a vivo, trasformate secondo le proporzioni Chanel.
I tweed britannici del cuore di Gabrielle diventano agili, pressati, funzionali.

Il paradosso sta nella forza femminile di Gabrielle Chanel, conquistata attraverso un guardaroba in cui il pratico e il funzionale non rinunciano mai al fascino e alla seduzione.
Il tempo del lavoro si unisce al tempo dell’amore: sete fluide, scolli ampi, drappeggi e nodi.
Le maglie si muovono con disinvoltura dal giorno alla sera, tra discrezione e teatralità.
Nasce così un nuovo equilibrio tra femminile e maschile, un insieme dinamico in cui Gabrielle Chanel fu, senza scuse, se stessa.
Mai solo qualcosa, ma qualcuno.

LE JOUR

Il daywear di Chanel attraversa il tempo.
I classici vengono decostruiti ma restano in movimento con il corpo.
Vissuti come capi realmente indossati e tramandati, emanano la naturalezza autentica dello chic vero: la borsa 2.55 appare schiacciata, stropicciata, amata, con la fodera in pelle bordeaux messa in mostra; le camelie spiegazzate diventano parte integrante di tailleur in maglia di seta; i tweed sfrangiati del passato vengono portati al presente, delineati o ricamati.

Un’altra forma di familiarità si ritrova nell’architettura stessa della Maison: lavoro e vita di Gabrielle erano inseparabili.
Linee pulite e grafiche in bianco e nero evocano l’Art Déco e la precisione del packaging Chanel, realizzate in sontuose sete lavorate a maglia.
Il motivo floreale diventa più astratto: si apre, scende, si scompone.
Le stampe dipinte a mano si trasformano esse stesse in petali.

L’UNIVERSALE

Il linguaggio universale di Chanel viaggia nel mondo e nel futuro, espandendosi continuamente.
Le linee maschili viste all’inizio della collezione ritornano qui ammorbidite, arrotondate, ispirate al blouson.
Una molteplicità di tweed e intrecci, frutto di ricerche meticolose, si proietta in avanti: la sperimentazione materica domina, fuori e dentro, con fodere interne di sete stampate e contrastanti.

Un’idea di futuro che nasce dal passato si ritrova nei fondamentali Chanel: griglie di tweed che diventano maglie annodate a mano e trasparenze; l’architettura del tailleur Chanel messa a nudo; i gioielli, parte integrante del codice Chanel, diventano preziosi e simbolici insieme – perle barocche, pianeti di vetro, catene smaltate.
Le calzature mantengono l’inconfondibile punta a contrasto, con tacchi realistici e portabili, pensati per spingere chi li indossa verso il futuro.

Soprattutto, emerge un’idea di libertà: una nuova veste universale, un incontro senza confini tra stili, l’eredità non di una sola donna Chanel, ma di tutte le donne Chanel.

Copyright CHANEL

L'articolo CHANEL Primavera Estate 2026 proviene da Daily Mood.

Il titolo della nuova collezione: Pantelleria, Milano scandisce il racconto della sfilata. Pantelleria, l’isola cara allo stilista, luogo di libertà, luce mediterranea, vento che modella tessuti; Milano, città di rigore sartoriale, vie antiche, facciate di pietra, ritmi metropolitani. Un’osmosi tra effimero e struttura. La collezione si compone da centoventisette look: ottantadue da donna e quarantacinque da uomo. Le linee femminili oscillano fra abiti eterei, trasparenze, drappeggi leggeri, e abiti da sera che scintillano come superfici d’acqua al crepuscolo. Nei completi maschili, la destrutturazione tipica di Armani si fa più sottile: giacche senza revers troppo marcati, pantaloni che si adagiano sul corpo con naturalezza, materiali che dialogano con il movimento. I tessuti—seta, georgette, tessuti fluidi—sembrano respirare il vento che si porta via ogni rigidità. Il gioco cromatico è calibrato: grigi che ricordano le facciate meneghine, travertini, verdi e blu di Pantelleria, tocchi di cobalto e viola in momenti sorprendenti, seguiti dal buio – velluti scuri, profili di luce minima che evidenziano dettagli ricamati e finiture luminose. Un crescendo emotivo e cromatico. Sul finale il pubblico trattiene il fiato, poi un lungo applauso, in piedi. Leo Dell’Orco e Silvana Armani, mano nella mano, salgono sulla passerella: eredità affidata e un silenzio rotto da gratitudine. Ed una rappresentanza del jet set del grande schermo applaude estasiata: Kate Blanchett, musa di Armani e Global Ambassador beauty, Glenn Close, Lauren Hutton, Margherita Buy, Toni Servillo, Isabella Ferrari, Kasia Smutniak, Giuseppe Tornatore, Marco Bellocchio.  Questo show non è stato solo una celebrazione, ma è un testamento estetico. Armani ha lavorato fino all’ultimo su questa collezione, sui dettagli, sulla mostra celebrativa aperta alla Pinacoteca, sulla continuità: Emporio Armani e Giorgio Armani sfilano come previsto, così come la grande retrospettiva. L’identità della Maison non viene delegata a interessi esterni, ma custodita dai suoi più stretti collaboratori, dalla nipote Silvana e da Leo Dell’Orco. Il messaggio è forte: lo stile non si interrompe, non si dissolve, ma si trasforma. Il fatto che la sfilata sia avvenuta proprio a Brera non è solo scelta scenografica, ma simbolica: Brera è quartiere che rappresenta la storia, la cultura, l’arte, ha accolto Armani sulla mappa della moda milanese; Brera ora ospita anche la sua memoria estetica. È un ritorno alle radici, ma anche un punto di svolta. Da qui la Maison dovrà misurarsi con il dopo: come mantenere la leggibilità del marchio, come proseguire il gesto creativo senza che diventi reiterazione, come far sì che quel volto impresso nell’abito continui a parlare senza scoraggiarsi nell’eco del suo nome. 

Photo Courtesy of Giorgio Armani

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Armani, la sfilata a Milano nel ricordo di Re Giorgio proviene da Daily Mood.

Two for the Road con Audrey Hepburn ispira silhouette leggere con tagli sartoriali netti: un fascino androgino che vive in camicie impeccabili e capispalla a bozzolo, reinterpretati come una forma discreta di protezione.
L’eleganza diventa resistenza, i capi parlano quando le parole non bastano.

Io Sono L’Amore con Tilda Swinton introduce il contrasto: un’estetica gelida che si dissolve in un’onestà disarmante. Si traduce in una sofisticazione tattile — pelle effetto struzzo, giacche di raso, cappotti in suede — strutturati ma intimi. Un guardaroba che potrebbe appartenere tanto a una villa milanese quanto a un hôtel particulier parigino, con la stessa naturalezza.

Le texture evocano i rilievi di Gunther Uecker, mentre neutri scoloriti dal sole, sete e misti lino portano luce.
Gli accessori completano la narrazione con sandali in vitello e borse versatili.

La Primavera–Estate 2026 propone presenza, non fuga: un guardaroba da parigina — sfumato, contraddittorio, senza tempo e borghese, radicato in un’intuizione sicura di sé.

L'articolo PFW – Loulou de Saison – SS26 Collection proviene da Daily Mood.

C O L L E C T I O N

Una carica febbrile nell’aria.
Un luogo di tensioni che ribollono, piena estate, sospeso tra contenimento carnale e liberazione. Un equilibrio fragile tra ordine e impulso opposto: una spinta primitiva, la resa all’istinto animale più puro.

The Wicker Man, diretto da Robin Hardy (1973), diventa l’ancora di un viaggio sartoriale tra desiderio soffocante e liberazione.
Un’esplorazione del brivido e della minaccia che accompagna l’abbandono alla natura, mentre le uniformi si dissolvono. La giacca viene reinterpretata e declinata in più forme, rinnovando l’acuminato taglio McQueen attraverso una lente contemporanea e urbana. Tasche spostate, patch disallineate. Tessuti e finiture da uniforme applicati a bustier dress tagliati e decostruiti. Ogni variante è definita con precisione, radicata nell’eredità tecnica e sartoriale della maison.

Il corpo come forza motrice, con gesti incorporati nei capi. Camicie e abiti in popeline stretti e tesi sul punto giusto. Gonne e pantaloni portati sui fianchi. Il leggendario bumster reinterpretato, regolabile grazie a fibbie metalliche lucide. Comfort e struttura convivono, seguendo le curve del corpo.

L’istinto che sopraffà l’ordine imposto. Dettagli di corsetteria liberati dalla tradizione: la forma senza costrizione, applicata a abiti in jacquard e stivali.

Verso la catarsi, cedendo alla forza primordiale della natura. Stampe astratte d’insetti si aprono in abiti di seta paracadute fluttuanti. Abiti dalle sfumature bruciate di vernice spray e decorazioni che evocano fuoco e scintille. Una silhouette scolpita e drappeggiata, che scende in tentacoli fiammeggianti e strati di chiffon di seta.

Desideri inconsci che affiorano, conducendo a un climax incendiario. Liberi, tra la terra e la città.

F A B R I C S
Leggerezza intrisa di texture. Un gioco di contrasti che accosta con decisione lana mohair-hopsack tagliata al vivo, pelle stampata e incisa, maglie metalliche e ricami in filigrana d’oro, con twill di cotone lavato, delicati jacquard floreali e impalpabili sete habotai effetto sunburst.

B A G S
Una sintesi di energia cinetica contemporanea e misticismo pagano, costruita attraverso materiali elementari: madreperla luminosa, legno e amuleti scolpiti a mano come talismani. Le silhouette geometriche includono la Manta, reinterpretazione dell’iconica borsa d’archivio De Manta, rifinita con lacci da corsetto, frange, decorazioni a fiamma e la classica sciarpa McQueen con teschio.

S H O E S
Il celebre tacco McQueen a forma di corno, tratto dall’archivio Spring/Summer 2003, torna applicato a silhouette classiche: mules, stivali alti e sandali. Realizzati in morbida pelle scolpita, suede e jacquard floreale.

J E W E L L E R Y
Scultorea e affilata, profondamente radicata nella natura, la collezione di gioielli presenta motivi talismanici e folklorici: forbici, insetti e portafortuna a forma di osso dei desideri, declinati in orecchini, bracciali e collane.

L'articolo McQueen Spring Summer 2026 proviene da Daily Mood.

La collezione si apre come un viaggio onirico, una deriva del pensiero che porta la designer dal battito pulsante della città moderna al sogno luminoso della dinastia Tang. Tra sfumature setose di rosso e oro smaltato, scopre una tavolozza intrisa di memoria: rossi radiosi, ori liquidi e una delicata tonalità di glicine, ispirata ai suoi schizzi d’infanzia. Intessuti a questa brillantezza, il bianco e il nero evocano ombra e profondità, trasformando la dolcezza in forza. Ogni colore diventa un ponte tra innocenza e raffinatezza, traducendo la nostalgia in un linguaggio di maturità.

Nel corso della collezione, fiocchi si svelano, fiori sbocciano in rilievi scolpiti e volants ondeggiano con grazia teatrale; trasparenze in bianco e nero intrecciano tensione e romanticismo. Un tempo simboli di fanciullezza, questi dettagli incarnano ora indipendenza e convinzione: ogni fiocco è una silenziosa incoronazione, ogni fiore una testimonianza di resilienza. L’alternanza tra trasparenza e oscurità rivela una nuova forma di dolcezza — una che sussurra invece di dichiarare, ma che possiede un potere innegabile. Shuting Qiu ridefinisce il romanticismo come coraggio, trasformando la delicatezza in armatura per la donna contemporanea.

In Tender Rebellion, la bellezza si dischiude là dove i contrasti si incontrano: il tradizionale convive con l’ignoto, la tenerezza con la forza. La visione di Shuting Qiu resta chiara — che la dolcezza, l’empatia e la maestria artigianale siano le forme più autentiche di potenza in un’epoca segnata dal cambiamento.

SPECIAL THANKS : 

SHUTING QIU remercie NOETIX Robotics (Beijing) Technology Co., Ltd. et Songyan Power (Beijing) Technology Co., Ltd. pour leur travail technologique ; VVS (Hong Kong) International Business Co., Limited pour le stylisme des lunettes ; et MAOGEPING Beautypour leurs cadeaux destinés à nos invités.

CREDITS :
Photo – h7o7 Studio
Vidéo – h7o7 Studio
Stylisme – Eline Hoyois
MUA –Beautik
HAIR – Beppe D’Elia
Production – Kamolia
Public relation – Totem Fashion

L'articolo SHUTING QIU – TENDER REBELLION SS26 proviene da Daily Mood.

La cornice architettonica del Centro, che unisce la modernità del vetro ai richiami delle pagode tradizionali, ha offerto una risonanza perfetta: la facciata a gradoni, simbolo dell’incontro tra tradizione e innovazione, dialogava con lo spirito stesso di PSALTER. Da vent’anni la maison cinese percorre una traiettoria unica tra eredità e visione, tessendo un sottile legame tra cultura francese e cinese. Fedele al suo DNA di “accademismo rétro”, oggi lo evolve verso una silhouette urbana, più aperta e personalizzata. I capi, raffinati ma giocosi, danno vita a un guardaroba pensato per gli spiriti contemporanei.

La sfilata si è articolata intorno a un gioco di contrasti e mix-and-match. Cappotti a quadri iconici, blazer, giacche di pelle, maglie dalle sfumature sottili e look casual si sono stratificati con audacia. I codici si sono intrecciati per comporre un’estetica coerente, in cui l’eleganza senza tempo dialogava con lo spirito di indipendenza, rivelando la pluralità delle silhouette femminili.

I motivi emblematici – dal badge celebrativo alle righe, fino ai losanghi – sono stati reinterpretati con freschezza. Applicati con libertà ma maestria su maniche, spalle e busti, hanno ridato vita al patrimonio grafico della maison. Tra equilibrio ed energia avanguardista, hanno infuso al guardaroba urbano una cifra personale e ludica.

Le citazioni alla tradizione cinese – brandebourgs, colli alla mandarina, ornamenti in vita – sono state rilette attraverso tecniche di decostruzione, dando origine a un’estetica orientale rinnovata. Accessori e dettagli, come spille celebrative, cravatte modulabili e gioielli ispirati al nodo cinese, hanno aggiunto una modernità inaspettata, diventando un vero linguaggio visivo capace di completare ogni silhouette.

La palette cromatica oscillava tra rigore e splendore: blu e marrone accademici venivano ravvivati da tonalità stagionali – viola fumé, rosso intenso, giallo crema. Ricche ma sofisticate, queste nuance rompevano la monotonia tipica dell’autunno-inverno e, accostate a materiali ora strutturati, ora leggeri, svelavano un’allure vibrante e raffinata.

Onorare la tradizione e abbracciare l’innovazione: questo il fil rouge del tema “il momento”. Punto di incontro tra memoria e futuro, ha espresso la volontà di PSALTER di ridefinire i codici accademici per meglio trascenderli. Fin dalla sua fondazione nel 2005, la maison rivendica una moda che unisce espressione personale e libertà di tono. Silhouette ricomposte, tessuti pregiati e tagli sperimentali delineano una femminilità intelligente, colta e sicura di sé.

Le modelle hanno incarnato un’immagine forte: quella della donna urbana contemporanea, insieme razionale e stilosa. Manager illuminate, creatrici pioniere o pensatrici indipendenti, hanno interpretato liberamente identità diverse. Che indossassero un tailleur su misura o osassero sovrapposizioni inattese, hanno trovato nell’universo di PSALTER un linguaggio di stile che le rappresenta: professionale, audace e profondamente personale.

L'articolo Sfilata per il 20° anniversario di PSALTER a Parigi – “Salmi del Momento” proviene da Daily Mood.