«La bambina che ero un tempo è con me oggi. Ho realizzato i suoi progetti. Ho soddisfatto i suoi gusti. È da lei che ho acquisito i miei standard esigenti, ed è lei che sono riuscita a soddisfare. Nessuno mi è più vicino di lei. Lei mi deve tutto, e io le devo ciò che sono riuscita a dare al mio tempo.»

Gabrielle Chanel

«Nel corso della loro vita, le donne diventano molteplici sé, volti diversi della stessa medaglia. È come un gioco del cadavere squisito, in cui un’identità conduce a un’altra. Si tratta delle donne dentro una donna. E qui si tratta di una donna, Gabrielle, che poi è diventata Chanel.»

Matthieu Blazy

La moda è malleabile e trasformativa, trasmettendo dal passato al presente e verso il futuro.

Le identità della moda cambiano e si trasformano, eppure, in relazione a una donna, sono sempre diverse e sempre le stesse. Nella collezione di questa stagione, Matthieu Blazy, Direttore Artistico delle Attività Moda, rende omaggio a questi molteplici sé nel suo continuo dialogo con Gabrielle Chanel.

Dai suoi inizi agli anni più tardi, dalla rivelazione della biancheria in jersey all’inizio della collezione fino al suo lavoro del dopoguerra sul tailleur, qui indossato come una seconda pelle contro la carne nuda, leggero come un profumo. Qui, il continuum della moda Chanel si dimostra stratificato e circolare, con l’inizio che informa la fine.

Nella collezione, la giovane Gabrielle diventa le diverse donne Chanel che sarà. Ognuna porta l’altra dentro di sé, una storia stratificata di identità all’interno di una storia stratificata degli abiti che indossava. Questo è il suo personale viaggio nella moda: dalle costrizioni del corsetto e della sartoria edoardiana che un tempo aveva adottato e contro cui si era ribellata, alle sue idee riconfigurate e rivoluzionarie sul tailleur, indossato con disinvoltura e portato con leggerezza.

Le identità vengono provate, valorizzate, aggiunte, utilizzate come un gioco o, a volte, abbandonate e combattute. Lasciano dietro di sé tracce delle loro precedenti incarnazioni: linee di stecche d’ombra, il movimento di un peplo, il volant di un colletto, la curva di un corpino, che diventano i resti spettrali di vite della moda passate.

Dalla costruzione alla decostruzione, ritorna la sua rivelatrice esplorazione della sartoria maschile: l’abbigliamento formale maschile da giorno e da sera viene tagliato a vivo e trasformato in gilet, indossati con pantaloni, oppure riconfigurato in tailleur con gonna a matita.

Il mondo maschile scivola in quello femminile con abiti formali in stile anni Trenta, ricamati di paillettes e strutturati in sbieco, oppure lavorati a maglia e impreziositi da perline, abbastanza leggeri da essere infilati e indossati con la facilità di una T-shirt. I paradossi della femminilità sono al centro di ciascuno di essi.

Eppure, forse, è il flou a risultare più sorprendente quando imita il time-lapse delle formazioni delle nuvole, ottenuto sovrapponendo differenti pesi di trasparenze di seta stampata e tagli ampi e fluttuanti. Segna il mattino, l’ora dorata e il calare della notte; il passaggio del tempo.

Simboleggiato dall’uccello, in particolare dal rondone e dalla rondine, un senso di libertà prende il volo attraverso gli abiti, posandosi a volte nella sua incarnazione aviaria come bottoni, gioielli e ricami.

Ma è nello straordinario sviluppo dei tessuti dell’atelier, sia intrecciati sia lavorati a maglia, che le sue capacità supreme risplendono, spingendo una concezione della libertà attraverso il movimento e la leggerezza.

Qui, la filosofia Chanel diventa non soltanto un motivo, ma un progetto di vita, qualcosa che è nel cuore della maison. Come la libertà stessa, non si tratta soltanto di vedere, ma di sentire.

Il capitolo finale della collezione chiude il cerchio, dalla seconda pelle della biancheria all’inizio della sua storia fino all’ultima incarnazione del tailleur nel nuovo «tweed smock».

Quest’ultimo rappresenta un’innovazione sorprendente: richiama il primo nella sua leggerezza senza sforzo, nella sua malleabilità e mobilità ottenute grazie all’elasticità, diventando un capo performante possibile soltanto oggi.

Eppure continua le tradizioni degli obiettivi ultimi di Gabrielle Chanel attraverso l’abito: movimento, espressione di sé, libertà.

A partire da Dyanira Hurbuscher, che tiene la stessa borsa 2.55 di Gabrielle Chanel proveniente dagli archivi del Patrimoine, la collezione ritorna a essa alla fine, indossata dalla stessa modella; gli accessori riflettono la stessa molteplicità di significati e di identità.

Ere ed epoche si fondono, in particolare nella varietà delle borse con patta, sia vecchie sia nuove. Dall’eleganza della pelletteria di un nuovo classico, con la sua chiusura a catena da orologio, passando per le borse nuvola e i loro segni del passaggio del tempo, fino alla minaudière a forma di gabbia per uccelli, con i suoi uccelli fuggiti, simbolo e significante, allo stesso tempo giocoso e profondo.

«Questa non è una collezione storica; è una collezione sulle storie stratificate di Gabrielle Chanel. Alla fine, Chanel ha preso il volo, e ogni passo che ha compiuto l’ha condotta verso la libertà, come un uccello.»

Matthieu Blazy

• Mémoires de Coco, Louise de Vilmorin, Gallimard, 1999.
  Copyright CHANEL

  

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In occasione della Milano Fashion Week debutta la collezione Spring Summer 2027 “Brocade Reborn” di ZHONGFANG.LIJIN, sviluppata attorno al concetto di “Jin Mai” (锦脉), le trame vitali del broccato. Le venature della vita si intrecciano idealmente con trama e ordito del tessuto, dando origine a una nuova fase nell’utilizzo e nella reinterpretazione di questo materiale.

La collezione trae ispirazione dal mondo naturale e, in particolare, da elementi come la foglia di gelso, il bozzolo e la farfalla. Le loro venature, le ali e le texture vengono tradotte nelle superfici e nei dettagli dei tessuti, trasformando il broccato in silhouette caratterizzate da pieghe, strutture e motivi decorativi. Ogni look restituisce così l’energia e l’identità di una materia profondamente legata alla storia della cultura tessile cinese.
La palette cromatica affonda le proprie radici nella tradizione dei Cinque Elementi, Wu Xing, reinterpretata attraverso tonalità raffinate che richiamano la sensibilità estetica orientale.

Tianshui Bi è un verde-azzurro limpido, evocazione dell’acqua e del cielo.
Taoyao richiama la delicata tonalità del fiore di pesco.
Mihe si esprime in una morbida sfumatura miele-beige.
Yuebai è un bianco lunare attraversato da leggere note azzurre.
Dailan, infine, è un intenso blu indaco.

Tonalità profonde e sfumature più leggere si alternano e si fondono creando un equilibrio cromatico che evoca l’armonia e la continua rigenerazione della natura.

La rilevanza storica e culturale del broccato è oggi riconosciuta e tutelata dalle istituzioni cinesi come patrimonio culturale, a testimonianza del suo ruolo nella storia e nell’identità del Paese.

Con Brocade Reborn, ZHONGFANG.LIJIN attraversa il confine tra tradizione e futuro e restituisce nuova vita all’arte del broccato, permettendole di continuare a evolversi attraverso la moda. Una bellezza orientale che rinasce, si trasforma e supera continuamente ogni confine.

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La gonna, prima di tutto

Se esiste un capo capace di raccontare simbolicamente questa Fashion Week è la gonna. Non semplicemente perché sia tornata protagonista, ma perché Prada ha scelto di farne il soggetto esclusivo della propria collezione. Miuccia Prada e Raf Simons hanno costruito l’intera Primavera/Estate 2027 attorno alla sottana, trattandola come una sorta di tela bianca: mini e al ginocchio, lineari o plissettate, sfrangiate, ricamate, arricchite da cristalli e applicazioni. L’idea non è quella di una gonna-oggetto, ma di un capo aperto alla trasformazione, capace di cambiare significato attraverso materiali, proporzioni e styling. La coincidenza con il dibattito politico esploso nei giorni immediatamente precedenti la Fashion Week ha dato al tema una risonanza ulteriore. Il ministro degli Esteri Antonio Tajani, intervenendo alla manifestazione Itaca a Formello, aveva parlato, ricevendo numerose critiche, della scelta di una futura moglie contrapponendo una donna «meno appariscente», più seria e affidabile, a una più appariscente, aggiungendo il riferimento a gonne «un po’ più lunghe». La collezione Prada era naturalmente progettata molto prima di quelle dichiarazioni, ma il tempismo ha prodotto una curiosa sovrapposizione fra costume, politica e moda: proprio mentre la gonna diventava oggetto di una discussione sul modo in cui una donna dovrebbe apparire, Prada la trasformava in uno spazio di possibilità. Una coincidenza, dunque, non un commento politico della maison, ma impossibile da ignorare.

Dolce&Gabbana e il ritorno della memoria

Se Prada lavora per sottrazione concettuale, Dolce&Gabbana torna invece alla memoria, all’archivio personale, alla ricchezza di un guardaroba vissuto. La collezione Primavera/Estate 2027 si chiama Stravaganza Siciliana e parte da un’idea di famiglia e di patrimonio: l’immagine della giovane donna che apre gli armadi delle generazioni precedenti e trova abiti degli anni Venti, Cinquanta e Settanta, mescolandoli senza una rigida gerarchia. Il risultato è una collezione volutamente eterogenea, più libera e giovane, che mantiene il DNA sensuale della maison ma lo porta verso una maggiore spontaneità. È un’altra forma di nostalgia rispetto a quella puramente archivistica. Non si tratta di ricostruire il passato, ma di indossarlo di nuovo, mescolandolo al presente.

Fendi, Maria Grazia Chiuri e l’italianità pop

Alla seconda prova di Maria Grazia Chiuri per Fendi il discorso cambia ancora. La designer guarda a un’Italia pop, musicale e cinematografica, scegliendo come una delle coordinate della collezione quella cultura popolare che passa dalla musica di Adriano Celentano alla Raffaella Carrà.

La colonna sonora dello show, con Prisencolinensinainciusol e Rumore, costruisce un’atmosfera ironica e immediatamente riconoscibile. Fendi sembra così cercare una forma di contemporaneità che non abbia bisogno di cancellare il proprio patrimonio romano. La memoria non viene trattata come una teca museale, ma come materiale vivo, da ricombinare. È una delle linee più interessanti emerse a Milano: l’heritage non come nostalgia, ma come materia prima.

Antonio Marras: la Sardegna diventa gioiello

Fra gli appuntamenti più personali della settimana c’è sicuramente quello di Antonio Marras, che porta in passerella una storia di matrimonio, festa e disordine. La sfilata si svolge all’aperto, nel Giardino Vincenzo Muccioli, con un lungo tavolo da banchetto disposto sul campo da basket e tappeti sovrapposti sull’asfalto. L’invito è una sorta di annuncio matrimoniale: quello di Ippolita e Antiogu, in Sardegna, il giorno dopo la notte di San Giovanni. Marras parte proprio da quel momento sospeso in cui la festa è finita, gli ospiti sono stanchi e tutto appare leggermente disfatto. La collezione procede così per stratificazioni: pizzi, ricami, stampe, tailoring, denim, volumi morbidi e dettagli preziosi. Una moda volutamente non perfetta, che trova nella sovrapposizione la propria energia. Ma il capitolo più prezioso è quello dei gioielli, nati dalla collaborazione con il talentuoso architetto e designer toscano Giovanni Raspini. Per lo show sono stati creati 53 pezzi unici — collane, bracciali, anelli, orecchini, spille e ornamenti per capelli — ispirati alla Sardegna, al Mediterraneo e all’immaginario di Marras. Bronzo, pietre dure, minerali, madreperla, resine, tessuti e pizzi entrano in composizioni che evocano maschere della tradizione sarda e forme naturali, dai fiori ai gechi, fino agli elementi marini. Qui il gioiello smette di essere un accessorio e diventa parte della narrazione stessa dell’abito.

Armani: eleganza, memoria e metamorfosi

La chiusura della Fashion Week è affidata a Giorgio Armani, in una fase particolarmente significativa per la maison. La collezione Primavera/Estate 2027, firmata da Silvana Armani, guarda alla storia della casa attraverso una rilettura essenziale e notturna. Nero, seta liquida, abiti da sera, bustier, superfici metalliche e dettagli di cristalli costruiscono una silhouette asciutta, sofisticata, profondamente Armani. Fra gli elementi più simbolici compare anche la rielaborazione dell’abito da Prima Comunione di Giorgio Armani. Le farfalle, ricamate e applicate, diventano il simbolo più evidente della collezione: una metafora di trasformazione che dialoga con la continuità della maison. La sensazione è quella di un passaggio di testimone affrontato attraverso la memoria, senza rinunciare alla grammatica fondamentale di Armani. Accanto alla collezione principale, Emporio Armani ha segnato un altro momento di transizione. Traces of Time è stata l’ultima collezione supervisionata da Leo Dell’Orco e Silvana Armani prima dell’arrivo di Dario Vitale. La presentazione, all’Armani/Teatro, si è sviluppata attraverso una progressione cromatica dal bianco al nero, passando per verde, grigio e greige , ma il vero tema è stato quello della materia e del tempo: superfici lavorate, texture e stratificazioni suggerivano non tanto il deterioramento quanto l’accumulo di tracce. È una delle immagini più coerenti con il sentimento generale della settimana: la moda non cancella ciò che è stato, lo stratifica.

Gucci, fra aristocrazia e strada

Da Gucci, Demna prosegue il lavoro iniziato con la maison cercando una sintesi fra le molte identità del marchio. La collezione mette insieme l’equitazione, il guardaroba borghese milanese, l’eveningwear e un’attitudine più ribelle. Particolarmente evidente il dialogo fra giacche da riding, trench, tartan, kilt, jeans portati bassi e grandi cinture. Il designer guarda anche alla Gucci degli anni Novanta e alla figura di Dawn Mello, tentando di riattivare quella dimensione aristocratica e sensuale senza trasformarla in semplice citazione. È forse qui che si vede meglio il nuovo rapporto della moda con l’archivio: non più revival, ma montaggio.

Moschino e la moda che torna nelle strade

Il debutto di Loris Messina e Simone Rizzo da Moschino è stato uno degli appuntamenti più attesi della settimana. Il duo, fondatore di Sunnei, ha scelto il tetto di un parcheggio alla periferia di Milano e una dinamica scenica insolita: centinaia di comparse attraversavano la passerella in direzione opposta rispetto alle modelle. Il messaggio era semplice: i vestiti devono appartenere anche alle strade e alle persone reali. È un dettaglio significativo in una Fashion Week che, nonostante il lusso e la spettacolarità, sembra continuamente interrogarsi sul rapporto fra passerella e vita quotidiana.

I trend: dal quiet luxury alla moda da vedere

Se si guarda alle collezioni nel loro insieme, emergono alcune direttrici molto nette. La gonna è il capo manifesto. Prada la trasforma in un intero linguaggio, ma lunghezze e interpretazioni diverse sono comparse in numerose collezioni. Il quiet luxury perde il monopolio. Colori, stampe, applicazioni, texture e stratificazioni riportano in primo piano una moda più decorativa. Non è necessariamente un ritorno all’opulenza tradizionale: è soprattutto il rifiuto dell’idea che il lusso debba essere sempre silenzioso. La giacca diventa un oggetto trasformabile. Si porta come blusa, sopra un abito, appoggiata sulle spalle, con proporzioni diverse dal consueto. Il tailoring rimane centrale, ma perde la rigidità della divisa. Il corpo torna visibile, ma senza una sola grammatica della sensualità. Trasparenze, lingerie, bustier, abiti aderenti e superfici scoperte convivono con tailoring e silhouette più composte. Il passato è il nuovo laboratorio. Dolce&Gabbana guarda agli armadi di famiglia, Fendi alla cultura pop italiana, Gucci agli anni Novanta, Armani alla propria storia. Gli archivi non sono più soltanto qualcosa da celebrare: diventano materia da trasformare. E infine c’è una tendenza forse ancora più importante, perché riguarda non un capo ma un atteggiamento: l’imperfezione. Da Jil Sander a Marras, dalla stratificazione di Prada alla libertà di Moschino, la moda Primavera/Estate 2027 sembra voler recuperare qualcosa di umano, irregolare, personale. Milano, ancora una volta, sceglie la complessità. Alla fine della settimana, più che una singola tendenza resta una direzione.

La moda milanese non sembra voler scegliere fra minimalismo e massimalismo, passato e futuro, lusso e strada. Li mette in collisione. La gonna può essere una pagina bianca da Prada, un simbolo di memoria da Dolce&Gabbana, un elemento fra molti da Marras. Il gioiello può diventare talismano. L’archivio può trasformarsi in futuro. È una moda meno interessata alla perfezione e più interessata alla personalità. E forse è proprio questo il messaggio più forte della Milano Fashion Week Primavera/Estate 2027: non esiste più un unico modo corretto di vestirsi. Esiste il modo in cui ciascuno decide di appropriarsi dei codici, mescolarli, deformarli e farli propri. La moda, insomma, torna a essere una questione di scelta. E la gonna — lunga, corta, plissettata, ricamata, preziosa o semplicissima — torna a essere semplicemente quello che dovrebbe essere: un abito da indossare, non una misura del carattere di chi lo porta.

Courtesy Photo: Fendi, Prada e Antonio Marras

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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L’evento è realizzato con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, a riconoscimento del valore culturale e formativo del progetto e del suo impegno verso una moda più responsabile, inclusiva e orientata alla sostenibilità.

Mani in passerella
Niente effetti speciali, solo tessuto, ago e filo. Il sashiko – antica tecnica di cucito e ricamo nata per riparare e rinforzare – viene reinterpretato come codice estetico contemporaneo. Ogni capo è il risultato di un percorso formativo che mette al centro la precisione del taglio, la consapevolezza del processo creativo e il rispetto per il tempo del fare.

Sostenibilità cucita addosso
La sostenibilità di “Becoming One” è un dettaglio che si indossa. Accessori, borse e scarpe chiudono i 18 look con una grammatica comune: recupero, artigianalità e rispetto per la materia. Gli accessori nascono dalle mani delle sarte di Spazio 3R – Riciclo, Ricucio, Riuso Impresa Sociale, che trasformano le rimanenze dei tessuti della collezione in piccoli oggetti di stile, rinnovando l’impegno dell’associazione nella formazione sartoriale delle nuove generazioni a Milano. Le borse sono firmate KATIA: modelli in limited edition e pezzi realizzati con materiali esclusivi recuperati da rimanenze di produzione, per una moda che fa dello scarto una risorsa. Le scarpe sono di Sarangelini, dove passione, selezione rigorosa delle materie prime e attenzione millimetrica al dettaglio disegnano un’eleganza senza tempo, in dialogo con i trend internazionali e radicata nella qualità artigianale del territorio. A completare il percorso, un pensiero speciale di Trama Plaza, realtà milanese attiva nel tessile con una forte attenzione alla cultura del tessuto e alla filiera: un gesto concreto per tenere viva la memoria dell’impegno nella sostenibilità, obiettivo fondamentale dell’organizzazione.

Becoming One: insieme, senza perdere l’identità
Il titolo racconta il cuore del progetto: individualità diverse che collaborano per un risultato condiviso, senza annullarsi. Inclusione, crescita reciproca e valorizzazione della persona passano attraverso il lavoro di squadra in backstage, dove allievi e sarte vestono le modelle e curano ogni dettaglio dei look.

MP Moda: oltre 30 anni di formazione nella moda
Fondata in Italia nel 1991 e consolidata a San Marino nel 2014 grazie a Maria Pidalà, MP Moda International Fashion School ha sviluppato un metodo inedito di modellistica basato su formule matematiche, rivolto alla formazione di allievi stilisti. La scuola ha portato le creazioni dei suoi studenti nelle principali occasioni della moda. I diplomati aprono sartorie autonome o entrano nelle migliori aziende di progettazione, taglio e confezione.

press@terenzis.com

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Nel cuore di Milano, a pochi passi da Via Montenapoleone, Fashion Vibes Milano ha presentato, in occasione della Milano Fashion Week, un progetto espositivo dedicato all’incontro tra moda, arte, design e alto artigianato internazionale.

Dalle 11:00 alle 21:00, gli spazi storici del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, hanno ospitato la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom: un percorso concepito per valorizzare il talento indipendente attraverso una modalità di fruizione più intima, lenta e attenta al dettaglio.

Abiti, borse, calzature, gioielli, accessori, oggetti di design e opere d’arte hanno condiviso lo stesso spazio, costruendo un racconto nel quale discipline e culture differenti si sono incontrate attraverso un elemento comune: il valore dell’idea, della ricerca e del gesto creativo.

UNA GEOGRAFIA INTERNAZIONALE DELLA CREATIVITÀ

Dalla Georgia agli Stati Uniti, passando attraverso differenti linguaggi estetici e tradizioni artigianali, la Art Gallery ha riunito realtà creative capaci di interpretare il contemporaneo attraverso identità fortemente riconoscibili.

OTANADZE ha portato a Milano il sapere artigianale georgiano attraverso una selezione di orologi, eyewear e gioielli in legno. Venature e caratteristiche naturali della materia diventano parte integrante del progetto, esprimendo una concezione del lusso legata al tempo, alla manualità e alla conoscenza artigianale.

Con JANELIDZE COLLECTION, l’accessorio è diventato espressione di identità. Borse, calzature e accessori hanno messo in dialogo pelle, elementi materici, dettagli in legno e lavorazione artigianale, presentando ogni creazione non come semplice complemento, ma come autentico oggetto di design.

SHILIFI ha introdotto nel percorso la dimensione dell’abbigliamento. Fuori dal ritmo della passerella, le creazioni hanno potuto essere osservate da vicino, restituendo centralità alla silhouette, alle proporzioni, alla costruzione e alla materialità del capo.

Con ZILFI Handmade, il gioiello si è trasformato in racconto. Forme organiche, pietre semipreziose e riferimenti alla natura e alla cultura georgiana — tra cui la vite e i grappoli d’uva — hanno dato vita a creazioni esposte come piccole sculture, sospese tra gioielleria, memoria e arte.

DIVA by Nour ha portato nella Art Gallery una visione della femminilità fondata sull’eleganza, sulla presenza e sull’identità. La moda diventa così non soltanto espressione estetica, ma linguaggio attraverso il quale raccontare sensibilità, cultura e visione personale.

Dagli Stati Uniti, SAHRA ATELIER, fondato dalla designer e Creative Director Sahra Bukhari, ha esplorato il confine tra fashion design e collectible art. Borse scultoree, costruzioni geometriche, curve organiche e capispalla couture hanno raccontato un universo creativo nel quale moda, arte, architettura e natura si incontrano. Particolare attenzione è stata dedicata al progetto “Threads of Hope — Future Voices”, in cui couture, immaginario infantile e impegno sociale convergono in un’unica opera. L’abito, nato da un percorso creativo che coinvolge anche la figlia della designer, utilizza colori, segni e disegni legati all’universo dei bambini per parlare di infanzia, sogni, speranza e futuro. Dopo Milano, il progetto proseguirà negli Stati Uniti nell’ambito di un’iniziativa benefica.

DANIEL SALVI — L’ARTE ENTRA NEL RACCONTO DELLA MODA

La presenza dell’artista Daniel Salvi ha aumentato la dimensione culturale del progetto. Le sue opere sono state integrate nel percorso non come elementi scenografici, ma come parte della narrazione visiva della Art Gallery.

Tra queste, “At Last, the Rain Came — E alla Fine, Venne la Pioggia” (2023), opera di 80 × 120 cm realizzata in mixed medium digital art e stampata su carta 100% cotone, affronta attraverso la figura femminile temi legati al dolore, alla memoria e alla progressiva accettazione della fine di un amore. Arte e moda hanno così condiviso lo stesso spazio senza gerarchie, come linguaggi differenti accomunati dalla capacità di trasformare un’idea, un’esperienza o un’emozione in forma.

FASHION VIBES MILANO — OLTRE LA PASSERELLA

Durante l’intera giornata, la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom ha accolto pubblico, ospiti internazionali e professionisti della fashion industry, offrendo un’esperienza complementare alla passerella.

Nel ritmo intenso della Milano Fashion Week, il progetto ha scelto di restituire tempo alla creatività: tempo per osservare, scoprire, incontrare e comprendere ciò che esiste dietro un oggetto e dietro chi lo ha creato.

Con la Art Gallery & Showroom, Fashion Vibes Milano allarga così il proprio universo oltre il runway e costruisce uno spazio nel quale un designer indipendente può dialogare con un artista, un gioiello può essere osservato come una piccola scultura, una borsa può diventare collectible design e un abito può trasformarsi in veicolo di solidarietà.

Una visione che considera la moda non come un universo isolato, ma come parte di un paesaggio culturale più ampio.

Moda. Arte. Design. Artigianato. Cultura.

Linguaggi diversi che, per un giorno, hanno abitato lo stesso spazio nel cuore di Milano.

FASHION VIBES MILANO ART GALLERY & SHOWROOM
24 settembre 2026 | 11:00–21:00
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8 — Milano, Montenapoleone

Fashion Vibes Milano Creative Agency
Founder, Art Director & Producer — Yuliia Palchykova
fashion-vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

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Moda come linguaggio, identità e trasformazione.
È da questa visione che nasce NEXT CHAPTER, la nuova edizione di Fashion Vibes Milano, ideata, diretta e prodotta da Yuliia Palchykova, Founder & Art Director di Fashion Vibes Milano, andata in scena il 24 settembre durante la settimana della Moda Donna a Milano. Sono state presentate le collezioni S/S 2027 firmate ISFERRA, ROVEL, HELENA D’OR e Atelier Mila Gross.

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ha riunito designer, artisti, professionisti del settore, media, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e alla contaminazione tra linguaggi diversi.

Abbinata alle sfilate è stata presentata la Runway, Art Gallery & Showroom, un format impostato sugli accessori, dove beauty e networking hanno dato vita a una visione comune: creare un incontro tra talenti, artigianato, culture e nuove forme di espressione di paesi lontani ma riuniti in una unica mission, la moda, il talento e  l’artigianato.

NEXT CHAPTER: UN NUOVO RACCONTO

 NEXT CHAPTER nasce dal concetto di evoluzione.
Ogni collezione rappresenta un passaggio, una trasformazione, una nuova pagina. In un momento in cui la moda internazionale continua a ridefinire i propri linguaggi, Fashion Vibes Milano sceglie di mettere al centro l’identità creativa e la libertà di espressione.
Fashion Vibes Milano, sotto la direzione artistica  di Yuliia Palchykova, continua così a sviluppare un format internazionale che supera il concetto tradizionale di sfilata, creando un punto d’incontro tra fashion, art, beauty, media e culture diverse.
La passerella diventa non soltanto un luogo di presentazione delle collezioni, ma uno spazio nel quale ogni designer può raccontare, nelle sue creazioni,  la propria storia, ma anche identità e  visione del futuro.

QUATTRO VISIONI DELLA SPRING/SUMMER 2027

Ad aprire la passerella è stata ISFERRA, da Dubai, con la collezione “Nova Era”. Un progetto che, già dal titolo, introduce il tema di un nuovo inizio e di una nuova energia, aprendo simbolicamente il racconto di NEXT CHAPTER.

Dall’Australia, ROVEL ha presentato “The Women Before Me”, una collezione che esplora femminilità, memoria e il legame con le donne che ci hanno preceduto, mettendo in dialogo passato e contemporaneità attraverso una prospettiva personale.

Dal Brasile, HELENA D’OR ha portato in passerella “FASES”, un racconto dedicato alle trasformazioni e alle molteplici dimensioni dell’universo femminile.

A chiudere lo show, Atelier Mila Gross ha presentato “Baroc – coraźon”, completando il percorso della serata con una proposta dalla forte componente espressiva e scenica.

Quattro universi indipendenti e quattro differenti identità creative hanno così anticipato una Spring/Summer 2027 vibrante, luminosa e internazionale, nella quale convivono memoria e futuro, femminilità e trasformazione, ricerca e libertà creativa.

DIETRO LA PASSERELLA
La Beauty Direction è stata affidata a Luciano Carino, che insieme al team di hairstylist e make-up artist ha curato la preparazione dei modelli e la costruzione delle differenti identità beauty dello show.

MILANO COME PUNTO D’INCONTRO

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ideato e organizzato ormai da nove anni da Yuliia Palchykova ha riunito designer, artisti, media partner, stampa, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e all’incontro tra differenti linguaggi creativi.

Dopo le sfilate, la serata è proseguita con cocktail party e DJ set, per un doveroso ringraziamento e riconoscimento ai designer e alle loro produzioni, agli ospiti, ai giornalisti, un evento che non ha presentato solo nuove collezioni, ma un prezioso di dialogo e nuove relazioni all’interno di un contesto internazionale.

FASHION VIBES MILANO
“NEXT CHAPTER” — Collezioni Spring/Summer 2027

Founder, Art Director & Producer: Yuliia Palchykova

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano

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Sospesa tra realtà e suggestione cinematografica, Casablanca diventa il punto di partenza di un viaggio fatto di luce e contrasti: il bianco delle architetture, il blu dell’Atlantico, le tonalità minerali della pietra e i colori intensi delle spezie e della terra. Un paesaggio visivo che la PE27 traduce in materiali, forme e lavorazioni attraverso il savoir-faire Borsalino.

L’eleganza di Ingrid Bergman trova una delle sue espressioni più dirette nel capitolo Ultra Feminine. MOUNA, nuova visiera in raso lucente, incorpora un lungo foulard dalla vestibilità versatile; TAMARA, nella paglia cucita più fine della collezione, associa una grande falda spiovente a una maxi-cinta tricolore. FRIDA, infine, reinterpreta la classica magiostrina con una linea più femminile e strutturata, caratterizzata da tesa media e piatta e calotta profonda.

Anche la palette attraversa l’immaginario del film e i suoi protagonisti. Royal Casablanca richiama il bianco delle architetture e dello smoking di Bogart; Self Tie il nero del suo papillon; Humphrey Trench l’iconico trench coat e Ingrid Rose le delicate tonalità pastello di Bergman. Tamaris Blue guarda all’Atlantico e ai cieli marocchini, mentre Spice Ocra, Medina Brown, Tajine Red e Café Americain evocano pietra, terra, spezie, mercati e atmosfere del film.

Dall’immaginario cinematografico, il viaggio entra così nella Casablanca reale. Le architetture della città aprono il racconto attraverso il tema degli Areati. Gli intrecci delle aperture arabeggianti, concepite per lasciar scorrere l’aria nelle ore più calde, sono trasposti sulle cupole dei modelli semi-ventilati FERRAC, dall’incapatura pork pie e tesa country, e CLAUDE, dove le geometrie create dalle mani esperte ecuadoregne rendono ogni esemplare unico. Nella cloche LISA, il motivo traforato percorre invece la tesa creando giochi di luce e ombra sul volto. L’effetto areato ritorna in ILLY, nella combinazione di canapa e fibra di cellulosa intrecciata e applicata manualmente con un movimento wave, e in KOKO e KIKKA, dove il punto maglia in cotone richiama le aperture scolpite dei minareti.

Il viaggio entra poi negli Interni marocchini, tra fibre naturali, mélange e armonie cromatiche calde sottolineate dal contrasto con il nero. Ne è espressione FEDERICO, modello iconico reinterpretato in una rafia mélange naturale e color caffè realizzata appositamente in Madagascar.

Dagli interni lo sguardo si sposta verso cortili, moschee e palazzi attraverso gli Zellige, composizioni geometriche di piccole tessere ceramiche colorate che diventano nastri e intrecci. Il motivo percorre la cinta di CLAUDE, in rafia naturale sbiancata, e le intere superfici di MEDEA e MARGOT, mentre nel country TOKYO incontra il papier giapponese, fibra dalla finitura cerata che dona morbidezza, lucentezza e maggiore resistenza.

Il patrimonio decorativo marocchino prosegue con Casablanca Majolica. Protagonista è SOPHIE, forma iconica della Maison impreziosita da una cinta in pelle con minuscole tessere e pietre applicate a mano. Nella versione in Panama semicrochet, la decorazione diventa trasformabile: la cinta a tre sezioni, caratterizzata sul retro da un fiocco d’archivio del 1942, può essere rimossa dal cappello e indossata come bandeau.

La Maroquinerie esplora invece la tradizione marocchina della lavorazione della pelle attraverso camosci, incisioni e dettagli funzionali. COUNTRY LAMBS e CLAUDETTE presentano cinte in camoscio lavorate al laser per evocare la cannettatura del classico gros grain di Borsalino; INDIANA, grazie a un filo armonico inserito nella tesa e a una cinta in suede amovibile, può modificare la propria vestibilità ed essere arrotolato con facilità. LASLO, in canapa brisa, combina una cinta in pelle intarsiata con dettagli metallici ai lati della cupola che favoriscono l’areazione, mentre il camoscio veste il baseball OTIS e arricchisce i profili di GOLFER e VINCENZO.

Il dialogo tra cappello e accessorio si estende, per la Primavera/Estate 2027, anche alla collezione di borse Borsalino, realizzata in licenza con GAMAT. Le forme e i codici distintivi della Maison vengono riletti attraverso nuove proporzioni e funzioni: KOKO trasforma la silhouette del cappello in una struttura in rafia crochet, mentre VORTEX nasce dal gesto di capovolgerne la forma, avvolta da briglie in pelle che richiamano una spirale. PANAMA SIGN trasferisce su tote e bucket bag la tela di cotone e i contrasti materici del mondo Borsalino, mentre LOLA evoca attraverso la propria costruzione il profilo della calotta. Rafia, raso, camoscio, pelle e gros grain costruiscono così un guardaroba di accessori pensato in continuità con il cappello, fino a dettagli funzionali che permettono, in alcuni modelli, di agganciarlo direttamente alla borsa.

Nell’anno del 170° anniversario di Borsalino, il viaggio nella memoria cinematografica diventa anche occasione per riscoprire il patrimonio della Maison. Tornano così alcune storiche cinte custodite negli archivi: Razzo, ideata nel 1939 sull’onda della corrente futurista, con il fiocco spostato verso il retro; Ape Bicolore, del 1942, che porta sul davanti alcuni degli elementi tradizionalmente posteriori del fiocco Borsalino; e Tati, reinterpretata sul bandeau in pelle di ispirazione maiolica. Elementi con oltre ottant’anni di storia vengono riletti attraverso materiali, proporzioni e forme contemporanee, creando un dialogo diretto tra l’heritage della Maison e la PE27.

A 170 anni dalla sua fondazione, Borsalino guarda così a Casablanca non come a un’immagine da riprodurre, ma come a un universo da reinterpretare in cui passato e presente si incontrano, riaffermando la capacità di Borsalino di trasformare la propria storia in un linguaggio sempre contemporaneo.

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Lug Von Siga sceglie Milano per raccontare il proprio universo creativo e presenta alla Milano Fashion Week la collezione Primavera/Estate 2027, Il Silenzio. Il brand fondato a Istanbul da Gül Ağış porta nel cuore della scena internazionale il patrimonio artigianale e culturale dell’Anatolia, reinterpretandolo attraverso uno sguardo contemporaneo e dando vita a un dialogo tra memoria, identità e presente.

Il debutto milanese apre una nuova pagina nel percorso di Lug Von Siga, che approda in Italia con una collezione capace di racchiudere i codici distintivi della maison: la ricerca sulle lavorazioni artigianali, la sensibilità per il dettaglio e un’estetica profondamente legata alle proprie radici culturali. Fondato a Istanbul nel 2010, il brand ha sviluppato negli anni una forte identità creativa, affermandosi progressivamente sulla scena internazionale e raggiungendo oggi circa 80 punti vendita nel mondo. Milano rappresenta così un nuovo passo nel consolidamento della presenza di Lug Von Siga in Europa.

Sotto la direzione creativa di Gül Ağış, Lug Von Siga costruisce il proprio linguaggio attraverso l’incontro tra patrimonio culturale e sensibilità contemporanea, reinterpretando le tradizioni artigianali anatoliche attraverso silhouette raffinate e un uso distintivo del ricamo. Gül Ağış ha trascorso dieci anni a Milano, tra formazione e carriera professionale, prima di fare ritorno a Istanbul e fondare Lug Von Siga. Il ritorno in città con il proprio brand unisce così una storia personale al percorso internazionale della maison.

Per il suo debutto, Lug Von Siga presenta una collezione plasmata dalla forza del silenzio. Più che un’assenza, il silenzio diventa uno spazio in cui emozioni, ricordi e connessioni si fanno più intensi.

La collezione esplora quei momenti di quiete in cui lo sguardo si volge verso l’interno, aprendo uno spazio intimo di ascolto e consapevolezza: una connessione silenziosa con il divino, la nostalgia per qualcuno che amiamo o le parole che scegliamo di non pronunciare e che custodiamo dentro di noi. Ispirata all’universo spirituale e poetico di Rumi e Shams, Il Silenzio riflette sull’amore, sul desiderio, sulla devozione e sui legami invisibili che esistono al di là delle parole.

Un simbolo ricorrente nella collezione è il fazzoletto, radicato in un’antica tradizione anatolica. Scambiato tra gli innamorati al momento della separazione, porta con sé il ricordo della persona amata e la speranza di un ricongiungimento. In Il Silenzio, il fazzoletto diventa simbolo di amore, desiderio, ritorno e delle parole rimaste non dette.

Al cuore della collezione prende forma un dialogo tra passato e presente, in cui il design incontra il sapere artigianale. Le delicate lavorazioni dei corredi delle nonne, custodi di gesti antichi e memorie d’infanzia, vengono rilette attraverso lo sguardo di Gül Ağış, che ne preserva l’intimità e il valore evocativo traducendoli in un linguaggio attuale. Un omaggio alla tradizione anatolica e alla bellezza del fatto a mano, capace di attraversare il tempo e assumere nuove forme.

La palette cromatica si muove tra bianco, bianco sporco e delicate tonalità traslucide, creando una sensazione di leggerezza, purezza e quiete. Tessuti velati e trasparenti, seta, georgette e taZetà si combinano con materiali tecnici, accostando texture e sensibilità contrastanti per esprimere il dialogo tra passato e presente, tradizione e innovazione. Tessuti fluidi incontrano superfici più strutturate, mentre intricati dettagli artigianali interrompono le linee pulite della collezione.

Per Lug Von Siga, il silenzio è anche una forma di lusso. È il lusso del tempo, della pazienza e delle cose realizzate lentamente. Si ritrova nei dettagli che non possono essere aZrettati, nell’esperienza accumulata nel tempo e nella profondità silenziosa che nasce dall’osservazione e dalla dedizione al design.

A volte le emozioni più profonde non risiedono in ciò che viene detto, ma in ciò che rimane inespresso. Il Silenzio sussurra delicatamente, eppure custodisce una profonda connessione con la propria anima.

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«Il glamour non deve necessariamente essere qualcosa di prevedibile. Può essere ovunque, su chiunque. È uno spirito, è il modo in cui ci si sente. Questa idea ha davvero ispirato la collezione: il concetto di contrasti e contraddizioni, di Jimmy Choo non come un look, ma come un’energia, una sensazione. Volevo creare qualcosa di istintivo, ricco di possibilità».

IZU è una silhouette emblematica di Jimmy Choo, un sabot peep-toe su un sottile tacco da 85 mm. Ma ciò che ci si aspetta può trasformarsi in qualcosa di inaspettato, acquisendo nuove sfumature. L’accattivante motivo maculato, ispirato alla pelle di serpente a pois elaphê presente negli archivi, viene reinterpretato attraverso una stampa monocromatica su pelle nappa color latte. L’impulso decorativo prosegue con una vistosa spilla applicata sulla tomaia, realizzata con perline in resina turchese e cristalli, per un contrasto vibrante. Un altro dettaglio tipicamente Jimmy Choo, che celebra l’opulenza gioiello.

Giocando con i contrasti, lo stesso motivo elaphê monocromatico viene utilizzato con un effetto completamente diverso sulla slingback EYLA, caratterizzata da un tacco basso da 45 mm e da una punta nera smussata, che le conferiscono un’attitudine perfetta per il giorno. Ma, in fondo, che cosa definisce il giorno o la sera, l’essere eleganti o casual? Il glamour dinamico e sensuale che permea Jimmy Choo offre libertà e possibilità di giocare con gli opposti, portando modelli stravaganti ed eccezionali nella quotidianità.

La delicata décolleté COKO in raso, impreziosita da un corsage floreale bicolore con petali rosso rubino e rosa macaron, può passare con disinvoltura dalla dimensione spettacolare a quella quotidiana. Una scelta che riflette non tanto l’occasione, quanto l’attitudine che da sempre definisce la donna Jimmy Choo. Il corsage diventa inoltre un dettaglio della silhouette più pratica e dal tacco basso della EYLA, in pura nappa color latte.

All’insegna di una versatilità da indossare in qualsiasi momento e in qualsiasi luogo, la grafica ELLIS, un loafer proposto sia in versione flat sia con tacco squadrato da 65 mm, esplora la forza del bianco e del nero attraverso il contrasto tra pelle naplak lucida e stropicciata. Una scelta che esprime personalità, individualità e diversità, in una patina volutamente imperfetta, simile ai segni lasciati dalla vita vissuta.

Si tratta di un’inversione dell’approccio caratteristico di Jimmy Choo: invece di declinare i tacchi alti in una gamma di altezze inferiori, ELLIS gioca con il processo inverso, elevando il loafer attraverso una nuova interpretazione delle proporzioni.

Nel mondo degli accessori, la famiglia CINCH si evolve attraverso nuove interpretazioni. Riflettendo i caratteri e lo stile di vita della donna Jimmy Choo, la CINCH TOP HANDLE traduce la leggerezza e la femminilità delle morbide arricciature che le danno il nome in dettagli laterali sottilmente sagomati, affiancati dalla sicurezza di una chiusura frontale con patta e dell’iconica fibbia.

Dalle dimensioni compatte, può essere indossata a tracolla oppure a mano. Proposta in un intenso color ciliegia oppure in pelle di vitello elaphê monocromatica, rappresenta un ulteriore ampliamento del guardaroba di accessori del brand. Questa nuova silhouette è accompagnata dalle varianti cromatiche stagionali della CINCH e dalla CINCH CLUTCH, sospesa a una catena sfaccettata color oro.

Accanto a queste novità, un’icona Jimmy Choo viene reinterpretata. BING, una delle silhouette più amate della maison, si trasforma nella BING MARYJANE. Al posto della brillantezza decorativa del modello originale, l’attenzione si concentra sulla silhouette come elemento distintivo, attraverso il gioco di proporzioni tra la scollatura bassa e il cinturino che attraversa il collo del piede.

Questa nuova versione viene proposta in materiali dalla provocatoria ispirazione maschile: una ricca nappa color ciliegia e bordeaux intenso e un flanella grigia a motivo incrociato, entrambi sottili richiami ad alcuni dei primi modelli Jimmy Choo degli anni Novanta.

Anche il tacco DROP di Jimmy Choo viene rinnovato. Il suo volume viene enfatizzato attraverso un diverso equilibrio delle proporzioni e reinterpretato nella mule ORIA. La delicata decorazione con micro-borchie sferiche disegna un motivo floreale sulla nappa color nocciola: la forma di una rosa inglese, un legame indissolubile con le origini e il cuore della maison.

Morbidissima nei materiali e nella costruzione, ma al tempo stesso grintosa e ribelle nell’attitudine, la collezione invita a esplorare stampe trompe-l’œil effetto denim su pelle pregiata, proposte anche sui modelli RESA slingback e MARGOT lace-up.

Del resto, il denim è l’uniforme del XXI secolo: qui, reinterpretato attraverso una pelle lussuosa, diventa parte dell’uniforme Jimmy Choo.

La collezione Primavera 2027 è stata presentata durante la Milano Fashion Week, all’interno di uno spazio sereno che evocava una biblioteca o una galleria museale. Slegato da riferimenti temporali o geografici, proprio come il caratteristico gioco di opposti di Jimmy Choo, l’ambiente si colloca contemporaneamente tra passato e presente, tra antico e moderno.

Una cornice contemplativa per una maison che entra in un nuovo decennio, celebrando il suo trentunesimo anno.

A dominare lo spazio, per tutta la durata della presentazione, sono statue dorate a grandezza naturale. Studi iperrealistici di una donna Jimmy Choo mitizzata, colta nel mezzo di una trasformazione mentre passa dal giorno alla notte, da uno stato d’animo all’altro, da un’identità all’altra.

In questo scenario, la sua presenza e il suo carattere vengono amplificati dalle scarpe e dagli accessori che indossa.

Nate da un meticoloso processo che armonizza tecnologia e lavoro manuale, le sculture rappresentano un’appropriata espressione dell’approccio di Jimmy Choo a ogni singola creazione: senza fretta, rigoroso e pensato per durare nel tempo.

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La silhouette cambia punto di vista. Il seno si nasconde, mentre clavicole e spalle diventano protagoniste. Maxi blazer e trench acquistano nuove proporzioni, mentre pelle, trasparenze e ciclisti portano elementi dello sportswear dentro una dimensione più sofisticata e notturna.

Il corpo rimane al centro, ma viene raccontato attraverso una nuova idea di seconda pelle. Il collant diventa abito, gonna, top e guanto. Una superficie che aderisce alla figura e ne segue le linee, trasformando un elemento quotidiano in un codice di sensualità. Il corsetto, ormai firma della maison, continua a definire il punto vita, mentre il dolcevita gioca con la trasparenza: il collo alto, tradizionalmente associato a una costruzione più rigorosa, diventa in questa collezione un capo estremamente femminile.

La decorazione si fa più ricercata e meno letterale: la micro stampa Jaguar incontra le maxi paillettes, creando un ricamo dalla superficie irregolare e contemporanea. Pelle con stampa anguilla e PVC con stampa coccodrillo, mentre il jersey viene lavorato attraverso prapping che ne modificano la superficie e accompagnano il movimento del corpo.

La palette parte da cammello, tabacco e nero. Nude e rosa si mescolano al Red Velvet, intenso e deciso. Anche il giorno mantiene una forte identità femminile: Oxford, denim e grigio mélange vengono esaltati attraverso silhouette precise e dettagli che riportano sempre l’attenzione sul corpo.

Gli accessori seguono la stessa logica di contrasti e proporzioni. Stivali dritti al ginocchio e mule infradito alternano rigore e sensualità. Le borse non cercano una via di mezzo: sono grandi o clutch, definite da volumi e proporzioni opposte.

È proprio nell’incontro tra tutti questi elementi che prende forma la donna della Spring Summer 2027. Una donna che mantiene intatto il codice femminile del brand, ma lo porta in una direzione più contemporanea e meno convenzionale. La sartoria incontra lo sportswear, il giorno dialoga con la notte, la struttura convive con la trasparenza, il rigore con una sensualità più scoperta.

Al centro rimane una donna consapevole del proprio corpo e del proprio stile, contemporanea, cosmopolita, fedele alla propria identità.

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Da Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf arriva l’idea della stanza come luogo necessario per affermare la propria voce. Stanza però riletta in chiave contemporanea, queer, erotica, condivisa.

Reclamiamo tempo e spazio per la scrittura di slogan e la tessitura dei nostri uncinetti, i cui fiori si intrecciano e si ricamano tra loro, recuperano crochet vintage e pelle e li traducono in capi nuovi.

L’intimità non filtrata arriva da Lisetta Carmi e Nan Goldin. Diventano centrali i temi della dignità e delle marginalità italiane, del diario visivo, della camera, del bagno, delle dipendenze affettive e della famiglia scelta.

La casa diventa così anche luogo sicuro in cui performare, esplorare e affermare la propria identità. Salotti, twin set, slip dress, cardigan, foulard, borsette raccontano il gesto intimo del prepararsi per mostrarsi al mondo. Non travestimento, ma protezione e diritto all’esistenza.

L’idea di provare temporaneamente nuovi modi di essere prende forma nei top doppi decostruiti, nelle longsleeve trompe-l’œil con canotta e nelle gonne che richiamano il gesto della svestizione. Appoggiati provvisoriamente raccontano un corpo sgualcito.

La casa come luogo di festa diventa il pretesto per esplorare forme che accompagnano il movimento, come le bluse e gli abiti sottoveste baloon in crepe de chine, e gesti quotidiani, come arrotolarsi le maniche quando il calore della stanza cresce insieme agli affetti che la abitano.

Polo opposto della casa come luogo performativo è Casa Vianello, casa borghese in cui l’intimo viene reso pubblico e i ruoli dei protagonisti, Sandra e Raimondo, diventano satira di un’organizzazione familiare standardizzata a cui lei si ribella senza sconti. Tutto ciò si concretizza in rivisitazioni monelle di classici come la giacca da tailleur in bouclé, i twin set in maglia e nella stampa “panni stesi”, invito a mettere la propria intimità in dialogo con il mondo.

I materiali quotidiani vengono alterati. Sul denim il crochet si aggrappa inaspettato e si mostra tra gli strappi. Il dettaglio domestico viene ingigantito, le carte da parati floreali si trasformano in stampe su mesh e raso e nella maglieria jacquard goffrata.

Istituto Marangoni Milano ci apre le stanze di Palazzo Turati che accoglie il nostro casting composto dalla community plurale e queer. La collezione non parla quindi di casa come chiusura, ma come luogo in cui la famiglia scelta può esistere, prepararsi, guardarsi, riconoscersi e uscire nel mondo.

È il racconto di un amore spontaneo e viscerale che si intreccia, come sempre, nel punto pizzo a cuori e prende forma nell’Amor senza pretese istintivo dei nostri amici a quattro zampe, disegnati su t-shirt, camicia e foulard.

Mionetto porta la spensieratezza nel mondo Rambaldi con una capsule dedicata e la presenza dell’iconico Prosecco all’interno dell’evento.

Fondata a Bologna nel 1927, Furla condivide con Rambaldi i valori dell’artigianalità italiana, del design e del senso di comunità. Porta in passerella alcune borse iconiche, tra cui Lynette, silhouette d’archivio reinterpretata per una capsule dedicata alla Milano Fashion Week, celebrando l’identità che ciascuno sceglie di portare nel mondo.

I look sono completati dalle scarpe e dalla collaborazione con Testoni composta da due modelli di scarpe e due borse, scandendo il ritmo di una storia nata sotto i Portici di Bologna, un incontro tra due brand profondamente legati al territorio e al suo sapere artigianale.

Nel backstage, Braun Household accompagna i momenti che precedono il debutto in passerella con la sua gamma stiro, dai ferri da stiro agli stiratori verticali, dedicata ai ritocchi finali e alla cura di ogni dettaglio dei look.

Amor senza pretese per una domesticità intima ma politica, fragile ma vitale: una casa come rifugio, palcoscenico quotidiano, spazio di desiderio, archivio personale e luogo di liberazione.

Credits

• ART & MUSIC DIRECTOR: Filippo Giuliani
• HEAD OF STUDIO: Giulia Geromel
• FASHION COORDINATOR: Angelo Pennella
• CASTING: HB Creative Agency
• HAIR: Giovanni Iovino for Phyto Paris
• MAKE-UP: Rosh Kumarasinghe for Beauty by Rosh

  

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Milano, settembre 2026 – In occasione della Milano Fashion Week, HUI Milano ha presentato THE FAN CODE, la collezione Spring/Summer 2027 che è partita da un elemento della cultura orientale – il ventaglio circolare – per sviluppare una riflessione più ampia sulla cultura cinese, sul rapporto tra memoria e contemporaneità e sul ruolo delle donne nella trasmissione e trasformazione della tradizione.

Il ventaglio rappresenta per HUI un primo indizio, un segno attraverso cui avvicinarsi a una cultura che non si esaurisce nei suoi simboli più riconoscibili. THE FAN CODE non ne ha ricostruito forme e significati, ma ha utilizzato quella traccia per guardare oltre l’oggetto e interrogarsi su ciò che la cultura cinese continua a esprimere attraverso le persone, i gesti e le pratiche quotidiane.

A introdurre la collezione è stata una performance nel cuore di un antico cortile italiano: una donna occidentale entra in relazione con una trama di fili rossi che attraversavano lo spazio, evocando memoria, tempo e connessioni tra Oriente e Occidente. Il ventaglio è diventato la chiave di questo percorso: attraverso il movimento, la performer seguì e attraversò i fili, trasformando il gesto in una progressiva scoperta. Quando l’ultimo filo venne aperto e il ventaglio si dispiegò, la musica iniziò a cambiare e apparve la prima modella, dando inizio alla sfilata.

La cultura vive nelle persone

Uno dei temi centrali della collezione è stato il rapporto tra donne, memoria e trasmissione culturale. HUI Milano ha guardato in particolare alle donne Miao di Guizhou, che attraverso tessitura, ricamo, tintura e cucito hanno tramandato nel tempo memorie collettive, identità e conoscenze. È stato proprio nel gesto della creazione che la tradizione, per HUI, ha continuato a vivere: non come patrimonio immobile da preservare nella sua forma originaria, ma come materia capace di evolversi. La donna orientale raccontata da HUI non è stata quindi una figura simbolica legata al passato, ma una protagonista attiva di questo processo, libera di ereditare, modificare, conservare o scegliere nuovamente.

Una visione che ha riflesso il percorso creativo di Huizhou Zhao, fondatrice e designer del brand e ambasciatrice del China Style in Italia, il cui lavoro si è sviluppato negli anni intorno al dialogo tra cultura cinese e sistema moda internazionale.

In THE FAN CODE, i riferimenti alla cultura cinese sono stati tradotti in un vocabolario moda contemporaneo. Motivi, colori, immagini storiche, texture e tracce del lavoro manuale sono stati frammentati, ricomposti e inseriti in nuove proporzioni e silhouette. La collezione ha messo in relazione seta stampata, materiali traslucidi e tessuti più strutturati, alternando morbidezza e costruzione, trasparenza e copertura, movimento e rigore. L’heritage non è stato riprodotto fedelmente, ma interpretato attraverso un sistema di forme e materiali capace di portarlo nel presente.

È stata questa la prospettiva di HUI Milano sull’Oriente contemporaneo: una cultura non definita una volta per tutte, ma ancora in movimento, capace di conservare le proprie radici mentre continua a produrre nuovi significati. Il ventaglio è stato soltanto il primo indizio. Il vero codice di THE FAN CODE si è sviluppato lungo il continuum della cultura cinese e nelle persone che ancora oggi la vivono, la reinterpretano e contribuiscono a trasformarla.

La collezione ha lasciato volutamente aperta la lettura, affidandola a una successione di tracce – un colore, un motivo, un gesto, un tessuto, una silhouette – che hanno costruito progressivamente un’immagine dell’Oriente contemporaneo.

Per HUI Milano, la tradizione non è stata qualcosa da osservare da lontano, ma una lingua viva, che ha continuato a essere creata, indossata e interpretata. THE FAN CODE è nata così da una domanda più che da una risposta: cosa resta della cultura quando smette di essere un’immagine del passato e torna a essere materia del presente?

The East does not reveal itself all at once. It unfolds.

Thanks to
Make up: MKS Make up
Key artist: Sara Bergaglio

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Freya Stark

Max Mara si ispira alle donne audaci e cosmopolite degli anni ’30; straordinarie pioniere che hanno tracciato rotte inesplorate sulle mappe e nel tessuto sociale del loro tempo. Dall’intrepida esploratrice Freya Stark alla fotografa naturalista Osa Johnson, fino alla pilota Eva Dickson e alle impavide aviatrici Amelia Earhart e Beryl Markham: figure che hanno dimostrato quanto il talento e la determinazione femminile non conoscano confini.

È esplorando i loro bauli e i loro accessori da viaggio che Max Mara definisce un universo estetico dedicato alla donna di oggi, chiamata ogni giorno ad attraversare una rotta fatta di nuove sfide e destinazioni.

L’UTILITY INCONTRA L’ETEREO

La silhouette è un esercizio di contrasti, in cui Max Mara intreccia la praticità dell’abbigliamento d’avventura con la raffinatezza dei look da salotto. Lino e gabardine lucente, definiscono una collezione in cui la protagonista è la giacca da safari, reinterpretata.

Drappeggiata e annodata sul fianco, oppure lunga e fluida come uno spolverino, l’iconica giacca da esplorazione porta una nuova idea di glamour nel cuore della giungla urbana. A controbilanciarne il carattere funzionale, camiknickers rivisitati con gli shorts, gonne fluide e sinuose maglie slinky.

LA SARTORIALITÀ INCONTRA IL CARATTERE

Per affrontare il mondo contemporaneo occorre carattere: la sartorialità si trasforma attraverso dettagli funzionali, con un approccio pragmatico e divertente.

Il gilet cargo, progettato per essere indossato con disinvoltura sopra una giacca sartoriale realizzata nello stesso tessuto, porta la funzionalità a un nuovo livello. L’estetica aviator trova la sua massima espressione nelle giacche essenziali impreziosite da cinghie in pelle e D-ring.

Creata all’insegna di una praticità sofisticata, la multi-bag Max Mara si trasforma con disinvoltura da tracolla a clutch o a zaino.

A completare il guardaroba da esploratrice, tute in organza d’ispirazione utilitarian e un trench dalle proporzioni ampie, stretti in vita da una cintura portata bassa, definiscono una nuova idea di eleganza rilassata.

DAL DESERTO ALLA CITTÀ

Max Mara lo sa bene: oggi le vere sfide non si affrontano nel deserto, ma nella vita di tutti i giorni. Sono il tragitto tra casa e scuola, il traffico dell’ora di punta o il passaggio continuo da una riunione a una serata di gala.

Se da un lato la collezione evoca il romanticismo di una spedizione in canoa, dall’altro ogni capo è progettato con assoluto rigore per misurarsi con la dinamica realtà di oggi.

Nasce così un guardaroba per la donna contemporanea, che affronta la giornata con la determinazione di un’esploratrice del passato, capace di trovare lo straordinario nella vita quotidiana.

Make up: Lisa Butler NARS
Hair: Odile Gilbert WELLA
Nails: Violette
Music: Johnny Dynell

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La collezione Dsquared2 Primavera Estate 2027 è un sogno febbrile fatto di luce di candela e neon, santi dorati e pelle nuda. Attitudini provocatorie nascondono cuori teneri, mentre l’innocenza si trasforma in una ribellione senza pentimenti.
Ispirandosi al romanticismo febbrile e alla giovinezza ribelle di Romeo + Juliet di Baz Luhrmann, al glamour provocatorio della cultura pop anni Ottanta e all’immaginario sacro della devozione italiana, Dean e Dan Caten esplorano le contraddizioni del fascino femminile, spogliandolo delle convenzioni per mettere a nudo corpo e anima.
La donna Dsquared2 si lascia andare, deliberatamente. Sensuale senza compromessi e ribelle per istinto, si libera degli strati, rivelando un lato più intimo sotto il suo atteggiamento di sfida. La sua innocenza è venata di irriverenza, la sua vulnerabilità si esprime con una sicurezza disarmante. Libera da finzioni e inibizioni, rivela la propria vera essenza.
I dettagli ispirati alla lingerie vengono lasciati volutamente in vista. Delicati bordi in pizzo fanno capolino da abiti tagliati in sbieco e top drappeggiati monospalla, mentre il power dressing assume una connotazione provocatoria: tailleur con minigonne in pizzo abbinati a reggiseni a vista e completi sartoriali neri interrotti da inserti di slip rosa cipria. Giacche corte, scollature profonde e pance scoperte privano i codici dell’abbigliamento della loro formalità, mentre tonalità acide e brillanti infondono una scarica di energia anni Ottanta.
Abiti sinuosi e aderenti avvolgono il corpo con un fascino da notte fonda, mentre orli asimmetrici e tagli audaci amplificano la sensualità. Il denim délavé si reinventa in pantaloni capri, con dettagli di cimosa in vita che disegnano il profilo di un perizoma, mentre inserti in pizzo e applicazioni decorative sovvertono i codici del jeans classico. Cinture statement con fibbie oversize e dal carattere deciso stringono minidress effetto corsetto e sottolineano il denim a vita bassa, conferendo all’insieme un’attitudine più grintosa.
Audacemente sensuale, una nuova stampa floreale tropicale evoca l’esuberanza della cultura pop anni Ottanta, con il verde lime acido e il rosa shocking ad accendere la palette cromatica. Sacri cuori si intrecciano a rigogliose fioriture e immagini ispirate ai tatuaggi tradizionali, dando vita a un mix travolgente di romanticismo e irriverenza.
I riferimenti alla devozione religiosa diventano un linguaggio decorativo provocatorio. Croci appuntate sulle canotte, rosari che si trasformano in spalline per abiti asimmetrici, medaglioni e ciondoli che conferiscono un carattere più deciso a sandali essenziali e appena accennati.
La borsa Roxy ritorna con la sua iconica silhouette East-West, arricchita da cinture e fibbie che ne accentuano il carattere audace e senza paura.
Non è certo una damigella in pericolo. Santa o peccatrice?

DSQUARED2 SPRING SUMMER 2027 MEN’S COLLECTION

La collezione Dsquared2 Primavera Estate 2027 è un sogno febbrile fatto di luce di candela e neon, angeli tatuati e desideri proibiti. Uomini dal carattere deciso e dal cuore tenero, che indossano la propria spavalderia come un’armatura e la vulnerabilità come un’impronta indelebile.
Ispirandosi al romanticismo febbrile e alla giovinezza ribelle di Romeo + Juliet di Baz Luhrmann, all’attitudine della cultura rap e all’immaginario sacro della devozione italiana, Dean e Dan Caten mettono in discussione le convenzioni della mascolinità, portando alla luce le emozioni autentiche che si nascondono sotto le sue asperità.
L’uomo Dsquared2 non ha nulla da dimostrare e ancora meno da nascondere. Sicuro e magnetico nella sua presenza, mostra le proprie emozioni con una disarmante naturalezza. Il rapper italiano Promessa incarna questo spirito senza compromessi nelle immagini della collezione, facendosi voce di una generazione che esibisce i propri sentimenti con la stessa audacia del proprio atteggiamento.
La sartorialità viene rovesciata e privata delle sue convenzioni. I completi doppiopetto assumono proporzioni rilassate, mentre i pantaloni corti dai tagli grezzi rivelano le fodere sottostanti. Le costruzioni sartoriali vengono portate allo scoperto: le cinture interne dei pantaloni si spostano all’esterno e l’architettura nascosta delle giacche diventa un dettaglio decorativo a forma di croce sulle camicie. I gilet lasciano intravedere busti tatuati, mentre i boxer fanno capolino sopra pantaloni e jeans portati a vita bassa.
Il denim è vissuto, strappato e ricomposto. Inserti in mesh stampato interrompono le linee dei modelli a gamba dritta, trattamenti patchwork accentuano il fascino vissuto dei volumi oversize, mentre cherubini stampati o impreziositi da micro-borchie emergono dalla superficie délavé dei jeans Angel della stagione.
I riferimenti alla devozione religiosa diventano un linguaggio decorativo provocatorio. Croci, cristalli e medaglioni impreziosiscono camicie, blazer indossati sopra completi ispirati al pigiama e capi in denim, mentre rosari e collane ricadono sul petto nudo.
Una nuova stampa floreale tropicale evoca l’esuberanza della cultura pop anni Ottanta, con il verde lime acido e il rosa shocking ad accendere la palette cromatica. Sacri cuori si scontrano con rigogliose fioriture e immagini ispirate ai tatuaggi tradizionali, infondendo alla collezione un mix travolgente di romanticismo e irriverenza. La stampa si declina su camicie di seta, pantaloni e bomber.
Cinture statement con fibbie oversize e piccole borchie sottolineano le vite basse. Le Creepers in pelle con dettagli intrecciati e gli stivali dal carattere deciso, arricchiti da applicazioni decorative e indossati con delicati calzini all’uncinetto che richiamano l’innocenza dell’abbigliamento da Prima Comunione, introducono un’irriverente nota anticonvenzionale.
Nessuna contraddizione da risolvere. Uomo duro o anima tenera? Entrambi.

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È il ricordo, più che la geografia, a costruire un mondo fatto di associazioni libere. Nessun luogo preciso da evocare, nessun costume da ricostruire. I vestiti sembrano essersi incontrati quasi per caso. Forme lunghe e fluide convivono con pantaloni ampi raccolti alla caviglia, piccoli cardigan, giacche, top essenziali. Gli accessori sono quelli sbagliati, naturalmente.

La maglia registra lo stesso movimento. Chevron, righe e geometrie familiari cambiano densità, si allentano, si sfrangiano, quasi si dissolvono. Fili metallici e paillettes si impastano sulle superfici. Il prezioso non aspetta la sera: convive con qualcosa di ruvido, asciutto, vissuto. Luccica.

Sabbia, écru, tabacco, rosa polverosi, grigi e bruni costruiscono un fondo come scolorito dal sole, attraversato da apparizioni di rosso, giallo, azzurro, nero, oro e argento. Il colore affiora, scompare, ritorna.

È un guardaroba che non distingue troppo tra giorno e sera, utile e superfluo, povero e prezioso. Bisacce, grandi borse morbide e piccoli oggetti preziosi fanno parte del detour. Si parte con quello che si ha. Il resto si trova per strada.

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«Questa collezione è una celebrazione del potere incessantemente stimolante e trascendente di Londra. McQueen è una maison nata a Londra e l’atteggiamento intransigente e lo spirito sovversivo della città sono nel cuore stesso della maison.»

Seán McGirr, Direttore Creativo

LA COLLEZIONE

Londra: le sue strade, la sua sovversione, la sua energia e il suo atteggiamento. Le sue tensioni intrinseche: modernità e storicismo che convivono fianco a fianco. L’opportunità che si cela nell’ombra.

Un’euforia divina, dove il sacro e il mondo underground trovano una nuova sintonia. L’etereo e l’urbano: la palette della ritrattistica religiosa e i neon scoloriti dei rave underground.

Tulle delicatamente fumé e stampe floreali acide su organza di vetro riflettente. Purezza e trasgressione: raso laccato e luminoso e imbracature in pelle. Preziosi ornamenti metallici per il corpo realizzati dal maestro gioielliere Shaun Leane.

Una sartoria progettata con estrema precisione che sovverte le tradizioni di Savile Row, una pratica profondamente radicata nelle fondamenta della maison, muovendosi continuamente tra formalità e controcultura.

La sartoria scultorea con «ali d’angelo» entra in contrasto con completi rigorosi e slanciati. Tre silhouette maschili bespoke, concepite in collaborazione con Huntsman, sono realizzate in autentici tessuti di lana britannici.

L’abbigliamento da sera viene elevato attraverso l’arte trascendente dell’atelier. Ricami intricati ed essenziali. Jacquard notturni che sfumano nella trasparenza dell’organza.

Una bellezza autorevole e capace di trasportare altrove, come angeli nell’oscurità.

CREDITI
MASTER JEWELLER
SHAUN LEANE FOR ALEXANDER McQUEEN

Maestro gioielliere londinese e collaboratore di lunga data della maison. Formatosi nell’arte tradizionale dell’oreficeria nei laboratori di Hatton Garden, Leane ha sviluppato una pratica innovativa che supera i confini della gioielleria d’alta gamma, estendendosi all’arte attraverso creazioni visionarie uniche.

La sua prima collaborazione con McQueen risale al 1995.

Per la Primavera Estate 2027, Leane ha creato una speciale imbracatura in metallo prezioso, realizzata artigianalmente in argento riciclato, presentata nell’ambito del suo nuovo atelier, «12».

La collezione ripropone inoltre due pezzi d’archivio di McQueen firmati Shaun Leane: le sculture per il capo dell’Autunno Inverno 1998 «Joan», per gentile concessione di Barrett Barrera Projects, e dell’Autunno Inverno 2004 «Pantheon ad Lucem».

HUNTSMAN
SAVILE ROW FOR ALEXANDER McQUEEN

Con 177 anni di tradizione sartoriale e artigianalità bespoke, Huntsman riveste un ruolo fondamentale nella reputazione internazionale di Savile Row come destinazione per una sartoria caratterizzata da rigore e precisione senza pari.

Huntsman aveva già collaborato con McQueen in due occasioni, nel 2002 e nel 2012.

La Primavera Estate 2027 segna la terza collaborazione tra le due maison: Huntsman realizza tre look bespoke, ciascuno caratterizzato da una silhouette allungata, spalle esagerate e vita alta e stretta.

TEAM CREATIVO

Creative Director — Seán McGirr
Styling — Camille Bidault-Waddington
Casting — Julia Lange
Hair — Anthony Turner
Makeup — Daniel Sallstrom
Nails — Ama Quashie
Concept & Production Design — Tom Scutt
Art Director — SJ Todd
Music — A. G. Cook
Choir — Shard Voices
Movement Director — Ryan Chappell
Production — La Mode en Images & Farago Projects
Lighting Design — Matt Daw
Venue — The Undercroft, Lincoln’s Inn Chapel

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Courtesy photo of Fendi

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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La sua prima grande dichiarazione per Gucci non poteva che essere teatrale. A New York, il 17 maggio 2026, Times Square si è trasformata in una gigantesca passerella a cielo aperto per la Cruise 2027. Schermi pubblicitari, maxi billboard e insegne luminose hanno trasmesso in simultanea la sfilata, mentre modelli e celebrity attraversavano Manhattan come personaggi di un film distopico sul lusso contemporaneo. Demna ha chiamato questa visione “Gucci Core”: un guardaroba che mescola tailoring rigoroso, pellicce esagerate, sensualità Anni Novanta, streetwear e riferimenti alla vita quotidiana americana. In passerella si sono visti trench destrutturati, completi gessati, stole leopardate e abiti satinati, mentre tra il pubblico sedevano Kim Kardashian, Anna Wintour, Mariah Carey e Paris Hilton. A rendere ancora più potente la visione di Demna è stata la presenza in passerella di Cindy Crawford, icona assoluta degli Anni Novanta, che ha chiuso la sfilata in un teatrale abito nero di piume: non un semplice cameo nostalgico, ma il simbolo di una moda capace di attraversare il tempo senza perdere la propria forza. Il vero protagonista del fashion show era comunque il luogo stesso, nessuna maison aveva mai occupato Times Square in questo modo. Gucci ha trasformato il centro simbolico del capitalismo visivo in un manifesto di moda totale. Gli schermi mostravano campagne vere e false, spot immaginari e prodotti Gucci inventati, in un gioco ambiguo tra pubblicità e parodia.  Ed è qui che il dialogo con “Gucci Storia” diventa evidente. Se a Firenze Gucci guarda al proprio archivio per ritrovare autenticità, a New York Demna porta quel patrimonio dentro il rumore del presente. La storia diventa materiale da remixare, l’heritage non è più qualcosa da proteggere sotto vetro, ma un codice da manipolare, amplificare e persino contraddire. In fondo, Gucci ha sempre funzionato così: oscillando tra eleganza aristocratica e cultura pop, tra artigianato italiano e desiderio globale. Negli Anni Novanta Tom Ford trasformò il marchio in simbolo di erotismo sofisticato; Alessandro Michele lo rese un universo massimalista e romantico; oggi Demna sembra volerlo spingere verso una dimensione più cinica, urbana e concettuale. Eppure, nonostante il cambio di linguaggio, Firenze resta il centro simbolico della narrazione. La mostra “Gucci Storia” ricorda che ogni rivoluzione, per essere credibile, ha bisogno di radici. Times Square, invece, dimostra che quelle radici possono ancora parlare al mondo contemporaneo, purché abbiano il coraggio di cambiare forma. Forse è proprio questa la nuova intuizione di Gucci: usare la memoria non come rifugio, ma come provocazione.

Photo Courtesy of Gucci

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Matthieu Blazy

Sous le salon la plage: a Biarritz, Gabrielle Chanel aprì la sua maison di couture e presentò le sue prime collezioni. Qui mise in dialogo il mondo naturale, senza tempo, con quello moderno, contingente, cambiando così definitivamente l’ordine esistente della moda.

Contribuendo a liberare le donne dai vincoli letterali delle convenzioni imposte da un’esistenza confinata nei salon, fu il mondo all’aperto — gli elementi, il mare, la spiaggia, il sole e il vento — a richiedere praticità e comfort nel movimento. Gabrielle Chanel rispose con il suo nuovo jersey e con lo sportswear.

Nella sua prima collezione Cruise per CHANEL, Matthieu Blazy, Direttore Artistico delle Attività Moda, celebra la costa basca con intenzione e spirito giocoso. Sperimentando modi disinvolti di essere e di guardare, dalla funzionalità dell’abito nero alla dimensione fantastica della sirena, prende forma un nuovo folklore CHANEL.

Unendo abiti da lavoro francesi, capi per il tempo libero e grandeur, l’effervescente e il rigoroso, dalle uniformi dei marinai allo slancio degli abiti da sera, vengono superati i codici gerarchici dell’abbigliamento. Il salon scivola sulla spiaggia, il comfort si allea con la sofisticazione, e la riga basca diventa un filo conduttore dell’intera collezione.

Perennemente in movimento, dagli ensemble in foulard di seta svolazzante alle gonne in rafia frusciante, fino ai completi in canvas di cotone lavato, la collezione è guidata dal piacere essenziale del vestirsi e dello svestirsi — anche il costume da bagno assume un ruolo centrale. Sensorialmente piacevoli e sperimentali, lavorazioni tessili impareggiabili richiamano l’abbondanza del mondo naturale circostante attraverso sete fluide, tweed elastici, flock compatti, morbide maglie ricamate con perline e paillettes scintillanti a effetto squame di pesce.

Qui, la doppia C è l’altro filo conduttore, rappresentata non come esercizio di branding, ma come parte di un’architettura elementare degli abiti. Introdotta radicalmente nell’abbigliamento negli anni Trenta, con i suoi contorni sinuosi esprime la firma rigorosa di Gabrielle Chanel e il senso del suo manifesto e della sua autobiografia attraverso l’abito. Ora spetta a chi lo indossa aggiungere la propria.

Gli accessori della collezione rafforzano l’idea del viaggio, muovendosi tra praticità e gioco attraverso una grande varietà di stili. Da una piccola borsa-valigia a un grande borsone; da una flap bag impermeabile a un enorme panier da spiaggia a righe. Fa la sua comparsa persino una custodia per pala. Le scarpe attraversano salon e spiaggia, accompagnando chi le indossa ovunque desideri andare: dagli eleganti tacchi Art Déco ai “copritalloni” da indossare a piedi nudi. Anche i gioielli richiamano l’architettura Art Déco di Biarritz e la sua vita acquatica, con orecchini a forma di conchiglia accostati all’orecchio e la perla CHANEL che trova qui la sua casa spirituale.

«Non esiste bellezza senza libertà del corpo.»

Gabrielle Chanel

L’abito nero di CHANEL

«Ho imposto il nero; ancora oggi resiste, perché il nero cancella tutto ciò che gli sta intorno.»
Gabrielle Chanel

«Si parla molto del “revenge dress”: questo potrebbe essere considerato l’originale.»
Matthieu Blazy

Un classico non è mai un classico all’inizio: spesso è una rivoluzione. È il caso dell’abito nero di Gabrielle Chanel. Funzionale, preciso e seducente nella sua semplicità, fu un’innovazione audace nel 1926, nel pieno di un’haute couture grandiosa e ricercata. Quell’anno, Vogue lo definì la “Ford” di Chanel. Eppure non era qualcosa di sconosciuto. Furono piuttosto la fattura, il contesto — senza dimenticare la risonanza mediatica — a trasformare l’abito e il suo pubblico.

L’abito e il suo colore erano da tempo familiari alle donne che lavoravano, comprese domestiche, commesse e suore nei conventi. L’innovazione di Gabrielle Chanel — lei stessa, dopotutto, era stata una commessa cresciuta tra le suore — fu quella di far desiderare alle gran dame di assomigliare alle donne che le servivano, con intenzione e precisione. Fece loro desiderare di assomigliare a lei. A quel punto, dovevano trovare un significato personale nell’indossare un abito simile. Questo poteva essere letto come una forma di rivalsa.

L’abito nero di Chanel segnò un cambio di paradigma. Ciò che poteva essere considerato “alla moda” sarebbe diventato “archetipico”. Qui, chi indossa l’abito diventa finalmente visibile: essenziale, fiera, senza ornamenti e senza chiedere scusa di essere se stessa. L’abito nero, come “workwear” capace di sfumare le gerarchie perché indossato da diversi strati della società, avrebbe trovato un’eco nella seconda metà del secolo scorso nei jeans in denim. Lo stesso denim si ritiene abbia origine nel Sud della Francia, a Nîmes: “de Nîmes”.

In questa collezione Cruise, Matthieu Blazy presenta l’abito nero del 1926 di Gabrielle Chanel come primo look. Tornando al bozzetto d’archivio originale, il disegno dell’abito ampiamente diffuso nel 1926 non mostrava un grande fiocco visibile sul retro. Oggi, quel dettaglio viene trasposto in una clutch. La collezione abbraccia inoltre le tradizioni di molte forme di abbigliamento da lavoro francese, dalla marinière del marinaio al bleu de travail, valorizzandone sia lo status funzionale sia quello immaginifico e ribelle. Tutti hanno raggiunto una statura classica, ulteriormente confermata dalla loro presenza nel repertorio CHANEL.

Copyright CHANEL

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Tra gli elementi più originali della sfilata: scarpe decorate con motivi di ninfee, mini dress csfon volants ispirati alla Belle Époque, cappotti con colletti alti, denim reinterpretato in chiave couture. l risultato è una collezione che gioca con il tempo, mescolando epoche diverse e creando un guardaroba parigino immaginario. Con questa sfilata, Jonathan Anderson ha inaugurato una nuova fase per Dior. Il designer, già noto per il suo lavoro con il brand Loewe e con il marchio JW Anderson, porta nella maison francese un approccio creativo basato sulla sperimentazione, sul dialogo con l’arte e sulla reinterpretazione dei codici storici. La sua visione sembra voler liberare Dior dal peso della nostalgia, mantenendo però un forte legame con il patrimonio della maison. La sfilata Dior a Parigi non è stata soltanto una presentazione di abiti, ma una vera esperienza narrativa. Dall’invito simbolico alle scenografie dei Tuileries, fino ai capi che reinterpretano la tradizione del New Look, ogni elemento è stato pensato per raccontare una storia: quella di una passeggiata immaginaria nella Parigi della moda. Con la sua prima collezione femminile, Jonathan Anderson dimostra che il futuro di Dior può nascere proprio dall’incontro tra memoria e innovazione. E mentre le modelle attraversavano il ponte sospeso tra le ninfee, la passerella sembrava trasformarsi in una metafora perfetta della moda contemporanea: un equilibrio fragile tra storia, spettacolo e desiderio.

Photo Courtesy of Dior

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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In passerella Dolce & Gabbana hanno costruito un racconto estetico coerente e riconoscibile. Il pizzo, elemento simbolo del brand, si è declinato in sottovesti, abiti trasparenti e corsetti strutturati. Il risultato è una femminilità intensa e consapevole, in cui la sensualità non è mai ostentazione gratuita, ma un codice culturale. Il pizzo nero evoca la tradizione delle vedove siciliane, mentre le linee sartoriali precise ricordano l’arte del tailoring italiano. La collezione alterna silhouette aderenti e capi strutturati: bustier, giacche monopetto, abiti sottoveste e cappotti dal taglio rigoroso. Il risultato è un equilibrio tra lingerie e alta sartoria, una cifra stilistica che da sempre caratterizza la maison. Non mancano i richiami alla tradizione familiare e alla cultura del Sud Italia: scialli lavorati all’uncinetto, borse ricamate e dettagli che ricordano l’artigianato italiano, reinterpretato in chiave contemporanea. Come spesso accade negli eventi firmati Dolce & Gabbana, la sfilata non si è limitata alla presentazione della collezione, ma si è trasformata in un vero spettacolo culturale.

Al termine dello show Madonna ha preso parte a un’esibizione privata organizzata nei saloni della maison interpretando una versione inedita di “La Bambola”, storico brano di Patty Pravo. La performance, accompagnata da pianoforte e quartetto d’archi, ha celebrato il legame tra musica e moda che da sempre caratterizza la carriera della cantante e il percorso creativo dei due stilisti. In questo contesto, lo show ha assunto il valore di una dichiarazione artistica: la moda come linguaggio interdisciplinare capace di dialogare con musica, cinema e cultura pop. La collezione presentata a Milano dimostra come Dolce & Gabbana abbiano scelto di non inseguire le tendenze effimere, ma di rafforzare il proprio DNA creativo. In un momento storico in cui molte maison cercano nuovi codici estetici, gli stilisti riaffermano il valore della continuità. Il pizzo, il nero, la sensualità barocca e la celebrazione della femminilità mediterranea non sono nostalgie del passato, ma strumenti per raccontare un’identità forte e riconoscibile. La presenza di Madonna in prima fila diventa quindi simbolica: un’icona capace di attraversare decenni di cultura pop, proprio come Dolce & Gabbana attraversano le stagioni della moda senza rinunciare alla propria essenza.
Photo Courtesy of Dolce& Gabbana

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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COLLEZIONE

La superficie cede a impulsi più profondi; l’artificio si dissolve.
La collezione esplora una tensione psicologica tra interiorità ed esteriorità, tra performance e paranoia. L’individualismo sotto uno sguardo costante e inflessibile.
La patina levigata si incrina, lasciando emergere qualcosa di vibrante e tattile, umano, pur mantenendo precisione e controllo.
Il confine tra la costrizione degli spazi interni e l’ampiezza della natura si sfuma, liberando il domestico. Le stampe floreali da carta da parati e il pizzo vengono portati all’esterno. Le bed jacket diventano abiti da sera, reinterpretate come bomber trapuntati a rose in tonalità glaciali e hitchcockiane. Fiori selvatici ricamati a mano affiorano da silhouette anni Sessanta, madreperlacei e affilati fino a una punta sottile.
I tessuti classici vengono sovvertiti attraverso trattamenti materici e una lucentezza inattesa: trench in pelle cangiante e perlata, completi in mikado di seta tagliato e jacquard floreali stropicciati.
La sartoria, radicata nell’eredità Savile Row della maison, incarna le sue tensioni intrinseche: tagliente come un rasoio, con un colletto a cascata d’archivio che dona fluidità al rigore strutturale di McQueen.
L’immagine nasconde un’arte interiore. Il pizzo non è un dettaglio di superficie, ma qualcosa di intimo, intrappolato tra strati di organza leggerissima. Gli abiti sono incorniciati da intricati ricami di piume, evocazione di libertà, che fondono filo dorato, punto raso e organza.
Un trompe-l’œil che invita a un’esplorazione più profonda, al tatto.
La natura prende il sopravvento. Sollievo e tregua nel suo dispiegarsi.

BORSE

La geometria d’archivio viene reinterpretata: la borsa Locke mette a contrasto una pelle morbida e scolpita con un lucchetto in metallo; la Manta reimmagina la sua struttura ripiegata attraverso un ricamo floreale metallico esteso su tutta la superficie; la Soft Knuckle Clutch contrappone il suo hardware distintivo a una nuova forma morbida, tattile e destrutturata.

SCARPE

Gli archetipi dell’iperfemminilità vengono sovvertiti: gli stivali Niko e le Mary Jane presentano una punta angolare e un dettaglio metallico; le décolleté a punta Koko e i sandali con fiocco sono caratterizzati da un tacco ibrido tra stiletto e zeppa.

SCENOGRAFIA

Un senso di tensione psicologica, modellato sulla facciata di una domesticità perfetta. Un austero labirinto a spirale di corridoi drappeggiati da tende, che suscita il sommesso disagio del quotidiano.

MUSICA

Una colonna sonora originale prodotta da A. G. Cook, che prosegue la collaborazione di McQueen con artisti britannici capaci di guidare l’innovazione musicale.

CREDITI

Tom Scutt è un artista britannico vincitore del Tony Award, attivo tra teatro, musica dal vivo e moda come scenografo, regista teatrale e direttore creativo. Tra i suoi lavori recenti più significativi figurano Cabaret nel West End e a Broadway, il tour Dreamworld dei Pet Shop Boys e Carmen al Metropolitan Opera House di New York.

A. G. Cook è un musicista e produttore britannico vincitore del Grammy Award, noto per il suo stile innovativo e sperimentale. Cook ha avuto un ruolo fondamentale nell’evoluzione del pop contemporaneo, collaborando con artisti del calibro di Beyoncé, Charli xcx, Troye Sivan e altri.

S T Y L I N G – Camille Bidault-Waddington
C A S T I N G – Julia Lange
H A I R – Anthony Turner
M A K E U P – Daniel Sallstrom
N A I L S – Ama Quashie
C O N C E P T A N D P R O D U C T I O N D E S I G N – Tom Scutt
M U S I C – A. G. Cook
M O V E M E N T – Ryan Chappell
PRODUCTION – La Mode en Images
LIGHTING – Raiden Studios

L'articolo McQueen Autumn Winter 2026 Show proviene da Daily Mood.