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ZeroZeroZero. Cocaina, quel fiume che scorre sotto le nostre città. Su Sky Altantic e NOW TV

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Se un battito di ali di farfalla in Brasile può provocare un tornado in Texas, come teorizzava Edward Lorenz, un carico di cocaina comprato in Calabria può provocare una sparatoria e decine di morti in Messico. A teorizzare, anzi, a raccontare una storia accuratamente documentata, è Roberto Saviano, il cui bestseller ZeroZeroZero è diventato una serie Sky Original prodotta con Cattleya, che esordisce il 14 febbraio su Sky Atlantic e NOW TV. ZeroZeroZero è un ambizioso affresco a tinte crime sulle rotte globali della cocaina, girato in tre continenti e in cinque paesi (Italia, Messico, Stati Uniti, in particolare la Louisiana, Marocco e Senegal) e in sei lingue (inglese, spagnolo, italiano, francese, wolof e arabo). Da vedere in lingua originale. La serie è creata da Stefano Sollima, Leonardo Fasoli e Mauricio Katz, e alla regia ci sono lo stesso Sollima, Janus Metz e Pablo Trapero.

ph. credit STEFANIA ROSINI – 5R7A0059

Credi nell’amore? L’amore finisce. Credi nel tuo cuore? Il tuo cuore si ferma. Cosa succede quando non hai più niente da dare?” Sono le parole con cui inizia ZeroZeroZero. Le immagini che scorrono sono quelle di un uomo a terra, colpito in una sparatoria. Ma la voce narrante è quella di un uomo che si trova in un bunker, con sistema di videosorveglianza, sull’Aspromonte. È un capo della Ndrangheta, o forse un ex capo, e deve guardarsi dagli altri boss e dai suoi stessi familiari, che potrebbero colerlo morto. “Non c’è pietà nella delusione”. E allora, per tenere ancora in mano il suo scettro, decide di agire, e comprare 5.000 chili di cocaina. Le prime due puntate che abbiamo visto in anteprima si svolgono così tra la Calabria (i compratori), Monterrey, in Messico (i venditori) e New Orleans, Stati Uniti (gli intermediari). La storia seguirà il carico di cocaina che è stato comprato dal clan della Ndrangheta fino a quando verrà consegnato e pagato. ZeroZeroZero è un racconto che si dipana in giro per il mondo, come in un film di 007, ma è estremamente realistico, teso, duro.

C’è una scena, tra le tante che abbiamo visto in ZeroZeroZero, a colpirci. Uno dei boss italiani prende dei soldi per l’acquisto della partita di droga, e lo fa da una cassaforte nascosta in un negozio di articoli per la prima infanzia. Poco dopo lo vedremo portare un giocattolo al suo bambino. Quello che colpisce, in questa storia, è quel senso disturbante di costante pericolo, quella sensazione che la malavita sia ovunque, dietro qualsiasi vita normale, a pochi passi da noi, dietro l’angolo. Nelle note di Roberto Saviano leggiamo che non esiste mercato al mondo che renda di più di quello della cocaina. Se investissimo 1000 euro in azioni Apple, tra un anno ce ne tornerebbero 1600. Ma se investissimo la stessa cifra in cocaina, dopo un anno ne avremmo 182mila. La cocaina è un fiume impetuoso, e sotterraneo, che scorre sotto le grandi città in cui viviamo.

ZeroZeroZero è un crime sui generis, una produzione dal grande respiro internazionale, molto diversa dai romanzi criminali (Romanzo criminale, Gomorra, Suburra) che siamo stati abituati a vedere negli ultimi anni. Non c’è dentro il folklore, la connotazione locale, il territorio, i dialetti marcati. Qui si guarda all’universalità e alla globalità del crimine. Tutto è il mondo è crimine, ci vuole dire il racconto di Saviano. A dirigere i primi episodi c’è Stefano Sollima, che ha già raccontato il crimine proprio nei titoli di cui sopra (ha diretto le serie Romanzo Criminale e Gomorra, e ha girato il film di Suburra) e in particolare i cartelli della droga messicani in Soldado. È un regista solido, impeccabile. Ma qui lo abbiamo trovato diverso dal solito: anche se non mancano le scene forti, il suo stile ci sembra più asciutto, più essenziale. Per mettere in scena ZeroZeroZero, infatti, è stata scelta una narrazione iperrealistica e, in fase di sviluppo, un approccio giornalistico: visite sui luoghi della rotta della coca, interviste a persone, il tutto per raccontare le vicende dal punto di vista degli insider, di chi si trova dentro il gioco. Il risultato è coinvolgente ed estremamente credibile.

Alla credibilità giova un cast di attori non particolarmente noti, se si fa eccezione per il trio che anima la parte dedicata a New Orleans. Si tratta di Gabriel Byrne, che è Edward Lynwood, che gestisce una società di navigazione, Andrea Riseborough, che è la figlia Emma, che gestisce la compagnia insieme a lui, e Dane DeHaan, Chris, il fratello di Emma, che ha una malattia degenerativa. La famiglia Lynwood è molto importante nel racconto perché mostra come il traffico di droga, che parte da un gruppo di criminali, il cartello della droga, e arriva alla criminalità organizzata, passa per delle realtà legali, come una normale compagnia di navigazione. È il segno che la cocaina è uno dei motori dell’economia: Edward spiega che un carico di droga incide nelle entrate della compagnia più di quattro navi cariche di container. Se da un lato i tre attori spiccano sugli altri, dall’altro riescono a scomparire, a mimetizzarsi nel racconto, a diventare una parte funzionale al tutto.

Un tutto in cui anche attori meno noti riescono a dar vita a personaggi memorabili, come fa Harold Torres (noto soprattutto per il suo ruolo ne El Chapo) con il suo Manuel Contreras, un sergente dell’esercito messicano che è responsabile di un team di forze speciali. È un personaggio ambiguo, che sente che ogni suo gesto è guidato da Dio. Sono da antologia le scene in cui, durante torture e uccisioni di trafficanti, mette gli auricolari alle orecchie e ascolta le prediche di un prete, cioè la Parola di Dio. In un film che vive di un rapporto molto originale tra suoni e immagini ci hanno colpito anche le scene in cui il Chris di Dane DeHaan legge i labiali. O quella dei “danni collaterali”, quelli per cui, durante uno scontro a fuoco, a rimetterci la vita è una bambina. ZeroZeroZero è una serie da vedere. Non potete dire che la cocaina non vi riguarda. A quanto pare riguarda tutti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Sex Education 2. I dolori del giovane Otis tornano su Netflix

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C’è anche Ornella Muti, nei panni della conturbante principessa Aura di Flash Gordon, nella seconda stagione di Sex Education, disponibile dal 17 gennaio su Netflix. La vediamo comparire in un montaggio velocissimo, sulle note di una versione quasi lirica di I Touch Myself, tra le cause di turbamento dell’adolescente Otis (Asa Butterfield). Il suo corpo è in pieno tripudio ormonale e, se Ornella Muti vista al cinema non può non turbare Otis (chi è cresciuto negli anni Ottanta non può essere rimasto indifferente alla principessa Aura) gli basta molto poco per eccitarsi: anche guardare l’immagine di una ragazza su un bagno schiuma, o indossare pantaloni di velluto. Nel veloce montaggio che apre Sex Education 2 c’è tutto quello che rende speciale questa serie: ironia, un’aura fuori dal tempo, protagonisti originali e una scrittura non banale.

Dove eravamo rimasti? Otis ha una relazione con Ola, anche se non hanno ancora consumato, e per questo i suo i ormoni sono in subbuglio. Otis, figlio di una stimata sessuologa, in teoria sa tutto sul sesso, ma in pratica è privo di ogni esperienza. La madre Jean (Gillian Anderson), tra l’altro, ha una relazione proprio con il padre di Ola, e questo non aiuta. Maeve (Emma Mackey), la sua socia delle lezioni di sesso, ha lasciato la scuola. Eric (Ncuti Gatwa), il suo amico del cuore, è ormai conscio della sua identità sessuale, ma non ha ancora trovato l’amore. Mentre Jackson (Kedar Williams-Stirling), l’ex di Maeve, è ormai stressato dal suo ruolo di promessa del nuoto.

Insomma, tutti i nodi della prima stagione di Sex Education non sono ancora venuti al pettine: è sicuro che ne vedrete delle belle. Anche nella seconda stagione, Sex Education conferma la sua particolarità rispetto ai teen drama di oggi. Prima di tutto non siamo in contesti urbani, altolocati ed eleganti, come gli appartamenti e i licei high-tech di Elite e Baby. Ma siamo nella campagna inglese, in case old fashioned immerse nel verde. O, se preferite, dal punto di vista dei teenager, immerse nel nulla. Non abbiamo i look eleganti e perfetti dei protagonisti, ma un look vintage, colorato, casual nel senso di casuale: tutti i ragazzi, nel film, sembrano un mix tra un mercatino delle pulci ed H&M. E, soprattutto, non abbiamo i soliti volti bellissimi e perfetti, ma sono stati scelti attori dai volti particolari, espressivi e anche buffi. Asa Butterfleld, il bellissimo bambino di Hugo Cabret, non è diventato uno strafigo, ma è credibilissimo nel ruolo dell’adolescente un po’ goffo. Emma Mackey, che interpreta Maeve, è stata definita la nuova Margot Robbie, ma è stata scelta per la sua grinta più che per la sua bellezza. E poi c’è Aimee Lou Wood, che è Aimee, che ha un volto dolcissimo, buffo e irresistibile. Tutti quanti, poi, hanno una recitazione sopra le righe, ma non troppo, che fa virare ogni situazione verso il comico, l’ironico, lo slapstick.

E poi c’è Gillian Anderson: sì, proprio lei, esplosa vent’anni fa nel ruolo di Dana Scully, è passata dagli X-Files ai Sex Files. Non indossa più i severi tailleur grigi, ma vestiti coloratissimi, non ha più i capelli ramati ma una tinta bionda. È un personaggio davvero agli antipodi di quello che l’ha lanciata: se pensiamo al controllo di Scully e vediamo la disinvoltura della sua Jean, capiamo che è entrata in un mondo completamente differente. Il suo personaggio è una delle chiavi del film. E nella seconda stagione lo vedremo vacillare e perdere qualche certezza, nel momento in cui dovrà confrontarsi con una platea di liceali.

Non è un caso che, sullo schermo di un cinema, Otis veda Flash Gordon. Sex Education pesca abbondantemente negli anni Ottanta e in quell’immaginario ben preciso. Ma, a differenza dei Duffer Brothers, che hanno deciso di ambientare la storia negli anni Ottanta, i creatori di Sex Education hanno scelto di ambientare la storia al giorno d’oggi (ci sono internet e gli smartphone, e qui non ci sono dubbi), ma di dipingerla con un immaginario che pesca in varie epoche, dagli anni Sessanta, ai Settanta agli Ottanta. Guardando la seconda stagione ci siamo accorti che una delle forze di Sex Education 2 è proprio la sua atemporalità, il suo essere fuori da ogni epoca. Che equivale a dire universalità. Sex Education funziona così bene anche perché, guardandolo, ci rendiamo conto che quei ragazzi potrebbero essere i giovani di oggi, ma potremmo essere benissimo anche noi, che ai nostri tempi eravamo egualmente imbranati, vestiti a caso, e curiosissimi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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You, stagione 2. Il lupo perde il pelo ma non il vizio

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Il lupo perde il pelo ma non il vizio. E il nostro Joe, nella seconda stagione di You, la serie originale Netflix in streaming dal 26 dicembre, in qualche modo ci prova. Reduce della delusione – chiamiamola così… – della storia con Beck, e spaventato dal ritorno di una storia del suo passato, cioè Candace, Joe decide di cambiare città. Come in tanti film americani (da Io e Annie e Marriage Story) da New York va a Los Angeles, credendola la città ideale per scomparire, non essere notato, essere un uomo nuovo. E – certo non sappiamo completamente se ci è o se ci fa – prova davvero a cambiare, a non comportarsi come faceva un tempo, a dare spazio alle persone, a non ossessionarle e a ossessionarsi. Anche quando incontra una nuova ragazza che gli piace, Love, prova ad andarci piano, a iniziare con un’amicizia…

Il punto è che Joe (Penn Badgley), ormai lo sappiamo, è un pazzo. È squilibrato, ossessivo, violento, un inguaribile stalker. È raro trovare, in una serie televisiva destinata al grande pubblico, un personaggio così negativo, un vero antieroe. Non pensate a House Of Cards e Frank Underwood, lì parliamo di personaggi enormi nella loro cattiveria. Qui invece parliamo di un personaggio meschino, piccolo, al limite dell’anonimo nel suo aspetto fisico. Eppure, in un certo senso, lo stimiamo: perché Joe è un libraio, è brillante ed educato, sa scrutare e capire gli altri. È un personaggio colto che si muove in un mondo che spesso non lo è. Non è possibile, in ogni caso, provare empatia per un tipo così. Il punto è che siamo troppo curiosi di capire cosa combinerà – una ne fa e cento ne pensa – per smettere di guardare la serie.

Ci chiedevamo come sarebbe stata la seconda stagione di You, senza la protagonista femminile della prima stagione, Guinevere Beck, per gli amici Beck (Elizabeth Lail), una ragazza da amore a prima vista, bella, brillante, istintiva, di fatto il motore della storia. Beck, che vediamo in qualche breve flash, ci manca molto. Al suo posto c’è un’altra ragazza, Love, interpretata da Victoria Pedretti: a prima vista meno appariscente di Beck, in realtà intrigante, e dal sorriso irresistibile. Vi chiederete subito dove l’avete vista, guardando le prime puntate di You: Victoria Pedretti era in un’altra serie Netflix, l’horror Hill House, dove era Nell Crain, e dove quel sorriso non si vedeva mai. Aveva anche un piccolo ruolo in C’era una volta a… Hollywood di Quentin Tarantino. In maniera meno appariscente di Beck, la sua Love è comunque molto sexy e la chimica tra lei e il protagonista funziona. Se dalla prima stagione ci portiamo in dote anche la misteriosa Candace (Ambyr Childers), non manca anche uno degli elementi chiave della serie, la camera in plexiglass alla Hannibal Lecter…

Se New York era la protagonista della stagione 1, Los Angeles lo è della stagione 2. La città degli angeli è immediatamente evocativa: dai romanzi di Brett Easton Ellis ai film di Tarantino, dalle storie leggendarie su David Bowie e John Lennon a quelle sulla fine di River Phoenix, è un luogo seducente e pericoloso, una madre e matrigna allo stesso tempo. I creatori della serie non risparmiano qualche stoccata ai losangelini, che sembrano essere tutti attori o artisti frustrati e tutti maniacalmente salutisti. Ma, cambiando i luoghi, il risultato non cambia: il gioco di You è sempre lo stesso e, alla seconda stagione, rischia anche di stancarci un po’. Ma You è un guilty pleasure, non si riesce a staccare gli occhi dalla serie in attesa di capire che cosa combinerà il folle Joe. Che, nel frattempo, si fa chiamare con un altro nome, ma questo è il minimo. I flashback della sua infanzia provano a farcelo conoscere di più, a farci capire le sue ragioni. Ma senza riuscire a farci provare empatia con lui, ammesso che fosse questo l’obiettivo.

I punti di forza della seconda stagione di You sono gli stessi della prima: l’ambiguità dei personaggi e una storia con un cuore da thriller e un involucro da commedia sentimentale, il tono leggero unito all’inquietudine che ci accompagna in ogni scena. È una serie minore nel panorama Netflix, ma da gustare tutta d’un fiato, lasciandosi andare con sospensione dell’ìncredulità. Buone vacanze di Natale e buona visione!

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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1994. Dopo 1992 e 1993, la serie Sky racconta la restaurazione

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La Storia si ripete, ciclicamente, e ricade sempre negli stessi schemi. Dopo la Rivoluzione viene il Terrore. E infine la Restaurazione. Ed è questa che racconta – dopo le brillanti stagioni di 1992 e 1993 – 1994, la serie tv in onda su Sky Atlantic dal 6 ottobre, nata da un’idea di Stefano Accorsi e scritta magistralmente da Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi e Stefano Sardo, per la regia di Giuseppe Gagliardi e Claudio Noce. 1994 tira le fila del racconto, fa arrivare tutti i nodi al pettine, è il compimento di tutto quello a cui abbiamo assistito in 1992 e 1993. Come scrivevamo due anni fa, assistere al terzo capitolo della trilogia è come vedere l’episodio III di Star Wars. Se nel terzo film della trilogia prequel di George Lucas, alla fine, compariva finalmente quel Darth Vader che avevamo seguito evolversi nei primi due episodi, 1994, il terzo atto del racconto sugli anni che hanno cambiato l’Italia, è finalmente il momento dell’ascesa di Silvio Berlusconi e di Forza Italia, che nei primi due capitoli avevamo visto prima come un’idea, e poi come una forza che stava nascendo.

E il Silvio Berlusconi di Paolo Pierobon è ora un protagonista assoluto della serie, non solo uno dei personaggi reali che, nell’economia della serie, rimanevano sullo sfondo rispetto ai personaggi di finzione che stavano sul proscenio. Silvio Berlusconi è un mattatore, è uno dei personaggi più importanti: lo vedremo nel famoso faccia a faccia televisivo contro Achille Occhetto prima delle elezioni del 1994, elezioni che cominciò a vincere proprio in quello studio; lo vedremo in Costa Smeralda, nel famoso incontro dell’agosto 1994, quando incontrerà Umberto Bossi, il famoso Bossi ritratto in canottiera bianca, per tenere in vita il suo governo. Accanto a loro ci saranno, da un lato, il Leo Notte di Stefano Accorsi, diventato il braccio destro di Berlusconi, e il Pietro Bosco di Umberto Caprino, sottosegretario agli interni leghista, che proverà a ricordare al suo capo la vera natura della Lega. È sempre in quel momento – raccontato dall’episodio 5 – che arriverà in Sardegna l’altra grande protagonista di 1994, Veronica Castello, la bellissima Miriam Leone, che non è più la donna dei politici, ma una politica, visto che ormai ha una carica in Parlamento.

È proprio guardando questi personaggi che si può capire la grandezza di una serie come 1994. Prima di tutto perché, a differenza di altre serie, che tendono a mantenere il più possibile gli stessi personaggi e a dosare le loro storie, questa non ha paura di abbandonare personaggi come il Luca Pastore di Domenico Diele e la Bibi Mainaghi di Tea Falco, e di portare in primo piano, come personaggi a tutto tondo e non solo come riferimenti storici, caratteri come Silvio Berlusconi. E poi perché la scrittura eccezionale di Sardo, Rampoldi e Fabbri ne fa dei personaggi a tutto tondo, allo stesso tempo vividi e reali, ma anche simbolici e paradigmatici di un certo modo di vivere dei nostri anni, di certe tipologie di italiani. Il Berlusconi di Pierobon è forse il miglior Cavaliere che abbiamo visto sui nostri schermi, reale, concreto, incisivo: è lontano dalle imitazioni e le semplificazioni dei tre Berlusconi de Il caimano, ma anche dalla caricatura, seppur geniale, di Servillo in Loro. Non è disegnato con un pregiudizio, o perché serva a rafforzare una tesi, non è mostrato con un’ottica di parte: è raffigurato per essere lui, per riuscire a raccontare, in modo freddo, che cos’è stato per l’Italia. Accanto a lui trova il suo posto naturale Leo Notte (Stefano Accorsi) personaggio chiave della serie, un altro carattere costruito in maniera geniale. Fare di un pubblicitario il protagonista assoluto di una serie che ha a che fare con la politica, da un lato, permette di costruire un personaggio degno di quelli americani, un po’ il Don Draper di Mad Men, un po’ il Patrick Bateman di American Psycho di Bret Easton Ellis. E, dall’altro, di svelare quello che è stata Forza Italia e l’ascesa politica di Berlusconi: la più grande operazione di marketing mai vista, come scrive Giuseppe Gagliardi nelle note di regia.

In questo senso, sono fondamentali altri due personaggi della serie. Il Pietro Bosco di Guido Caprino è un politico della Lega, uno di quei militanti duri e puri che, condivisibile o no, almeno avevano un’idea, forse anche un’etica. Vedere oggi Pietro Bosco sullo schermo fa quasi tenerezza, e marca una distanza abissale tra la Lega degli albori e quella di oggi, quella di Matteo Salvini. Così, in Veronica Castello, che Miriam Leone porta sullo schermo con una bellezza quasi illegale, ma con un continuo senso di sconfitta e dolore che danno uno spessore unico al personaggio, troviamo il seme di molti personaggi della scena – politica e non – degli anni che verranno. La soubrette che, per la sua bellezza, diventa una politica, è l’archetipo delle Mara Carfagna e delle Nicole Minetti che sarebbero arrivate e, sebbene appartengano più al terzo Berlusconi (quello delle Olgettine e dello scandalo Ruby) che al primo, in 1994 ci sta benissimo. Anche perché, e qui il tono si fa più serio, il suo impegno per una legge contro la violenza sulle donne permette al personaggio di fare un salto, e anche di portarlo direttamente ai giorni nostri, visto che il tema è di stretta attualità.

Da tutto questo possiamo finalmente capire che cosa sia la trilogia 1992 – 1993 – 1994: non la serie su Tangentopoli, com’era stata un po’ troppo facilmente lanciata nel 2016, ma una serie sul Ventennio che ha cambiato l’Italia. È un film sull’ascesa di Berlusconi, sulla televisione e la politica che diventano una cosa sola, come prefigurato da Ennio Flaiano che negli anni Settanta diceva “Fra 30 anni l’Italia non sarà come l’avranno fatta i governi, ma come l’avrà fatta la tv”. È una serie su come tutto questo ha cambiato gli italiani e come siamo diventati le persone che siamo oggi. E, in questo senso, tutti i personaggi che vivono 25 anni fa sono personaggi che potrebbero vivere nel nostro mondo. Anche Berlusconi, che c’è ancora. La nuova stagione, che chiude il trittico, ha una struttura diversa: non c’è più un racconto che segue i personaggi in montaggio alternato, ma una serie di episodi quasi monografici, con al centro un personaggio o un avvenimento storico preciso. Come l’incontro di Bossi e Berlusconi a Villa Certosa, che inizia con qualcuno che racconta la storia da morto, come in Viale del tramonto. E finisce con Black Hole Sun dei Soundgarden. Come se ci volesse dire che la politica è un buco nero che inghiotte tutto, sogni, speranze e ideali.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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