Al centro della storia c’è una Rachel Weisz doppia, come lo era il Jeremy Irons al centro dell’indimenticabile film di Cronenberg, Inseparabili. L’attrice è bravissima nel tratteggiare due gemelle identiche, ma che non potrebbero essere più distanti una dall’altra. Una porta i capelli sciolti, mangia avidamente, in continuazione, e non smette mai di parlare, neanche quando mangia. “I’m the funny one”, “sono quella divertente”, dice a un uomo che le approccia in un ristorante. È sfrontata, estroversa, ama ballare sfrenata, ama fare sesso, altrettanto sfrenata. Impossibile non restarne conquistati.

L’altra Rachel Weisz ha i capelli raccolti, i modi compiti, eleganti. È timida, trattenuta, è tutto contegno. E si porta con sé il lavoro anche quando esce la sera. È l’idealista, quella che vuole una clinica non per il proprio successo ma per migliorare la condizione delle donne. Impossibile non restare conquistati anche da lei. Apparentemente fredda, cova dentro di sé passione e desiderio. E lo dimostra quando incontra una giovane donna, una sua paziente, per cui prova una forte attrazione. E forse amore. Qualcosa che rischia di rompere l’equilibrio sottile che tiene in piedi il rapporto con la sorella gemella. Elliot e Beverly sono lo yin e lo yang, opposte e complementari, forse incapaci di stare l’una senza l’altra. Si scambiano anche identità e ruoli sul posto di lavoro, come quando si tratta di vedere l’utero bellissimo, mai visto prima, di una paziente.

Dal film di Cronenberg alla serie rimangono i punti di partenza: due gemelli e il loro rapporto morboso, il loro lavoro nel campo della ginecologia. Ma virando la storia al femminile, cambia completamente il punto di vista, la chiave di lettura. Nel film di Cronenberg c’era un interesse maschile verso il corpo femminile, un interesse che era estetico e professionale insieme. I due gemelli Mantle cercavano la “bellezza interiore”, che non era intesa come sentimento, ma, letteralmente, la bellezza degli organi interni. Qui il punto di vista è femminile: la ginecologia, quindi, diventa la procreazione, la maternità, la nascita. Le gemelle Mantle vogliono provare a cambiare il modo in cui le donne mettono al mondo i bambini. E tutto questo viene raccontato, soprattutto nel primo episodio, con una serie di scene legate al parto che sono molto forti, realistiche e che, come ci avvisa in primis Prime Video, rischia di urtare la sensibilità di molte persone. Si tratta di momenti duri, ma che hanno un senso.

Il dualismo insisto nel rapporto tra le due gemelle Mantle è anche quello che caratterizza la nuova serie Prime Video, creata e scritta da Alice Birch, che è una serie duale, scissa, schizofrenica. Dead Ringers alterna momenti brillanti, costellati di un humour sottile, a momenti dolorosi, momenti estremamente sexy ad altri grotteschi, altri realistici al limite del disturbante. Si resta incollati allo schermo consapevoli di stare assistendo a qualcosa di forte, di importante, ma si resta anche piuttosto spiazzati ogni volta che la serie cambia direzione, tono, ambiente. La regia (Sean Durkin ha diretto i primi due episodi e ha co-diretto l’ultimo episodio, gli altri registi sono Karyn Kusama, Karena Evans e Lauren Wolkstein) e la fotografia mantengono il tono freddo del classico di Cronenberg ma a tratti lo accendono con tinte forti, come il rosso.  Dove il film di Cronenberg era freddo, cerebrale, estetico, la serie è più calda, dura, realistica e vicina alla vita delle persone.

Rachel Weisz, che è anche produttrice della serie, in un doppio ruolo estremo, coraggioso, non perde assolutamente nulla della sua sensualità, anzi la porta a un livello ulteriore. Che sia sfrenata o contenuta, come vuole il copione, come prevede il ruolo, ha il sorriso arcaico di cui parlava Henri-Pierre Roché in Jules e Jim, ha quell’enigmaticità della Monna Lisa di Leonardo. Il suo è un volto così perfetto che sembra creato da un artista.

In Inseparabili, in primo piano, c’è lei. Che vuol dire che ci sono le gemelle Mantle, le loro vite, le loro passioni, le loro battaglie. Ma sullo sfondo, uno sfondo che a tratti arriva prepotentemente in primo piano ci sono le vite di altre donne: i loro sogni, le aspirazioni, le frustrazioni. Tutto, dall’inizio alla fine della serie, è molto intenso. Non abbiamo ancora deciso se ci è piaciuta o no. Ma è qualcosa che non lascia certo indifferenti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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I Gucci. Chi davvero di noi può dire di conoscerli? Conosciamo molto probabilmente la storia che ha inizio dalla metà degli anni Novanta, quando, un po’ per rinunce (pare che Maurizio Gucci, una volta a capo del suo impero, volesse Armani e Versace a disegnare le sue linee, solo che loro avevano già le loro aziende) un po’ per intuizione di Domenico De Sole, uno sconosciuto stilista americano fu chiamato a disegnare le collezioni del gruppo. Si chiamava Tom Ford e cambiò per sempre la sua storia. Ma prima i Gucci erano dei sellai, e poi uno dei capostipiti, che faceva il fattorino a Londra, ebbe l’idea della pelletteria di lusso. A un certo punto della sua vita, Gucci era considerato un marchio elegante, ma superato. Domenico De Sole e Tom Ford ne fecero un impero, ma forse in pochi di noi si sono soffermati a pensare al fatto che, dopo la morte di Maurizio Gucci, nessuno della famiglia faccia più parte di un marchio che ormai vive di vita propria, fattura miliardi, e ha spiccato il volo proprio quando ha tagliato il cordone ombelicale con la famiglia da cui è nato. House Of Gucci racconta la storia dall’incontro tra Patrizia Reggiani e Maurizio Gucci fino all’assassinio di quest’ultimo, di cui lei fu il mandante.

Lady Gaga è straordinaria nel ruolo di Patrizia Reggiani, una donna che non distingue un Klimt da un Picasso e che sente tutto il gap tra il mondo prosaico da cui proviene e il mondo nobile in cui sta entrando. Nei suoi occhi c’è tutto lo stupore di chi sente di entrare in un mondo da sogno, come le cenerentole delle favole che entrano nelle case dei principi azzurri. C’è, negli occhi della Patrizia di Lady Gaga, un senso di imbarazzo misto all’aspirazione di una vita più agiata ed elegante, e poi, man mano che il tempo passa, all’ambizione di poter arrivare fino a dove non avrebbe mai potuto immaginare. Fino allo sguardo inconfondibile di chi sente il suo amore tradito, quel sentimento di vendetta ineluttabile che arriva dalle tragedie greche, quelle elisabettiane, da Shakespeare ma anche dalla tradizione del nostro melodramma. Tutto il film, ma in particolare le scene con Lady Gaga, sono una continua sfilata di abiti incredibili, dal vestito rosso scollato che indossa la sera in cui incontra Maurizio Gucci, fino a un altro vestito di pizzo bianco che lascia le spalle scoperte. Ma sono centinaia gli abiti da antologia.

House Of Gucci alterna immagini patinate (il famoso uso della luce che Ridley Scott, regista pubblicitario negli anni Ottanta, qui ripropone in modo funzionale al racconto) ad altre a tinte forti, fino a immagini da cartolina e retrò di bei tempi e Belpaese, dorate e seppiate. Altrove le immagini virano in bianco e nero per poi fossilizzarsi in quelle delle foto che apparivano su giornali e rotocalchi. È così che Maurizio e Patrizia, dopo il loro matrimonio, da immagini in movimento diventano immagini fisse, perché è così che venivano immortalate le celebrità sulla carta stampata. E così è in divenire anche la musica: l’organo che introduce Patrizia all’altare sembra quello della marcia nuziale, ma non è che l’intro di Faith di George Michael, che dà alle nozze un aspetto rock, rétro, pop. È questa la chiave, perché in House Of Gucci tutto è tragico e tutto è pop, tutto è nero e rosso sangue, ma è anche tutto colorato, tutto è incredibilmente grave e tutto è farsesco e irresistibilmente divertente. House Of Gucci è una tragedia di William Shakespeare girata dai Vanzina – non quelli di Vacanze di Natale ma quelli di Via Montenapoleone e Sotto il vestito niente – e non è affatto una critica, quanto un modo di essere.

House Of Gucci è questo. è un film eccessivo, teatrale, melodrammatico e pop. È La Traviata e Il Rigoletto, Caterina Caselli e gli Eurythmics, Blondie e Donna Summer (I Feel Love, prodotta da Giorgio Moroder, l’Italia che incontrava l’America, proprio come nella storia di Gucci) David Bowie e Tracy Chapman (Baby Can I Hold You nella versione con Luciano Pavarotti). Ridley Scott, evidentemente, vede così il mondo del lusso e della moda, vede così l’Italia, un po’ opera lirica, melodramma, un po’ il solito film di mafia con gli italiani stereotipati. Guardate l’interpretazione di Al Pacino, nel ruolo di Aldo Gucci, e diteci se non vi sembra uscita da qualche film di questo tipo. O quella di Jared Leto, nel ruolo di Paolo Gucci , che, in originale, lavora sulla lingua per un misto tra inglese e italiano che finisce per sembrare un accento russo, ma è un lavoro interessante. House Of Gucci va preso per quello che è, per l’intrattenimento che ci regala, e passando avanti sulle tante libertà che si prende Ridley Scott. Come quella sull’assassinio di Maurizio Gucci, che fu ucciso in via Palestro, a Milano, e nel film perde la vita nel suggestivo quartiere Coppedè, a Roma, nel mondo di Dario Argento.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Come avevamo capito dai precedenti film del Dc Extended Universe, il nuovo corso dei supereroi DC (iniziato, dopo la fine della trilogia del Cavaliere Oscuro di Nolan, con Man Of Steel), Justice League può contare su una certezza: la indiscussa presenza scenica e il physique du role dei due attori più importanti, nei panni dei supereroi principali. Le cose che funzionavano di più nei film precedenti, e lo fanno anche qui, erano Ben Affleck e il suo Batman imponente quanto attempato e stanco, e Gal Gadot e la sua splendida Wonder Woman, allo stesso tempo arma letale e bambina, eroina ironica e armonica. A loro si aggiunge la grande sorpresa del film, Ezra Miller nei panni di Flash: il suo understatement, il suo humour jewish (ricordate il Seth Cohen di The O.C.? Ecco, siamo da quelle parti) portano qualche sorriso nell’universo DC che, fin qui, era stato piuttosto cupo (c’era già qualche sorriso in Wonder Woman, ma di altro tipo).

In un certo senso, quindi, l’universo DC prova ad avvicinarsi a quello della Marvel (sarà perché ad avvicendare Zack Snyder, che firma comunque il film, dopo la tragedia della scorsa primavera e il successivo abbandono, è Joss Whedon, regista dei primi due Avengers, e qui anche sceneggiatore). Ma lo scarto sta tutto nei leader dei due team: negli Avengers è Tony Stark, cioè Robert Downey Jr., in Justice League è Bruce Wayne, cioè Ben Affleck. Un uomo di mondo, estroverso contro un uomo chiuso in se stesso e stanco, se guardiamo i personaggi. Un grande attore, un istrione, contro un buon attore e professionista, se guardiamo gli interpreti. La saga degli Avengers, al momento, è più esplosiva, vivace, quella della Justice League appare, nonostante qualche sorriso, più cupa, ma anche monotona. In parte è una scelta, i personaggi Marvel appaiono più pop, quelli DC, almeno nel nuovo corso, sono più dark. Ma è anche un fatto di scrittura: e, benché quella dei film degli Avengers non sia eccezionale, quella di Justice League non eccelle.

Quello che hanno in comune i due universi è che entrambi soffrono nel momento clou, quello del film collettivo, un format che non permette di soffermarsi sui singoli caratteri (i Batman di Burton e Nolan, ma anche i primi due Iron Man, lo facevano molto bene). Ed entrambi soffrono del fatto di proporre dei “cattivi” freddi e distanti, nel loro essere non umani. Abbiamo capito che siamo sempre più rapiti quando in un villain intravvediamo l’umanità, la sofferenza: un Joker, un Pinguino, un Lex Luthor ci affascinano più di uno Steppenwolf o di un Ultron. È l’elemento umano nella macchina. E in Justice League ce n’è troppo poco.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il film è stato annunciato al San Diego Comic-Con 2013. Nel giugno 2013 sia Snyder che Goyer, regista e sceneggiatore del primo film, confermarono il loro ritorno. Le riprese di seconda unità sono cominciate all’East Los Angeles College nell’ottobre 2013, mentre le riprese principali sono cominciate nel maggio 2014 a Detroit e si sono concluse nel dicembre dello stesso anno. Nel film, il vigilante di Gotham City, Batman, si reca a Metropolis per affrontare Superman, temuto da molti e da altri considerato come una divinità. Batman e Superman sono in guerra, ma qualcosa di spaventoso sta arrivando a minacciare l’esistenza stessa di tutta l’umanità.

Un cast davvero brillante per questo nuovo capitolo della DC Comics: ritroviamo Henry Cavill nel ruolo del salvatore di Metropolis e Ben Afleck in quella del vigilante di Gotham City.
In questo nuovo episodio apparirà anche Wonder Woman che ha il volto di Gal Gadot.
Fanno parte del cast anche Diane Lane, Amy Adams, Laurence Fishburne, Jason Momoa, Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Jeremy Irons, Holly Hunter, Scoot McNairy, Callan Mulvey, Tao Okamoto.

Sul red carpet newyorkese hanno sfilato tutte le star del film tra una folla in attesa e delirante.

Da Mercoledì 23 nelle nostre sale cinematografiche.

Crediti Fotografici: LaRepubblica.it

di Lavinia Martinelli per DailyMood.it

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