C’è un luogo, a Varese, dove una parte della storia di Luigi Veronelli è passata attraverso il fuoco. È la corte della Questura di Varese, dove nella primavera del 1961 furono date alle fiamme le copie di Storielle, racconti e raccontini del marchese De Sade, pubblicato da Veronelli Editore alla fine degli anni Cinquanta. Veronelli fu personalmente presente a quel rogo, l’ultimo episodio di censura di cui fu diretto testimone.

A cento anni dalla sua nascita, questo episodio diventa il punto di partenza di “Veronelli al Rogo”, l’iniziativa organizzata dal Seminario Permanente Luigi Veronelli, in collaborazione con il Comune di Gavirate, in programma domenica 20 settembre 2026 al Chiostro di Voltorre, monumento nazionale e tra i più significativi esempi di architettura romanica lombarda.

Una scelta non casuale, perché proprio il territorio varesino permette di rileggere una figura che ha profondamente innovato il modo di raccontare il vino, la gastronomia e il mondo agricolo. Veronelli è stato un intellettuale di rottura, un editore anticonformista e un comunicatore capace di cambiare il linguaggio con cui si parlava di vino, portando al centro non soltanto il prodotto, ma le persone, le culture, i territori e le idee che gli stanno intorno.

La mattinata si aprirà alle 10.00 con la tavola rotonda “Luigi Veronelli editore e intellettuale di rottura”, che ripercorrerà la sua esperienza editoriale e culturale: non soltanto i testi fondamentali dedicati alla gastronomia, ma anche opere letterarie, filosofiche e politiche. Il rogo di Varese sarà così l’occasione per riflettere sul tema della censura e, soprattutto, sulla libertà di pensiero e di espressione che ha contraddistinto la vicenda umana e professionale di Veronelli.

Il racconto resterà ancorato alla vicenda storica e culturale del 1961, per poi collegarsi alla libertà con cui Veronelli ha interpretato e difeso il mondo del vino e dell’agricoltura. Per Veronelli, infatti, il vino non era soltanto una bevanda, ma uno strumento per leggere e raccontare la società, il lavoro, la cultura e il rapporto tra l’uomo e il territorio.

A condurre l’incontro sarà Aldo Tagliaferro, editorialista e Presidente del Seminario Permanente Luigi Veronelli, con la partecipazione di Alessio Fornasetti, imprenditore vitivinicolo, consigliere del Seminario e ideatore dell’iniziativa insieme al Comune di Gavirate, e di Pierre Ley, giornalista, critico gastronomico e comunicatore. Ad accompagnare il dialogo saranno Gigi Brozzoni e Marco Magnoli, critici enoici e curatori della Guida Oro I Vini di Veronelli, che contribuiranno a ricostruire il profilo culturale di Luigi Veronelli e accompagneranno il pubblico nel passaggio ideale dalla riflessione sul suo pensiero alla degustazione.

Dal pensiero al bicchiere: il viaggio del Nebbiolo tra Piemonte e Lombardia. Il filo conduttore tra cultura e vino proseguirà alle 11.30 con la Master Class “Nebbiolo”, una vera e propria Lectio Eno Comparata proposta dal Seminario Permanente Luigi Veronelli e condotta da Gigi Brozzoni, con la collaborazione di Marco Magnoli.

Saranno messe a confronto le migliori espressioni del Nebbiolo di Langa, Alto Novarese, Valtellina e delle Colline Moreniche del Varesotto, attraverso una degustazione comparata che metterà in relazione vini, terroir e culture vitivinicole. Un viaggio tra interpretazioni e identità, dalle aree storicamente vocate del Piemonte alla Valtellina e alle Alpi lombarde, fino al territorio varesino. La Master Class permetterà di approfondire le diverse modalità con cui il Nebbiolo interpreta paesaggi, suoli e tradizioni, nel segno del metodo di degustazione e dell’approccio culturale che da sempre contraddistinguono il lavoro del Seminario Veronelli.

In questo itinerario fra terroir vocati al Nebbiolo trovano spazio le vigne e la cantina di Alessio Fornasetti, a Torre San Quirico, espressione di eccellenza vitivinicola del territorio varesino chiamata al confronto. Un modo per leggere il vino attraverso i luoghi da cui nasce, e le differenti identità che il Nebbiolo assume nel suo percorso tra Piemonte e Lombardia.

La mattinata si concluderà con i saluti e un buffet conviviale, nel segno di quella dimensione di incontro, confronto e convivialità che rappresenta uno degli elementi distintivi della cultura del vino.

Con “Veronelli al Rogo”, il Seminario Permanente Luigi Veronelli celebra il centenario della nascita tornando in un territorio che custodisce una pagina significativa della sua storia. Non soltanto il titolo di un evento, ma il richiamo a una vicenda che racconta il coraggio di un editore e la forza di un pensiero che continua ancora oggi a interrogare il mondo del vino, della cultura e della società.

INFORMAZIONI UTILI

Veronelli al Rogo
Domenica 20 settembre 2026
Chiostro di Voltorre – Gavirate (VA)

Programma

• 9.30 – Benvenuto e saluti istituzionali del Sindaco e dell’Assessore
• 10.00 – 11.00 – Tavola rotonda “Luigi Veronelli editore e intellettuale di rottura”
• 11.30 – Master Class “Nebbiolo”: Lectio di enologia comparata a cura del Seminario Permanente Luigi Veronelli
• A seguire – Saluti conclusivi e buffet conviviale

Tavola rotonda: partecipazione libera e gratuita.
Master Class: €50 a persona, riservata a maggiorenni, a numero chiuso (massimo 40 partecipanti) e con prenotazione obbligatoria a questo link https://www.seminarioveronelli.com/prodotto/veronelli-rogo-2026/

Vini in degustazione (la degustazione sarà curata da Gigi Brozzoni e Marco Magnoli, curatori della Guida Oro I Vini di Veronelli):

• Valtellina Superiore Prestigio 2018 — Triacca
• Gattinara Riserva 2018 — Torraccia del Piantavigna
• Boca Riserva Vigna Cristiana 2017 — Poderi ai Valloni
• Barbaresco Roncaglie Tenuta Roncaglia 2018 — Poderi Colla
• Barolo Bricco delle Viole 2018 — G.D. Vajra
• Barolo Riserva Bricco Boschis Vigna San Giuseppe 2018 — Cavallotto
• Barolo Riserva Vignarionda 2018 — Oddero
• Sommoclivo 2018 — Torre San Quirico

Biglietti e prenotazioni: informazioni e iscrizioni sul sito del Seminario Permanente Luigi Veronelli: seminarioveronelli.com

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Nel corso della storia dell’arte e nei diversi ambiti della creatività umana, alcune opere sono diventate un punto di riferimento e una fonte d’ispirazione per la nascita di nuove creazioni. In 66–76–26, il toccante tema musicale Wild Is the Wind costituisce il punto di partenza e l’elemento centrale dell’installazione che l’artista e regista britannico Steve McQueen presenta al Guggenheim Museum Bilbao.

Scritta originariamente da Dimitri Tiomkin e Ned Washington per l’omonimo film del 1957, la canzone fu interpretata nella pellicola da Johnny Mathis e ottenne una candidatura all’Oscar. Da allora è stata riproposta in numerose versioni, tra cui spiccano quelle di Nina Simone, del 1966, e di David Bowie, del 1976. Lo stesso McQueen inserì il brano in una sequenza del suo film Widows del 2018.

Questa volta McQueen torna sulle due interpretazioni che lo affascinano da decenni, eliminando ogni accompagnamento strumentale e collocandole in uno spazio privo di altri suoni, immagini o stimoli che possano interferire con la percezione delle voci di Simone e Bowie. Nasce così una nuova opera, carica di emozione e sottigliezza. In linea con il costante interesse di McQueen per la creazione di condizioni capaci di favorire uno sguardo e un ascolto concentrati, il lavoro offre uno spazio in cui queste voci possono essere incontrate con un’intimità e un’attenzione fuori dal comune.

Per Occident è motivo di grande soddisfazione sostenere questo progetto sofisticato e capace di stimolare la riflessione. Mi auguro che possiate apprezzare una mostra che richiede un livello di attenzione e contemplazione al quale non siamo più abituati e nella quale la musica diventa l’essenza di un’esperienza intensa e profonda.

Hugo Serra Calderón
CEO di Occident

Steve McQueen: 66–76–26

Date: 9 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027
Curatrice: Lekha Hileman
Sponsor: Occident

• Creata appositamente per il Guggenheim Museum Bilbao, 66–76–26 riunisce due iconiche registrazioni di Wild Is the Wind, presentate a cappella: l’interpretazione di Nina Simone del 1966 e la cover di David Bowie del 1976.
• In parte canzone d’amore, in parte lamento e in parte dichiarazione di desiderio, Wild Is the Wind accompagna Steve McQueen da oltre trent’anni, richiamandolo continuamente a sé grazie alla sua complessità emotiva.
• 66–76–26 è un’opera inedita in cui due voci artistiche distinte risuonano attraverso il tempo e lo spazio, entrando in dialogo con l’architettura mentre i visitatori attraversano la galleria.

Il Guggenheim Museum Bilbao è lieto di presentare 66–76–26, una nuova, importante installazione di Steve McQueen. Concepita appositamente per il Museo, l’opera riunisce due registrazioni iconiche di Wild Is the Wind: l’interpretazione del 1966 di Nina Simone della canzone composta da Dimitri Tiomkin e Ned Washington e la cover realizzata da David Bowie nel 1976.

Private dell’accompagnamento strumentale, le due versioni vengono presentate a cappella, con le voci separate nello spazio all’interno di una galleria immersa nella penombra. Due interpretazioni distanti dieci anni, ascoltate in una forma completamente nuova. La mostra è sponsorizzata dalla compagnia assicurativa Occident.

Da oltre trent’anni Wild Is the Wind occupa un posto importante nel lavoro di McQueen. Dopo avere ascoltato per la prima volta la registrazione di Bowie a metà degli anni Novanta e avere successivamente scoperto la versione di Simone, l’artista ha continuato a tornare alla canzone, attratto dalla sua complessità emotiva e dalla capacità di rivelare nuovi significati con il trascorrere del tempo.

Come ha osservato lo stesso McQueen, il brano non si lascia racchiudere in un’unica interpretazione. È allo stesso tempo una canzone d’amore, un lamento e una dichiarazione di desiderio, capace di continuare a provocare e interrogare chi l’ascolta.

In 66–76–26, McQueen riduce le registrazioni al loro elemento più essenziale: la voce umana. La voce di Simone emerge da un lato dello spazio, mentre quella di Bowie le risponde dal lato opposto. Muovendosi nella galleria, i visitatori sentono le due voci svilupparsi in un dialogo che attraversa l’architettura.

Ciò che nasce non è né un confronto né una riconciliazione, bensì un’opera nuova, nella quale due voci artistiche distinte risuonano attraverso il tempo e lo spazio.

Il titolo richiama gli anni in cui Simone e Bowie registrarono le rispettive versioni della canzone, oltre all’anno della mostra. Riunendo due interpretazioni separate da un decennio e presentandole cinquant’anni e sessant’anni dopo, McQueen crea un incontro capace di annullare la distanza storica.

L’opera invita a riflettere non soltanto sulla forza duratura della canzone, ma anche sui contesti sociali e politici che hanno accompagnato il percorso delle due registrazioni. Nate in periodi segnati da sconvolgimenti, incertezza e trasformazioni – il movimento per i diritti civili, la guerra del Vietnam e lo scandalo Watergate – queste interpretazioni parlano con particolare intensità anche al nostro presente.

In opere recenti come Bass (2024), Untitled (2025) e Atlas (2026), McQueen si è orientato sempre più verso il suono, la luce e la percezione, utilizzandoli come materiali primari. Invece di costruire narrazioni attraverso le immagini in movimento, questi lavori esplorano il modo in cui fenomeni immateriali possano influenzare l’esperienza corporea e l’attenzione collettiva.

66–76–26 prosegue questo percorso, ampliando la ricerca di McQueen sulle possibilità dell’opera d’arte di agire oltre i confini della cornice.

L’installazione trasforma la galleria in un ambiente essenziale e immerso nella penombra, studiato per amplificare la consapevolezza acustica. Privati delle distrazioni visive, fatta eccezione per la sorgente sonora, i visitatori diventano intensamente consapevoli del suono, del silenzio, del respiro e della durata.

Come ha spiegato McQueen, l’opera nasce da una concezione del silenzio come materiale attivo, un’idea che l’artista associa all’interesse di Miles Davis per gli spazi tra le note, nei quali il significato emerge non soltanto da ciò che è presente, ma anche da ciò che viene trattenuto.

Questo principio determina la struttura di 66–76–26, dove le pause, i respiri, l’attesa e gli intervalli assumono la stessa importanza delle voci.

Questa riduzione non è un semplice esercizio di minimalismo, ma un tentativo di raggiungere l’essenziale. McQueen ha raccontato di voler eliminare il rumore e concentrarsi sugli elementi fondamentali, per chiedersi che cosa rimanga quando tutto ciò che è superfluo viene rimosso e se quello che resta sia abbastanza forte da sostenere l’opera.

Al centro di questa domanda si trovano due voci che si intrecciano e l’intensità che entrambe racchiudono.

«L’amore è l’unica cosa per cui valga la pena vivere e morire», ha dichiarato McQueen parlando del desiderio che percepisce in entrambe le interpretazioni. «Nonostante tutto ciò che accadeva nel mondo, alla fine tutto si riduce a questo. È l’unica cosa.»

La mostra è accompagnata da un catalogo completamente illustrato, progettato dall’acclamata graphic designer olandese Irma Boom. Concepita come un’estensione dell’installazione e non come una sua semplice documentazione, la pubblicazione riunisce materiali d’archivio e fotografici dedicati a Nina Simone e David Bowie, insieme a testi commissionati appositamente.

Tra questi figurano una conversazione tra McQueen e la curatrice Lekha Hileman, dedicata alla realizzazione dell’opera, al fascino duraturo della canzone e al percorso di una ricerca artistica che ha sempre messo alla prova i confini di ciò che l’arte può chiedere allo spettatore, oltre a un nuovo saggio della storica dell’arte e artista Cora Gilroy-Ware, che esplora l’eredità culturale e artistica di Simone e Bowie.

Il catalogo propone un dialogo tra immagine e suono, presenza e assenza, intimità e performance, interrogandosi sul modo in cui due artisti così unici continuino a risuonare attraverso le generazioni.

Parallelamente alla mostra, il Museo presenterà una rassegna dedicata all’opera cinematografica di McQueen, offrendo al pubblico l’opportunità di riflettere sul rapporto tra il suo lavoro per il cinema e quello destinato agli spazi espositivi.

Sebbene i film di McQueen abbiano ottenuto riconoscimenti internazionali – tra questi 12 Years a Slave, vincitore dell’Oscar – 66–76–26 porta in primo piano i temi che da sempre animano la sua pratica artistica: la percezione, la dimensione corporea, la memoria, la durata e la capacità dell’arte di creare spazi di riflessione e incontro.

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“Fendi / Karl Lagerfeld 1985. After Steps Through Work”, courtesy photo of Fendi Giorgio Benni

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Francesco, la Sua esistenza, donata interamente all’amore, alla riconciliazione e alla fraternità, continua a parlare al cuore dell’umanità anche a ottocento anni dalla sua morte. Scoprire Francesco oggi significa lasciarsi coinvolgere da una storia che continua, silenziosa e forte, l’esortazione a vivere con la gente che, mostrando il mondo amato da Francesco, quello della campagna, gli animali, il silenzio, diventa un invito concreto ad accogliere il Vangelo nella vita quotidiana, a costruire ponti di dialogo con il creato.
Nel 2026 si concluderanno le celebrazioni del grande centenario francescano con gli ottocento anni dalla pasqua di Francesco (1226-2026) e l’artista Luciano Schifano fa suo il messaggio di Francesco, Il Cantico delle Creature, esprimendo il suo pensiero con discrezione, naturalezza, garbo, dedica a Francesco tutta una serie di opere, che oggi compongono tre mostre telematiche, riunite in una mostra itinerante, organizzata dalla scrittrice Lorena Fiorini,  con il supporto dei Sindaci Luca Santini Pratovecchio Stia, Antonio Fani Castel San Niccolò, con la direzione artistica della storica  d’arte Alberta Piroci.
Il viaggio, che inizia a Il Casale a Stia, prosegue al Museo dell’Arte della lana a Stia, a Castel San Niccolò, Strada in Casentino, Galleria Frate Francesco, e ci auguriamo possa concludersi al Santuario della Verna.
Lo scritto più importante di San Francesco è universalmente riconosciuto nel Cantico delle Creature (o Cantico di Frate Sole). Composto nel 1224, è considerato il testo poetico più antico della letteratura italiana di cui si conosca l’autore. È un inno alla vita, a Dio e alla natura, fondamentale sia dal punto di vista spirituale che linguistico perché scritto in volgare umbro (invece che in latino) per essere compreso da tutti. Una presenza forte che ci accompagna… come un seme che germoglia nella terra, la presenza di Francesco è luce e promessa per chiunque desideri camminare nella fraternità e nella speranza.

IL PERCORSO

Storica d’Arte Alberta Piroci

E tutte le creature che sono sotto il cielo,
ciascuna secondo la sua natura,
servono e conoscono e obbediscono
al loro Creatore meglio di te, o uomo

(Fonti Francescane, Ammonimento V)

Stia – Il Casale Le creature di Dio prive di ragione
Stia – Museo dell’Arte della lana L’uomo e l’artista Luciano

 Castel San Niccolò, Strada in Casentino, Galleria Frate Francesco
I francescani costruttori di Chiese

Santuario della Verna
San Francesco e Sorella morte

 Organizzazione e comunicazione:
Lorena Fiorini
Già Presidente 2025/2026  Rotary Club Casentino
Presidente Associazione Culturale “Scrivi la tua storia”
Premio Letterario “Donne tra Ricordi e Futuro”
Sede operativa: Via Domenico Berti, 8 – 00135 Roma –
Via Roma, 37 – 52017 – Pratovecchio Stia -Stia (AR)
cell. 3473506000 – mail: info@scrivilatuastoria.com – info@lorenafiorini.it

www.scrivilatuastoria.com – www.donnetraricordiefuturo.org – www.lorenafiorini.it –www.ilcasalepratovecchiostia.it

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“Palermo – dichiara Giampiero Cannella Sottosegretario al Ministero della Cultura, Vicesindaco e Assessore alla Cultura del Comune di Palermo – si è sviluppata in rapporto con il mare. Se oggi la nostra città è una delle mete più attrattive del Mediterraneo è anche perché il mare è paesaggio, ricchezza, memoria collettiva, identità prima di tutto. Le opere di Mazzoleni parlano del rapporto antico, primordiale tra l’uomo e l’acqua, costitutivo fin dalla sua fondazione della città Pan-ormos, tutto porto. Queste opere sono un richiamo: questa bellezza e questa memoria esisteranno fino a quando si sarà capaci di riconoscerla e averne estrema cura”

Attraverso un linguaggio artistico contemporaneo che si avvale di una tecnica peculiare basata sull’uso di resina e acrilico, Mazzoleni trasforma la superficie pittorica in una finestra nitida e vibrante sulla nostra memoria collettiva. Il mare non è qui solo un soggetto paesaggistico, ma diventa uno specchio delle emozioni, un simbolo di libertà e un invito costante a lasciarsi trasportare dalla forza universale dell’amore, presupposto fondamentale per ogni forma di cura e rispetto ambientale.

Il lavoro di Mazzoleni si inserisce in un dialogo colto con la storia dell’arte recente, trovando punti di contatto significativi con l’estetica Pop, in particolare con la produzione di Wayne Thiebaud dedicata ai paesaggi costieri. Come il maestro americano era solito isolare oggetti e vedute attraverso un uso magistrale del colore e una ripetizione geometrica che rendeva iconici anche i dettagli più semplici, così Mazzoleni organizza lo spazio visivo attraverso la scansione ritmica di oggetti come cabine, ombrelloni e sdraio, fino alle figure come le vibranti nuotatrici protagoniste di Synchro Water Ballet.

In opere come Le spiagge o l’iconico Aquarama si ritrova quella capacità di sospendere il tempo, trasformando una normale giornata estiva in un’architettura di colori puri — azzurri, grigi e verdi — che stimolano un’interazione immediata verso il paesaggio circostante.

Parallelamente, la nitidezza quasi iperreale delle composizioni di Mazzoleni richiama il rigore del fotorealismo, con un riferimento ideale alle celebri marine di Gerhard Richter. Tuttavia, se Richter spesso indagava il limite tra fotografia e pittura attraverso l’uso del “blur” (lo sfocato) per suggerire una distanza malinconica, Mazzoleni percorre la strada opposta.

Grazie all’uso della resina, l’artista cristallizza la scena in una purezza assoluta, rendendo il ricordo non un’immagine sbiadita, ma una realtà presente e tangibile. Questa “fotografia nitida” della quotidianità permette di azzerare le distanze emotive, rendendo il mare un luogo di vicinanza universale in cui lo spettatore può riconoscersi immediatamente.

La mostra celebra una visione del mare che unisce chi lo naviga e chi lo vive dalla riva, ricordandoci che l’ambiente naturale è anche uno spazio sociale in cui nessuno deve essere lasciato indietro. “Quello di Mazzoleni – spiega la curatrice Stefania Morici – è un viaggio che unisce mare e memoria, corpo e paesaggio per diffondere messaggi positivi e ricordare il piacere dei momenti quotidiani oltre che i valori più profondi che permettono un vivere sociale migliore. L’artista vuole celebrare, attraverso le sue opere, l’amore per il mare, un ambiente naturale e sociale unico, esaltando la connessione tra gli uomini e la natura e facendoci riflettere sulla nostra innata biofilia che, però, ha bisogno di essere stimolata e allenata per imparare a prenderci cura dell’ambiente che ci circonda. I suoi lavori, quindi, sono un felice equilibrio tra forma, bellezza e significato”.

“La mostra di Daniele Mazzoleni – continua Giorgio Filippone, Presidente della Settimana delle Culture – rinnova la collaborazione ultra-decennale tra la Settimana delle Culture e Stefania Morici, partner in numerosi e prestigiosi eventi a Palermo. A questa sinergia si unisce oggi il recente legame con Rosa Vetrano e Ninni Fiore, ideatori dello straordinario Spazio Sintesi. Qui, la pittura di Mazzoleni — in bilico tra pop e fotorealismo — ci avvicina al mare e ci invita a rispettarlo. Un monito potente per i palermitani, abitanti di una città affacciata sul Tirreno che per decenni ha trascurato un ecosistema fragile e oggi gravemente a rischio.”

Le opere in esposizione, tutte pezzi unici come Synchro Water Ballet o Aquarama in Rada, spingono verso un ascolto interiore ed esteriore. L’artista sottolinea come ogni nostra azione quotidiana ha un impatto diretto sulla natura. Opere come quella dedicata alla Pescheria di Palermo o ai Fenicotteri Rosa diventano dunque testimonianze di un equilibrio fragile tra bellezza e sopravvivenza.

L’approccio artistico di Mazzoleni vuole restituire valore al corpo e alle emozioni autentiche in un’epoca di distrazione digitale. Commenta lo stesso artista sulla genesi del progetto: “La mostra nasce con l’idea di sottolineare l’importanza fondamentale di vivere il mare e di rispettare un ecosistema oggi altamente a rischio. Il nostro ecosistema è diventato estremamente fragile e attraverso queste opere ho cercato di trasmettere quella leggerezza e quell’amore profondo che solo gli spazi marini riescono a infondere, poiché quando si tradisce la natura, la vita finisce inevitabilmente per presentarci il conto. [a]mare significa dunque imparare l’arte della cura come atto di resistenza e di speranza per il futuro”.

L’esposizione, curata da Stefania Morici, è patrocinata dal Comune di Palermo e sostenuta dalla Settimana delle Culture di Palermo, rappresenta un momento cruciale nel percorso dell’artista, che sceglie la Sicilia e la sua luce per un viaggio all’insegna dei colori del Mediterraneo, lo spirito pop e la riflessione sociale.

L’inaugurazione prevista giorno 25 maggio alle ore 18.30 verrà arricchita dal concerto del Giuseppe Milici Quartet: Giuseppe Milici (Armonica), Antonio Zarcone (Piano), Marco Gaudio (Basso), Simone Ruolo (Batteria).

Il luogo

Spazio Sintesi, situato in una delle vie più conosciute di Palermo, via Principe di Belmonte, è un eccellente esempio di archeologia industriale, un luogo intriso di storia meticolosamente rinnovato nel suo involucro da Rosa Vetrano e Ninni Fiore, architetto e geologo, nonché proprietari dello spazio e cultori dell’arte contemporanea, che lo hanno trasformato in un luogo di aggregazione che ospita mostre, laboratori, workshop, convegni di grande spessore e contenuti.

Mostra a cura di Stefania Morici
Spazio Sintesi, Palermo
25 maggio – 26 giugno 2026
Opening: 25 maggio ore 18.30

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Photo Courtesy of ITS Arcademy for Exposure

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Days Of Ash era stato una risposta a quello che sta accadendo nel mondo, una raccolta di canzoni urgenti, che non potevano attendere. Uscite nel giorno delle ceneri, per ricordarci che sono giorni di cenere, di vite e di diritti bruciati. Ma anche che dalle ceneri si può, si deve rinascere, magari cercando la soluzione “una persona alla volta”, come racconta One Life At A Time. Gli Stati Uniti, con Minneapolis, Israele e la Palestina, l’Iran, l’Ucraina. C’era tutto questo nel precedente EP. Easter Lily è una raccolta di canzoni molto più riflessive, che emerge da un luogo più personale e privato, in cui alcuni potrebbero rifugiarsi in tempi come questi, esplorando temi quali l’amicizia, la perdita, la speranza e, in definitiva, il rinnovamento.

Questi U2 sono semplici eppure complessi, sono classici eppure guardano verso il futuro, perché forse è questo il suono che avrà il nuovo album. O forse no. Sono, a quanto pare, gli U2 che vogliono i loro fan, che mai come in questi ultimi mesi hanno esclamato “gli U2 sono tornati, questi sono i veri U2”. Sono gli U2 che fanno gli U2, che sono gli U2, che non hanno paura di esserlo. Per questo, e per tanti altri motivi, sembra di essere nei dischi del passato. C’è qualcosa di The Unforgettable Fire, qualche piccolo tocco di The Joshua Tree, ma anche All That You Can’t Leave Behind, l’album non certo perfetto ma nel quale gli U2 avevano deciso di non vergognarsi di essere gli U2, di suonare classici, di usare, per Beautiful Day una chitarra che veniva dagli anni Ottanta.

Song For Hal

La chitarra di Edge apre l’EP e la prima canzone Song For Hal. E sembrano delle campane. Ma stavolta c’è anche la voce solista di The Edge, che una sua limpidezza e una sua dolcezza, quella voce che chi ha amato Van Diemen’s Land conosce bene. Ma qui tocca vette altissime, porta la canzone verso un sentimento di consolazione, positività. È un suono solare, lenitivo, è qualcosa che cura le ferite, cura l’anima. Song for Hal è un pianto sul lockdown durante il COVID-19, scritto per l’amico della band, il produttore musicale Hal Willner, che avrebbe compiuto 70 anni il Lunedì di Pasqua e che è scomparso quasi sei anni fa, proprio durante questi giorni.

In A Life

Quelli che ascoltiamo, sin dal primo brano, sono suoni allo stesso tempo vecchi e nuovi. Così come lo sono i suoni che aprono in A Life. Suoni che sembrano arrivare dal passato, dalla loro storia. Suoni che ci mancavano e che, in realtà, non se ne sono mai andati. C’è il tintinnio della chitarra di The Edge. Sulla quale adesso si appoggia la voce di Bono, profonda, sempre un po’ rotta dall’emozione, piena di colori. È una canzone che parte quieta e si apre, sale fino a diventare un inno. Un inno non urlato ma meditato. Ci ricorda Kite, la canzone tratta da All That You Can’t Leave Behind diventata un classico. In a Life è una canzone che celebra l’amicizia

Scars

Chitarre lancinanti, che sembrano quelle di Wire, da Unforgettable Fire, aprono Scars. Scars è sostenuta dal basso, quel basso proverbiale di Adam Clayton, custode della tradizione new wave che dai Joy Division ha portato ai New Order, ai primi U2 e a quegli U2 che in California (da Songs Of Innocence) suonavano come i New Order. Le chitarre di Edge tagliano l’aria, rintoccano come campane. La voce di Bono va dai toni bassi a quelli più alti, in una canzone che sembra procedere come un flusso di coscienza. Il finale in falsetto sulla chitarra acustica fa il resto. È una canzone trascinante, empatica, carica. Speriamo di sentirla nel prossimo tour: funzionerebbe alla grande dal vivo. Scars è una canzone di incoraggiamento e accettazione, che parla di cicatrici e tutto il resto. “Don’t cover your scars… they’re your scars”. Non nascondere le tue cicatrici… sono le tue cicatrici”. Vuol dire che parlano di te, ti definiscono, dicono al mondo chi sei. Devi esserne orgoglioso. Come diceva Zerocalcare alla fine della sua serie Strappare lungo i bordi.

Resurrection Song

All’inizio ascoltiamo gli arpeggi e le tessiture sonore di The Unforgettable Fire, il tintinnio tipico della chitarra di Edge – “ring those bells Edge”, come cantava Bono su I Will Follow nell’Elevation Tour – mentre basso e batteria crescono in un ritmo quasi tribale. La canzone della resurrezione recita il titolo, una canzone perfetta per la Pasqua, il tema del disco. È ancora una volta un canto liberatorio, catartico. Resurrection Song parla di un pellegrinaggio, un viaggio verso l’ignoto con un’amante o un amico.

Easter Parade

L’inizio ha trame elettroniche sulle quali si inserisce la chitarra, la sintesi tra gli U2 classici e quelli più sperimentali, la canzone si muove quieta tra suoni eterei, e con un giro di basso che ancora comanda. Fino a un ritornello che si apre tra cori beatlesiani o, se preferite, alla Beautiful Day, o qualcosa che ricorda The Three Sunrises, un outtake di The Unforgettable Fire.  Easter Parade è una canzone devozionale, una celebrazione della nuova vita, della rinascita e della resurrezione. E quel Kyrie Eleison finale riporta agli inni spirituali di un tempo, ai salmi di October e War.

COEXIST

Gli U2 hanno lavorato anche con Brian Eno, l’artefice dei loro dischi storici, nell’ultimo periodo. Non si sa ancora se quel materiale sarà nel nuovo album o in un album successivo. Un esempio del lavoro con Brian Eno è questa COEXIST (I Will Bless The Lord), una canzone atmosferica, che vive su un tappeto di tastiere con la voce filtrata dal vocoder. È una preghiera sommessa e sentita, il brano più intimo e sperimentale del disco. COEXIST è una ninna nanna per i genitori dei bambini coinvolti nella guerra. Trea queste canzoni è quella che ci mette più tempo ad arrivare. Ma gli U2 sono anche questi.

E il nuovo album?

Come abbiamo scritto, tutto lascia suppore che arriverà il 25 settembre, a 25 anni esatti da quel 25 settembre del 1976 in cui si formò la band. “Siamo in studio, ancora impegnati a realizzare un album rumoroso, caotico e ‘irragionevolmente colorato’ da suonare dal vivo… che è il vero habitat degli U2. Continuiamo a pensare al rock’n’roll più vivace come ad un atto di resistenza contro tutta questa orribile realtà che vediamo sui nostri piccoli schermi. Questi sono senza dubbio anni duri’. per molti di noi che guardano al caos che regna là fuori nel mondo. C’è una grande curiosità, emozione, ma anche timore per questo nuovo disco. Come a ogni loro nuova uscita, del resto. Stavolta, molto di più, perché dall’ultimo disco in studio saranno passati nove anni. Ci viene da pensare che, se queste degli ultimi due EP sono le canzoni che non sono entrate nel disco, chissà cosa potrà esserci nel nuovo album. Ma anche che, magari, per il loro ritorno, abbiano puntato su canzoni più “facili”, d’impatto, come hanno fatto nel recente passato. Quasi quasi ci sarebbe piaciuto che questo Easter Lily fosse già il nuovo album, per quelle tre-quattro canzoni all’inizio che hanno tutto, carica, emotività, epicità, parole. Non resta che aspettare. E leggere le loro parole. “In un secondo momento cercheremo di fare un gran trambusto e clamore per ricordare al resto del mondo che esistiamo, ma nel frattempo… questa è una cosa tra voi e noi”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Un’esperienza unica, anche per l’alloggio

La scelta dell’alloggio è fondamentale quando si è in vacanza: è parte stessa di quella sensazione particolare di stacco e di rilassamento.

Tra le diverse proposte disponibili, un motel di lusso Milano si rivela una soluzione tra le più interessanti. Permette di accedere a un’ospitalità diversa da quella standard, concepita nel segno del design.

Sarà possibile, ad esempio, disporre di un comodo parcheggio dove lasciare l’auto per poi spostarsi con i mezzi pubblici – che funzionano ottimamente a Milano – e di godere di servizi come quello in camera, una vasca idromassaggio nonché della massima riservatezza.

Tutti elementi che, quando si è in coppia, permettono davvero di stare bene e tornare a casa rigenerati, come sempre dovrebbe essere dopo una vacanza, breve o lunga che sia.

5 mostre da non perdere a Milano nella primavera-estate 2026

L’arte ha il potere di unire, emozionare, coinvolgere. Quale “scusa” migliore, dunque, per programmare un weekend romantico in una metropoli come Milano? Ecco alcune mostre da non lasciarsi scappare.

Clara Maffei. La libertà e la forza gentile di una donna del Risorgimento

Clara Maffei è stata una figura di spicco del Risorgimento.

Fino al 24 maggio 2026 il Comitato omonimo ha organizzato, con le più illustri istituzioni del Capoluogo, una serie di eventi presso le seguenti location: Casa Manzoni, Museo del Risorgimento, Cimitero Monumentale e Biblioteca Civica Angelo Mai di Bergamo.

Un omaggio che fa luce su una donna ardita e gentile, ma che non sempre ha riscontrato il risalto che merita.

Robert Mapplethorpe. Le forme del desiderio

Una delle mostre più audaci di Palazzo Reale, a fronte di una selezione degli scatti più iconici del celebre fotografo statunitense.

In programma fino al 17 maggio 2026, per la cura di Denis Curti, rappresenta un viaggio nell’estetica e nella sensualità. Un’esposizione perfetta da vivere in due.

I macchiaioli

Forse la mostra più attesa nell’entourage milanese, dedicata a un gruppo di pittori che furono capaci di rivoluzionare l’arte in Italia.

La retrospettiva rende loro omaggio, dando modo di riflettere sul valore di quelle “macchie” così ardite e autentiche, che furono la fotografia perfetta di un tempo – la seconda metà dell’Ottocento – in cui l’Italia non era ancora tale, ma lo stava diventando.

La Toscana era però lo scenario fertile ideale per dare voce a intelletti vivaci come quello di Giovanni Fattori e Telemaco Signorini, per citare due degli artisti esposti.

Giovanni Gastel. Rewind

Una mostra in programma fino al 26 luglio 2026, nella cornice di Palazzo Citterio, che rende omaggio a Giovanni Gastel: tra i fotografi più importanti della contemporaneità.

Non solo scatti ricchi di vita, ma anche appunti e testi. Un inno alla creatività e alla libertà, che fa volare in alto l’immaginazione.

Giorgio Armani Privé 2005-2025

Concludiamo con quella che è una vera e propria celebrazione del noto stilista scomparso recentemente, allestita presso Armani/Silos. Il racconto di un artista della moda, attraverso i suoi abiti e le sue idee: la cosa più tangibile e preziosa che (forse) ci ha lasciato. E che ancora riesce a parlare alla mente e al cuore.

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SCHEDA INFORMATIVA
Titolo mostra: Turbanti
Mostra fotografica a cura di Cosmo Muccino Amatulli
Fotografie di Roberto Autuori
La mostra è organizzata e sostenuta da Accademia del Lusso e Associazione Modelli si Nasce – Onlus)
Sede: Casa Museo Boncompagni Ludovisi, via Boncompagni, 18, 00196 Roma
Tel. +39 06 42824074 | dms-rm.museoboncompagni@cultura.gov.it
Sito web: https://direzionemuseiroma.cultura.gov.it/museo-boncompagni-ludovisi/
FB: https://www.facebook.com/CasaMuseoBoncompagniLudovisi
IG: https://www.instagram.com/casamuseoboncompagniludovisi/
Ingresso:
Intero Euro 4,00; ridotto Euro 2,00; gratuità di legge.
La Mostra è inclusa nel biglietto per la Casa Museo. Il biglietto per la Casa Museo è acquistabile presso
il totem digitale (abilitato POS) o su https://portale.museiitaliani.it/b2c/#it/buyTicketless/255963d7-e-
47e-44ed-a990-f18d5a9d1911
Orari: dal martedì alla domenica ore 9.00 – 19.30; ultimo ingresso ore 18.45. Chiuso il lunedì
Ufficio Promozione e Comunicazione e URP
Pantheon e Castel Sant’Angelo – Direzione Musei nazionali della città di Roma
dms-rm.comunicazione@cultura.gov.it
Ufficio stampa Accademia del Lusso – Roma
Francesco Lener – f.lener@unilink.it – 349 280647
Cristina Mauri – cristina.mauri@erranistudio.com – 392 1298164
Mara Terenzi – info@terenzis.com – 333 6370213

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Viareggio, 29 novembre 2025 — Un evento unico, pensato per celebrare l’incontro tra eleganza, performance e visione. Nella prestigiosa cornice della Luxury Wellness Versilia, la palestra più iconica della Versilia e casa del suo fondatore Massimo Alparone, La Calabrone & Delfino svelerà in anteprima la nuova collezione con un défilé wellness completamente inedito.

Un appuntamento riservato a partner, ospiti selezionati e amici del brand, che trasformerà il cuore di Viareggio in un palcoscenico di stile e energia. A fare da protagonista sarà proprio Massimo Alparone, tra i professionisti più titolati nel panorama del luxury style: personal coach di manager e VIP, presenza ricorrente in TV e vincitore del titolo Mr. Universe Fitness.

La serata promette un’esperienza sofisticata e immersiva, dove moda e benessere dialogano in un’atmosfera raffinata, contemporanea e ad alto contenuto emozionale.

Sabato 29 novembre 2025, ore 16
Luxury Wellness Versilia – Viareggio

L'articolo Calabrone & Delfino presenta in anteprima la nuova collezione alla Luxury Wellness Versilia proviene da Daily Mood.

Le sezioni della mostra

1. Le origini del “look” (1770-1793)
   La prima sezione introduce la giovane Maria Antonietta e il contesto di corte, con abiti, gioielli, porcellane e mobili provenienti da Versailles. Il suo gusto personale – fatto di tessuti ricchi, volumi spettacolari e accessori teatrali – la impone fin da subito come una pioniera del gusto e del ruolo pubblico dell’immagine.
2. Il culto dello stile (XIX secolo)
   La seconda parte mostra come l’immagine della regina sia stata riscoperta e reinventata nel XIX secolo, tra revival rococò e collezionismo. Il mito di Maria Antonietta diventa ispirazione per la moda e la cultura visiva vittoriana.
3. Incanto e illusione
   Questa sezione indaga la metamorfosi iconografica della sovrana: da figura storica a simbolo estetico. L’attenzione si concentra sul modo in cui i suoi ambienti e i suoi ornamenti hanno alimentato una narrativa che trascende la storia politica, anticipando la cultura del consumo dell’immagine.
4. Re-styling contemporaneo
   L’ultima parte proietta l’eredità della regina nella moda e nel cinema contemporanei: dalle passerelle di Dior e Chanel ai costumi del film di Sofia Coppola, fino alle fotografie che reinterpretano la sua figura come “regina di stile” eterna.

La mostra al V&A ha il merito di spostare l’attenzione dalla dimensione storica e biografica a una lettura estetica e culturale della figura di Maria Antonietta. Non più solo simbolo di decadenza, ma pioniera del look come linguaggio e della celebrità visiva. Tuttavia, la spettacolarità della sezione finale rischia di prevalere sulla profondità storica delle prime sale, trasformando la regina in un’icona puramente estetica. Resta, però, un’occasione preziosa per riflettere su come la moda possa raccontare il potere, l’identità e la rappresentazione femminile. È in questo equilibrio, tra fascino e analisi, immaginario e storia, che la mostra trova la sua vera forza, restituendo Maria Antonietta come una figura viva, ancora capace di parlare al gusto e alla sensibilità contemporanea.

Ph. Courtesy of © Victoria and Albert Museum, Londra

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Maria Antonietta super style, il fascino della Regina più glamour della storia in mostra a Londra proviene da Daily Mood.

La maison è da tempo legata a narrazioni potenti, guidate dalla natura, dalle tensioni e dalla trasgressione, e svolge un ruolo chiave nel porre interrogativi centrali per l’esposizione. La curatrice Karen Van Godtsenhoven ha selezionato tre abiti d’archivio di Lee Alexander McQueen, ciascuno in forte risonanza con i temi principali della mostra del Barbican.

Autunno Inverno 1995, abito “Highland Rape”
Autunno Inverno 2000, abito “Eshu”
Primavera Estate 2003, abito “Irere”

L'articolo McQueen al Barbican – “Dirty Looks: Desire and Decay in Fashion.” proviene da Daily Mood.

“Da quando ci siamo conosciuti, i miei abiti sono diventati meno astratti e più in sintonia con la realtà; il corpo si muove con più agio. I suoi, invece, sono diventati più audaci. Credo che, grazie a me, Azzedine si sia sentito libero di avvicinarsi a tagli più ergonomici, più sinuosi.”, così parlava Mugler di Alaïa. Ed ancora: “Ho avuto un ruolo nel supportarlo all’inizio, anche amministrativamente, per aiutarlo a fondare ufficialmente la sua maison.” (Mugler, sul sostegno dato ad Alaïa nei primi anni dell’attività). Alaïa e Mugler si conoscono a Parigi negli Anni Settanta, in un contesto in cui la couture sembrava cedere il passo al ready-to-wear, ma entrambi resistono al tempo e alle mode effimere creando universi assolutamente personali. Da un lato Alaïa, il “sarto scultore”, devoto alla purezza della forma, alla modellatura sartoriale ottenuta quasi senza tagli visibili, alla sensualità del corpo rivelato e protetto. Dall’altro Mugler, il “regista della moda”, visionario e teatrale, capace di trasformare le passerelle in veri e propri palcoscenici in technicolor, dove il corpo femminile diventa un’eroina postmoderna tra fetish, glamour e fantascienza. Questa mostra non si limita ad accostare due nomi celebri. È un atto curatoriale preciso: mettere in dialogo due approcci opposti, ma complementari alla femminilità, alla costruzione del capo, alla relazione tra abito e identità. Curata da Olivier Saillard, la retrospettiva si sviluppa nei saloni della Fondazione con uno storytelling raffinato. I capi esposti – oltre sessanta, provenienti dagli archivi di entrambi gli stilisti – sono stati scelti per rispecchiare i punti di contatto e le divergenze più radicali tra i due. Non ci sono solo gli iconici bustier in maglia stretch di Alaïa o le tute in lattice e metallo di Mugler: compaiono creazioni sublimi che mostrano le sfumature, le fasi intermedie, gli esperimenti comuni. Mugler disse una volta che, dopo aver incontrato Alaïa, le sue creazioni divennero meno astratte e più concrete. Alaïa, a sua volta, osò linee più audaci, più sensuali. L’influenza era reciproca e magnetica, come afferma Saillard.

Entrando nella Fondazione ci si imbatte in un allestimento minimale, rispettoso della materia: manichini bianchi, luce diffusa, e un senso di intimità che permette di ammirare da vicino cuciture, pieghe, pesi, volumi. Non c’è sovrastruttura scenica: sono solo gli abiti a parlare. Ed è qui che l’occhio dell’addetto ai lavori coglie la portata dell’opera. Percorrere fisicamente lo spazio della mostra è stato essenziale per cogliere la stratificazione concettuale del progetto espositivo: un confronto tra estetiche che, pur divergendo nei codici formali, si rivelano sorprendentemente affini nella volontà di sublimare la materia in visione. Per chi vive la moda e ne ha fatto come noi una vocazione, una passione e un mestiere questa mostra è un manuale tridimensionale di tecnica sartoriale avanzata. Alaïa modellava direttamente sul corpo, come uno scultore con l’argilla: i suoi abiti non nascono su carta, ma in atelier, sulla pelle. I suoi jersey sono ingegneria tessile: si adattano, avvolgono, modellano senza costringere. I tagli sono invisibili, le cuciture minime, la perfezione sta nel togliere più che nell’aggiungere. Mugler, al contrario, esaspera la costruzione fino al parossismo. Le sue giacche sono armature sensuali, con spalle volutamente esagerate, pinces chirurgiche, tessuti sintetici, inserti in plastica o metallo. L’approccio è quasi ingegneristico, ma sempre con un occhio allo spettacolo. Un abito Mugler non si limita a vestire: trasforma chi lo indossa in un personaggio. L’accostamento dei due svela in maniera plastica due strade della costruzione sartoriale contemporanea: una organica, l’altra meccanica, ma entrambe straordinariamente umane, perché profondamente connesse all’idea di corpo, potere, espressione. Se Alaïa è stato il paladino di una sensualità materica e intellettuale, Mugler è stato il profeta del glamour estremo. Eppure, la mostra sottolinea quanto entrambi abbiano anticipato temi oggi centrali: body positivity, gender fluidity, ibridazione tra arte e moda, artigianato come resistenza culturale. Nelle nuove generazioni di designer – da Iris van Herpen a Casey Cadwallader, da Ludovic de Saint Sernin a Nensi Dojaka – si avverte l’eredità doppia di questi maestri: il rigore artigianale di Alaïa e la potenza visionaria di Mugler. La Fondazione Alaïa, con questa mostra, non solo custodisce un archivio, ma rilancia una visione: quella di una moda che non si limita a vestire, ma che pensa, scolpisce, plasma, racconta.

Esclusiva fotografica Daily Mood

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Un’estate a tutto volume con Chupa Chups, che entra nel mondo della musica per accompagnare la Gen Z durante alcuni tra gli eventi più iconici dell’estate. A giugno il brand è presente agli eventi live della celebre cantante Elodie e a settembre sarà official sponsor dell’edizione 2025 di Fiera Milano Live.

Chupa Chups accende il sound della musica grazie ad una serie di attivazioni che risuoneranno per tutta l’estate. In particolare, sarà presente con un’installazione dedicata durante il concerto di Elodie, icona della nuova musica italiana e volto amatissimo dal pubblico giovane, previsto per il prossimo 12 giugno a Napoli, all’iconico Stadio Diego Armando Maradona – ed è stato presente anche l’8 giugno al concerto tenutosi a Milano presso l’avvolgente cornice dello stadio Giuseppe Meazza –San Siro. Due appuntamenti imperdibili in cui Chupa Chups incontra dal vivo il proprio pubblico, creando momenti di engagement in un’atmosfera all’insegna del ritmo.

Gli appuntamenti però non finiscono qui. A settembre il brand rafforzerà ulteriormente la propria presenza nel mondo musicale, grazie al ruolo di Official Partner della Fiera Milano Live: l’evento musicale che prevede un calendario di concerti con gli artisti più seguiti dal pubblico Gen Z. Un presidio importante, che testimonia la volontà di Chupa Chups di consolidarsi come punto di riferimento nel panorama musicale italiano, intercettando sempre nuove passioni, linguaggi e stili delle generazioni più giovani.

La musica, infatti, rappresenta oggi un catalizzatore fondamentale per la Gen Z. Secondo una recente indagine, il 74% dei ragazzi tra i 16 e i 24 anni ha partecipato ad almeno un concerto dal vivo nell’ultimo anno, nonostante l’aumento dei costi dei biglietti*. Un dato che conferma quanto la dimensione musicale, soprattutto quella live, sia un territorio autentico, emozionale ed identitario per questa generazione, che sceglie la musica come linguaggio per raccontarsi e connettersi con gli altri.

NOVITÀ – Super Chupa Chups Music Limited Edition

Come aggiunta, Chupa Chups presenta una nuova linea di prodotto in edizione limitata: nasce il Super Chupa Chups Music Limited Edition, una collezione che celebra tre stili musicali –pop, rock e trap– con un design inedito ispirato all’estetica delle rispettive sonorità. Un tributo al potere della musica di unire e far sognare, tradotto in un prodotto che combina creatività, identità visiva e concept fortemente innovativo. Inoltre, il legame tra Chupa Chups e la musica si estende poi anche al mondo digitale, con due contest attivi sul sito ufficiale: https://www.chupachups.it/. Entrambi i concorsi, che condividono il concept Vinci un botto di musica, sono coerenti nel messaggio e nell’identità visiva.

Con questa attivazione, Chupa Chups sceglie di suonare la propria estate sulla frequenza della Gen Z. Una nuova dichiarazione d’amore alla musica, scegliendo di esserci, suonare e far divertire. Ovunque.

Le media partnership, i contest, l’amplificazione social e tutta l’immagine del brand sono stati curati da Selection Communication & Design.

L'articolo Il sound dell’estate è firmato Chupa Chups proviene da Daily Mood.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

L'articolo Il trionfo della modernità nella moda in mostra a Palazzo Reale proviene da Daily Mood.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Dolce&Gabbana accende Roma: la mostra Dal Cuore alle Mani e gli eventi nella Capitale proviene da Daily Mood.

Luana Toniolo

Di Elena Parmegiani per DailyMood.it

L'articolo Al via Floralcult, l’evento di Ilaria Venturini Fendi dedicato ai fiori e alla natura proviene da Daily Mood.

Ufo sarà molte cose per riviste agenzie e creativi di ogni sorta e genere oltre ad uno spazio espositivo ma anche eventi, una galleria d’arte, un bar una bakery.

L'articolo l mood della gentrificazione come mutamento artistico nella Milano verso le olimpiadi proviene da Daily Mood.

Rinnovando la propria vocazione alla ricerca sulla moda e sui nuovi immaginari, nell’impronta della nuova visione data da Tiziana Fausti, 10·Corso·Como ha selezionato ALL-IN, Duran Lantink, Hodakova, Vaquera, zomer per il suo ecosistema come le voci più innovative di una narrazione che oltrepassando il confine dell’abito, evoca tensioni contemporanee.
Le collezioni dei designer saranno inoltre in vendita in esclusiva all’interno del concept store milanese.

“All’interno dell’ecosistema di 10·Corso·Como, in cui progettazione culturale, lifestyle e moda vivono di scambi e iterazioni, The Waves mette a fuoco cinque nuovi protagonisti della moda in un racconto speciale, polifonico, dove accanto alle rispettive identità risalta un senso del tempo nuovo, che si muove tra passato e futuro”, dichiara Tiziana Fausti.

Prendendo le mosse dal titolo di uno degli scritti più affascinanti e misteriosi di Virginia Woolf, The Waves evoca il moto perpetuo per eccellenza – quello delle onde – come metafora di un tempo puro, un presente circolare, in cui, come scrive il curatore Alessio de’Navasques; “Le collezioni dei designer selezionati sembrano riprendere il passato per trasportarlo nel nuovo, in quel ritmo infinito di citazioni e rimandi che la moda riesce a plasmare attraverso quello che il filosofo tedesco Walter Benjamin ha definito come il “balzo di tigre”: la capacità continua di reinvenzione del processo creativo.”

con alcuni pezzi creati in esclusiva – rievocando la struttura a monologhi del romanzo: linguaggi e sensibilità diverse, accomunate da un’idea nuova di sartorialità, con forme ricche, sperimentali, espressioniste, ispirate dal confronto con temi come sostenibilità, riuso, rapporto con la natura, identità di genere, materialità. Pratiche come riuso e upcycling, ormai d’uso nel lessico contemporaneo, si fanno citazione, in un’estetica della post-produzione che ritrova le forme dell’alto artigianato, riallacciando passato e futuro, in un presente denso e vibrante.

ALL-IN, brand fondato da Benjamin Barron e Bror August Vestbø, tra i finalisti dell’LVMH Prize, si configura come vero e proprio laboratorio sul contemporaneo: nato come un magazine indipendente e poi diventato una vera e propria collezione, ha fatto della decostruzione e rielaborazione di forme e oggetti già esistenti la sua cifra caratteristica per creare nuovi archetipi ibridi.

Una vena giocosa e colorata guida Danial Aitouganov e Imruh Asha, fondatori di zomer, nominato per l’LVMH Prize, in un processo istintivo che mette assieme materiali eterogenei, per creare architetture di tessuto su cui far fiorire una natura drammatica e artificiale, come un giardino immaginario.

Cinture, zip, parti di pellicce, ma anche oggetti come stivali o canovacci, definiscono una dimensione nuova della ricerca, come tratto distintivo della designer svedese Ellen Hodakova Larsson, fondatrice del brand Hodakova che proprio da marzo 2025 è stato incluso nella Paris Fashion Week: una riflessione sulle dinamiche della produzione e del consumo, attraverso l’utilizzo di materiali poveri.

Il riuso è centrale anche nella ricerca di Duran Lantink in una nuova definizione del corpo e dell’identità di genere: dai volumi avvolgenti e protettivi al progetto Sistaaz of the Castle, di cui sono esposti due pezzi, sviluppato dal designer a Cape Town per supportare l’organizzazione no-profit SistaazHood, che tutela i diritti di un gruppo di sex worker transgender.

Nuove forme di escapismo caratterizzano il collettivo americano Vaquera, fondato da Patric DiCaprio, a cui si è unito Bryn Taubensee, nato con il proposito di ripensare la moda come mezzo capace di dare spettacolare forma a ogni tipo di identità, demolendo gli standard normativi di bellezza e corpo e rendendola permeabile a ogni tipo di subcultura e avanguardia.

Così lo spazio rarefatto e sospeso della Galleria di 10·Corso·Como ospita ed evoca, nelle voci distinte dei suoi protagonisti, un’istantanea corale e dissonante, una visione in cui “il sistema complesso della moda risulta ancora un campo interessante di conversazione tra le new waves delle sue proposte”, come conclude Alessio de’Navasques nel testo che accompagna il progetto.

The Waves
Featuring ALL-IN, Duran Lantink, Hodakova, Vaquera, zomer
A cura di Alessio de’ Navasques
Galleria 10·Corso·Como
2.3 – 30.3.2025
Tutti i giorni: 10.30 – 19.30
Ingresso libero

L'articolo The Waves Featuring ALL-IN, Duran Lantink, Hodakova, Vaquera, zomer Galleria 10·Corso·Como 2 – 30 marzo 2025 proviene da Daily Mood.

Lo stesso mood che si è visto nelle recenti passerelle di Pitti Uomo e della MFW. Perchè tra il pop e l’arte, disuguaglianze e discriminazioni, tra l’essere donne e non femmine, tra corpo ed anima quello che racconta la mostra di Niki de Saint Phalle è ciò che indossiamo sopra e sotto i vestiti. La nostra £seconda pelle” che ci protegge e ci incoraggia in questo pazzo mondo perchè vivere in fondo, è l unica arte possibile.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

 

L'articolo Femminilità, sensualità ed amore per la vita nella mostra dedicata a Niki de Saint Phalle proviene da Daily Mood.

Lo studio di Ferruccio Ascari, in via Confalonieri 36 a Milano, ospita per l’occasione opere, contro la guerra, di François Berthoud e Roberto Da Pozzo.

STORIA DI UN INCONTRO: Ferruccio Ascari, François Berthoud, Roberto Da Pozzo

C’è una storia dietro l’iniziativa ‘No War’ che può aver senso raccontare: è il legame che unisce i tre protagonisti al di là dei loro diversi percorsi. Agli inizi degli anni ’80, François Berthoud e Ferruccio Ascari condividono lo studio di via Villoresi a Milano, lo frequenta assiduamente anche Roberto Da Pozzo. È un luogo dove si scambiano esperienze, in cui la storia personale di ciascuno s’intreccia con il loro percorso creativo. Negli anni a venire percorreranno strade diverse, seppur contigue, ma quel periodo della loro vita lascerà una traccia profonda. Un legame che riemerge in questo evento che li vede uniti, in un appello contro le guerre in corso in questa fase della nostra Storia di cui siamo impotenti testimoni. Uno scenario spaventoso che deve essere fermato con ogni mezzo, chiamando a raccolta tutti coloro che hanno a cuore il destino del nostro Pianeta e di quelli che lo abitano.

L’INIZIATIVA NO WAR

“Quando mi sono incontrata con loro, insieme a Silvia Negri Firman, che si è offerta di occuparsi della comunicazione di “No War”, mi è venuto spontaneo chiedere cosa li avesse spinti a partecipare a questo progetto, come gli attuali ‘venti di guerra’ colpissero il loro vissuto personale e se ritenessero che l’arte possa in qualche modo mobilitare le coscienze.” Daniela Cristadoro, curatrice della mostra.

“Come artista, ho sentito l’urgenza di unire la mia, per quello che vale, alle molte voci che dicono ‘no’ a questa guerra, di aggiungere il mio ‘no’ al grido che si leva da più parti, ma che nei mezzi di comunicazione di massa non trova eco. Ho concepito NOWAR come un’installazione itinerante che nella reiterazione moltiplichi il suo senso. Consapevole dell’insufficienza di una presa di posizione individuale avverto come irrinunciabile dare il mio contributo ad una presa di coscienza collettiva. Sono convinto che l’opinione pubblica possa avere un importante ruolo di contrasto alla guerra.” Ferruccio Ascari.

“Provo frustrazione, ho la sensazione di non poter fare nulla…”. François Berthoud

Ciononostante François si sente coinvolto in questo progetto. Non a caso vi partecipa con un’opera, PEACE BOMBS, che si riferisce alla guerra in Vietnam: afferma che riproporla oggi sottolinea la stupidità d’intraprendere qualsiasi tipo di conflitto armato sapendo che produrrà soltanto desolazione e morte.

“La guerra è stata ed è la più grande sconfitta del genere umano! Io sono figlio di un partigiano che ha fatto la guerra, nipote di un nonno che di guerre ne ha fatte due. Io e la nostra generazione non l’abbiamo vissuta in prima persona. L’abbiamo vista nei film, nei libri, in televisione. Ad ogni modo l’ho sempre vissuta come una sconfitta dell’essere umano. Mobilitarsi per un’idea, per dei valori, degli ideali è giusto e sacrosanto! Non possiamo subire, dobbiamo manifestare con i nostri mezzi e il nostro linguaggio come la pensiamo.” Roberto Da Pozzo

Silvia Negri Firman afferma che la sofferenza causatale dai tanti conflitti in corso, la consapevolezza della loro gravità, ma anche l’amicizia con i suoi compagni di avventura è ciò che l’ha spinta a partecipare a questa iniziativa. La guerra, come ogni altra forma di violenza, la ferisce profondamente: si chiede come sia possibile arrivare a tanto. Ritiene la mobilitazione delle coscienze un dovere per chi prova sentimenti forti e indignazione nei confronti della violenza e delle ingiustizie. Lo si fa sperando di trovare ascolto, sostiene, e di poter avere una qualche influenza sul corso della storia.

ll 25% dell’eventuale vendita delle opere in mostra verrà devoluto ad EMERGENCY. I visitatori potranno comunque contribuire alla raccolta fondi a favore di Emergency acquistando, con offerta libera, le cartoline riproducenti le opere esposte.

Fino al 15 dicembre, l’esposizione sarà visitabile con prenotazione, presso lo studio Ferruccio Ascari, in via Confalonieri 36. Per appuntamento: 339 1909041 – 348 5279691

L'articolo NO WAR: una mostra contro la guerra proviene da Daily Mood.

Dal 30 novembre al 6 gennaio, Portanuova presenta la seconda edizione di PoP XMAS con un percorso pedonale tra installazioni luminose, mercatini tipici e un albero interattivo in cui tradizione e innovazione si
fondono, creando un’esperienza sensoriale indimenticabile.
Ogni tappa è un’occasione per vivere la magia del Natale in modo del tutto nuovo. Il format incarna l’anima “pop” di Portanuova, una filosofia che valorizza il quartiere con uno stile fresco e contemporaneo, dove community engagement e intrattenimento si incontrano. “PoP” è anche la crasi di People Of Portanuova, la rubrica social che celebra chi vive e lavora nel quartiere contribuendo a renderlo un luogo dinamico e vibrante.

PORTANUOVA
Attraverso l’app di quartiere, Portanuova Milano (link), i visitatori potranno prenotare la propria visita al PoP XMAS Tree, un albero di luci di oltre 13 metri al centro di Piazza Gae Aulenti, e saranno guidati in un viaggio emozionale tra scenografie suggestive e interazioni digitali attraverso 5 stanze pensate per un pubblico eterogeneo.

In Santa’s Home, un salotto caldo e accogliente, si potrà ricevere una foto ricordo in formato digitale e, prenotando uno slot dedicato in app, ci sarà anche Babbo Natale a fare gli onori di casa con una serie di gadget offerti dai tenant di Portanuova – una community sempre più coesa e partecipativa.
Find Your Gift è, invece, pensata per la GenZ e tutti gli amanti dei social media. Inquadrando un QR code sarà possibile utilizzare un filtro magico per scatenare la propria creatività con foto e video su Instagram e Tik Tok. Dalla baita di montagna si passa all’ambientazione esterna, fatta di neve e ghiaccio, dove grazie al simulatore Sleight Adventure sarà possibile provare l’ebbrezza di una discesa in slitta a tutta velocità. Il Natale è sempre un momento carico di emozioni e valori, per qualcuno è sinonimo di famiglia riunita, per altri un momento di relax e tempo per se stessi. Portanuova ha posto la domanda alla sua community digitale, che si è espressa sui social votando il proprio valore preferito, da questi, i più votati sono stati: Amore, Amicizia e Speranza che saranno rappresentati da tre alberi in Sharing XMAS, un’area in cui i visitatori potranno esprimere la propria preferenza per assistere a giochi di luce ed effetti speciali, contribuendo a creare un’atmosfera di condivisione e partecipazione collettiva. La visita si conclude con un dolce omaggio al Cookies Corner prima di proseguire l’esperienza nelle altre attivazioni del quartiere.

Come in ogni Natale che si rispetti, non possono mancare i tradizionali mercatini che animeranno Piazza Gae Aulenti, che quest’anno proporranno prodotti artigianali francesi come bijoux, saponi e fragranze, tovaglie provenzali e altri articoli da regalo. Anche l’offerta food sarà speciale in questo PoP XMAS con l’inserimento di chalet di boulangerie, maccarons, crepes e caramelle, cioccolato e vin brulé oltre a un’area dedicata all’aperitivo a base di ostriche e champagne.

In piazza Alvar Aalto sarà posizionato uno chalet, un’estensione dell’esperienza vissuta all’interno dell’albero, dove si potrà ritirare una pallina natalizia personalizzata con la propria foto, perfetta da appendere o da donare a una persona cara.

In occasione delle festività, anche Via Capelli e il ponte che attraversa Via Melchiorre Gioia saranno allestiti
con luci natalizie, creando un effetto immersivo e tante photo opportunity. Oltre 10.000 micro LED illumineranno Portanuova nelle ore notturne, con un’attenzione particolare al consumo energetico e all’impatto ambientale, privilegiando allestimenti a noleggio che possano prendere di nuovo vita in futuro, riducendo gli spostamenti logistici e lo smaltimento di materiali.

Il progetto POP Christmas è un’esperienza accessibile a tutti e un invito a celebrare le festività in modo originale e coinvolgente. Per maggiori informazioni, e per prenotare la propria visita, è possibile consultare il
sito ufficiale www.portanuova.com o l’app Portanuova Milano.

L'articolo Torna il Portanuova PoP XMAS con un percorso immersivo che accende il cuore di Milano proviene da Daily Mood.

L'articolo Gabrio Gentilini sarà il protagonista nel ruolo di Johnny Castle nella nuova versione di “Dirty Dancing”, in scena al Teatro Carcano di Milano a partire dal 12 dicembre 2024. proviene da Daily Mood.

La mostra in collaborazione con MP Moda International Fashion School dove i  giovani designers si sono  ispirati dalla ricerca dell’artista riminese, esponendo ciascuno il proprio corrispettivo. Tra i designer , anche Flaminia Lamborghini che ha presentato un suo look.Tanti sono stati gli ospiti da Saverio Palatella, stilista internazionale riconosciuto per il suo talento nella maglieria a Roberta Tagliavini di RobertaeBasta esperta d’arte e personaggio Tv e molti altri.

MP Moda International Fashion School ha voluto in questo modo segnare in modo tangibile l’attinenza della moda con l’arte, due mondi che si parlano in continuazione e incidono profondamente, nella formazione dei giovani designers per cultura ed ispirazione e che continueranno ad ispirare nella loro carriera professionale.

Tutto questo vive in chi ha il coraggio di aprire veramente gli occhi davanti a loro. Perché ogni opera di Lombardini ha un proprio sguardo, coincidente con l’altro sguardo, sempre invitato ad entrare.

L’Abito dell’arte è proprio questa reciproca e possibile fusione, che l’esperienza artistica, antica o moderna, pone come proprio segreto visibile alla storia e all’intessersi delle sue epoche. L’abito è anche un “io abito”, un ubi consistam: abitare, abitarsi, abitare sé stessi per imparare a crearsi.

Eppure l’abito è anche ciò che da sempre donne e uomini indossano, troppo spesso purtroppo perdendosi in vacue superficialità. In questa mostra, per i giovani designers invitati, L’Abito dell’arte è il tentativo di trasfondere negli abiti un lavoro su di sé e con sé, cui l’arte di Lombardini sempre allude, perché l’abito può essere il luogo, il primo luogo, in cui realizzare l’altro modo dello specchiarsi: l’esemplarità. Non si tratta quindi di una mera riproduzione di stilemi su tessuti, ma del tentativo di un vero e proprio intessersi della vita e dell’arte nell’esperienza creativa dei giovani designers, che sono il primo immediato accesso all’altro specchio, quello del futuro.

Per questi motivi la PoliArt Contemporary ha accolto con grande interesse la proposta di MP Moda International Fashion School.

Il ventennale sodalizio tra la PoliArt Contemporary e Lombardini ha prodotto numerose esposizioni pubbliche e private, occasioni di approfondimento di una tra le poetiche più interessanti del panorama contemporaneo. Oltre alle mostre tematiche in galleria, sia a Milano che nella succursale roveretana della PoliArt (dal 2013 al 2018), dedicate a diversi cicli creativi dell’artista, la PoliArt Contemporary ha promosso esposizioni pubbliche, come la mostra antologica 99>11 Verso il Colore, al Museo della Città di Rimini nel 2011 e la mostra Lucio Fontana. La sua lunga ombra, quelle tracce non cancellate, del 2019, in cui sono presenti le opere di Lombardini come esempi di una ricerca che fonde pittura e oggetto (entrambe a cura di Leonardo Conti).

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