È questa la direzione di Genny per l’Autunno-Inverno 2026/27, racchiusa già nel titolo della collezione, “Too Chic to Spook”. Un gioco di parole che racconta perfettamente l’attitudine della maison: prendere l’immaginario dark e renderlo glamour, sofisticato, femminile.

Il nero domina la collezione e diventa una materia da scolpire. Abiti aderenti, corpetti, gonne a sirena, volumi drappeggiati e dettagli costruiti sul corpo disegnano una femminilità intensa, mai urlata. La sensualità passa attraverso la silhouette: spalle importanti, vita segnata, scolli profondi e lunghezze che sfiorano il pavimento.

Ma il nero di Genny non è mai semplicemente nero. Cambia consistenza, riflette la luce, si arricchisce di trasparenze, piume, ricami e lavorazioni tridimensionali. È velluto, pizzo, tessuto tecnico, superficie lucida e materia quasi scultorea.

Accanto agli abiti più spettacolari compaiono capi dalla vocazione più quotidiana, ma sempre con una precisa impronta couture: giacche strutturate, top preziosi, pantaloni morbidi e silhouette minimali vengono attraversati da dettagli teatrali che impediscono al look di diventare prevedibile.

E poi ci sono gli accessori, fondamentali per completare questo universo: décolleté dal gusto rétro, pochette compatte, stampe animalier e gioielli che seguono il corpo come una seconda pelle. Anche qui il lusso non ha bisogno di esagerare. Un dettaglio basta.
La palette si apre occasionalmente a tonalità profonde e sofisticate, con incursioni di verde e superfici preziose, ma è il nero a rimanere il vero protagonista. Un nero sensuale, aristocratico, contemporaneo.

“Too Chic to Spook” gioca dunque con l’estetica gotica senza lasciarsene ingabbiare. Genny prende l’idea della donna misteriosa, della femme fatale, della notte e la porta in una dimensione più elegante e sofisticata.

Perché essere dark, questa stagione, non significa necessariamente fare paura.

Significa farsi ricordare.

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Questa specifica tensione geometrica è la stessa che muove lo stilista giapponese Junya Watanabe. Per la sua acclamata sfilata Spring/Summer 2015, il designer (pupillo di Rei Kawakubo) ha attinto direttamente alla teoria dei colori e delle forme di Kandinsky. Watanabe ha portato in passerella copricapi e abiti scultura tridimensionali composti da pannelli di PVC rigido, cerchi intrecciati e triangoli accostati secondo i pesi cromatici del maestro russo. I modelli fluttuavano intorno al corpo come se le geometrie si fossero improvvisamente liberate dalla prigione della tela per abitare lo spazio reale. Mentre le interpretazioni tradizionali della moda si dividono spesso tra il rigore geometrico del Bauhaus e il lirismo espressionista degli esordi, l’occhio colto del custom luxury contemporaneo riesce a rintracciare strade più complesse. È il caso del brand italiano Luluredgrove, fondato dalla designer Giuliana Civello, che nel suo mini abito della collezione autunno/inverno 2027 compie un’operazione interpretativa profonda, quasi da architetto dello spazio sartoriale. Il brand si ispira esplicitamente a una delle fasi più affascinanti e stratificate del maestro: quella di opere come “Yellow Painting”. Questo periodo tardo è celebre per la sua capacità di fondere i tre grandi vocabolari della vita dell’artista: la griglia geometrica rigida del periodo Bauhaus (la scacchiera), la totale libertà cromatica degli anni di Monaco e le nuove forme organiche o biomorfiche scoperte durante l’esilio a Parigi. L’abito di Luluredgrove – realizzato in crepe stretch di seta tripla A stampata ad alta risoluzione a Como, con maniche in georgette di seta – traduce questa complessa evoluzione storica in un pezzo d’alta sartoria. La composizione ruota attorno a un giallo ocra/senape dominante, che per Kandinsky rappresenta il picco dell’energia vitale, bilanciato e placato da tocchi di blu profondo, rosso/ruggine e crema. È la stessa identica combinazione calda-fredda che dà energia visiva sia al quadro che al tessuto. Se Kandinsky costruiva l’opera per piani geometrici giustapposti, quasi come un collage di forme che si incastrano, l’abito ne assimila la logica strutturale attraverso la stampa: bande verticali spezzano la superficie tessile in pannelli alternati (dove si avvicendano motivi floreali pieni, trasparenze e righe), creando un ritmo segmentato e musicale. Ed è proprio qui che emerge la variazione più interessante rispetto al rigore nudo del Bauhaus: la creazione mette in scena un dialogo serrato tra organico e geometrico. Esattamente come in “Yellow Painting”, dove gocce, forme biomorfiche e archi sinuosi si sovrappongono a una scacchiera di fondo, nell’abito i motivi floreali fluttuanti sono incorniciati ed enfatizzati da rigide righe verticali. Questa transizione si riflette persino nell’architettura tridimensionale del capo, che stempera la severità del pattern grafico attraverso la morbidezza delle maniche e il movimento fluttuante della gonna a pieghe. Una dimostrazione di come le forme, pur geometriche, possano farsi fluide, organiche e squisitamente sartoriali. Si ispira a Kandinsky anche il couturier Vittorio Camaiani per l’abito grigio della collezione triangolo del 2009 che fa parte di una serie di pezzi dedicati proprio al celebre maestro russo. La creazione si trasforma avvicinandosi alla silhouette femminile senza perdere la forma geometrica e crea volumi diversi a seconda di come si indossa. Se la moda franco-giapponese ha celebrato il Kandinsky più grafico, il prêt-à-porter italiano ne ha sposato da tempo la componente più intima e materica. Consuelo Castiglioni, durante la sua storica direzione creativa per Marni, ha più volte utilizzato l’astrattismo organico come firma stilistica del brand. Nella collezione Fall/Winter 2016, le sovrapposizioni asimmetriche, i cappotti oversize dai tagli netti e le bluse dalle stampe dissonanti richiamavano le famose “Improvvisazioni” kandinskiane. Marni ha assimilato la lezione più importante del pittore: il rifiuto della simmetria rassicurante a favore di un’armonia nuova, cerebrale, basata su accostamenti cromatici apparentemente azzardati. I feltri pesanti e le sete stampate convivevano nello stesso outfit proprio come i tratti densi di pigmento e le linee a matita sulle tele del maestro. La mostra romana di Palazzo Bonaparte ci ricorda che l’astrattismo non è una fuga dalla realtà, ma un viaggio verso la sua essenza emotiva. Curiosamente la moda fa esattamente lo stesso: usa il tessuto non solo per coprire il corpo, ma per proiettare all’esterno un’identità, uno stato d’animo, una vibrazione interiore. Oggi, mentre osserviamo i settanta capolavori esposti a Roma, comprendiamo perché i grandi designer e realtà couture come Luluredgrove e Vittorio Camaiani continuino a guardare a Kandinsky. Le sue opere non sono passate di moda perché non sono mai state ancorate al tempo oggettivo. Finché la moda cercherà il movimento, il ritmo e la capacità di emozionare attraverso un solo accostamento di colore, la passerella rimarrà, intrinsecamente, la tela preferita di Vassily Kandinsky.

Courtesy Photo of Press Office

Di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Un grande evento di solidarietà e spettacolo aperto a tutti per finanziare lo screening su cinquemila bambini e prevenire l’esordio in emergenza del diabete di tipo 1 e della celiachia

Un appuntamento speciale ideato per unire divertimento, grandi emozioni e solidarietà concreta. Il 12 ottobre 2026 Fondazione Italiana Diabete invita il pubblico e le aziende a partecipare alla sua annuale Charity Dinner all’Excelsior Hotel Gallia di Milano, un’occasione imperdibile per vivere una serata indimenticabile e lasciare un segno tangibile nella vita di tanti bambini. A rendere ancora più straordinario questo momento di festa ci sarà la presenza eccezionale di Raul Cremona, pronto a regalare a tutti i partecipanti risate, magia e grande intrattenimento.

La generosità e la presenza calorosa del pubblico durante questa serata speciale serviranno a sostenere direttamente un traguardo scientifico di fondamentale importanza: lo studio di screening Baby D1ce. Promosso dall’Istituto Superiore di Sanità, finanziato e organizzato dalla Fondazione Italiana Diabete con il supporto scientifico dall’Ospedale San Raffaele, questa iniziativa punta ad avviare uno screening su cinquemila bambini da 1 a 5 anni in Lombardia, Puglia e Sardegna per individuare precocemente il rischio di sviluppare il diabete di tipo uno e la celiachia.

La diagnosi precoce è un’arma di prevenzione delle complicanze straordinaria. Attualmente circa la metà dei piccoli a cui viene diagnosticato il diabete di tipo 1 scopre la malattia a seguito di un esordio in emergenza, vivendo l’esperienza del pronto soccorso, del ricovero ospedaliero e il rischio della terapia intensiva. Conoscere preventivamente la predisposizione di un bambino permette ai medici di monitorarne le condizioni nel tempo, prevenire complicanze gravi e accedere subito a opzioni terapeutiche innovative già disponibili, che possono ritardare l’esordio della malattia anche di diversi anni, abbattendo l’impatto clinico ed emotivo sulle famiglie.

Anche la diagnosi precoce della celiachia diminuisce drasticamente le complicanze molto gravi determinate dalla mancata o ritardata diagnosi: bassa statura, rallentamento della crescita, scarsa fertilità, aborti ricorrenti, tumori.

Per rendere l’iniziativa del tutto accessibile, l’intero percorso di screening sarà gratuito per le famiglie, il costo dell’operazione, pari a oltre 100.000 euro, è interamente preso in carico dalla Fondazione Italiana Diabete.

“La donazione di un solo posto a tavola permette di sottoporre allo screening 15 bambini”

Ogni biglietto, ogni presenza e ogni donazione raccolti durante la serata del 12 ottobre 2026 si trasformeranno così in risorse indispensabili per finanziare questo studio e regalare ai bambini un futuro più sicuro e più sano. Per Partecipare alla Charity Dinner o sostenere il progetto con una donazione, clicca qui: https://dona.fondazionediabete.org/CharityDinner/~mia-donazione?_cv=1

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Situato nel cuore di uno dei luoghi più iconici della capitale, il nuovo spazio segna una tappa fondamentale nel percorso di crescita del brand skincare: per la prima volta, DUA by AB avrà una presenza fisica permanente in Francia.

Creato da Dua Lipa e Augustinus Bader Science, DUA by AB rappresenta l’incontro tra l’universo creativo, moderno e audace dell’artista e l’avanguardia scientifica di Augustinus Bader. Da questa collaborazione nasce una nuova visione della skincare: efficace, sensoriale e profondamente contemporanea, pensata per rispondere alle aspettative di una nuova generazione e integrarsi con naturalezza nella vita di tutti i giorni.

Al centro di DUA by AB si trovano formule ad alte prestazioni, pensate per adattarsi a ogni ritmo di vita, dal mattino alla sera. Arricchita dall’esclusiva tecnologia TFC5™, appositamente sviluppata per le pelli con danni da minimi a moderati, la collezione contribuisce a preservare la naturale salute della pelle rafforzandone la barriera cutanea e migliorandone l’elasticità nel tempo.

Composta da Balancing Cream Cleanser, Supercharged Glow Complex e Renewal Cream, la gamma agisce in perfetta sinergia per rivelare giorno dopo giorno una pelle più sana, resiliente e naturalmente luminosa.

Dopo il grande successo del suo debutto a Parigi, DUA by AB inaugura oggi un nuovo capitolo della propria storia nel cuore del Palais Royal. Un indirizzo che diventa permanente, concepito come espressione autentica dell’identità del brand e della sua visione contemporanea della skincare.

Orari
Lunedì – sabato: 11:00-13:00, 14:00-19:00
Domenica: chiuso
Indirizzo
Augustinus Bader boutique 84 Galerie de Beaujolais 75001 Paris
Entrata secondaria
15 Rue de Beaujolais 75001 Paris

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Il design conserva un’impostazione essenziale e riconoscibile, ma ne ridefinisce l’attudine. La silhouette, dal profilo basso e dalla linea allungata, trova il proprio carattere nell’equilibrio tra semplicità e dettagli distintivi. Le tomaie sfoderate ne enfatizzano l’aspetto autentico, mentre differenti combinazioni cromatiche e materiche ampliano le possibilità espressive del modello. Pelle,
suede e canvas si incontrano attraverso texture e finiture diverse, dando vita a interpretazioni che spaziano dalle più essenziali e monocromaEche a quelle più ricche e materiche. Anche la suola racconta l’evoluzione del progetto. Derivata da un fondo iconico Premiata, assume una presenza visiva più decisa e una maggiore definizione formale, creando un contrasto con la leggerezza della tomaia. A completare il design, il puntale chiaro e i dettagli grafici debossed diventano elementi distivi della silhouette, contribuendo a renderla immediatamente riconoscibile.

La ricerca sull’imperfezione intenzionale, le sovrapposizioni e i de8agli volutamente visibili introducono una dimensione più spontanea all’interno di una costruzione sofisEcata. Ciò che potrebbe apparire irregolare diventa parte integrante del linguaggio esteEco del modello: un modo per allontanarsi dalla perfezione convenzionale e lasciare spazio alla personalità.

Il risultato è una sneaker ricercata ma mai ostentata, distintiva senza essere costruita. Pensata per entrare naturalmente nel guardaroba urbano, Vincent si adatta a stili e personalità differenti mantenendo una precisa identità. Un modello in cui ricerca e spontaneità, design e materia si incontrano per definire una nuova attudine Premiata.

La stessa attudine guida il racconto della campagna. Le immagini si muovono tra momenti reali, ambiente intimi e luoghi vissutr, osservando la quotidianità attraverso uno sguardo editoriale. I protagonisti non interpretano un ruolo, ma esprimono naturalmente il proprio stile e la propria individualità, lasciando emergere complicità, leggerezza e carattere.

Momenti spontanei e dettagli quotidiani si alternano a inquadrature volutamente imperfette e a un’atmosfera rilassata. Un racconto aspirazionale ma credibile, in cui Vincent entra naturalmente nella scena diventando parte di uno stile personale e contemporaneo.

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Ci sono calendari dell’Avvento che si aprono. E poi ci sono quelli che, prima ancora di essere aperti, fanno già venire voglia di Natale.

Quello firmato Lancôme appartiene decisamente alla seconda categoria.

Per le feste 2026, la Maison immagina un raffinato Lancôme Palace, una dimora parigina illustrata nei minimi dettagli, dove il tradizionale conto alla rovescia diventa un piccolo viaggio nel mondo della bellezza.

Rosa e oro, naturalmente. Perché se il Natale deve avere un indirizzo, quello di Lancôme non poteva che essere nel cuore di Parigi.

Il calendario si presenta come un vero palazzo delle meraviglie e nasconde dietro le sue porte 24 caselle concepite come altrettante suite, ognuna con una sorpresa dedicata. Ventiquattro piccoli appuntamenti con la bellezza, da vivere lentamente, uno al giorno, fino alla vigilia.

E proprio qui sta il suo fascino: non è soltanto una collezione di prodotti, ma un rituale.

Un modo per concedersi ogni mattina qualche minuto di attesa, curiosità e vanità. Perché dicembre ha anche bisogno di questo: di piccoli lussi quotidiani.

All’interno, Lancôme riunisce alcune delle sue creazioni più iconiche, attraversando skincare, make-up e fragranze. Il calendario comprende otto referenze in formato full-size e sedici sorprese in formato travel, pensate per accompagnare la scoperta anche fuori casa.

Tra i protagonisti c’è La Vie Est Belle L’Elixir, nel formato da 30 ml, una fragranza che porta con sé tutta la sensualità della celebre famiglia olfattiva Lancôme.

Per la skincare arrivano invece Rénergie HPN 300-Peptide Cream, da 15 ml, e Absolue Longevity The Soft Cream, sempre da 15 ml, per trasformare il rituale quotidiano in un momento ancora più prezioso.

E naturalmente non poteva mancare il make-up, con Lip Idôle Butterglow nella tonalità 60 Million-Dollar Berry, una nuance intensa e luminosa che sembra fatta apposta per le serate delle feste.

Il risultato è un calendario pensato per chi considera la bellezza non soltanto una questione di prodotti, ma soprattutto di rituali, atmosfere e piccoli piaceri.

Perché aprire una casella dopo l’altra significa anche rallentare.

Significa aspettare.

Significa concedersi il piacere di non avere tutto subito.

E forse è proprio questa la cosa più bella di un Calendario dell’Avvento: trasformare l’attesa in qualcosa da desiderare.

Lancôme lo fa con il suo consueto immaginario parigino, costruendo un piccolo palazzo rosa e oro nel quale ogni porta nasconde una nuova sorpresa. Un oggetto da lasciare in bella vista, quasi fosse una decorazione natalizia, e che giorno dopo giorno si trasforma in una collezione di beauty essentials.

Un conto alla rovescia sofisticato, dunque, dove il Natale incontra il lusso francese e la sorpresa diventa parte del rituale.

Perché, in fondo, il vero lusso è anche questo: avere 24 buoni motivi per aspettare il Natale.

Il Calendario dell’Avvento Lancôme in edizione limitata è disponibile presso Rinascente, Sephora e Douglas e sul sito lancome.it. Prezzo al pubblico consigliato: 200 euro.

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Ci sono squadre che fanno la storia dello sport. E poi ci sono quelle che finiscono per diventare parte della cultura pop.

I Los Angeles Lakers appartengono senza dubbio alla seconda categoria.

Viola e oro non sono più soltanto i colori di una franchigia NBA. Sono un’immagine riconoscibile in tutto il mondo, un’estetica, un modo di vivere il basket che negli anni ha intrecciato sport, spettacolo, moda, musica e Hollywood.

È proprio questa storia che TASCHEN racconta in Lakers. An Official History of the Purple & Gold, la grande storia illustrata ufficiale realizzata in collaborazione con i Lakers. Un volume di 528 pagine, in formato XL, che ripercorre sette decenni di storia e diciassette titoli NBA attraverso fotografie, documenti d’epoca, memorabilia e materiali provenienti dagli archivi della squadra, della lega e da collezioni private.

Un libro che, già fisicamente, non passa inosservato: 25 x 34 centimetri per quasi quattro chili di peso. Più che un semplice coffee table book, un vero oggetto da collezione.

Dalle origini al mito

La storia comincia lontano da Los Angeles, a Minneapolis, con George Mikan e la prima grande dinastia della squadra. Poi arrivano le rivalità con Boston, gli anni di Elgin Baylor, Jerry West e Wilt Chamberlain, fino a uno dei momenti decisivi nella costruzione dell’identità Lakers: il 1979.

È l’anno in cui il dottor Jerry Buss diventa proprietario della franchigia e comprende che una grande squadra, a Los Angeles, non può limitarsi a vincere.

Deve anche saper intrattenere.

Nasce così lo Showtime.

Magic Johnson, Kareem Abdul-Jabbar, James Worthy e Michael Cooper trasformano il basket in uno spettacolo capace di andare ben oltre il parquet. La partita diventa evento, il palazzetto diventa palcoscenico e i Lakers iniziano a rappresentare qualcosa che appartiene profondamente alla città di Los Angeles: energia, glamour, spettacolo e ambizione.

È qui che il basket incontra definitivamente la cultura pop.

Quando Hollywood si siede a bordo campo

Uno degli aspetti più affascinanti del libro è proprio il racconto di ciò che succede fuori dal campo.

Perché i Lakers hanno avuto una caratteristica che poche altre squadre sportive possono vantare: essere diventati anche un luogo della celebrity culture.

A bordo campo compaiono così Jack Nicholson, Dyan Cannon, Lou Adler, Paula Abdul e Flea. Non semplici spettatori, ma presenze che nel tempo hanno contribuito a trasformare le partite dei Lakers in un appuntamento culturale oltre che sportivo.

Il parquet diventa quindi una passerella. Le fotografie dei giocatori si mescolano a quelle delle celebrità, le divise diventano oggetti iconici e il viola e oro entrano nell’immaginario collettivo.

Kobe, Shaq e una nuova dinastia

Poi arriva un’altra generazione destinata a cambiare la storia.

Shaquille O’Neal e Kobe Bryant.

Il loro rapporto, la loro rivalità, il talento e i tre titoli consecutivi conquistati insieme sono uno dei capitoli centrali della leggenda Lakers. Successivamente Kobe costruirà un’altra pagina della storia insieme a Pau Gasol, conquistando nuovi titoli e consolidando definitivamente il proprio posto nell’Olimpo della franchigia.

E quando sembrava che il mito non potesse più essere aggiornato, arriva LeBron James.

Con lui i Lakers entrano in una nuova epoca, fino all’arrivo di Luka Dončić, che nel libro rappresenta anche lo sguardo verso il futuro.

La storia raccontata da chi l’ha vissuta

TASCHEN ha scelto di non affidarsi soltanto alle immagini.

La prefazione è firmata da Kareem Abdul-Jabbar, l’introduzione da Jeanie Buss, mentre la postfazione è affidata a Phil Jackson.

Tra le voci che raccontano momenti, personaggi e retroscena della storia Lakers ci sono inoltre Magic Johnson, Michael Cooper, Byron Scott, Pat Riley, Shaquille O’Neal, Pau Gasol, LeBron James e Luka Dončić.

A completare il racconto sono le immagini di grandi fotografi come Neil Leifer, Andrew D. Bernstein e Walter Iooss Jr., insieme a fotografie rare, materiali d’epoca e oggetti provenienti dal celebre Lakers Shrine di David Kohler. Molti di questi materiali vengono pubblicati per la prima volta.

Ed è proprio la fotografia a rendere il libro qualcosa di più di una storia dello sport.

Un tiro, un’esultanza, una divisa, un volto, una celebrità sugli spalti: ogni immagine racconta un pezzo dell’evoluzione dei Lakers e, allo stesso tempo, dell’America che li ha trasformati in leggenda.

Non è solo basket

Forse è questo il vero motivo per cui Lakers. An Official History of the Purple & Gold può interessare anche chi non conosce alla perfezione la NBA.

Perché il libro parla di sport, ma anche di stile.

Parla di come una squadra possa costruire un’identità talmente forte da diventare un brand globale. Di come un colore possa diventare un simbolo. Di come un atleta possa trasformarsi in un’icona. Di come il pubblico possa diventare parte dello spettacolo.

E soprattutto racconta Los Angeles.

Una città che non si accontenta della normalità e nella quale i Lakers hanno imparato, prima di molti altri, che vincere è importante, ma saper costruire un mito lo è ancora di più.

TASCHEN mette tutto questo dentro un unico oggetto: 528 pagine che attraversano generazioni, dinastie, sconfitte, trionfi e trasformazioni culturali.

Alla fine, quello dei Lakers è un racconto che supera il basket.

È la storia di una squadra che ha capito prima di altre che lo sport poteva essere spettacolo, che lo spettacolo poteva diventare stile e che lo stile, quando incontra la storia, può trasformarsi in qualcosa di molto più grande.

Un’icona.

E quella dei Lakers, da oltre settant’anni, veste rigorosamente Purple & Gold.

Lakers. An Official History of the Purple & Gold
TASCHEN, 2026
528 pagine · copertina rigida · 25 × 34 cm · 3,88 kg
Edizione in inglese · ISBN 978-3-8365-9844-6 · €100

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In qualità di skincare partner della sfilata, Augustinus Bader ha portato la propria expertise nel backstage, dove la celebre make-up artist Lucia Pica ha utilizzato una selezione mirata delle formule pluripremiate del brand per preparare la pelle delle modelle e creare una base uniforme, liscia e luminosa per il beauty look della sfilata.

«Un make-up impeccabile nasce da una pelle splendidamente idratata e luminosa, e Augustinus Bader è stata una scelta naturale per la preparazione della pelle nel backstage».
— Victoria Beckham, Founder & Creative Director

«La nostra collaborazione di lunga data con Victoria, attraverso Victoria Beckham by Augustinus Bader, è nata dalla volontà condivisa di stabilire un nuovo standard nella bellezza supportata dalla scienza. Per la sfilata Primavera/Estate 2027, portare la skincare Augustinus Bader nel backstage è stata la naturale evoluzione della nostra partnership: abbiamo utilizzato le nostre formule scientificamente avanzate per preparare la pelle delle modelle prima della passerella».
— Charles Rosier, Co-Founder & Chief Executive Officer, Augustinus Bader

L’esclusivo rituale backstage per la preparazione della pelle

Il rituale ha previsto l’utilizzo di The Hydrogel Face Mask e The Eye Patches, per offrire alla pelle un’intensa dose di idratazione e contribuire a renderla visibilmente più distesa, liscia e fresca.

The Cream o The Rich Cream assicurano un’idratazione duratura e nutrimento, contribuendo a creare una base liscia e luminosa per il make-up, mentre The Rich Eye Cream idrata e dona un aspetto visibilmente più fresco alla delicata zona del contorno occhi.

Al cuore di ogni formula Augustinus Bader si trova TFC8® (Trigger Factor Complex™), la tecnologia proprietaria del brand sviluppata attraverso oltre 35 anni di ricerca scientifica. Progettato per sostenere i naturali processi di rinnovamento della pelle e ottimizzare la comunicazione cellulare, TFC8® contribuisce a migliorare visibilmente l’aspetto della pelle, rivelando un incarnato dall’aspetto più uniforme, levigato e rivitalizzato.

«La pelle è stata il punto di partenza. Ho massaggiato The Rich Cream di Augustinus Bader sulla pelle per stimolare la circolazione e far emergere una luminosità naturale, così da ottenere un aspetto fresco, luminoso e impeccabile prima ancora di applicare il make-up».
— Lucia Pica, Makeup Artist

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Non è solo una sensazione, stare fermi troppo a lungo può infatti mettere sotto pressione il corpo e come segnalato dall’indagine EU-OSHA, ESENER 2024 la seduta prolungata è oggi uno dei principali fattori di rischio sul lavoro. Una situazione che secondo EWCS sembra riguardare in particolare le donne, con il 42% delle lavoratrici che trascorre almeno tre quarti del proprio tempo di lavoro seduta per blocchi di almeno mezz’ora, contro il 39% degli uomini.

Il problema non interessa soltanto chi lavora in ufficio perché se davanti a uno schermo si trascorrono ore sedute, per una commessa, una parrucchiera o per chi svolge un lavoro che richiede di stare in piedi per gran parte della giornata, l’immobilità assume semplicemente Un’altra forma. Posizioni diverse ma un elemento in comune, infatti, per il sistema linfatico non è tanto la posizione in sé a fare la differenza quanto la possibilità di muoversi.

“Il cuore muove il sangue da solo. La linfa ha sette motori: uno lavora da sé, sei dipendono da come muoviamo il corpo. Otto ore nella stessa posizione non significano che il corpo abbia riposato: significano che per otto ore nessuno ha spinto”, spiegano gli esperti di Linfit®, la prima specialità di ginnastica interamente dedicata alla salute del sistema linfatico e circolatorio.

È proprio da qui che nascono i sette consigli per ridare leggerezza alle gambe dopo una giornata di lavoro. I primi cinque compongono una sequenza di circa dieci minuti da fare appena rientrate a casa, mentre gli ultimi due aiutano a portare il movimento anche durante la giornata lavorativa, trasformandola in un’abitudine da mantenere nel tempo.

1. Prima aprite, poi spingete: trenta secondi di sfioramenti lentissimi, con la mano appena appoggiata, sulle tre zone in cui la linfa rientra in circolo: sopra la clavicola, l’inguine, la piega dietro il ginocchio. Non è un massaggio. I vasi linfatici superficiali sono ancorati alla pelle ed è la trazione leggera ad aprire le loro valvole; la pressione forte li schiaccia. L’errore più comune è partire dalle caviglie e spingere forte verso l’alto: è l’ordine invertito.
2. Cominciate dal piede, non dalla gamba: due minuti a piedi nudi, da sedute: dita che si alzano una alla volta, salita sulle punte e ritorno, piede che rotola dal tallone all’avampiede. Sotto la pianta c’è un serbatoio che ogni appoggio svuota verso l’alto: è il motore che si spegne per primo dentro una scarpa rigida o su una sedia, e quello che si riaccende con meno fatica. Vale anche per chi lavora in piedi: ferma, il piede non pompa.
3. Alternate, non sforzate: tre minuti sollevando e riappoggiando i talloni con ritmo regolare, in piedi o da seduta. Nell’essere umano la contrazione muscolare aumenta il flusso linfatico di due-tre volte rispetto al riposo, ma è l’alternanza a fare il lavoro: la fase di rilascio è quella in cui il vaso si riempie. Un muscolo contratto e basta non pompa nulla. Non serve la forza. Serve l’alternanza.
4. Togliete la gravità dal conto: tre-cinque minuti con le gambe appoggiate al muro e il bacino a terra. Se c’è la possibilità, camminare in acqua fino alla vita vale ancora di più: posizione e pressione dell’acqua sono i due fattori con le evidenze più solide sull’essere umano, e la camminata in acqua riduce in modo misurabile il volume della gamba. Funziona a fine giornata, quando il liquido si è accumulato.
5. Chiudete con il respiro, che regola, non drena: dieci respiri lenti da sdraiata, lasciando che la pancia si espanda. Il diaframma è la via anatomica attraverso cui passa la maggior parte della linfa del corpo, e il respiro lento è il modo più rapido per abbassare l’attivazione nervosa accumulata in otto ore di lavoro. Da solo non spinge la linfa dalle gambe: cambia la condizione in cui tutto il resto lavora.
6. Non aspettate la sera: alzarsi e camminare cinque minuti ogni mezz’ora di seduta; se è impossibile, trenta pompaggi di caviglia da seduta, che non è la stessa cosa ma non è zero. In uno studio controllato su undici adulti (Columbia University, 2023) è la dose che ha abbassato insieme picchi glicemici e pressione e ridotto la sensazione di fatica: una ricerca piccola, quindi un’indicazione, non una regola. La pausa non è tempo perso. È l’unico momento in cui la linfa si muove.
7. Dieci minuti tutti i giorni battono quaranta minuti una volta a settimana: il sistema linfatico non accumula progressi come un muscolo: risponde al movimento mentre lo fate. Meglio agganciare la sequenza a qualcosa che già succede ogni sera.

“Dopo le vacanze ricominciamo a riempire le giornate di impegni e obiettivi, e il primo a uscire dall’agenda è il corpo. Non serve drenare la linfa: serve allenarla. E non servono allenamenti impegnativi, serve sapere che sei dei suoi sette motori dipendono da come ci muoviamo durante il giorno. Fermo restando che, in presenza di gonfiore improvviso o su una gamba sola, gonfiore doloroso, patologia cardiaca o renale nota o gravidanza complicata, la raccomandazione è rivolgersi al medico prima di intraprendere qualunque pratica”, commenta Claudia Viaggi, co-founder di Linfit e ideatrice del metodo.

di Lidia Pregnolato per Dailymood.it

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Digger Rockwell (Tom Cruise) è un miliardario americano a capo di un impero petrolifero. Un mattino gli arriva una terribile notizia. Un’esplosione in uno dei pozzi petroliferi in Groenlandia sta per causare un disastro ecologico. Un enorme iceberg si sta staccando e potrebbe raggiungere il nord dell’Europa, creare uno tsunami e inondare la Gran Bretagna e la Norvegia. Digger, così, convoca un vertice con il Presidente degli Stati Uniti (John Goodman) per risolvere la situazione.

È una storia che si svolge in America, che ritrae gli USA di oggi in modo caustico e spietato come solo chi non è americano forse oggi potrebbe fare. Da messicano, visto il probabile dente avvelenato con l’amministrazione USA per la questione dei muri e dell’immigrazione, Iñárritu mette in scena l’America dove “prima si bombarda poi si chiede” e che viene a dire a noi “l’America è stata al fianco dell’Europa nella sua ora più buia ed è pronta a farlo di nuovo”. È una frase che oggi suona ironica. Così come è ironico, e per nulla casuale, che al centro di tutto ci sia la Groenlandia, terra oggetto dei desideri di Trump.

Ma, attenzione, il j’accuse di Iñárritu non è rivolto solo all’America ma a tutti noi. Quando Digger parla davanti ai politici europei in realtà sta parlando a ogni singolo abitante del mondo. E ci mette davanti a una realtà inconfutabile e disarmante. “Perché non smetto di trivellare? Perché non volete che io smetta. Volete roba che non vi serve consegnata in due giorni.  Volete la libertà di godervi il confort della vostra vita insostenibile”. Sta parlando a noi che ci siamo abituati agli acquisti su Amazon e facciamo sì che merci viaggino per tutto il mondo con un grande consumo di anidride carbonica. Noi che usiamo di continuo l’Intelligenza Artificiale consumando una quantità enorme di energia per alimentarne i server.

Come Don’t Look Up, la commedia con Leonardo Di Caprio in cui l’asteroide che colpiva la Terra e nessuno voleva vedere era una chiara metafora della crisi climatica, anche in Digger il tema dell’ambiente viene raccontato con toni non seri, ma solo apparentemente. Digger è satirico, grottesco, farsesco, ma durissimo. Continuiamo così, facciamoci del male, come diceva un famoso film. La crisi climatica e già qui. Quando ce ne accorgeremo sarà troppo tardi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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In occasione della Milano Fashion Week debutta la collezione Spring Summer 2027 “Brocade Reborn” di ZHONGFANG.LIJIN, sviluppata attorno al concetto di “Jin Mai” (锦脉), le trame vitali del broccato. Le venature della vita si intrecciano idealmente con trama e ordito del tessuto, dando origine a una nuova fase nell’utilizzo e nella reinterpretazione di questo materiale.

La collezione trae ispirazione dal mondo naturale e, in particolare, da elementi come la foglia di gelso, il bozzolo e la farfalla. Le loro venature, le ali e le texture vengono tradotte nelle superfici e nei dettagli dei tessuti, trasformando il broccato in silhouette caratterizzate da pieghe, strutture e motivi decorativi. Ogni look restituisce così l’energia e l’identità di una materia profondamente legata alla storia della cultura tessile cinese.
La palette cromatica affonda le proprie radici nella tradizione dei Cinque Elementi, Wu Xing, reinterpretata attraverso tonalità raffinate che richiamano la sensibilità estetica orientale.

Tianshui Bi è un verde-azzurro limpido, evocazione dell’acqua e del cielo.
Taoyao richiama la delicata tonalità del fiore di pesco.
Mihe si esprime in una morbida sfumatura miele-beige.
Yuebai è un bianco lunare attraversato da leggere note azzurre.
Dailan, infine, è un intenso blu indaco.

Tonalità profonde e sfumature più leggere si alternano e si fondono creando un equilibrio cromatico che evoca l’armonia e la continua rigenerazione della natura.

La rilevanza storica e culturale del broccato è oggi riconosciuta e tutelata dalle istituzioni cinesi come patrimonio culturale, a testimonianza del suo ruolo nella storia e nell’identità del Paese.

Con Brocade Reborn, ZHONGFANG.LIJIN attraversa il confine tra tradizione e futuro e restituisce nuova vita all’arte del broccato, permettendole di continuare a evolversi attraverso la moda. Una bellezza orientale che rinasce, si trasforma e supera continuamente ogni confine.

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La gonna, prima di tutto

Se esiste un capo capace di raccontare simbolicamente questa Fashion Week è la gonna. Non semplicemente perché sia tornata protagonista, ma perché Prada ha scelto di farne il soggetto esclusivo della propria collezione. Miuccia Prada e Raf Simons hanno costruito l’intera Primavera/Estate 2027 attorno alla sottana, trattandola come una sorta di tela bianca: mini e al ginocchio, lineari o plissettate, sfrangiate, ricamate, arricchite da cristalli e applicazioni. L’idea non è quella di una gonna-oggetto, ma di un capo aperto alla trasformazione, capace di cambiare significato attraverso materiali, proporzioni e styling. La coincidenza con il dibattito politico esploso nei giorni immediatamente precedenti la Fashion Week ha dato al tema una risonanza ulteriore. Il ministro degli Esteri Antonio Tajani, intervenendo alla manifestazione Itaca a Formello, aveva parlato, ricevendo numerose critiche, della scelta di una futura moglie contrapponendo una donna «meno appariscente», più seria e affidabile, a una più appariscente, aggiungendo il riferimento a gonne «un po’ più lunghe». La collezione Prada era naturalmente progettata molto prima di quelle dichiarazioni, ma il tempismo ha prodotto una curiosa sovrapposizione fra costume, politica e moda: proprio mentre la gonna diventava oggetto di una discussione sul modo in cui una donna dovrebbe apparire, Prada la trasformava in uno spazio di possibilità. Una coincidenza, dunque, non un commento politico della maison, ma impossibile da ignorare.

Dolce&Gabbana e il ritorno della memoria

Se Prada lavora per sottrazione concettuale, Dolce&Gabbana torna invece alla memoria, all’archivio personale, alla ricchezza di un guardaroba vissuto. La collezione Primavera/Estate 2027 si chiama Stravaganza Siciliana e parte da un’idea di famiglia e di patrimonio: l’immagine della giovane donna che apre gli armadi delle generazioni precedenti e trova abiti degli anni Venti, Cinquanta e Settanta, mescolandoli senza una rigida gerarchia. Il risultato è una collezione volutamente eterogenea, più libera e giovane, che mantiene il DNA sensuale della maison ma lo porta verso una maggiore spontaneità. È un’altra forma di nostalgia rispetto a quella puramente archivistica. Non si tratta di ricostruire il passato, ma di indossarlo di nuovo, mescolandolo al presente.

Fendi, Maria Grazia Chiuri e l’italianità pop

Alla seconda prova di Maria Grazia Chiuri per Fendi il discorso cambia ancora. La designer guarda a un’Italia pop, musicale e cinematografica, scegliendo come una delle coordinate della collezione quella cultura popolare che passa dalla musica di Adriano Celentano alla Raffaella Carrà.

La colonna sonora dello show, con Prisencolinensinainciusol e Rumore, costruisce un’atmosfera ironica e immediatamente riconoscibile. Fendi sembra così cercare una forma di contemporaneità che non abbia bisogno di cancellare il proprio patrimonio romano. La memoria non viene trattata come una teca museale, ma come materiale vivo, da ricombinare. È una delle linee più interessanti emerse a Milano: l’heritage non come nostalgia, ma come materia prima.

Antonio Marras: la Sardegna diventa gioiello

Fra gli appuntamenti più personali della settimana c’è sicuramente quello di Antonio Marras, che porta in passerella una storia di matrimonio, festa e disordine. La sfilata si svolge all’aperto, nel Giardino Vincenzo Muccioli, con un lungo tavolo da banchetto disposto sul campo da basket e tappeti sovrapposti sull’asfalto. L’invito è una sorta di annuncio matrimoniale: quello di Ippolita e Antiogu, in Sardegna, il giorno dopo la notte di San Giovanni. Marras parte proprio da quel momento sospeso in cui la festa è finita, gli ospiti sono stanchi e tutto appare leggermente disfatto. La collezione procede così per stratificazioni: pizzi, ricami, stampe, tailoring, denim, volumi morbidi e dettagli preziosi. Una moda volutamente non perfetta, che trova nella sovrapposizione la propria energia. Ma il capitolo più prezioso è quello dei gioielli, nati dalla collaborazione con il talentuoso architetto e designer toscano Giovanni Raspini. Per lo show sono stati creati 53 pezzi unici — collane, bracciali, anelli, orecchini, spille e ornamenti per capelli — ispirati alla Sardegna, al Mediterraneo e all’immaginario di Marras. Bronzo, pietre dure, minerali, madreperla, resine, tessuti e pizzi entrano in composizioni che evocano maschere della tradizione sarda e forme naturali, dai fiori ai gechi, fino agli elementi marini. Qui il gioiello smette di essere un accessorio e diventa parte della narrazione stessa dell’abito.

Armani: eleganza, memoria e metamorfosi

La chiusura della Fashion Week è affidata a Giorgio Armani, in una fase particolarmente significativa per la maison. La collezione Primavera/Estate 2027, firmata da Silvana Armani, guarda alla storia della casa attraverso una rilettura essenziale e notturna. Nero, seta liquida, abiti da sera, bustier, superfici metalliche e dettagli di cristalli costruiscono una silhouette asciutta, sofisticata, profondamente Armani. Fra gli elementi più simbolici compare anche la rielaborazione dell’abito da Prima Comunione di Giorgio Armani. Le farfalle, ricamate e applicate, diventano il simbolo più evidente della collezione: una metafora di trasformazione che dialoga con la continuità della maison. La sensazione è quella di un passaggio di testimone affrontato attraverso la memoria, senza rinunciare alla grammatica fondamentale di Armani. Accanto alla collezione principale, Emporio Armani ha segnato un altro momento di transizione. Traces of Time è stata l’ultima collezione supervisionata da Leo Dell’Orco e Silvana Armani prima dell’arrivo di Dario Vitale. La presentazione, all’Armani/Teatro, si è sviluppata attraverso una progressione cromatica dal bianco al nero, passando per verde, grigio e greige , ma il vero tema è stato quello della materia e del tempo: superfici lavorate, texture e stratificazioni suggerivano non tanto il deterioramento quanto l’accumulo di tracce. È una delle immagini più coerenti con il sentimento generale della settimana: la moda non cancella ciò che è stato, lo stratifica.

Gucci, fra aristocrazia e strada

Da Gucci, Demna prosegue il lavoro iniziato con la maison cercando una sintesi fra le molte identità del marchio. La collezione mette insieme l’equitazione, il guardaroba borghese milanese, l’eveningwear e un’attitudine più ribelle. Particolarmente evidente il dialogo fra giacche da riding, trench, tartan, kilt, jeans portati bassi e grandi cinture. Il designer guarda anche alla Gucci degli anni Novanta e alla figura di Dawn Mello, tentando di riattivare quella dimensione aristocratica e sensuale senza trasformarla in semplice citazione. È forse qui che si vede meglio il nuovo rapporto della moda con l’archivio: non più revival, ma montaggio.

Moschino e la moda che torna nelle strade

Il debutto di Loris Messina e Simone Rizzo da Moschino è stato uno degli appuntamenti più attesi della settimana. Il duo, fondatore di Sunnei, ha scelto il tetto di un parcheggio alla periferia di Milano e una dinamica scenica insolita: centinaia di comparse attraversavano la passerella in direzione opposta rispetto alle modelle. Il messaggio era semplice: i vestiti devono appartenere anche alle strade e alle persone reali. È un dettaglio significativo in una Fashion Week che, nonostante il lusso e la spettacolarità, sembra continuamente interrogarsi sul rapporto fra passerella e vita quotidiana.

I trend: dal quiet luxury alla moda da vedere

Se si guarda alle collezioni nel loro insieme, emergono alcune direttrici molto nette. La gonna è il capo manifesto. Prada la trasforma in un intero linguaggio, ma lunghezze e interpretazioni diverse sono comparse in numerose collezioni. Il quiet luxury perde il monopolio. Colori, stampe, applicazioni, texture e stratificazioni riportano in primo piano una moda più decorativa. Non è necessariamente un ritorno all’opulenza tradizionale: è soprattutto il rifiuto dell’idea che il lusso debba essere sempre silenzioso. La giacca diventa un oggetto trasformabile. Si porta come blusa, sopra un abito, appoggiata sulle spalle, con proporzioni diverse dal consueto. Il tailoring rimane centrale, ma perde la rigidità della divisa. Il corpo torna visibile, ma senza una sola grammatica della sensualità. Trasparenze, lingerie, bustier, abiti aderenti e superfici scoperte convivono con tailoring e silhouette più composte. Il passato è il nuovo laboratorio. Dolce&Gabbana guarda agli armadi di famiglia, Fendi alla cultura pop italiana, Gucci agli anni Novanta, Armani alla propria storia. Gli archivi non sono più soltanto qualcosa da celebrare: diventano materia da trasformare. E infine c’è una tendenza forse ancora più importante, perché riguarda non un capo ma un atteggiamento: l’imperfezione. Da Jil Sander a Marras, dalla stratificazione di Prada alla libertà di Moschino, la moda Primavera/Estate 2027 sembra voler recuperare qualcosa di umano, irregolare, personale. Milano, ancora una volta, sceglie la complessità. Alla fine della settimana, più che una singola tendenza resta una direzione.

La moda milanese non sembra voler scegliere fra minimalismo e massimalismo, passato e futuro, lusso e strada. Li mette in collisione. La gonna può essere una pagina bianca da Prada, un simbolo di memoria da Dolce&Gabbana, un elemento fra molti da Marras. Il gioiello può diventare talismano. L’archivio può trasformarsi in futuro. È una moda meno interessata alla perfezione e più interessata alla personalità. E forse è proprio questo il messaggio più forte della Milano Fashion Week Primavera/Estate 2027: non esiste più un unico modo corretto di vestirsi. Esiste il modo in cui ciascuno decide di appropriarsi dei codici, mescolarli, deformarli e farli propri. La moda, insomma, torna a essere una questione di scelta. E la gonna — lunga, corta, plissettata, ricamata, preziosa o semplicissima — torna a essere semplicemente quello che dovrebbe essere: un abito da indossare, non una misura del carattere di chi lo porta.

Courtesy Photo: Fendi, Prada e Antonio Marras

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Ma torniamo un attimo indietro, alla prima stagione, per spiegarvi di cosa si tratta. Dark Matters è la storia di un uomo che si trova in una versione alternativa della sua vita. E non ce n’è solo una, ma una serie di vite che avrebbe potuto vivere. Secondo una teoria della fisica quantistica le nostre scelte possono scatenare ogni volta infinite vite parallele, infiniti mondi. Se non fossero teorici ma reali e qualcuno trovasse il modo per muoversi tra questi mondi, ecco che succederebbe quello che vediamo qui. Al centro della storia c’è una scatola, un cubo nero imponente come il monolite di Kubrick ed enigmatico come il cubo di Rubik.

Avevamo lasciato Jason, il nostro protagonista, arrivato finalmente nel suo mondo, accanto alla moglie e al figlio. A casa sua, in un porto sicuro. Il problema è che, nel suo mondo, si muove anche Jason 2, arrivato da un altro mondo, anche lui innamorato di sua moglie al punto da volersi prendere la sua vita. Lei, una sera, quando Jason 2 si presenta e si fa insistente, gli spara. Quando la polizia li scopre, Jason e la sua famiglia non hanno scelta. Scappare, entrare nel cubo, pensare positivo e trovare un nuovo mondo. Se non un mondo perfetto, quello migliore dove vivere una vita tranquilla. Sembrano trovarlo. Ma, come sappiamo, fino a che il cubo resta aperto e attivo può succedere di tutto.

Dark Matter è una serie incredibilmente magnetica, misteriosa, oscura. È un racconto che vive di una tensione palpabile e costante, di un senso di incertezza e pericolo che si percepisce a ogni sequenza. In questa seconda stagione lo schema è quello di Alfred Hitchcock e degli innocenti in fuga di tanti suoi film. Ma, man mano che la visione prosegue, in Dark Matter pensiamo sempre più a Steven Spielberg. In questa storia c’è la sua gestione della tensione e del mistero, la capacità di tenere lo spettatore sulla corda, ma anche la sua proverbiale attenzione all’umano. Una delle chiavi che rende appassionante questa storia sono i due protagonisti principali, Taron Edgerton e Jennifer Connelly, attraenti e carismatici, ma anche molto affiatati tra di loro. L’empatia con i personaggi è immediata ed è questo che ci tira dentro alla storia.

In questa seconda stagione ci sono poi degli spunti interessanti. Dark Matter sembra voler rispondere a quella suggestione a cui pensiamo in tanti e sempre più spesso. Cioè a come sarebbe davvero un mondo senza internet e senza connessione. In uno dei mondi possibili, infatti, l’uomo non è andato sulla Luna e questo ha fermato tutta un’idea di progresso. È romantico vedere i ragazzi ascoltare dischi e vedere i film in vhs, andare sullo skateboard e duplicarsi la musica. Anche se in questo mondo non si conoscono i Nirvana. Questo mondo, ve lo diciamo, ci piace molto. E piace anche ai protagonisti Ma, in quella che tutti gli effetti un’Odissea, è Itaca, l’approdo finale, la casa, o è solo un’isola in un continuo errare? Lo scopriremo solo vivendo.

Ma in questa seconda stagione Dark Matter diventa sempre più anche una riflessione sulla scienza, e sui confini e i limiti che deve avere l’iniziativa dell’uomo. Lo scienziato deve solo scoprire, innovare, o deve porsi delle domande sull’uso e gli effetti che potrebbe avere la propria scoperta? La risposta che si dicono i personaggi, in un flashback, è che se una cosa può essere fatta, va fatta. L’uomo non si deve fermare.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Nata dall’identità iraniana della designer e profondamente legata allo spirito di Woman, Life, Freedom — Donna, Vita, Libertà, la collezione riflette su una generazione di donne iraniane che ha posto la libertà, l’autodeterminazione e il diritto di scegliere al centro di una conversazione globale.

Piuttosto che rifiutare la tradizione, Sara Behbud pone una domanda diversa: può una donna ereditare la propria cultura senza lasciare che sia essa a definire il modo in cui deve esistere al suo interno?

Al centro della collezione si trova il motivo Afshan, uno dei linguaggi floreali della tradizione dei tappeti persiani. Il termine Afshan richiama l’idea di “spargere” o “disseminare”: fiori, rami e forme vegetali sembrano diffondersi liberamente sulla superficie del tappeto, creando un disegno continuo, senza un unico centro dominante. Una composizione tradizionalmente associata alla natura, alla continuità, all’armonia e all’idea di una bellezza in costante espansione.
Sara reinterpreta questo patrimonio visivo attraverso un’estetica contemporanea e pixelata. Il motivo viene decostruito, ingrandito e sottratto alla superficie del tappeto per essere portato direttamente sul corpo femminile.

Elementi tagliati al laser vengono termosaldati su tulle trasparente, creando l’illusione che i fiori persiani si posino direttamente sulla pelle. La collezione è inoltre arricchita da ricami interamente realizzati a mano, espressione dell’approccio couture che caratterizza ogni look.

In questo nuovo contesto, anche il significato dell’Afshan si trasforma: il fiore diventa metafora di una femminilità che cresce e si espande liberamente, senza chiedere il permesso di esistere.

L’eredità non copre più la donna. È lei a scegliere come indossarla.
Ogni capo couture è concepito e realizzato attraverso lavorazioni artigianali, costruzioni precise e una particolare attenzione al lavoro manuale. La collezione prende forma attraverso preziosi tessuti italiani, tra cui organza tripla, taffetà di seta e cady di seta, scelti per creare un equilibrio tra volumi architettonici, struttura e movimento.

Accanto alla couture, Sara Behbud introduce una linea denim ready-to-wear, pensata come naturale estensione del linguaggio della collezione. Realizzata in denim 100% cotone, la linea riprende gli stessi motivi ispirati ai tappeti persiani attraverso una stampa glitter, trasferendo l’identità visiva della maison su capi più immediati e quotidiani.

Il contrasto tra la natura autentica e resistente del denim e la luminosità del glitter crea un nuovo dialogo tra tradizione e contemporaneità. Il motivo persiano lascia così la dimensione esclusiva della couture per entrare nel guardaroba ready-to-wear, mantenendo intatto il suo significato: l’eredità non come qualcosa da conservare immobile, ma come un linguaggio vivo da reinterpretare, trasformare e indossare liberamente.

La trasparenza incontra la costruzione. La delicatezza delle superfici si contrappone a silhouette scolpite. La pelle emerge tra frammenti di motivi e ricami, creando una tensione tra esposizione e protezione, delicatezza e forza, memoria e libertà.

Questo dialogo assume un significato particolare nel contesto di Woman, Life, Freedom. Il corpo, l’abbigliamento e la visibilità delle donne sono diventati simboli centrali del movimento.

Nell’interpretazione di Sara Behbud, il corpo femminile non è qualcosa da nascondere, controllare o giustificare: appartiene prima di tutto alla donna stessa.

Da secoli, i tappeti persiani custodiscono storie di bellezza, continuità e memoria culturale. Sara preserva questa eredità visiva, trasformando però il rapporto tra il motivo e chi lo indossa.

Il motivo rimane. La storia rimane. Ma è la donna a decidere come portarla nel futuro.

La Primavera/Estate2027 non rappresenta quindi un rifiuto dell’eredità, ma un atto di appropriazione consapevole: prendere ciò che ci è stato tramandato e scegliere cosa conservare, cosa trasformare e come renderlo proprio.

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Ecco, quindi 6 proposte da prendere in considerazione.

Digital Balance con Nora Lynn all’ADLER Ritten
In una quotidianità sempre più scandita dagli schermi, il retreat guidato da Nora Lynn, specializzata in psicologia e salute, propone tre giorni – 22.11 – 26.11 e 26.11 -29.11 –  per rallentare, rigenerarsi e ritrovare un rapporto più sano ed equilibrato con smartphone e media digitali, favorendo il benessere mentale, una migliore qualità del sonno e relazioni più autentiche. Con due sessioni al giorno, il programma alterna meditazioni guidate, tecniche di respirazione ed esercizi yoga per dita e occhi, pensati per contrastare gli effetti dell’uso prolungato dei dispositivi digitali, a momenti immersi nella natura del Renon, tra Forest Bathing e meditazioni outdoor, per risvegliare i sensi e coltivare la mindfulness. Non mancano esercizi e tecniche di mental training dedicati al benessere fisico e mentale, così come sessioni interattive e approfondimenti scientifici sul tema della Digital Balance, intervallati da pratiche di rilassamento. A completare il percorso, momenti di condivisione e confronto invitano alla riflessione, alla crescita personale e allo scambio reciproco. Il tutto circondati dalla natura del Renon.
Info: https://www.adler-resorts.com

Al Winklerhotels Solvie un retreat per ritrovare benessere a 360°
Un retreat esclusivo a Falzes (BZ) dedicato a ritrovare energia, favorire la rigenerazione e sviluppare un benessere duraturo, con un approccio scientifico incentrato su longevità, qualità del sonno, gestione dello stress e stile di vita sano. Insieme alla Dott.ssa Lea Jakob, medico di Monaco, insegnante di yoga certificata ed esperta in Functional Health & Longevity, vengono unite le più moderne conoscenze nell’ambito della salute con un’alimentazione consapevole, movimento, rilassamento e rituali efficaci per promuovere energia, equilibrio e benessere a lungo termine. Vi aspettano: Yoga, breathwork e meditazione per ritrovare equilibrio, energia e calma interiore, Healthy Dining & Shared Table Experiences con una cucina stagionale e consapevole, arricchita da preziosi consigli su alimentazione e benessere, Health Talk con la Dott.ssa Lea Jakob dedicati a sonno, energia, rigenerazione e a come mantenere il nostro corpo vitale e performante nel tempo, approfondimenti su routine salutari, alimentazione, equilibrio intestino-pelle e ottimizzazione della rigenerazione e sessioni individuali opzionali come coaching di Functional Health o analisi della pelle.
Info: www.winklerhotels.com

Il benessere come pratica quotidiana in Sardegna
In Sardegna la longevità è un traguardo raggiunto, tempo vissuto con consapevolezza, in armonia con l’ambiente e con gli altri. Gallicantu, stazzo retreat nel cuore della Gallura rurale, traduce questa visione in un ritiro di quattro giorni, da giovedì 22 a domenica 25 ottobre, pensato per rallentare, riconnettersi e coltivare il benessere come pratica quotidiana. A fare da cornice a Living Well è uno stazzo recuperato e restituito alla vita dopo anni di abbandono, immerso in oltre tre ettari di macchia mediterranea, tra olivastri secolari e rocce di granito. Un luogo che non si limita a ospitare l’esperienza, ma ne diventa parte integrante. La guida scientifica è affidata a Giuseppe Ferraro, antropologo medico con una formazione interdisciplinare che integra antropologia della salute, sociologia ed educazione. Da anni conduce una ricerca sul campo nelle Blue Zone della Sardegna, esplorando la longevità come fenomeno bioculturale e relazionale. Il programma alterna camminate nei boschi della Gallura, sessioni di Tai Chi e Qi Gong, momenti di respirazione e osservazione del cielo, degustazioni di prodotti tipici e laboratori di cucina locale. Elemento simbolico e partecipativo del ritiro è l’Orto Biografico: ogni partecipante potrà mettere a dimora una pianta tipica della Sardegna, lasciando un messaggio personale custodito nella “biblioteca della longevità”, con la possibilità di tornare in futuro a ritrovare ciò che ha piantato.
Info: www.gallicantu.it/

Longevity Retreat al Grand Hotel Terme Di Comano
Otto giorni per rallentare, ritrovare il proprio ritmo e prendersi cura della propria longevità. Nel cuore del Trentino nasce un’esperienza che va oltre la vacanza, pensata per chi desidera vivere meglio e più a lungo. I Longevity Retreat sono soggiorni di 8 giorni che uniscono il potere millenario dell’Acqua Termale di Comano al comfort elegante del Grand Hotel Terme di Comano. Cinque esperienze diverse, un unico obiettivo: ritrovare il proprio equilibrio e rallentare ciò che accelera il tempo. Ogni percorso è dedicato a contrastare uno specifico fattore di rischio per la longevità, con un approccio scientifico, personalizzato e profondamente rigenerante. È possibile scegliere tra Retreat Destress, per chi sente la mente sempre accesa e il corpo in tensione, Retreat Detox, quando è il corpo a chiedere leggerezza, Retreat Movimento, per ritrovare energia, forza e libertà, Retreat Sonno, per ritrovare il proprio ritmo naturale, Retreat Skin Longevity, per proteggere, rigenerare, rallentare l’infllammaging cutaneo.
Info: www.ghtcomano.it

A Merano una full immersion nello Yoga

Yoga Days, tra Ashtanga Vinyasa e pratiche di rilassamento
Dal 9 al 12 novembre a Merano tornano gli Yoga Days, quattro giorni dedicati all’approfondimento dello yoga in un programma che alterna pratica dinamica e rilassamento. Il respiro rappresenta il filo conduttore del percorso, costruito intorno all’Ashtanga Vinyasa Yoga. Le sessioni mattutine sono dedicate alla pratica dinamica delle Asana e alla prima serie dell’Ashtanga Yoga, mentre nel pomeriggio il programma si sposta verso meditazione e Restorative Yoga. L’alternanza tra pratica attiva e momenti di distensione accompagna le giornate secondo una logica di equilibrio tra intensità e recupero. Il programma comprende inoltre momenti di approfondimento sui principi dell’Ashtanga Vinyasa Yoga, tra cui respiro, Asana e Drishti, oltre a due momenti quotidiani dedicati al benessere attraverso shot energizzanti e speciali gettate di vapore accompagnati da healthy smoothie. A guidare le attività sono Omar Mura, insegnante di Ashtanga Vinyasa Yoga con oltre dieci anni di esperienza e una formazione approfondita a Mysore, in India, e Johanna, insegnante certificata con oltre vent’anni di pratica, specializzata in Meridian Yoga e Yin Yoga. Il soggiorno comprende tre pernottamenti, la colazione, il menù serale presso il ristorante Olivi, le sessioni quotidiane di yoga e l’utilizzo degli spazi wellness dell’hotel e delle Terme Merano.
Info: www.hoteltermemerano.it/it

In Thailandia il Wellness Getaway
Wellness Getaway è la nuova formula, flessibile e modulabile che permette agli ospiti di scoprire l’approccio distintivo di RXV Wellness Village al benessere integrato combinando trattamenti medici basati su evidenze scientifiche, terapia attraverso il movimento funzionale e pratiche olistiche. Il nuovo programma Wellness Getaway riunisce gli elementi essenziali di un’esperienza di benessere completa e personalizzata. Ogni soggiorno inizia con una consultazione medica e una valutazione della condizione fisica e della forza muscolare, con l’obiettivo di definire un quadro personalizzato dello stato di salute e del livello di forma fisica di ciascun ospite. Gli ospiti ricevono inoltre un credito di 5.000 THB (circa 130 €), utilizzabile per una selezione di trattamenti o analisi di laboratorio, che consente di personalizzare ulteriormente l’esperienza in base alle proprie esigenze e ai propri obiettivi, con il supporto dei Wellness Advisors di RXV. La formula comprende il soggiorno in una camera Superior, la pensione completa con una proposta gastronomica dedicata al benessere – colazione, pranzo, cena e Wellness Tea Set – oltre che l’accesso ai corsi collettivi di wellness proposti quotidianamente. Anche un soggiorno breve può quindi diventare un’occasione per rallentare, riconnettersi con il corpo e con la mente e tornare alla propria quotidianità con una prospettiva rinnovata, portando con sé nuove abitudini e pratiche da integrare nella vita di tutti i giorni.
Info: https://rxvwellness.com

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

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L’evento è realizzato con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, a riconoscimento del valore culturale e formativo del progetto e del suo impegno verso una moda più responsabile, inclusiva e orientata alla sostenibilità.

Mani in passerella
Niente effetti speciali, solo tessuto, ago e filo. Il sashiko – antica tecnica di cucito e ricamo nata per riparare e rinforzare – viene reinterpretato come codice estetico contemporaneo. Ogni capo è il risultato di un percorso formativo che mette al centro la precisione del taglio, la consapevolezza del processo creativo e il rispetto per il tempo del fare.

Sostenibilità cucita addosso
La sostenibilità di “Becoming One” è un dettaglio che si indossa. Accessori, borse e scarpe chiudono i 18 look con una grammatica comune: recupero, artigianalità e rispetto per la materia. Gli accessori nascono dalle mani delle sarte di Spazio 3R – Riciclo, Ricucio, Riuso Impresa Sociale, che trasformano le rimanenze dei tessuti della collezione in piccoli oggetti di stile, rinnovando l’impegno dell’associazione nella formazione sartoriale delle nuove generazioni a Milano. Le borse sono firmate KATIA: modelli in limited edition e pezzi realizzati con materiali esclusivi recuperati da rimanenze di produzione, per una moda che fa dello scarto una risorsa. Le scarpe sono di Sarangelini, dove passione, selezione rigorosa delle materie prime e attenzione millimetrica al dettaglio disegnano un’eleganza senza tempo, in dialogo con i trend internazionali e radicata nella qualità artigianale del territorio. A completare il percorso, un pensiero speciale di Trama Plaza, realtà milanese attiva nel tessile con una forte attenzione alla cultura del tessuto e alla filiera: un gesto concreto per tenere viva la memoria dell’impegno nella sostenibilità, obiettivo fondamentale dell’organizzazione.

Becoming One: insieme, senza perdere l’identità
Il titolo racconta il cuore del progetto: individualità diverse che collaborano per un risultato condiviso, senza annullarsi. Inclusione, crescita reciproca e valorizzazione della persona passano attraverso il lavoro di squadra in backstage, dove allievi e sarte vestono le modelle e curano ogni dettaglio dei look.

MP Moda: oltre 30 anni di formazione nella moda
Fondata in Italia nel 1991 e consolidata a San Marino nel 2014 grazie a Maria Pidalà, MP Moda International Fashion School ha sviluppato un metodo inedito di modellistica basato su formule matematiche, rivolto alla formazione di allievi stilisti. La scuola ha portato le creazioni dei suoi studenti nelle principali occasioni della moda. I diplomati aprono sartorie autonome o entrano nelle migliori aziende di progettazione, taglio e confezione.

press@terenzis.com

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Nel cuore di Milano, a pochi passi da Via Montenapoleone, Fashion Vibes Milano ha presentato, in occasione della Milano Fashion Week, un progetto espositivo dedicato all’incontro tra moda, arte, design e alto artigianato internazionale.

Dalle 11:00 alle 21:00, gli spazi storici del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, hanno ospitato la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom: un percorso concepito per valorizzare il talento indipendente attraverso una modalità di fruizione più intima, lenta e attenta al dettaglio.

Abiti, borse, calzature, gioielli, accessori, oggetti di design e opere d’arte hanno condiviso lo stesso spazio, costruendo un racconto nel quale discipline e culture differenti si sono incontrate attraverso un elemento comune: il valore dell’idea, della ricerca e del gesto creativo.

UNA GEOGRAFIA INTERNAZIONALE DELLA CREATIVITÀ

Dalla Georgia agli Stati Uniti, passando attraverso differenti linguaggi estetici e tradizioni artigianali, la Art Gallery ha riunito realtà creative capaci di interpretare il contemporaneo attraverso identità fortemente riconoscibili.

OTANADZE ha portato a Milano il sapere artigianale georgiano attraverso una selezione di orologi, eyewear e gioielli in legno. Venature e caratteristiche naturali della materia diventano parte integrante del progetto, esprimendo una concezione del lusso legata al tempo, alla manualità e alla conoscenza artigianale.

Con JANELIDZE COLLECTION, l’accessorio è diventato espressione di identità. Borse, calzature e accessori hanno messo in dialogo pelle, elementi materici, dettagli in legno e lavorazione artigianale, presentando ogni creazione non come semplice complemento, ma come autentico oggetto di design.

SHILIFI ha introdotto nel percorso la dimensione dell’abbigliamento. Fuori dal ritmo della passerella, le creazioni hanno potuto essere osservate da vicino, restituendo centralità alla silhouette, alle proporzioni, alla costruzione e alla materialità del capo.

Con ZILFI Handmade, il gioiello si è trasformato in racconto. Forme organiche, pietre semipreziose e riferimenti alla natura e alla cultura georgiana — tra cui la vite e i grappoli d’uva — hanno dato vita a creazioni esposte come piccole sculture, sospese tra gioielleria, memoria e arte.

DIVA by Nour ha portato nella Art Gallery una visione della femminilità fondata sull’eleganza, sulla presenza e sull’identità. La moda diventa così non soltanto espressione estetica, ma linguaggio attraverso il quale raccontare sensibilità, cultura e visione personale.

Dagli Stati Uniti, SAHRA ATELIER, fondato dalla designer e Creative Director Sahra Bukhari, ha esplorato il confine tra fashion design e collectible art. Borse scultoree, costruzioni geometriche, curve organiche e capispalla couture hanno raccontato un universo creativo nel quale moda, arte, architettura e natura si incontrano. Particolare attenzione è stata dedicata al progetto “Threads of Hope — Future Voices”, in cui couture, immaginario infantile e impegno sociale convergono in un’unica opera. L’abito, nato da un percorso creativo che coinvolge anche la figlia della designer, utilizza colori, segni e disegni legati all’universo dei bambini per parlare di infanzia, sogni, speranza e futuro. Dopo Milano, il progetto proseguirà negli Stati Uniti nell’ambito di un’iniziativa benefica.

DANIEL SALVI — L’ARTE ENTRA NEL RACCONTO DELLA MODA

La presenza dell’artista Daniel Salvi ha aumentato la dimensione culturale del progetto. Le sue opere sono state integrate nel percorso non come elementi scenografici, ma come parte della narrazione visiva della Art Gallery.

Tra queste, “At Last, the Rain Came — E alla Fine, Venne la Pioggia” (2023), opera di 80 × 120 cm realizzata in mixed medium digital art e stampata su carta 100% cotone, affronta attraverso la figura femminile temi legati al dolore, alla memoria e alla progressiva accettazione della fine di un amore. Arte e moda hanno così condiviso lo stesso spazio senza gerarchie, come linguaggi differenti accomunati dalla capacità di trasformare un’idea, un’esperienza o un’emozione in forma.

FASHION VIBES MILANO — OLTRE LA PASSERELLA

Durante l’intera giornata, la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom ha accolto pubblico, ospiti internazionali e professionisti della fashion industry, offrendo un’esperienza complementare alla passerella.

Nel ritmo intenso della Milano Fashion Week, il progetto ha scelto di restituire tempo alla creatività: tempo per osservare, scoprire, incontrare e comprendere ciò che esiste dietro un oggetto e dietro chi lo ha creato.

Con la Art Gallery & Showroom, Fashion Vibes Milano allarga così il proprio universo oltre il runway e costruisce uno spazio nel quale un designer indipendente può dialogare con un artista, un gioiello può essere osservato come una piccola scultura, una borsa può diventare collectible design e un abito può trasformarsi in veicolo di solidarietà.

Una visione che considera la moda non come un universo isolato, ma come parte di un paesaggio culturale più ampio.

Moda. Arte. Design. Artigianato. Cultura.

Linguaggi diversi che, per un giorno, hanno abitato lo stesso spazio nel cuore di Milano.

FASHION VIBES MILANO ART GALLERY & SHOWROOM
24 settembre 2026 | 11:00–21:00
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8 — Milano, Montenapoleone

Fashion Vibes Milano Creative Agency
Founder, Art Director & Producer — Yuliia Palchykova
fashion-vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

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Moda come linguaggio, identità e trasformazione.
È da questa visione che nasce NEXT CHAPTER, la nuova edizione di Fashion Vibes Milano, ideata, diretta e prodotta da Yuliia Palchykova, Founder & Art Director di Fashion Vibes Milano, andata in scena il 24 settembre durante la settimana della Moda Donna a Milano. Sono state presentate le collezioni S/S 2027 firmate ISFERRA, ROVEL, HELENA D’OR e Atelier Mila Gross.

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ha riunito designer, artisti, professionisti del settore, media, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e alla contaminazione tra linguaggi diversi.

Abbinata alle sfilate è stata presentata la Runway, Art Gallery & Showroom, un format impostato sugli accessori, dove beauty e networking hanno dato vita a una visione comune: creare un incontro tra talenti, artigianato, culture e nuove forme di espressione di paesi lontani ma riuniti in una unica mission, la moda, il talento e  l’artigianato.

NEXT CHAPTER: UN NUOVO RACCONTO

 NEXT CHAPTER nasce dal concetto di evoluzione.
Ogni collezione rappresenta un passaggio, una trasformazione, una nuova pagina. In un momento in cui la moda internazionale continua a ridefinire i propri linguaggi, Fashion Vibes Milano sceglie di mettere al centro l’identità creativa e la libertà di espressione.
Fashion Vibes Milano, sotto la direzione artistica  di Yuliia Palchykova, continua così a sviluppare un format internazionale che supera il concetto tradizionale di sfilata, creando un punto d’incontro tra fashion, art, beauty, media e culture diverse.
La passerella diventa non soltanto un luogo di presentazione delle collezioni, ma uno spazio nel quale ogni designer può raccontare, nelle sue creazioni,  la propria storia, ma anche identità e  visione del futuro.

QUATTRO VISIONI DELLA SPRING/SUMMER 2027

Ad aprire la passerella è stata ISFERRA, da Dubai, con la collezione “Nova Era”. Un progetto che, già dal titolo, introduce il tema di un nuovo inizio e di una nuova energia, aprendo simbolicamente il racconto di NEXT CHAPTER.

Dall’Australia, ROVEL ha presentato “The Women Before Me”, una collezione che esplora femminilità, memoria e il legame con le donne che ci hanno preceduto, mettendo in dialogo passato e contemporaneità attraverso una prospettiva personale.

Dal Brasile, HELENA D’OR ha portato in passerella “FASES”, un racconto dedicato alle trasformazioni e alle molteplici dimensioni dell’universo femminile.

A chiudere lo show, Atelier Mila Gross ha presentato “Baroc – coraźon”, completando il percorso della serata con una proposta dalla forte componente espressiva e scenica.

Quattro universi indipendenti e quattro differenti identità creative hanno così anticipato una Spring/Summer 2027 vibrante, luminosa e internazionale, nella quale convivono memoria e futuro, femminilità e trasformazione, ricerca e libertà creativa.

DIETRO LA PASSERELLA
La Beauty Direction è stata affidata a Luciano Carino, che insieme al team di hairstylist e make-up artist ha curato la preparazione dei modelli e la costruzione delle differenti identità beauty dello show.

MILANO COME PUNTO D’INCONTRO

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ideato e organizzato ormai da nove anni da Yuliia Palchykova ha riunito designer, artisti, media partner, stampa, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e all’incontro tra differenti linguaggi creativi.

Dopo le sfilate, la serata è proseguita con cocktail party e DJ set, per un doveroso ringraziamento e riconoscimento ai designer e alle loro produzioni, agli ospiti, ai giornalisti, un evento che non ha presentato solo nuove collezioni, ma un prezioso di dialogo e nuove relazioni all’interno di un contesto internazionale.

FASHION VIBES MILANO
“NEXT CHAPTER” — Collezioni Spring/Summer 2027

Founder, Art Director & Producer: Yuliia Palchykova

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano

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Sospesa tra realtà e suggestione cinematografica, Casablanca diventa il punto di partenza di un viaggio fatto di luce e contrasti: il bianco delle architetture, il blu dell’Atlantico, le tonalità minerali della pietra e i colori intensi delle spezie e della terra. Un paesaggio visivo che la PE27 traduce in materiali, forme e lavorazioni attraverso il savoir-faire Borsalino.

L’eleganza di Ingrid Bergman trova una delle sue espressioni più dirette nel capitolo Ultra Feminine. MOUNA, nuova visiera in raso lucente, incorpora un lungo foulard dalla vestibilità versatile; TAMARA, nella paglia cucita più fine della collezione, associa una grande falda spiovente a una maxi-cinta tricolore. FRIDA, infine, reinterpreta la classica magiostrina con una linea più femminile e strutturata, caratterizzata da tesa media e piatta e calotta profonda.

Anche la palette attraversa l’immaginario del film e i suoi protagonisti. Royal Casablanca richiama il bianco delle architetture e dello smoking di Bogart; Self Tie il nero del suo papillon; Humphrey Trench l’iconico trench coat e Ingrid Rose le delicate tonalità pastello di Bergman. Tamaris Blue guarda all’Atlantico e ai cieli marocchini, mentre Spice Ocra, Medina Brown, Tajine Red e Café Americain evocano pietra, terra, spezie, mercati e atmosfere del film.

Dall’immaginario cinematografico, il viaggio entra così nella Casablanca reale. Le architetture della città aprono il racconto attraverso il tema degli Areati. Gli intrecci delle aperture arabeggianti, concepite per lasciar scorrere l’aria nelle ore più calde, sono trasposti sulle cupole dei modelli semi-ventilati FERRAC, dall’incapatura pork pie e tesa country, e CLAUDE, dove le geometrie create dalle mani esperte ecuadoregne rendono ogni esemplare unico. Nella cloche LISA, il motivo traforato percorre invece la tesa creando giochi di luce e ombra sul volto. L’effetto areato ritorna in ILLY, nella combinazione di canapa e fibra di cellulosa intrecciata e applicata manualmente con un movimento wave, e in KOKO e KIKKA, dove il punto maglia in cotone richiama le aperture scolpite dei minareti.

Il viaggio entra poi negli Interni marocchini, tra fibre naturali, mélange e armonie cromatiche calde sottolineate dal contrasto con il nero. Ne è espressione FEDERICO, modello iconico reinterpretato in una rafia mélange naturale e color caffè realizzata appositamente in Madagascar.

Dagli interni lo sguardo si sposta verso cortili, moschee e palazzi attraverso gli Zellige, composizioni geometriche di piccole tessere ceramiche colorate che diventano nastri e intrecci. Il motivo percorre la cinta di CLAUDE, in rafia naturale sbiancata, e le intere superfici di MEDEA e MARGOT, mentre nel country TOKYO incontra il papier giapponese, fibra dalla finitura cerata che dona morbidezza, lucentezza e maggiore resistenza.

Il patrimonio decorativo marocchino prosegue con Casablanca Majolica. Protagonista è SOPHIE, forma iconica della Maison impreziosita da una cinta in pelle con minuscole tessere e pietre applicate a mano. Nella versione in Panama semicrochet, la decorazione diventa trasformabile: la cinta a tre sezioni, caratterizzata sul retro da un fiocco d’archivio del 1942, può essere rimossa dal cappello e indossata come bandeau.

La Maroquinerie esplora invece la tradizione marocchina della lavorazione della pelle attraverso camosci, incisioni e dettagli funzionali. COUNTRY LAMBS e CLAUDETTE presentano cinte in camoscio lavorate al laser per evocare la cannettatura del classico gros grain di Borsalino; INDIANA, grazie a un filo armonico inserito nella tesa e a una cinta in suede amovibile, può modificare la propria vestibilità ed essere arrotolato con facilità. LASLO, in canapa brisa, combina una cinta in pelle intarsiata con dettagli metallici ai lati della cupola che favoriscono l’areazione, mentre il camoscio veste il baseball OTIS e arricchisce i profili di GOLFER e VINCENZO.

Il dialogo tra cappello e accessorio si estende, per la Primavera/Estate 2027, anche alla collezione di borse Borsalino, realizzata in licenza con GAMAT. Le forme e i codici distintivi della Maison vengono riletti attraverso nuove proporzioni e funzioni: KOKO trasforma la silhouette del cappello in una struttura in rafia crochet, mentre VORTEX nasce dal gesto di capovolgerne la forma, avvolta da briglie in pelle che richiamano una spirale. PANAMA SIGN trasferisce su tote e bucket bag la tela di cotone e i contrasti materici del mondo Borsalino, mentre LOLA evoca attraverso la propria costruzione il profilo della calotta. Rafia, raso, camoscio, pelle e gros grain costruiscono così un guardaroba di accessori pensato in continuità con il cappello, fino a dettagli funzionali che permettono, in alcuni modelli, di agganciarlo direttamente alla borsa.

Nell’anno del 170° anniversario di Borsalino, il viaggio nella memoria cinematografica diventa anche occasione per riscoprire il patrimonio della Maison. Tornano così alcune storiche cinte custodite negli archivi: Razzo, ideata nel 1939 sull’onda della corrente futurista, con il fiocco spostato verso il retro; Ape Bicolore, del 1942, che porta sul davanti alcuni degli elementi tradizionalmente posteriori del fiocco Borsalino; e Tati, reinterpretata sul bandeau in pelle di ispirazione maiolica. Elementi con oltre ottant’anni di storia vengono riletti attraverso materiali, proporzioni e forme contemporanee, creando un dialogo diretto tra l’heritage della Maison e la PE27.

A 170 anni dalla sua fondazione, Borsalino guarda così a Casablanca non come a un’immagine da riprodurre, ma come a un universo da reinterpretare in cui passato e presente si incontrano, riaffermando la capacità di Borsalino di trasformare la propria storia in un linguaggio sempre contemporaneo.

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Lug Von Siga sceglie Milano per raccontare il proprio universo creativo e presenta alla Milano Fashion Week la collezione Primavera/Estate 2027, Il Silenzio. Il brand fondato a Istanbul da Gül Ağış porta nel cuore della scena internazionale il patrimonio artigianale e culturale dell’Anatolia, reinterpretandolo attraverso uno sguardo contemporaneo e dando vita a un dialogo tra memoria, identità e presente.

Il debutto milanese apre una nuova pagina nel percorso di Lug Von Siga, che approda in Italia con una collezione capace di racchiudere i codici distintivi della maison: la ricerca sulle lavorazioni artigianali, la sensibilità per il dettaglio e un’estetica profondamente legata alle proprie radici culturali. Fondato a Istanbul nel 2010, il brand ha sviluppato negli anni una forte identità creativa, affermandosi progressivamente sulla scena internazionale e raggiungendo oggi circa 80 punti vendita nel mondo. Milano rappresenta così un nuovo passo nel consolidamento della presenza di Lug Von Siga in Europa.

Sotto la direzione creativa di Gül Ağış, Lug Von Siga costruisce il proprio linguaggio attraverso l’incontro tra patrimonio culturale e sensibilità contemporanea, reinterpretando le tradizioni artigianali anatoliche attraverso silhouette raffinate e un uso distintivo del ricamo. Gül Ağış ha trascorso dieci anni a Milano, tra formazione e carriera professionale, prima di fare ritorno a Istanbul e fondare Lug Von Siga. Il ritorno in città con il proprio brand unisce così una storia personale al percorso internazionale della maison.

Per il suo debutto, Lug Von Siga presenta una collezione plasmata dalla forza del silenzio. Più che un’assenza, il silenzio diventa uno spazio in cui emozioni, ricordi e connessioni si fanno più intensi.

La collezione esplora quei momenti di quiete in cui lo sguardo si volge verso l’interno, aprendo uno spazio intimo di ascolto e consapevolezza: una connessione silenziosa con il divino, la nostalgia per qualcuno che amiamo o le parole che scegliamo di non pronunciare e che custodiamo dentro di noi. Ispirata all’universo spirituale e poetico di Rumi e Shams, Il Silenzio riflette sull’amore, sul desiderio, sulla devozione e sui legami invisibili che esistono al di là delle parole.

Un simbolo ricorrente nella collezione è il fazzoletto, radicato in un’antica tradizione anatolica. Scambiato tra gli innamorati al momento della separazione, porta con sé il ricordo della persona amata e la speranza di un ricongiungimento. In Il Silenzio, il fazzoletto diventa simbolo di amore, desiderio, ritorno e delle parole rimaste non dette.

Al cuore della collezione prende forma un dialogo tra passato e presente, in cui il design incontra il sapere artigianale. Le delicate lavorazioni dei corredi delle nonne, custodi di gesti antichi e memorie d’infanzia, vengono rilette attraverso lo sguardo di Gül Ağış, che ne preserva l’intimità e il valore evocativo traducendoli in un linguaggio attuale. Un omaggio alla tradizione anatolica e alla bellezza del fatto a mano, capace di attraversare il tempo e assumere nuove forme.

La palette cromatica si muove tra bianco, bianco sporco e delicate tonalità traslucide, creando una sensazione di leggerezza, purezza e quiete. Tessuti velati e trasparenti, seta, georgette e taZetà si combinano con materiali tecnici, accostando texture e sensibilità contrastanti per esprimere il dialogo tra passato e presente, tradizione e innovazione. Tessuti fluidi incontrano superfici più strutturate, mentre intricati dettagli artigianali interrompono le linee pulite della collezione.

Per Lug Von Siga, il silenzio è anche una forma di lusso. È il lusso del tempo, della pazienza e delle cose realizzate lentamente. Si ritrova nei dettagli che non possono essere aZrettati, nell’esperienza accumulata nel tempo e nella profondità silenziosa che nasce dall’osservazione e dalla dedizione al design.

A volte le emozioni più profonde non risiedono in ciò che viene detto, ma in ciò che rimane inespresso. Il Silenzio sussurra delicatamente, eppure custodisce una profonda connessione con la propria anima.

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La collezione esplora il concetto di leggerezza attraverso una sartorialità impalpabile, accessori in lucite e palette cromatiche ottenute dalla sovrapposizione di veli trasparenti. Ogni elemento contribuisce a costruire silhouette eteree e dinamiche, pensate per accompagnare il corpo nel suo continuo desiderio di aria e libertà. A fare da eco a “Under the sun beneath the rainfall “di Logic1000 — colonna sonora che ha accompagnato il team durante il processo creativo —, “la vera sfilata è quella che va in scena per strada”.

I codici della sartoria conservano la memoria del completo e la reinterpretano attraverso voile gessato, viscosa e lana. Pannelli aperti e costruzioni inattese generano giochi di trasparenze e illusioni ottiche, ridefinendo la grammatica del tailoring. Un bermuda si cela sotto il pantalone gessato, introducendo una nuova idea di formalità: rigorosa solo in apparenza, pronta a dischiudersi alle esigenze della stagione con naturale disinvoltura. Una giacca dalla struttura netta incontra pantaloni dalla gamba morbida e arrotondata, in un equilibrio studiato tra precisione e movimento. Il colore, infine, si costruisce per stratificazioni successive, sovrapponendo tonalità e trasparenze come gli strati di un mille-feuille.

La palette cromatica richiama le sfumature perlacee dell’acqua attraverso il vetro, muovendosi dai grigi polverosi fino a intensi toni gemma. La trasparenza diventa materia nell’organza di seta, declinata nelle tonalità dell’écru, dell’arancio e del rosa blush, sovrapposte per generare gradienti inediti, sottili variazioni di luce e profondità. Una tovaglia d’epoca in pizzo veneziano viene sottratta alla sua funzione originaria e trasformata in una stampa che riaffiora sotto un trench in organza, in un continuo gioco di rivelazione. Lunghe cinture e sottili cinturini avvolgono e definiscono i volumi di silhouette fluide, trattenendo forme leggere, quasi sospese, che sembrano concepite per lasciarsi attraversare dalla brezza.

La pelle intraprende un percorso di decostruzione: nappa e suede dalla mano morbida si trasformano in gonne essenziali, giacche e cappotti smanicati, attraversati da pannelli convertibili che aprono la silhouette e lasciano il corpo libero di respirare. Il denim fluido dialoga con revers sartoriali in trompe-l’œil, ricreati attraverso impunture sul petto. Una nuova idea di eleganza estiva prende forma, sospesa tra rigore sartoriale e libertà costruttiva. L’architettura diventa principio di costruzione.

Sportmax nasce nel 1969 come specchio del proprio tempo, un’eredità che il brand persegue tuttora attraverso un casting eterogeneo e generazionale. La maglieria guarda al linguaggio dei costumi da bagno cut out e alle loro lavorazioni a coste, introducendo l’idea di una fuga al mare al termine della giornata lavorativa. Calzature e gioielli mantengono la trasparenza su tutta la collezione: ciabattine con inserti a contrasto, décolleté con tacco effetto scultura di ghiaccio e sculture di vetro che affiorano da un polsino o si velano sotto scollature impalpabili.

La collezione si spoglia di tutto ciò che la stagione non permette più: il rigore e l’opacità. Ciò che rimane è un guardaroba impalpabile e al contempo funzionale. Come i maestri vetrai di fronte alla fornace, Sportmax plasma il calore per dare forma a una leggerezza e a una trasparenza ricche di sfumature.

STYLIST: JACOB K
MAKE UP: SIDDHARTHA SIMONE
HAIR: DAMIEN BOISSINOT SPONSORSHIP WITH ghd
MUSIC: SENJAN JANSEN
CASTING: AND CASTING

SPORTMAX.COM  #SPORTMAXSS27  #SPORTMAX

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«Il glamour non deve necessariamente essere qualcosa di prevedibile. Può essere ovunque, su chiunque. È uno spirito, è il modo in cui ci si sente. Questa idea ha davvero ispirato la collezione: il concetto di contrasti e contraddizioni, di Jimmy Choo non come un look, ma come un’energia, una sensazione. Volevo creare qualcosa di istintivo, ricco di possibilità».

IZU è una silhouette emblematica di Jimmy Choo, un sabot peep-toe su un sottile tacco da 85 mm. Ma ciò che ci si aspetta può trasformarsi in qualcosa di inaspettato, acquisendo nuove sfumature. L’accattivante motivo maculato, ispirato alla pelle di serpente a pois elaphê presente negli archivi, viene reinterpretato attraverso una stampa monocromatica su pelle nappa color latte. L’impulso decorativo prosegue con una vistosa spilla applicata sulla tomaia, realizzata con perline in resina turchese e cristalli, per un contrasto vibrante. Un altro dettaglio tipicamente Jimmy Choo, che celebra l’opulenza gioiello.

Giocando con i contrasti, lo stesso motivo elaphê monocromatico viene utilizzato con un effetto completamente diverso sulla slingback EYLA, caratterizzata da un tacco basso da 45 mm e da una punta nera smussata, che le conferiscono un’attitudine perfetta per il giorno. Ma, in fondo, che cosa definisce il giorno o la sera, l’essere eleganti o casual? Il glamour dinamico e sensuale che permea Jimmy Choo offre libertà e possibilità di giocare con gli opposti, portando modelli stravaganti ed eccezionali nella quotidianità.

La delicata décolleté COKO in raso, impreziosita da un corsage floreale bicolore con petali rosso rubino e rosa macaron, può passare con disinvoltura dalla dimensione spettacolare a quella quotidiana. Una scelta che riflette non tanto l’occasione, quanto l’attitudine che da sempre definisce la donna Jimmy Choo. Il corsage diventa inoltre un dettaglio della silhouette più pratica e dal tacco basso della EYLA, in pura nappa color latte.

All’insegna di una versatilità da indossare in qualsiasi momento e in qualsiasi luogo, la grafica ELLIS, un loafer proposto sia in versione flat sia con tacco squadrato da 65 mm, esplora la forza del bianco e del nero attraverso il contrasto tra pelle naplak lucida e stropicciata. Una scelta che esprime personalità, individualità e diversità, in una patina volutamente imperfetta, simile ai segni lasciati dalla vita vissuta.

Si tratta di un’inversione dell’approccio caratteristico di Jimmy Choo: invece di declinare i tacchi alti in una gamma di altezze inferiori, ELLIS gioca con il processo inverso, elevando il loafer attraverso una nuova interpretazione delle proporzioni.

Nel mondo degli accessori, la famiglia CINCH si evolve attraverso nuove interpretazioni. Riflettendo i caratteri e lo stile di vita della donna Jimmy Choo, la CINCH TOP HANDLE traduce la leggerezza e la femminilità delle morbide arricciature che le danno il nome in dettagli laterali sottilmente sagomati, affiancati dalla sicurezza di una chiusura frontale con patta e dell’iconica fibbia.

Dalle dimensioni compatte, può essere indossata a tracolla oppure a mano. Proposta in un intenso color ciliegia oppure in pelle di vitello elaphê monocromatica, rappresenta un ulteriore ampliamento del guardaroba di accessori del brand. Questa nuova silhouette è accompagnata dalle varianti cromatiche stagionali della CINCH e dalla CINCH CLUTCH, sospesa a una catena sfaccettata color oro.

Accanto a queste novità, un’icona Jimmy Choo viene reinterpretata. BING, una delle silhouette più amate della maison, si trasforma nella BING MARYJANE. Al posto della brillantezza decorativa del modello originale, l’attenzione si concentra sulla silhouette come elemento distintivo, attraverso il gioco di proporzioni tra la scollatura bassa e il cinturino che attraversa il collo del piede.

Questa nuova versione viene proposta in materiali dalla provocatoria ispirazione maschile: una ricca nappa color ciliegia e bordeaux intenso e un flanella grigia a motivo incrociato, entrambi sottili richiami ad alcuni dei primi modelli Jimmy Choo degli anni Novanta.

Anche il tacco DROP di Jimmy Choo viene rinnovato. Il suo volume viene enfatizzato attraverso un diverso equilibrio delle proporzioni e reinterpretato nella mule ORIA. La delicata decorazione con micro-borchie sferiche disegna un motivo floreale sulla nappa color nocciola: la forma di una rosa inglese, un legame indissolubile con le origini e il cuore della maison.

Morbidissima nei materiali e nella costruzione, ma al tempo stesso grintosa e ribelle nell’attitudine, la collezione invita a esplorare stampe trompe-l’œil effetto denim su pelle pregiata, proposte anche sui modelli RESA slingback e MARGOT lace-up.

Del resto, il denim è l’uniforme del XXI secolo: qui, reinterpretato attraverso una pelle lussuosa, diventa parte dell’uniforme Jimmy Choo.

La collezione Primavera 2027 è stata presentata durante la Milano Fashion Week, all’interno di uno spazio sereno che evocava una biblioteca o una galleria museale. Slegato da riferimenti temporali o geografici, proprio come il caratteristico gioco di opposti di Jimmy Choo, l’ambiente si colloca contemporaneamente tra passato e presente, tra antico e moderno.

Una cornice contemplativa per una maison che entra in un nuovo decennio, celebrando il suo trentunesimo anno.

A dominare lo spazio, per tutta la durata della presentazione, sono statue dorate a grandezza naturale. Studi iperrealistici di una donna Jimmy Choo mitizzata, colta nel mezzo di una trasformazione mentre passa dal giorno alla notte, da uno stato d’animo all’altro, da un’identità all’altra.

In questo scenario, la sua presenza e il suo carattere vengono amplificati dalle scarpe e dagli accessori che indossa.

Nate da un meticoloso processo che armonizza tecnologia e lavoro manuale, le sculture rappresentano un’appropriata espressione dell’approccio di Jimmy Choo a ogni singola creazione: senza fretta, rigoroso e pensato per durare nel tempo.

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Ci sono prodotti beauty che conquistano con la loro semplicità, trasformando la skincare quotidiana in un piccolo rituale di benessere. È il caso di FLUÉA Crema Gel Viso Lenitiva, un trattamento dedicato alle pelli sensibili e reattive che punta su freschezza, idratazione e comfort, con una texture leggera che rende piacevole ogni applicazione.

L’abbiamo provata nella routine viso quotidiana e sono proprio la consistenza e la sensazione sulla pelle gli aspetti che colpiscono fin dal primo utilizzo.

Una texture fresca, leggera e piacevole

La prima impressione è quella di una crema dalla consistenza fresca e leggera, ideale per chi non ama i trattamenti troppo corposi e cerca un prodotto che accompagni la pelle senza appesantirla.

FLUÉA si stende facilmente sul viso e si assorbe rapidamente, lasciando una piacevole sensazione di morbidezza. Un dettaglio tutt’altro che secondario, soprattutto quando si desidera una skincare pratica, da inserire senza difficoltà nella routine del mattino, prima del make-up, oppure la sera, dopo la detersione.

La sensazione dopo l’applicazione è quella di una pelle morbida e idratata, piacevole al tatto, senza la necessità di attendere a lungo prima di proseguire con gli altri gesti della propria beauty routine.

È proprio questa combinazione tra leggerezza e comfort a rendere interessante il trattamento: una crema che non richiede rituali complicati e che si presta a diventare un gesto quotidiano di cura personale.

Idratazione e morbidezza: il piacere di prendersi cura della pelle

Quando si parla di pelle sensibile, la scelta dei cosmetici richiede un’attenzione particolare. La sensazione di pelle che tira, la secchezza e la reattività possono rendere meno piacevole anche la routine più semplice.

La Crema Gel Viso Lenitiva FLUÉA si rivolge proprio a questa esigenza, presentandosi come un trattamento destinato alle pelli sensibili e reattive, con un’azione dichiarata lenitiva, idratante e riequilibrante.

Nella nostra esperienza, il punto di forza è la sensazione immediata di morbidezza e idratazione che accompagna l’applicazione. La texture fresca e il rapido assorbimento contribuiscono a rendere il prodotto particolarmente piacevole da utilizzare, soprattutto per chi predilige formulazioni leggere.

Naturalmente, la risposta della pelle può variare da persona a persona: la tollerabilità e i risultati nel tempo dipendono dalla formulazione completa e dalle caratteristiche individuali.

Anche il packaging conquista

A completare l’esperienza c’è un packaging che punta su un’estetica essenziale e contemporanea. Il verde, protagonista della confezione, richiama un immaginario naturale e comunica immediatamente un senso di freschezza, mentre il bianco del tappo crea un contrasto luminoso e pulito.

A chi la consigliamo? A chi cerca una crema gel dalla consistenza leggera, ama le texture fresche e desidera un trattamento viso orientato all’idratazione e al comfort quotidiano, con una particolare attenzione alle esigenze delle pelli sensibili.

Una piccola coccola beauty che ricorda quanto, nella skincare, siano spesso la semplicità e la piacevolezza dei gesti a fare la differenza.

Perché prendersi cura della pelle non significa soltanto scegliere un prodotto, ma ritagliarsi ogni giorno un momento tutto per sé.

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Da 10 anni YSL Beauty è il punto di riferimento per i cushion foundation in Asia. Oggi YSL Foundation è pronta a scrivere un nuovo capitolo. Sviluppando per la prima volta un cushion adatto al mercato ed alle consumatrici occidentali.

Il nuovo YSL Skin Affair Soft Glow Cushion Foundation è disponibile in 10 tonalità, offre una texture leggera e regala un finish luminoso soft-glow, ovunque. Leviga la pelle minimizzando pori e imperfezioni, per un incarnato impeccabile e naturale. Il tutto racchiuso in una formula pratica, senza fuoriuscite di prodotto, custodita in un oggetto del desiderio da portare in borsa per chi è sempre in movimento.

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PER UN FINISH IMPECCABILE, SEMPRE E OVUNQUE
Protagonista della campagna di YSL Skin Affair Soft Glow Cushion Foundation, la YSL Global Ambassador Dua Lipa si innamora al primo tap. Per lei Skin Affair non è solo un fondotinta ma un vero e proprio accessorio couture, elegante come una clutch e compatto al punto da poter essere portato ovunque.

“YSL Skin Affair è l’alleato perfetto per l’incarnato di chi ama il beauty ed è sempre in movimento. Naturalmente può essere utilizzato a casa come primo step della routine make-up, ma il suo vero valore aggiunto è la possibilità di ritoccare il make-up durante la giornata. Il finish è leggero ma modulabile, così da mantenere sempre l’aspetto naturale della pelle, e dona una luminosità soft-glow. L’applicatore integrato permette di tamponare il prodotto con estrema precisione, esattamente dove serve e quando serve.“

Afferma Sam Visser, YSL Beauty Global Makeup Artist.

Nel visual hero della nuova campagna YSL Skin Affair, Dua Lipa incarna il glamour contemporaneo dell’alta moda, adagiata all’interno di un taxi dai morbidi interni in pelle color cuoio. Stringendo tra le mani il cushion compatto in rosa perlato, la scena cattura un momento di eleganza cinematografica e lusso raffinato.

Il suo make-up sprigiona una luminosità radiosa, con un incarnato uniforme grazie a YSL Skin Affair Cushion Foundation nella tonalità MN7, che crea una base luminosa, successivamente scolpita con All Hours Hyper Bronze nella nuance 03 Golden Medina.

Un delicato tocco di Make Me Blush Blurring Blush Powder nella tonalità 37 Peachy Nude viene applicato sulle guance per donare un effetto naturalmente fresco e luminoso.

Lo sguardo viene valorizzato da una sfumatura ombré marrone chiaro realizzata con Couture Mini Clutch 720 Captivating Dunes, mentre le ciglia sono definite con Lash Latex 01 Black, che dona profondità e intensità cinematografica agli occhi.

Il look è completato da un nude lip combo composto da YSL Lovenude Lip Blusher 01 Undressed Pink, YSL Lovenude Kiss Shaper 102 Tan Line e un velo di YSL Loveshine Candy Glaze 2 Healthy-Glow Plumper.

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La silhouette cambia punto di vista. Il seno si nasconde, mentre clavicole e spalle diventano protagoniste. Maxi blazer e trench acquistano nuove proporzioni, mentre pelle, trasparenze e ciclisti portano elementi dello sportswear dentro una dimensione più sofisticata e notturna.

Il corpo rimane al centro, ma viene raccontato attraverso una nuova idea di seconda pelle. Il collant diventa abito, gonna, top e guanto. Una superficie che aderisce alla figura e ne segue le linee, trasformando un elemento quotidiano in un codice di sensualità. Il corsetto, ormai firma della maison, continua a definire il punto vita, mentre il dolcevita gioca con la trasparenza: il collo alto, tradizionalmente associato a una costruzione più rigorosa, diventa in questa collezione un capo estremamente femminile.

La decorazione si fa più ricercata e meno letterale: la micro stampa Jaguar incontra le maxi paillettes, creando un ricamo dalla superficie irregolare e contemporanea. Pelle con stampa anguilla e PVC con stampa coccodrillo, mentre il jersey viene lavorato attraverso prapping che ne modificano la superficie e accompagnano il movimento del corpo.

La palette parte da cammello, tabacco e nero. Nude e rosa si mescolano al Red Velvet, intenso e deciso. Anche il giorno mantiene una forte identità femminile: Oxford, denim e grigio mélange vengono esaltati attraverso silhouette precise e dettagli che riportano sempre l’attenzione sul corpo.

Gli accessori seguono la stessa logica di contrasti e proporzioni. Stivali dritti al ginocchio e mule infradito alternano rigore e sensualità. Le borse non cercano una via di mezzo: sono grandi o clutch, definite da volumi e proporzioni opposte.

È proprio nell’incontro tra tutti questi elementi che prende forma la donna della Spring Summer 2027. Una donna che mantiene intatto il codice femminile del brand, ma lo porta in una direzione più contemporanea e meno convenzionale. La sartoria incontra lo sportswear, il giorno dialoga con la notte, la struttura convive con la trasparenza, il rigore con una sensualità più scoperta.

Al centro rimane una donna consapevole del proprio corpo e del proprio stile, contemporanea, cosmopolita, fedele alla propria identità.

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