Questa specifica tensione geometrica è la stessa che muove lo stilista giapponese Junya Watanabe. Per la sua acclamata sfilata Spring/Summer 2015, il designer (pupillo di Rei Kawakubo) ha attinto direttamente alla teoria dei colori e delle forme di Kandinsky. Watanabe ha portato in passerella copricapi e abiti scultura tridimensionali composti da pannelli di PVC rigido, cerchi intrecciati e triangoli accostati secondo i pesi cromatici del maestro russo. I modelli fluttuavano intorno al corpo come se le geometrie si fossero improvvisamente liberate dalla prigione della tela per abitare lo spazio reale. Mentre le interpretazioni tradizionali della moda si dividono spesso tra il rigore geometrico del Bauhaus e il lirismo espressionista degli esordi, l’occhio colto del custom luxury contemporaneo riesce a rintracciare strade più complesse. È il caso del brand italiano Luluredgrove, fondato dalla designer Giuliana Civello, che nel suo mini abito della collezione autunno/inverno 2027 compie un’operazione interpretativa profonda, quasi da architetto dello spazio sartoriale. Il brand si ispira esplicitamente a una delle fasi più affascinanti e stratificate del maestro: quella di opere come “Yellow Painting”. Questo periodo tardo è celebre per la sua capacità di fondere i tre grandi vocabolari della vita dell’artista: la griglia geometrica rigida del periodo Bauhaus (la scacchiera), la totale libertà cromatica degli anni di Monaco e le nuove forme organiche o biomorfiche scoperte durante l’esilio a Parigi. L’abito di Luluredgrove – realizzato in crepe stretch di seta tripla A stampata ad alta risoluzione a Como, con maniche in georgette di seta – traduce questa complessa evoluzione storica in un pezzo d’alta sartoria. La composizione ruota attorno a un giallo ocra/senape dominante, che per Kandinsky rappresenta il picco dell’energia vitale, bilanciato e placato da tocchi di blu profondo, rosso/ruggine e crema. È la stessa identica combinazione calda-fredda che dà energia visiva sia al quadro che al tessuto. Se Kandinsky costruiva l’opera per piani geometrici giustapposti, quasi come un collage di forme che si incastrano, l’abito ne assimila la logica strutturale attraverso la stampa: bande verticali spezzano la superficie tessile in pannelli alternati (dove si avvicendano motivi floreali pieni, trasparenze e righe), creando un ritmo segmentato e musicale. Ed è proprio qui che emerge la variazione più interessante rispetto al rigore nudo del Bauhaus: la creazione mette in scena un dialogo serrato tra organico e geometrico. Esattamente come in “Yellow Painting”, dove gocce, forme biomorfiche e archi sinuosi si sovrappongono a una scacchiera di fondo, nell’abito i motivi floreali fluttuanti sono incorniciati ed enfatizzati da rigide righe verticali. Questa transizione si riflette persino nell’architettura tridimensionale del capo, che stempera la severità del pattern grafico attraverso la morbidezza delle maniche e il movimento fluttuante della gonna a pieghe. Una dimostrazione di come le forme, pur geometriche, possano farsi fluide, organiche e squisitamente sartoriali. Si ispira a Kandinsky anche il couturier Vittorio Camaiani per l’abito grigio della collezione triangolo del 2009 che fa parte di una serie di pezzi dedicati proprio al celebre maestro russo. La creazione si trasforma avvicinandosi alla silhouette femminile senza perdere la forma geometrica e crea volumi diversi a seconda di come si indossa. Se la moda franco-giapponese ha celebrato il Kandinsky più grafico, il prêt-à-porter italiano ne ha sposato da tempo la componente più intima e materica. Consuelo Castiglioni, durante la sua storica direzione creativa per Marni, ha più volte utilizzato l’astrattismo organico come firma stilistica del brand. Nella collezione Fall/Winter 2016, le sovrapposizioni asimmetriche, i cappotti oversize dai tagli netti e le bluse dalle stampe dissonanti richiamavano le famose “Improvvisazioni” kandinskiane. Marni ha assimilato la lezione più importante del pittore: il rifiuto della simmetria rassicurante a favore di un’armonia nuova, cerebrale, basata su accostamenti cromatici apparentemente azzardati. I feltri pesanti e le sete stampate convivevano nello stesso outfit proprio come i tratti densi di pigmento e le linee a matita sulle tele del maestro. La mostra romana di Palazzo Bonaparte ci ricorda che l’astrattismo non è una fuga dalla realtà, ma un viaggio verso la sua essenza emotiva. Curiosamente la moda fa esattamente lo stesso: usa il tessuto non solo per coprire il corpo, ma per proiettare all’esterno un’identità, uno stato d’animo, una vibrazione interiore. Oggi, mentre osserviamo i settanta capolavori esposti a Roma, comprendiamo perché i grandi designer e realtà couture come Luluredgrove e Vittorio Camaiani continuino a guardare a Kandinsky. Le sue opere non sono passate di moda perché non sono mai state ancorate al tempo oggettivo. Finché la moda cercherà il movimento, il ritmo e la capacità di emozionare attraverso un solo accostamento di colore, la passerella rimarrà, intrinsecamente, la tela preferita di Vassily Kandinsky.

Courtesy Photo of Press Office

Di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Tra gli ospiti che hanno partecipato alla serata:
Skin
Ladyfag
Mariacarla Boscono
Benedetta Porcaroli
Tina Kunakey
Alton Mason
Bella Thorne
Tessa Brooks
Arisa
Ana Mena
Gala Gonzalez
Natalia Paragoni
Bianca Atzei

Club K by KIKO MILANO
COLOUR. CREATE. REPEAT.

Il colore non chiede il permesso. Tu nemmeno.
Club K by KIKO MILANO è la linea pensata per chi cambia look con la stessa naturalezza con cui cambia playlist.
Per chi sperimenta, mixa, osa e ricomincia, ogni volta che ne ha voglia.
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PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE ha inaugurato il primo pop-up store a Milano da 10.Corso.Como. In occasione del lancio della nuova serie “Azure Colors”, il brand avrà un suo spazio dedicato in 10.Corso.Como, dal 10 settembre all’11 ottobre 2026.
Presentando un’installazione immersiva ispirata ai colori in continuo mutamento del cielo, lo spazio offre al pubblico una nuova opportunità per entrare in contatto con l’universo distintivo di PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE, dove tecniche innovative di plissettatura, libertà di movimento e un vivace approccio al colore si incontrano in capi pensati per la quotidianità contemporanea.
Concepito come un ambiente immersivo, il pop-up trae ispirazione dal cielo e dalle sue continue trasformazioni. Sfumature di blu, una sensazione di leggerezza e il delicato movimento delle nuvole si traducono in un allestimento tridimensionale, dando vita a uno spazio che sembra fluttuare tra colore, luce e aria.

AZURE COLORS
È una serie speciale sviluppata in sei tonalità di blu. Ispirata ai delicati mutamenti del cielo e delle nuvole, la serie spazia dalle sfumature più tenui dell’azzurro chiarissimo fino all’intensità del celeste, del blu profondo e del blu navy.
La gradazione cromatica si sviluppa attraverso una selezione di top, abiti, gonne, pantaloni e stole. Quando le pieghe si riempiono d’aria e assecondano i movimenti del corpo, i capi evocano la serenità e mutevole di un cielo in continua trasformazione. Caratterizzati da silhouette essenziali e da una leggerezza quasi impalpabile, possono essere indossati singolarmente oppure abbinati nelle diverse tonalità, dando vita a composizioni cromatiche personali e giocose.
Attraverso il dialogo tra la collezione e l’installazione spaziale, il pop-up milanese invita i visitatori a scoprire il colore, il movimento e la leggerezza che costituiscono l’essenza di PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE.

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L’eccezionalità del progetto risiede nel dialogo serrato tra queste opere storiche e i capolavori sartoriali estratti direttamente dagli archivi delle più blasonate maison parigine. I visitatori vedranno fisicamente connesse le visioni di Dalí con le creazioni storiche di Schiaparelli: con cui creò pezzi leggendari come l’abito aragosta e il cappello-scarpa indossato da Gala, moglie, musa assoluta e manager dell’artista, Chanel: simbolo della ridefinizione del guardaroba moderno, Dior e Rabanne: marchi che hanno assorbito e rielaborato la provocazione geometrica e concettuale del pittore. La direzione scientifica fa capo a Montse Aguer, direttrice dei Musei Dalí, affiancata dalla vicedirettrice Ricerca e Progetti Laura Bartolomé e dalla celebre storica della moda Judith Clark. Promossa dal Comune di Milano – Cultura, la mostra vede la produzione congiunta di Palazzo Reale con Mondo Mostre e Civita Mostre e Musei, supportata dal patrocinio dell’Ambasciata di Spagna in Italia e della Camera Nazionale della Moda Italiana. L’esposizione mette in luce come Dalí avesse compreso in netto anticipo il potere pervasivo dei mass media. Dalla progettazione scandalosa delle vetrine per i grandi magazzini Bonwit Teller a New York, passando per le copertine illustrate di Vogue, fino alle campagne pubblicitarie commerciali, Dalí ha scardinato il concetto tradizionale di tela. “Dalí e la Moda” non celebra la semplice estetica del vestire, ma consacra un “artista totale” capace di mostrare che la moda, prima di essere un oggetto di consumo, è la forma più pura di teatralizzazione del nostro inconscio. La mostra di Palazzo Reale dimostra come Dalí non si sia limitato a ispirare lo stile, ma abbia letteralmente anticipato le regole della comunicazione moderna. L’artista catalano ha scardinato i confini della tela per abbracciare la cultura di massa, anticipando di decenni la spettacolarizzazione dell’immagine e la ricerca di identità tipiche della nostra era digitale. Un appuntamento imperdibile per scoprire un visionario capace di ridefinire continuamente, e per sempre, il rapporto tra arte e vita.

Di Elena Parmegiani per DailyMood.it

Crediti:
Photo 01 Salvador Dalí, Figure. Barcelona, Mannequin, 1926, Oil on canvas, 198 x 148 cm © Salvador Dalí, Fundació GalaSalvador Dalí, Figueres, 2026

Photo 02. Salvador Dalí, Singularities, c. 1935, Oil and collage on board, 40,5 x 50 cm © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí,cFigueres, 2026

Photo 03. Salvador Dalí, The Eye of Time, 1949, Platinum, natural ruby, diamonds, enamel and clock with Movado 50SP mechanism, 4 x 6 x 1,7 cm © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2026

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Nel 2026 si concluderanno le celebrazioni del grande centenario francescano con gli ottocento anni dalla pasqua di Francesco (1226-2026) e l’artista Luciano Schifano fa suo il messaggio di Francesco, Il Cantico delle Creature, esprimendo il suo pensiero con discrezione, naturalezza, garbo, dedicando a Francesco tutta una serie di opere, che oggi compongono tre mostre telematiche, riunite in una mostra itinerante, organizzata a cura della scrittrice Lorena Fiorini,  con il supporto dei Sindaci Luca Santini Pratovecchio Stia, Antonio Fani Castel San Niccolò, e con la direzione artistica della storica  d’arte Alberta Piroci.

Il viaggio itinerante, che comprende 130 opere tra locandine, dipinti, retouchées e prove d’autore, creati negli anni che vanno dal 1965 al 2012, inizia dal Museo dell’Arte della lana, successivamente dal Casale di Pratovecchio  Stia, prosegue al Castel San Niccolò, Strada in Casentino, Sala dell’Archivio storico Comunale, e ci auguriamo possa concludersi al Santuario della Verna.

Lo scritto più importante di San Francesco è universalmente riconosciuto nel Cantico delle Creature (o Cantico di Frate Sole). Composto nel 1224, è considerato il testo poetico più antico della letteratura italiana di cui si conosca l’autore. È un inno alla vita, a Dio e alla natura, fondamentale sia dal punto di vista più spirituale che linguistico perché scritto in volgare umbro (invece che in latino) per essere compreso da tutti. Una presenza forte che ci accompagna… come un seme che germoglia nella terra, la presenza di Francesco è luce e promessa per chiunque desideri camminare nella fraternità e nella speranza.

IL PERCORSO TRA SPIRITUALITA’ E ARTE

Direzione artistica della Storica d’Arte Alberta Piroci
E tutte le creature che sono sotto il cielo,
ciascuna secondo la sua natura,
servono e conoscono e obbediscono
al loro Creatore meglio di te, o uomo
(Fonti Francescane, Ammonimento V)

Ore 10,00 Stia-Museo dell’Arte della lana L’uomo e l’artista Luciano
Ore 12,00 Stia – Il Casale – Sala Conferenze Luciano Schifano
Le creature di Dio prive di ragione
Ore 18,00 Castel San Niccolò, Strada in Casentino
Sala dell’Archivio storico Comunale
I francescani costruttori di Chiese
Santuario della Verna
San Francesco e Sorella morte

 ORGANIZZAZIONE: Lorena Fiorini
Già Presidente 2025/2026 Rotary Club Casentino
Presidente Associazione Culturale Scrivi la tua storia e Premio Letterario Donne tra Ricordi e Futuro
Sede operativa: Via Roma, 37-39 – 52017 – Pratovecchio Stia – (AR)
cell. 3473506000 – mail: info@scrivilatuastoria.com – info@lorenafiorini.it – www.lucianoschifano.it

COMUNICAZIONE WEB: Valentina Fiorini
TIPOGRAFIA: Marica Petti
UFFICIO STAMPA: Cristina Vannuzzi – mail:cristina.vannuzzi@gmail.com – cell 371 4640013

L'articolo FRANCESCO Mostra itinerante di Luciano Schifano in Casentino proviene da Daily Mood.

Nel corso della storia dell’arte e nei diversi ambiti della creatività umana, alcune opere sono diventate un punto di riferimento e una fonte d’ispirazione per la nascita di nuove creazioni. In 66–76–26, il toccante tema musicale Wild Is the Wind costituisce il punto di partenza e l’elemento centrale dell’installazione che l’artista e regista britannico Steve McQueen presenta al Guggenheim Museum Bilbao.

Scritta originariamente da Dimitri Tiomkin e Ned Washington per l’omonimo film del 1957, la canzone fu interpretata nella pellicola da Johnny Mathis e ottenne una candidatura all’Oscar. Da allora è stata riproposta in numerose versioni, tra cui spiccano quelle di Nina Simone, del 1966, e di David Bowie, del 1976. Lo stesso McQueen inserì il brano in una sequenza del suo film Widows del 2018.

Questa volta McQueen torna sulle due interpretazioni che lo affascinano da decenni, eliminando ogni accompagnamento strumentale e collocandole in uno spazio privo di altri suoni, immagini o stimoli che possano interferire con la percezione delle voci di Simone e Bowie. Nasce così una nuova opera, carica di emozione e sottigliezza. In linea con il costante interesse di McQueen per la creazione di condizioni capaci di favorire uno sguardo e un ascolto concentrati, il lavoro offre uno spazio in cui queste voci possono essere incontrate con un’intimità e un’attenzione fuori dal comune.

Per Occident è motivo di grande soddisfazione sostenere questo progetto sofisticato e capace di stimolare la riflessione. Mi auguro che possiate apprezzare una mostra che richiede un livello di attenzione e contemplazione al quale non siamo più abituati e nella quale la musica diventa l’essenza di un’esperienza intensa e profonda.

Hugo Serra Calderón
CEO di Occident

Steve McQueen: 66–76–26

Date: 9 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027
Curatrice: Lekha Hileman
Sponsor: Occident

• Creata appositamente per il Guggenheim Museum Bilbao, 66–76–26 riunisce due iconiche registrazioni di Wild Is the Wind, presentate a cappella: l’interpretazione di Nina Simone del 1966 e la cover di David Bowie del 1976.
• In parte canzone d’amore, in parte lamento e in parte dichiarazione di desiderio, Wild Is the Wind accompagna Steve McQueen da oltre trent’anni, richiamandolo continuamente a sé grazie alla sua complessità emotiva.
• 66–76–26 è un’opera inedita in cui due voci artistiche distinte risuonano attraverso il tempo e lo spazio, entrando in dialogo con l’architettura mentre i visitatori attraversano la galleria.

Il Guggenheim Museum Bilbao è lieto di presentare 66–76–26, una nuova, importante installazione di Steve McQueen. Concepita appositamente per il Museo, l’opera riunisce due registrazioni iconiche di Wild Is the Wind: l’interpretazione del 1966 di Nina Simone della canzone composta da Dimitri Tiomkin e Ned Washington e la cover realizzata da David Bowie nel 1976.

Private dell’accompagnamento strumentale, le due versioni vengono presentate a cappella, con le voci separate nello spazio all’interno di una galleria immersa nella penombra. Due interpretazioni distanti dieci anni, ascoltate in una forma completamente nuova. La mostra è sponsorizzata dalla compagnia assicurativa Occident.

Da oltre trent’anni Wild Is the Wind occupa un posto importante nel lavoro di McQueen. Dopo avere ascoltato per la prima volta la registrazione di Bowie a metà degli anni Novanta e avere successivamente scoperto la versione di Simone, l’artista ha continuato a tornare alla canzone, attratto dalla sua complessità emotiva e dalla capacità di rivelare nuovi significati con il trascorrere del tempo.

Come ha osservato lo stesso McQueen, il brano non si lascia racchiudere in un’unica interpretazione. È allo stesso tempo una canzone d’amore, un lamento e una dichiarazione di desiderio, capace di continuare a provocare e interrogare chi l’ascolta.

In 66–76–26, McQueen riduce le registrazioni al loro elemento più essenziale: la voce umana. La voce di Simone emerge da un lato dello spazio, mentre quella di Bowie le risponde dal lato opposto. Muovendosi nella galleria, i visitatori sentono le due voci svilupparsi in un dialogo che attraversa l’architettura.

Ciò che nasce non è né un confronto né una riconciliazione, bensì un’opera nuova, nella quale due voci artistiche distinte risuonano attraverso il tempo e lo spazio.

Il titolo richiama gli anni in cui Simone e Bowie registrarono le rispettive versioni della canzone, oltre all’anno della mostra. Riunendo due interpretazioni separate da un decennio e presentandole cinquant’anni e sessant’anni dopo, McQueen crea un incontro capace di annullare la distanza storica.

L’opera invita a riflettere non soltanto sulla forza duratura della canzone, ma anche sui contesti sociali e politici che hanno accompagnato il percorso delle due registrazioni. Nate in periodi segnati da sconvolgimenti, incertezza e trasformazioni – il movimento per i diritti civili, la guerra del Vietnam e lo scandalo Watergate – queste interpretazioni parlano con particolare intensità anche al nostro presente.

In opere recenti come Bass (2024), Untitled (2025) e Atlas (2026), McQueen si è orientato sempre più verso il suono, la luce e la percezione, utilizzandoli come materiali primari. Invece di costruire narrazioni attraverso le immagini in movimento, questi lavori esplorano il modo in cui fenomeni immateriali possano influenzare l’esperienza corporea e l’attenzione collettiva.

66–76–26 prosegue questo percorso, ampliando la ricerca di McQueen sulle possibilità dell’opera d’arte di agire oltre i confini della cornice.

L’installazione trasforma la galleria in un ambiente essenziale e immerso nella penombra, studiato per amplificare la consapevolezza acustica. Privati delle distrazioni visive, fatta eccezione per la sorgente sonora, i visitatori diventano intensamente consapevoli del suono, del silenzio, del respiro e della durata.

Come ha spiegato McQueen, l’opera nasce da una concezione del silenzio come materiale attivo, un’idea che l’artista associa all’interesse di Miles Davis per gli spazi tra le note, nei quali il significato emerge non soltanto da ciò che è presente, ma anche da ciò che viene trattenuto.

Questo principio determina la struttura di 66–76–26, dove le pause, i respiri, l’attesa e gli intervalli assumono la stessa importanza delle voci.

Questa riduzione non è un semplice esercizio di minimalismo, ma un tentativo di raggiungere l’essenziale. McQueen ha raccontato di voler eliminare il rumore e concentrarsi sugli elementi fondamentali, per chiedersi che cosa rimanga quando tutto ciò che è superfluo viene rimosso e se quello che resta sia abbastanza forte da sostenere l’opera.

Al centro di questa domanda si trovano due voci che si intrecciano e l’intensità che entrambe racchiudono.

«L’amore è l’unica cosa per cui valga la pena vivere e morire», ha dichiarato McQueen parlando del desiderio che percepisce in entrambe le interpretazioni. «Nonostante tutto ciò che accadeva nel mondo, alla fine tutto si riduce a questo. È l’unica cosa.»

La mostra è accompagnata da un catalogo completamente illustrato, progettato dall’acclamata graphic designer olandese Irma Boom. Concepita come un’estensione dell’installazione e non come una sua semplice documentazione, la pubblicazione riunisce materiali d’archivio e fotografici dedicati a Nina Simone e David Bowie, insieme a testi commissionati appositamente.

Tra questi figurano una conversazione tra McQueen e la curatrice Lekha Hileman, dedicata alla realizzazione dell’opera, al fascino duraturo della canzone e al percorso di una ricerca artistica che ha sempre messo alla prova i confini di ciò che l’arte può chiedere allo spettatore, oltre a un nuovo saggio della storica dell’arte e artista Cora Gilroy-Ware, che esplora l’eredità culturale e artistica di Simone e Bowie.

Il catalogo propone un dialogo tra immagine e suono, presenza e assenza, intimità e performance, interrogandosi sul modo in cui due artisti così unici continuino a risuonare attraverso le generazioni.

Parallelamente alla mostra, il Museo presenterà una rassegna dedicata all’opera cinematografica di McQueen, offrendo al pubblico l’opportunità di riflettere sul rapporto tra il suo lavoro per il cinema e quello destinato agli spazi espositivi.

Sebbene i film di McQueen abbiano ottenuto riconoscimenti internazionali – tra questi 12 Years a Slave, vincitore dell’Oscar – 66–76–26 porta in primo piano i temi che da sempre animano la sua pratica artistica: la percezione, la dimensione corporea, la memoria, la durata e la capacità dell’arte di creare spazi di riflessione e incontro.

L'articolo Steve MᶜQueen – Guggenheim Museum Bilbao proviene da Daily Mood.

“Fendi / Karl Lagerfeld 1985. After Steps Through Work”, courtesy photo of Fendi Giorgio Benni

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Lecce si prepara ad accendere i riflettori su una serata destinata a lasciare il segno, un appuntamento che celebra il talento, promuove il territorio e dimostra come la moda possa diventare un efficace strumento di valorizzazione culturale e turistica.

La moda incontra l’arte, la musica dialoga con la storia e il talento diventa protagonista in una delle location più affascinanti del patrimonio barocco italiano.

Sabato 25 luglio 2026, alle ore 20:00, l’Ex Convento dei Teatini farà da cornice alla seconda edizione di Iconic Fashion Flow, manifestazione che, dopo il successo della prima edizione, si conferma tra gli appuntamenti più prestigiosi e attesi dell’estate pugliese.

Realizzato con il patrocinio del Comune di Lecce, l’evento supera il concetto tradizionale di sfilata, trasformandosi in un’esperienza immersiva in cui moda, arte, musica e spettacolo si fondono in un racconto capace di emozionare il pubblico.

Ideato e organizzato da Christian Schirone e Giuseppe Schirone, Iconic Fashion Flow nasce con l’obiettivo di valorizzare stilisti affermati, professionisti del settore e nuovi talenti, offrendo loro una passerella esclusiva all’interno di uno dei luoghi simbolo della città.

Sfileranno le collezioni di designer provenienti da diverse realtà del panorama nazionale e internazionale: Maria Carone, Marisol Mentor, Esperança Conceição Mateus, Carmela Luciani, Kathy Connolly, Pina Grasso, Sandra Luffarelli, Galleria Graffiti, Ismaila Jallow, Bérés Géza & Mattiassich Zsuzsanna, Antonia Appice, Giovanni Maffei, Gruppo Dandy Junior & Senior e Ioana Bogdan. Collezioni differenti per stile, ricerca e identità che offriranno al pubblico uno spettacolo ricco di creatività, eleganza e contaminazioni artistiche.

L’edizione 2026 si arricchisce inoltre della collaborazione ufficiale con Peacock Models Management, che porterà in passerella i propri modelli contribuendo, con professionalità ed esperienza, all’elevato livello qualitativo della manifestazione. Ad arricchire la serata saranno performance artistiche, musica dal vivo e momenti di spettacolo che accompagneranno le sfilate. Le suggestive note di sax e violini dialogheranno con l’architettura dell’Ex Convento dei Teatini, creando un’atmosfera raffinata e coinvolgente.

Il comparto artistico sarà coordinato da un team di professionisti di consolidata esperienza: Malou Pouralan, coordinatrice delle Baby Models; Sarajo Mariotti, coreografa dell’evento; Selenia Erye, giornalista e responsabile della comunicazione e dell’ufficio stampa; Fabrizio Ferrante, videomaker ufficiale; Alessio Di Pinto, fotografo ufficiale della manifestazione.

Partner dell’evento saranno Yves Segal Bari, che curerà il make-up delle modelle, e Charm Hair School Corato, responsabile degli hairstyle che accompagneranno le collezioni in passerella.

A condurre la serata saranno Betta De Venere e Rebecca Lynn, che accompagneranno il pubblico attraverso i diversi momenti dello spettacolo. Ospiti speciali saranno Aldo Farinola e Luca Fiocca, protagonisti di una serata che unirà moda, cultura e intrattenimento. L’evento sarà inoltre raccontato dalle telecamere di Political TV, media partner della manifestazione.

La presenza delle istituzioni, a partire dal patrocinio del Comune di Lecce, conferma il valore culturale dell’iniziativa, che punta a promuovere il territorio attraverso la moda, valorizzando il patrimonio storico e artistico della città e proiettandolo in una dimensione internazionale.

Anche quest’anno grande spazio sarà dedicato alla solidarietà. Iconic Fashion Flow rinnova infatti il proprio impegno sociale sostenendo associazioni attive sul territorio: una parte del ricavato della manifestazione sarà devoluta in beneficenza, affinché la bellezza della moda possa tradursi in un concreto gesto di aiuto verso chi vive situazioni di difficoltà.

Iconic Fashion Flow si conferma così molto più di un evento fashion: è un luogo d’incontro tra culture, linguaggi artistici e professionalità diverse, capace di raccontare l’evoluzione della moda contemporanea guardando al futuro.

Come afferma il giovane organizzatore Christian Schirone.

«Iconic Fashion Flow nasce dal desiderio di creare un evento che non sia soltanto una sfilata, ma un’esperienza capace di mettere in dialogo moda, arte e territorio. Ricevere il patrocinio del Comune di Lecce rappresenta un riconoscimento importante e uno stimolo a continuare a investire nella valorizzazione dei talenti e della nostra città.»

A lui si uniscono le parole dell’organizzatore Giuseppe Schirone:

«Desideriamo esprimere la nostra più sincera gratitudine al Sindaco Adriana Poli Bortone e a tutta la Giunta Comunale di Lecce per la disponibilità dimostrata e per aver creduto fin da subito nel nostro progetto. Il patrocinio rappresenta un importante attestato di fiducia e conferma l’attenzione dell’Amministrazione verso iniziative che valorizzano il territorio, promuovono il talento e contribuiscono a rafforzare il ruolo di Lecce nel panorama della moda, della cultura e dei grandi eventi.»

Dove la storia incontra l’eleganza, nasce il futuro della moda.

Appuntamento sabato 25 luglio 2026, ore 20:00,
Ex Convento dei Teatini – Lecce.

L'articolo 2° Edizione Iconic Fashion Flow 2026 a Lecce la moda diventa spettacolo. proviene da Daily Mood.

Francesco, la Sua esistenza, donata interamente all’amore, alla riconciliazione e alla fraternità, continua a parlare al cuore dell’umanità anche a ottocento anni dalla sua morte. Scoprire Francesco oggi significa lasciarsi coinvolgere da una storia che continua, silenziosa e forte, l’esortazione a vivere con la gente che, mostrando il mondo amato da Francesco, quello della campagna, gli animali, il silenzio, diventa un invito concreto ad accogliere il Vangelo nella vita quotidiana, a costruire ponti di dialogo con il creato.
Nel 2026 si concluderanno le celebrazioni del grande centenario francescano con gli ottocento anni dalla pasqua di Francesco (1226-2026) e l’artista Luciano Schifano fa suo il messaggio di Francesco, Il Cantico delle Creature, esprimendo il suo pensiero con discrezione, naturalezza, garbo, dedica a Francesco tutta una serie di opere, che oggi compongono tre mostre telematiche, riunite in una mostra itinerante, organizzata dalla scrittrice Lorena Fiorini,  con il supporto dei Sindaci Luca Santini Pratovecchio Stia, Antonio Fani Castel San Niccolò, con la direzione artistica della storica  d’arte Alberta Piroci.
Il viaggio, che inizia a Il Casale a Stia, prosegue al Museo dell’Arte della lana a Stia, a Castel San Niccolò, Strada in Casentino, Galleria Frate Francesco, e ci auguriamo possa concludersi al Santuario della Verna.
Lo scritto più importante di San Francesco è universalmente riconosciuto nel Cantico delle Creature (o Cantico di Frate Sole). Composto nel 1224, è considerato il testo poetico più antico della letteratura italiana di cui si conosca l’autore. È un inno alla vita, a Dio e alla natura, fondamentale sia dal punto di vista spirituale che linguistico perché scritto in volgare umbro (invece che in latino) per essere compreso da tutti. Una presenza forte che ci accompagna… come un seme che germoglia nella terra, la presenza di Francesco è luce e promessa per chiunque desideri camminare nella fraternità e nella speranza.

IL PERCORSO

Storica d’Arte Alberta Piroci

E tutte le creature che sono sotto il cielo,
ciascuna secondo la sua natura,
servono e conoscono e obbediscono
al loro Creatore meglio di te, o uomo

(Fonti Francescane, Ammonimento V)

Stia – Il Casale Le creature di Dio prive di ragione
Stia – Museo dell’Arte della lana L’uomo e l’artista Luciano

 Castel San Niccolò, Strada in Casentino, Galleria Frate Francesco
I francescani costruttori di Chiese

Santuario della Verna
San Francesco e Sorella morte

 Organizzazione e comunicazione:
Lorena Fiorini
Già Presidente 2025/2026  Rotary Club Casentino
Presidente Associazione Culturale “Scrivi la tua storia”
Premio Letterario “Donne tra Ricordi e Futuro”
Sede operativa: Via Domenico Berti, 8 – 00135 Roma –
Via Roma, 37 – 52017 – Pratovecchio Stia -Stia (AR)
cell. 3473506000 – mail: info@scrivilatuastoria.com – info@lorenafiorini.it

www.scrivilatuastoria.com – www.donnetraricordiefuturo.org – www.lorenafiorini.it –www.ilcasalepratovecchiostia.it

L'articolo FRANCESCO – Mostra itinerante di Luciano Schifano in Casentino proviene da Daily Mood.

Crediti foto: Instagram Dua Lipa, fotografo David Sims
di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Non sarà soltanto una fiera, ma un grande attraversamento del tempo. Paris Photo 2026 si annuncia come un viaggio dentro la storia, la materia e il futuro dell’immagine fotografica: dalle prime sperimentazioni ottocentesche alle ricerche più contemporanee, dai processi antichi alle nuove frontiere digitali, dalla fotografia come memoria alla fotografia come linguaggio in continua trasformazione.

Il Bicentenario attraverserà l’intero programma della manifestazione, dalle proposte delle gallerie fino a una speciale collaborazione con il Centre Pompidou, invitato d’eccezione di questa edizione. L’istituzione presenterà una mostra con oltre 100 opere provenienti dalla propria collezione, firmate da quasi 30 artisti storici e contemporanei. Un percorso trasversale che racconterà l’evoluzione delle pratiche fotografiche dall’inizio del Novecento a oggi, offrendo uno sguardo ampio sul modo in cui la fotografia ha modificato la percezione del reale, del corpo, del paesaggio, della memoria e dell’identità.

Tra le novità più rilevanti dell’edizione 2026 c’è anche l’ingresso di Pictet come nuovo partner ufficiale della fiera, accanto a BMW, partner storico da 24 anni. Fondato nel 2008, il Prix Pictet è oggi uno dei riconoscimenti internazionali più importanti nel dialogo tra fotografia e sostenibilità. Per la prima volta sarà presentato nella navata del Grand Palais, rafforzando il legame tra immagine, responsabilità ambientale e consapevolezza del presente.

Il settore Main riunirà 150 gallerie, confermando Paris Photo come osservatorio privilegiato sulle grandi tendenze del mercato e della ricerca fotografica internazionale. Accanto ai nomi già consolidati, la fiera accoglierà nuove partecipazioni, tra cui Lia Rumma da Milano, BIENVENU STEINBERG & C da New York, Filomena Soares da Lisbona e Gregor Podnar da Vienna. Proseguirà inoltre l’apertura verso nuove geografie dell’arte contemporanea, con la presenza di realtà come La Cometa da Bogotà, Proyectos Monclova da Città del Messico, Silverlens da Makati City e L’Atelier 21 da Casablanca.

Nel cuore del Grand Palais, il dialogo tra memoria e contemporaneità prenderà forma attraverso progetti di grande valore storico e artistico. Ad accogliere i collezionisti sarà un’installazione dedicata a Thomas Ruff, figura centrale della Scuola di Düsseldorf e interprete teorico della fotografia come costruzione, archivio e superficie visiva. Il suo lavoro sarà presentato in forma retrospettiva grazie alla collaborazione di cinque gallerie internazionali: David Zwirner, Konrad Fischer, MAI 36, Lia Rumma e Sprüth Magers.

Il percorso dedicato al Bicentenario proseguirà con gallerie specializzate nella fotografia storica, come Hans P. Kraus Jr., che presenterà una selezione di opere realizzate con alcuni dei processi più antichi: disegni con camera lucida, disegni fotogenici, negativi calotipici, dagherrotipi, incisioni dagherrotipiche e fotogrammi. Tra gli autori figurano alcuni dei pionieri assoluti del mezzo, da Louis Daguerre a William Henry Fox Talbot, da Girault de Prangey ad Anna Atkins, fino a Hippolyte Fizeau.

A questa immersione nelle origini della fotografia si affiancheranno proposte contemporanee capaci di interrogare la materialità stessa dell’immagine. Galerie Binome presenterà artisti che recuperano e reinventano processi antichi, come lastre negative su vetro, fotogrammi e collage, oppure sperimentano tecniche avanzate per mettere alla prova i confini del medium. La stessa tensione attraverserà alcune presentazioni monografiche, come quella di Isabelle Le Minh da Galerie Christophe Gaillard, dedicata alla storia, alle forme e ai limiti della fotografia, e quella dell’artista italiano Paolo Gioli, proposto da Alberto Damian Gallery con una serie dedicata a Nicéphore Niépce.

Accanto al settore principale, Paris Photo 2026 offrirà una riflessione sulle trasformazioni dell’immagine attraverso le sezioni Voices e Digital. Voices, curata quest’anno da Francesco Zanot e Zasha Colah, avrà come titolo Disappearance e partirà da un paradosso essenziale: la fotografia, nata anche come strumento per preservare ciò che rischia di scomparire, viene celebrata oggi in un momento in cui la sua forma tradizionale appare sempre più instabile, ridefinita da processi che ne mettono in discussione natura e statuto. Tra le gallerie presenti figurano Gallery Charim da Vienna con Ulay, Kristof de Clerq da Anversa con Léonard Pongo e Southern Gild da Cape Town con Lebohang Kganye, Sandra Brewster e Silvia Rosi.

Il settore Digital, curato da Marco de Mutiis, guarderà invece alla fotografia come tecnologia, eredità e futuro. Dalle sue origini come dispositivo capace di trasformare radicalmente la percezione del mondo, fino alle nuove forme che plasmeranno il nostro modo di vedere nei prossimi due secoli, il percorso riunirà gallerie come Nagel Draxler da Berlino, Nguyen Wahed da Londra e carmen araujo arte da Caracas.

Al piano superiore del Grand Palais, il settore Emergence ospiterà venti progetti sostenuti da gallerie impegnate nella promozione delle nuove generazioni di artisti. Tra i protagonisti ci saranno Brandon Gercara, presentato da DS Galerie di Parigi, Dev Dhunsi con Melk Galleri di Oslo e Randa Mirza con Galerie Tanit di Beirut. Un segmento che conferma l’attenzione di Paris Photo non solo verso la storia del medium, ma anche verso le sue voci più giovani e sperimentali.

Grande spazio sarà riservato anche all’editoria fotografica. Il settore Publishing riunirà 47 case editrici e librai specializzati in volumi vintage, offrendo una panoramica ampia sulla produzione internazionale: dalle pubblicazioni contemporanee ai libri rari e storici. Accanto a editori di riferimento come MACK, Atelier EXB e Aperture, faranno il loro ingresso nuove realtà come Gato Negro & OBSIDIANA da Città del Messico e Palm* Studios & Sun Archive da Londra.

Paris Photo 2026 si prepara così a essere molto più di un appuntamento fieristico. Sarà una celebrazione della fotografia come linguaggio vivo, archivio del mondo e laboratorio del futuro. Due secoli dopo le sue prime apparizioni, l’immagine fotografica continua a interrogare ciò che resta, ciò che scompare e ciò che ancora dobbiamo imparare a vedere.

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La mostra assume particolare rilevanza perché supera la dimensione puramente celebrativa. Attraverso documenti, annotazioni personali e materiali d’archivio, emerge il ritratto di una professionista consapevole, impegnata a gestire ogni aspetto della propria immagine pubblica in un sistema cinematografico dominato dagli studios. Una lettura che restituisce complessità a una figura troppo spesso ridotta a icona glamour. Anche il percorso visivo dell’esposizione evidenzia il rapporto tra Monroe e la moda come linguaggio di potere. Gli abiti raccontano non soltanto l’evoluzione del costume americano degli Anni Cinquanta, ma anche la capacità dell’attrice di trasformare il guardaroba in uno strumento di costruzione identitaria, anticipando dinamiche oggi centrali nell’universo delle influencer e delle celebrity globali. A conferma della rinnovata attenzione critica verso la sua figura, l’Academy Museum accompagna la mostra con una rassegna cinematografica di diciassette film che ripercorrono la sua evoluzione artistica, sottolineando il talento spesso oscurato dal mito. A sessant’anni dalla sua scomparsa e a cento dalla nascita, Marilyn Monroe continua a parlare al presente. Non solo come simbolo di bellezza, ma come donna che comprese prima di chiunque altro il valore dell’immagine nell’era della cultura di massa. “Marilyn Monroe: Hollywood Icon” dimostra che dietro la leggenda c’era una stratega, una professionista e una pioniera della costruzione del sé. Ed è forse proprio questa la sua eredità più moderna. Parlare di Marilyn Monroe significa inevitabilmente confrontarsi con una delle figure più enigmatiche e affascinanti del Novecento. Cresciuta tra famiglie affidatarie e orfanotrofi, la diva riuscì a trasformare una giovinezza difficile in una delle più straordinarie storie di ascesa sociale e mediatica della cultura americana. La sua immagine di bionda irresistibile, costruita con intelligenza e meticolosa attenzione ai dettagli, contribuì a ridefinire il concetto stesso di diva moderna. Dietro il sorriso luminoso e gli abiti scintillanti si nascondeva però una donna complessa, determinata a essere riconosciuta non soltanto per la propria bellezza, ma anche per il proprio talento. Monroe studiò recitazione, fondò una propria società di produzione e sfidò apertamente il sistema degli studios hollywoodiani, diventando una delle prime attrici a rivendicare maggiore autonomia professionale. La sua fama raggiunse livelli planetari e culminò in uno degli episodi più celebri della cultura pop americana: l’esibizione del 1962 al Madison Square Garden, quando cantò “Happy Birthday, Mr. President” al presidente John Fitzerald Kennedy indossando il leggendario abito color carne tempestato di cristalli. Quel momento contribuì ad alimentare le voci di una relazione tra i due, mai confermata ufficialmente e rimasta ancora oggi oggetto di dibattito storico e mediatico. Pochi mesi dopo, il 5 agosto 1962, Marilyn Monroe venne trovata morta nella sua casa di Los Angeles all’età di trentasei anni. La versione ufficiale stabilì come causa del decesso un’overdose di barbiturici, classificata come probabile suicidio. La sua scomparsa improvvisa trasformò definitivamente l’attrice in una leggenda, alimentando per decenni teorie, speculazioni e racconti che hanno spesso oscurato la sua reale dimensione artistica. È proprio questo il merito della mostra “Marilyn Monroe: Hollywood Icon”: restituire al pubblico la donna dietro il mito. Non soltanto l’icona glamour immortalata dalle fotografie, ma una professionista consapevole, una pioniera dell’immagine contemporanea e una figura che continua a influenzare moda, cinema e cultura visiva a oltre sessant’anni dalla sua scomparsa.

Courtesy photo of ©Academy Museum Foundation, Photo by: Emily Shur

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Roma Capitale si prepara a diventare il palcoscenico della più grande celebrazione nella storia di un mito. Dal 25 al 28 giugno 2026, la città, che patrocina l’evento, ospiterà VESPA ROMA 2026 – 80 YEARS OF AN ICON, quattro giorni di festa, di eventi aperti al pubblico, dedicati agli ottanta anni di un simbolo mondiale di libertà, stile e gioia di vivere.

Roma, che meglio di ogni altro luogo, ha accolto l’anima elegante e cosmopolita di Vespa, aspetta appassionati da tutto il mondo, migliaia di Vespisti arriveranno da tutti i continenti.

Roberto Gualtieri, Sindaco di Roma: “Gli 80 anni di Vespa saranno una grande festa popolare per Roma. Celebriamo un’icona italiana conosciuta e amata in tutto il mondo, capace di attraversare generazioni mantenendo intatto il proprio fascino. Vespa racconta una parte importante della nostra storia, della nostra cultura e della capacità italiana di innovare senza perdere la propria identità. Roma, che ha contribuito a renderla un mito attraverso il cinema e la cultura, è orgogliosa di ospitare questa straordinaria celebrazione: siamo felici di accogliere nella nostra città migliaia di Vespisti provenienti da ogni parte del mondo per celebrare insieme questo importante anniversario, in un clima di condivisione, passione e amicizia.”

Matteo Colaninno, Presidente Esecutivo del Gruppo Piaggio: “È la più grande celebrazione nella storia di Vespa. E, proprio per questo, abbiamo scelto Roma, la Capitale d’Italia.
Vespa nasce nel ’46 con la Repubblica: in 80 anni ha attraversato epoche, stili di vita e generazioni. Una strada che si intreccia in modo indissolubile con la storia dell’Italia: le difficoltà e le speranze del dopo guerra, la rinascita degli anni ‘50 e ‘60, la crescita economica e la mobilità, fino agli ultimi decenni che hanno visto il fenomeno Vespa espandersi in tutto il mondo. Oggi siamo all’alba dei 20 milioni di veicoli che animano e colorano le strade di metropoli e città di tutti i continenti.
Vespa conserva da sempre un legame speciale con l’Italia e la Città Eterna, celebrato dal cinema e dalle arti che hanno contribuito a renderla un’icona del Made in Italy e dello stile di vita italiano.
Voglio quindi ringraziare sentitamente il Sindaco di Roma, On. Roberto Gualtieri, che ha voluto ospitare questo grande evento che animerà la Capitale per quattro giorni con decine di migliaia di appassionati vespisti in arrivo da tutto il mondo.”

Il cuore di VESPA ROMA 2026 – 80 YEARS OF AN ICON, saranno il Foro Italico e lo Stadio dei Marmi che, per l’occasione, saranno trasformati nel Vespa Village. Qui Vespa accoglierà tutti gli amanti del marchio, per raccontare la sua storia e il suo futuro, con la parata dei modelli storici e di quelli più preziosi, accanto alla gamma attuale, oltre alle collezioni lifestyle e le mille opportunità di merchandising nello store dedicato. Ma soprattutto con decine di migliaia di storie di appassionati provenienti da tutto il mondo.
Col patrocinio del Comune di Roma, saranno quattro giornate aperte a tutti – perché Vespa è patrimonio di tutti – che saranno caratterizzate da un palinsesto ricco di eventi, contenuti, sorprese e attività.
Il Palco Centrale al Village accoglierà ospiti e momenti di spettacolo a ciclo continuo. L’animazione, la musica e il divertimento saranno garantiti da Radio Deejay e i suoi talent.

Ovviamente saranno protagonisti i Vespisti, con le loro Vespa di ogni epoca e modello, e i Vespa Club, attesi da 60 nazioni, ma tutti gli amanti di Vespa sono invitati alla festa, per condividere il loro amore e la loro passione per il marchio.

IL PROGRAMMA

·         GIOVEDÌ 25 GIUGNO Alle ore 13:00 il taglio del nastro e l’inaugurazione ufficiale del Vespa Village segneranno l’inizio della festa. Seguiranno le presentazioni della Moneta Celebrativa – emessa dal Ministero dell’Economia e delle Finanze e realizzata dall’Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato – e la cerimonia di annullo filatelico di Poste Italiane. Si aprirà la Mostra Fotografica “80 Anni di Vespa” che, curata dal maestro Giacomo Bretzel, celebrerà attraverso foto e alcuni pezzi unici, l’evoluzione stilistica del brand e il suo impatto culturale e sociale. L’animazione di Radio Deejay con musica dal vivo, l’esibizione showcase di Ditonellapiaga dalle ore 21:00 e, a seguire, Dj Molella fino alla chiusura, segneranno la serata di una prima emozionante giornata.

·         VENERDÌ 26 Dalle ore 10:00 il Vespa Village sarà in piena attività grazie alle iniziative di Vespa e dei partner. Saranno protagonisti i Vespa Club con Il Campionato Europeo Vespa Rally e il campionato Mondiale di Gimkana. Sul palco di Radio Deejay si alterneranno artisti e animazione per tutto il giorno e alla sera, dalle 19:00, ci saranno performance live che si chiuderanno con il DJ set di Wad, fino alle ore 23:30.

·         SABATO 27 Si terrà l’evento più atteso, la Grande Parata: in mattinata migliaia di Vespa di ogni epoca e modello sfileranno per le vie di Roma, toccando i punti iconici della città. Sarà una festa di colori che attraverserà Roma, un momento spettacolare, come mai si è visto nella storia di Vespa. La Caccia al Tesoro al Village e le premiazioni del Vespa World Club dei campionati Sport e Turismo segneranno il pomeriggio e la serata del sabato.

·         DOMENICA 28 Il Concorso di Eleganza, come da tradizione, sarà uno dei momenti più spettacolari di tutto il programma, con la sfilata dei modelli Vespa più rari e preziosi. La chiusura ufficiale del Village, alle 15:00, segnerà la fine delle celebrazioni. Come sempre l’animazione di Radio Deejay coprirà tutta la giornata fino alle premiazioni e poi alla chiusura, quando migliaia di Vespisti riprenderanno la via di casa.

VESPA ROMA 2026 – 80 YEARS OF AN ICON è un evento che chiama a sé diversi partner che condividono i valori di Vespa e non hanno voluto mancare a questo appuntamento.
Tra questi, i Main Partner ENI e isybank, il Premium Logistic Partner DSV, il Media Partner Radio Deejay.
I Premium Partner MOAK, Molteni&C., Nestlé, coi marchi San Pellegrino e Panna, e TIM.
Gli Official Partner Dell’Orto, Dreamride, Is Molas, New Era, Playmobil, e Rinascente.

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di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Paola Santelli, sorella di Jole,  ha sottolineato che “Non è stata una sfilata sulle fragilità anzi oggi i nostri modelli e le nostre modelle si sono appropriati della passerella per esprimersi liberamente senza etichette e senza confini imposti -ha detto Paola Santelli, presidente dell’Associazione Jole Santelli-. Abbiamo unito due mondi molto diversi ma che purtroppo hanno in comune il peso enorme del silenzio imposto loro dalla società ma oggi noi questo silenzio lo abbiamo spezzato e ogni passo sulla passerella e’ diventato un passaggio dalla difesa alla verità ,dal nascondersi al mostrarsi ‘la passarella oggi e’ diventato un ponte ideale fra questi due mondi, detenuti e modelli professionisti”

“Oggi abbiamo assistito a un evento straordinario, nel quale i nostri modelli hanno semplicemente messo in campo la loro professionalità. MsN è l’unica associazione in Italia a offrire percorsi formativi finalizzati all’inserimento lavorativo di ragazzi autistici nel mondo della moda e della pubblicità. Paola e Roberta hanno colto pienamente il senso del nostro lavoro, offrendo ai nostri modelli non solo l’opportunità di mostrare la propria bellezza e il proprio talento, ma anche riconoscendo loro un compenso per il lavoro svolto in passerella, auspico che l’Associazione Jole Santelli sia da apripista e che ci siano altre opportunità di lavoro per i nostri modelli”ha detto Silvia Cento, presidente di Modelli si nasce.

Erano presenti all’evento Il presidente Occhiuto, Wanda Ferri, Francesca Pascale

Presentava Paola Severini Melograni

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“Palermo – dichiara Giampiero Cannella Sottosegretario al Ministero della Cultura, Vicesindaco e Assessore alla Cultura del Comune di Palermo – si è sviluppata in rapporto con il mare. Se oggi la nostra città è una delle mete più attrattive del Mediterraneo è anche perché il mare è paesaggio, ricchezza, memoria collettiva, identità prima di tutto. Le opere di Mazzoleni parlano del rapporto antico, primordiale tra l’uomo e l’acqua, costitutivo fin dalla sua fondazione della città Pan-ormos, tutto porto. Queste opere sono un richiamo: questa bellezza e questa memoria esisteranno fino a quando si sarà capaci di riconoscerla e averne estrema cura”

Attraverso un linguaggio artistico contemporaneo che si avvale di una tecnica peculiare basata sull’uso di resina e acrilico, Mazzoleni trasforma la superficie pittorica in una finestra nitida e vibrante sulla nostra memoria collettiva. Il mare non è qui solo un soggetto paesaggistico, ma diventa uno specchio delle emozioni, un simbolo di libertà e un invito costante a lasciarsi trasportare dalla forza universale dell’amore, presupposto fondamentale per ogni forma di cura e rispetto ambientale.

Il lavoro di Mazzoleni si inserisce in un dialogo colto con la storia dell’arte recente, trovando punti di contatto significativi con l’estetica Pop, in particolare con la produzione di Wayne Thiebaud dedicata ai paesaggi costieri. Come il maestro americano era solito isolare oggetti e vedute attraverso un uso magistrale del colore e una ripetizione geometrica che rendeva iconici anche i dettagli più semplici, così Mazzoleni organizza lo spazio visivo attraverso la scansione ritmica di oggetti come cabine, ombrelloni e sdraio, fino alle figure come le vibranti nuotatrici protagoniste di Synchro Water Ballet.

In opere come Le spiagge o l’iconico Aquarama si ritrova quella capacità di sospendere il tempo, trasformando una normale giornata estiva in un’architettura di colori puri — azzurri, grigi e verdi — che stimolano un’interazione immediata verso il paesaggio circostante.

Parallelamente, la nitidezza quasi iperreale delle composizioni di Mazzoleni richiama il rigore del fotorealismo, con un riferimento ideale alle celebri marine di Gerhard Richter. Tuttavia, se Richter spesso indagava il limite tra fotografia e pittura attraverso l’uso del “blur” (lo sfocato) per suggerire una distanza malinconica, Mazzoleni percorre la strada opposta.

Grazie all’uso della resina, l’artista cristallizza la scena in una purezza assoluta, rendendo il ricordo non un’immagine sbiadita, ma una realtà presente e tangibile. Questa “fotografia nitida” della quotidianità permette di azzerare le distanze emotive, rendendo il mare un luogo di vicinanza universale in cui lo spettatore può riconoscersi immediatamente.

La mostra celebra una visione del mare che unisce chi lo naviga e chi lo vive dalla riva, ricordandoci che l’ambiente naturale è anche uno spazio sociale in cui nessuno deve essere lasciato indietro. “Quello di Mazzoleni – spiega la curatrice Stefania Morici – è un viaggio che unisce mare e memoria, corpo e paesaggio per diffondere messaggi positivi e ricordare il piacere dei momenti quotidiani oltre che i valori più profondi che permettono un vivere sociale migliore. L’artista vuole celebrare, attraverso le sue opere, l’amore per il mare, un ambiente naturale e sociale unico, esaltando la connessione tra gli uomini e la natura e facendoci riflettere sulla nostra innata biofilia che, però, ha bisogno di essere stimolata e allenata per imparare a prenderci cura dell’ambiente che ci circonda. I suoi lavori, quindi, sono un felice equilibrio tra forma, bellezza e significato”.

“La mostra di Daniele Mazzoleni – continua Giorgio Filippone, Presidente della Settimana delle Culture – rinnova la collaborazione ultra-decennale tra la Settimana delle Culture e Stefania Morici, partner in numerosi e prestigiosi eventi a Palermo. A questa sinergia si unisce oggi il recente legame con Rosa Vetrano e Ninni Fiore, ideatori dello straordinario Spazio Sintesi. Qui, la pittura di Mazzoleni — in bilico tra pop e fotorealismo — ci avvicina al mare e ci invita a rispettarlo. Un monito potente per i palermitani, abitanti di una città affacciata sul Tirreno che per decenni ha trascurato un ecosistema fragile e oggi gravemente a rischio.”

Le opere in esposizione, tutte pezzi unici come Synchro Water Ballet o Aquarama in Rada, spingono verso un ascolto interiore ed esteriore. L’artista sottolinea come ogni nostra azione quotidiana ha un impatto diretto sulla natura. Opere come quella dedicata alla Pescheria di Palermo o ai Fenicotteri Rosa diventano dunque testimonianze di un equilibrio fragile tra bellezza e sopravvivenza.

L’approccio artistico di Mazzoleni vuole restituire valore al corpo e alle emozioni autentiche in un’epoca di distrazione digitale. Commenta lo stesso artista sulla genesi del progetto: “La mostra nasce con l’idea di sottolineare l’importanza fondamentale di vivere il mare e di rispettare un ecosistema oggi altamente a rischio. Il nostro ecosistema è diventato estremamente fragile e attraverso queste opere ho cercato di trasmettere quella leggerezza e quell’amore profondo che solo gli spazi marini riescono a infondere, poiché quando si tradisce la natura, la vita finisce inevitabilmente per presentarci il conto. [a]mare significa dunque imparare l’arte della cura come atto di resistenza e di speranza per il futuro”.

L’esposizione, curata da Stefania Morici, è patrocinata dal Comune di Palermo e sostenuta dalla Settimana delle Culture di Palermo, rappresenta un momento cruciale nel percorso dell’artista, che sceglie la Sicilia e la sua luce per un viaggio all’insegna dei colori del Mediterraneo, lo spirito pop e la riflessione sociale.

L’inaugurazione prevista giorno 25 maggio alle ore 18.30 verrà arricchita dal concerto del Giuseppe Milici Quartet: Giuseppe Milici (Armonica), Antonio Zarcone (Piano), Marco Gaudio (Basso), Simone Ruolo (Batteria).

Il luogo

Spazio Sintesi, situato in una delle vie più conosciute di Palermo, via Principe di Belmonte, è un eccellente esempio di archeologia industriale, un luogo intriso di storia meticolosamente rinnovato nel suo involucro da Rosa Vetrano e Ninni Fiore, architetto e geologo, nonché proprietari dello spazio e cultori dell’arte contemporanea, che lo hanno trasformato in un luogo di aggregazione che ospita mostre, laboratori, workshop, convegni di grande spessore e contenuti.

Mostra a cura di Stefania Morici
Spazio Sintesi, Palermo
25 maggio – 26 giugno 2026
Opening: 25 maggio ore 18.30

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www.magma.zone

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Photo Courtesy of ITS Arcademy for Exposure

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Photo Courtesy of Press Office

di Elena Parmegiani per DailyMoodit

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Il totem monumentale, realizzato da Angelino Artworks in collaborazione con Fidia, è un’opera di forte impatto simbolico, che unisce ricerca artistica, impegno civile e qualità realizzativa. La struttura stratificata di “blocchi” narrativi racconta la trasformazione dei valori nel tempo e amplia al contempo la riflessione già avviata da Fidia nel 2017: i nuovi elementi introdotti denunciano esplicitamente la violazione dei diritti dei popoli nativi americani, celebrando la ricchezza culturale e spirituale delle loro comunità.

La definizione Never Ending Story sottolinea la continuità di queste dinamiche: appropriazione e marginalizzazione persistono nel presente, trasformando la creazione artistica in metafora di responsabilità collettiva.

Determinanti l’esperienza diretta dell’artista con comunità indigene nordamericane e il dialogo con Ashley Callingbull, attivista e rappresentante delle Cree First Nations, che conferisce all’opera una dimensione autentica e contemporanea. La realizzazione tecnica di Angelino Artworks, valorizzata dall’illuminazione di Rimani, traduce la complessità concettuale in una struttura monumentale di grande precisione e impatto scenografico.

Si ringrazia per il supporto e la collaborazione l’Associazione Commercianti di via dei Fiori Chiari, realtà attiva del distretto di Brera durante il Fuorisalone.

Still 1492 |Never Ending Story è un progetto che supera la dimensione espositiva per farsi gesto culturale: un invito a riflettere su memoria, identità e responsabilità collettiva nel cuore della scena internazionale del design.

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Durante la Design Week milanese, nel cuore del Brera Design District Seguso Vetri d’Arte torna negli spazi di Robertaebasta con un progetto espositivo completamente rinnovato: un racconto immersivo che attraversa tempo, materia e luce, mettendo in dialogo archivio storico, ricerca progettuale e sperimentazione artistica contemporanea.

Più che una semplice esposizione, lo spazio diventa una narrazione tridimensionale del sapere muranese. Ogni elemento riflette la continuità tra tradizione e innovazione, ponendo al centro il Poliesaedro — storico elemento del linguaggio Seguso e reinterpretazione del Poliedro — una forma geometrica capace di attraversare epoche e linguaggi. Sviluppato dalla Seguso Vetri d’Arte come soluzione modulare negli anni in cui alcuni tra i più importanti protagonisti del design e dell’architettura italiana, tra cui Angelo Mangiarotti, i Fratelli Tosi, Flavio Poli e Carlo Scarpa sviluppavano altre forme con lo stesso concetto di modularità. Il Poliesaedro testimonia la continuità della ricerca dell’azienda tra memoria e sperimentazione. Il nome deriva dalla sua struttura a sei lati, che reinterpreta in chiave contemporanea la tradizione muranese, incarnando il DNA artigianale veneziano e l’evoluzione costante del linguaggio del vetro.

Il percorso espositivo si sviluppa come una sequenza di visioni luminose:

Skyline
Un lampadario orizzontale che disegna nello spazio un paesaggio sospeso, evocando il profilo di Venezia riflesso sull’acqua. La composizione nasce dall’unione modulare di poliedri in vetro ambra e fumé specchiato. La luce non è diretta ma meditata: sorgenti LED orientate verso l’interno si riflettono sulla struttura metallica, generando un’illuminazione morbida e atmosferica, più percepita che vista.

Lampada da tavolo Poliedro
Ridotto alla scala domestica, il modulo diventa oggetto scultoreo. La lampada interpreta il singolo Poliedro in quattro varianti cromatiche valorizzandone la purezza geometrica e la versatilità compositiva, tra design e presenza artistica.

Arpa Rezzonica
Tradizione e ricerca cromatica si incontrano in un lampadario Rezzonico reinterpretato in una intensa tonalità prugna con dettagli oro. Il progetto testimonia una raffinata indagine sul colore, recuperando lavorazioni tradizionali oggi rare e aprendo a livelli di personalizzazione estremamente elevati. Un approccio affine alla storica collaborazione con Tiffany, dove la definizione della tonalità diventava parte integrante del processo creativo, confermando la vocazione internazionale della manifattura.

Accanto alla dimensione progettuale, Seguso Vetri d’Arte introduce anche un intervento artistico site-specific che amplia la riflessione sul tempo e sulla materia.

Ri-esistenza — installazione esterna
(1,5 × 1,5 × h 2 m circa)
Un’architettura composta da cotisso (cocciame), ed elementi di vetro per costruire una texture narrativa dedicata al riuso e alla trasformazione. Frammenti di storie e lavorazioni passate trovano nuova forma, suggerendo che la materia non termina il proprio ciclo ma si rigenera continuamente. L’opera diventa così metafora della bellezza come processo permanente: nulla scompare, tutto si trasforma.

Durante la Design Week, lo spazio di Robertaebasta si arricchirà inoltre di ulteriori novità e interventi espositivi, creando un dialogo dinamico tra pezzi storici e nuove visioni progettuali.

Un invito a perdersi tra superfici luminose e volumi trasparenti, dove la storia del vetro muranese incontra le sperimentazioni contemporanee. Seguso Vetri d’Arte trasforma così la materia in esperienza sensoriale, confermando il design come linguaggio capace di raccontare tempo, memoria e visione futura.

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Lo Spazio Roseto accende nuovamente i riflettori, rinnovando la propria vocazione per l’arte per offrire al pubblico un’esperienza sensoriale unica, immergendo il visitatore nel mondo dell’Optical Art. Protagonista Victor Vasarely, riconosciuto come il padre fondatore dell’Op Art, le cui opere si distinguono per l’uso di forme geometriche, contrasti cromatici e illusioni visive capaci di generare movimento e tridimensionalità.

Il vernissage presenterà una selezione di lavori, tra cui quattro opere di Vasarely, in un percorso espositivo che mette in relazione percezione, ritmo e profondità. La mostra, curata da Milo Goj con Art Relation, sarà aperta al pubblico dal 20 aprile al 10 maggio 2026.

L’opening, aperto anche alla stampa, si terrà lunedì 20 aprile a partire dalle ore 19.00. Durante la serata del 20 aprile verrà svelata in anteprima la nuova residenza Campiglio PLAZA, realizzazione immobiliare di prestigio che entrerà nel portfolio di Roseto Experience, attraverso Inside Campiglio Plaza- Sensory Preview ovvero un’anteprima sensoriale che coinvolgerà i visitatori attraverso stimoli visivi 3D, tattili, sonori e degustativi.

Roseto e Jarvés Luxury Real Estate, società specializzate nel comparto immobiliare di pregio, consolidano così il proprio impegno nel creare un ponte tra arte, design e architettura, dando vita a un dialogo armonico tra le diverse forme di espressione.

Un ringraziamento speciale ai partner dell’evento: Flou, Prima BZ, Gruppo Meregalli, Bollinger, Bang & Olufsen Milano Flagship Store e Casa Rosina.

Per partecipare gratuitamente, registrarsi al seguente link

https://www.eventbrite.it/e/1986196092981?aff=oddtdtcreator

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Il programma culturale consolida la vocazione interdisciplinare della manifestazione. Tra gli incontri più attesi, quello con Vittorio Gallese e Ugo Morelli, che riflettono sul concetto di empatia come infrastruttura sociale necessaria per affrontare la crisi ambientale. Il dialogo tra Luca Mercalli e Silvia Bencivelli riporta invece il tema su un piano più esplicitamente climatico: secondo i dati ISPRA, l’Italia ha registrato un aumento medio delle temperature di circa +1,1°C rispetto all’era preindustriale, con impatti diretti su ecosistemi e agricoltura. Di particolare rilievo anche la presenza di Paola Bonfante, tra le massime esperte di simbiosi tra piante e microrganismi, un ambito oggi centrale per lo sviluppo di un’agricoltura rigenerativa. Non manca una dimensione più sperimentale e performativa. Il racconto dell’Arte Sella, affidato a Giacomo Bianchi, testimonia come l’arte contemporanea stia sempre più integrando paesaggio e installazione. Parallelamente, il movimento Save Soil, fondato da Sadhguru, porta a FloraCult pratiche che uniscono meditazione e musica, riflettendo una crescente attenzione, anche nel mondo del lusso, verso esperienze trasformative e consapevoli. La componente artistica si completa con una mostra di automi ispirata anche alle visioni futuriste di Fortunato Depero e con la proiezione di Green Porno, il progetto audiovisivo di Isabella Rossellini che reinterpreta in chiave ironica la biologia animale. Si terranno inoltre le presentazioni di due libri legati da una storia in comune: “Il viaggio degli Agrumi in Italia” di Alberto Tintori, percorsi, curiosità di cultivar regionali coltivati a scopo ornamentale rifacendosi ad una tradizione rinascimentale toscana e “Vignanello, il castello, la sua terra, la sua storia, i suoi giardini” presentato da Claudia Ruspoli, storia del castello Ruspoli dei suoi giardini e dell’agrumeto che ha ritrovato l’antico splendore. Se la moda contemporanea sta ridefinendo i propri codici, basti pensare alla crescente attenzione per materiali rigenerativi e filiere trasparenti, eventi come FloraCult offrono una lente privilegiata per comprendere dove stia andando il concetto di lusso. Non più ostentazione, ma relazione. Non più consumo, ma consapevolezza. In questo scenario il verde non è più solo colore o tendenza stagionale: è infrastruttura culturale, materia viva e, sempre più, linguaggio del progetto.

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      Per maggiori informazioni

             Orari 10.00 – al tramonto

             Parcheggio gratuito

             Servizio navetta gratuito dalla Stazione La Storta

             BIGLIETTI Intero 13 euro| Ridotto Convenzioni 10 euro | con treno + navetta 6.50 euro

             Pacchetto 3 giorni 29 euro | Gratuito sotto i 12 anni | Gratuito per accompagnatori disabili

Di Elena Parmigiani per DailyMood.it

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