di Maurizio Ermisino per DailyMood

L'articolo Nico, 1988. Dimenticate la femme fatale di Lou Reed proviene da Daily Mood.

DailyMood.it: Puoi presentare il progetto Ofo in poche parole? Che cos’è esattamente?
Antonio Rapisarda:Ofo è l’azienda che ha creato il bike sharing senza stazioni fisse, basato esclusivamente su un’applicazione online, nonché la prima azienda a livello globale del settore. La nostra mission è quella di fornire una soluzione di trasporto alternativa ai mezzi a combustione per muoversi nelle città, un modo sostenibile e sano di spostarsi.

DM: Che cosa offre più di altre realtà di bike sharing?
AR: Ciò che ci differenzia da tutti gli altri operatori del mercato è il fatto che Ofo opera su una piattaforma aperta, senza stazione fissa, appunto, che mette in condivisione le biciclette piuttosto che promuovere una loro fabbricazione.

DM: Siete appena atterrati a Milano, perché avete scelto questa città per iniziare l’avventura italiana? Siete pronti ad espandere il vostro servizio anche in altre città del nostro paese?
AR: Lanceremo il nostro servizio a Milano a metà settembre. Milano è di fatto il cuore economico italiano. Questo da una parte determina un sovraccarico nel suo tessuto urbano, ma dall’altra è fattore di sviluppo di un certo dinamismo culturale. Sono due fattori importanti, perché da una parte c’è la necessità di snellire il traffico cittadino, e dall’altro siamo sicuri che ci sono cittadini pronti a cogliere ogni opportunità pur di spostarsi in modo sostenibile. Chiaramente una città come Milano presenta per noi un’opportunità, in quanto il nostro servizio ha come obiettivo quello di fornire ai cittadini un mezzo veloce e sostenibile per affrontare quel chilometro tra casa ed i mezzi pubblici e tra la fermata del bus o della metro ed il luogo di lavoro. Non vediamo poi l’ora, chiaramente, di portare il nostro servizio in altre città Italiane – e per ognuna fornire soluzioni ad hoc.

DM:L’Italia è un paese che offre pochi piste ciclabili e dove la cultura predominante vede ancora in modo prioritario l’utilizzo di auto e moto. Credi che una proposta come quella fornita da Ofo possa aiutare a cambiare questa tendenza e, di conseguenza, a sviluppare un’attenzione diversa all’ambiente?
AR: Siamo molto ottimisti circa l’impatto del Bike Sharing. Bisogna poi riflettere sul fatto che Ofo non è solo un fornitore di servizi, ma anche un consulente che aiuta la politica locale nello sviluppo di strategie che rendano le città sempre più a misura di bicicletta e quindi sostenibili. Abbiamo collaborazioni avviate in tutto il mondo e lavoriamo a stretto contatto con i governi locali per risolvere i problemi di trasporto urbano migliorando la pianificazione urbana. Ad esempio, in molte città della Cina, il bike sharing è riuscito a diminuire la congestione del traffico e il consumo di benzina.

DM: Perché hai deciso di diventare partner di focalizzazione in Italia – Cina qui alla Mostra del Cinema di Venezia?
AR: Come azienda globale di condivisione di bici, siamo lieti di fornire soluzioni di trasporto a qualsiasi città o evento che li necessiti. Come si può vedere qui a Lido, il ciclismo è il modo migliore per andare in giro per l’isola – andare a piedi può richiedere molto tempo e l’auto non è così conveniente. Con il bike-sharing le persone che visitano l’isola in questi giorni sono libere di godersi il festival del cinema senza dover preoccuparsi di parcheggiare le loro auto o di dover camminare troppo a lungo. Inoltre, è una buon palcoscenico per presentare la nostra idea al mondo e mostrare alle persone come funziona il bike sharing senza stazioni fisse.

DM: Come vedi l’incontro di queste due culture diverse, quella italiana e quella cinese?
AR: Le nostre culture millenarie, che sembrano così lontane e diverse, hanno molti punti in comune che interagiscono. Non dimentichiamoci che nel corso dei secoli ci sono stati molti contatti diretti e indiretti sia dal punto di vista commerciale che dal punto di visto socio-culturale. Ricordiamo che la vecchia via della seta veniva già percorsa al tempo dai Romani e relativamente in tempi più recenti ricordiamo Marco Polo e Matteo Ricci, i due personaggi che per primi hanno saputo veicolare aspetti della nostra cultura in Cina e viceversa. Oggi rivediamo questo proficuo scambio avvenuto negli anni continuare ad evolversi tramite gli ottimi e cordiali rapporti tra I nostri due paesi, e sicuramente anche il cinema gioca un aspetto fondamentale nell’ulteriore approfondimento di conoscenza tra le nostre culture. Sia l’Italia che la Cina hanno infatti un grande patrimonio cinematografico e per questo credo fortemente che ci siano i presupposti per un proficuo scambio culturale, che il cinema possa essere un mezzo per far conoscere le due culture ai nostri rispettivi popoli. Vorrei ricordare a tal proposito che il cinema italiano riscuote già un grande successo in Cina.

DM: Dato l’enorme uso delle biciclette a Lido durante la manifestazione, possiamo sperare di vedere più “biciclette gialle” per Venezia 75?
AR: Stiamo facendo del nostro meglio per migliorare i contatti sia con il comitato organizzatore che con l’amministrazione comunale al fine di mettere a disposizione le nostre biciclette a tutti coloro che parteciperanno alla prossima edizione della Mostra, ci auguriamo di poter far entrare il bike sharing dal Red Carpet della prossima edizione. Ovunque ci sia domanda OFO è felice di fornire il nostro servizio di condivisione bicicletta mondiale.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Ofo, bike sharing a portata di APP. Intervista ad Antonio Rapisarda proviene da Daily Mood.

“Credo nella vita, nell’amore e nel cinema e resto qui su questo palco, con voi, pieno di vita, pieno di amore e pieno di cinema

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia – foto ASAC

L'articolo Venezia 74: il trionfo di Guillermo Del Toro. The Shape of Water è il Leone d’Oro proviene da Daily Mood.

“E’ tanta l’emozione per essere qui in concorso, per noi è come se la Sambenedettese giocasse allo stadio Bernabeu”. Così i Manetti hanno commentato la loro partecipazione al festival in conferenza stampa. “Il film – hanno proseguito i registi – nasce dalla volontà di portare al cinema la tradizione della sceneggiata napoletana con una musica più moderna. Una sceneggiata chiaramente filtrata da ciò che a noi piace”. A rendere ancora più apprezzabile la pellicola sono i protagonisti: il loro attore feticcio Giampaolo Morelli, la bellissima Serena Rossi, il sempre più bravo Carlo Buccirosso e la sorprendente Claudia Gerini, che canta e balla in maniera splendida e recita con un perfetto accento napoletano nel ruolo di Donna Maria, moglie del boss. “Per fortuna, mio nonno era napoletano e questo mi ha aiutata molto a non cadere nel caricaturale – ha affermato l’attrice – per me è stata una sfida”.

Presentato sempre in competizione, a convincere (seppur non fino in fondo) è stato anche Sweet Country, western australiano interpretato da Sam Neil. L’ex protagonista di Jurassic Park, qui quasi irriconoscibile sotto il cappello e la sua barba lunga, si è immerso nell’Australia di fine anni ’20, precisamente nei fatti realmente accaduti di Sam, aborigeno australiano, che lavora in una fattori. Quando uccide il suo proprietario terriero è costretto a scappare per paura di non ottenere giustizia. “E’ una pagina di storia del mio paese poco conosciuta”, ha dichiarato il regista Warwick Thornton. “Anche noi abbiamo avuto la schiavitù e il film vuole raccontare la genesi della colonizzazione e della conquista del Nord Australia per mostrare come è nato questo processo”.

Fuori concorso è invece passato il film che forse più di tutti oggi ha acceso l’entusiasmo dei fan al Lido (almeno di quelli in cerca di autografi e di selfie con i divi). Ci riferiamo a Loving Pablo di Fernando León de Aranoa. La pellicola, che ripercorre la storia d’amore tra Pablo Escobar e la giornalista Virginia Vallejo, vede protagonista assoluta la coppia Javier Bardem–Penelope Cruz. Una coppia straordinaria, sullo schermo come nella vita, che va ancora di più ad impreziosire la parata di stelle offerta quest’anno dalla Mostra.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia – Foto ASAC

L'articolo Venezia 74, giorno 8: i Manetti Bros e Claudia Gerini alla conquista della Mostra proviene da Daily Mood.

Perché raccontare ancora questa storia sullo schermo?
Fernando León de Aranoa: Perché se è vero che negli ultimi decenni le vicende di Escobar sono state raccontate in libri, serie TV e documentari, è altrettanto vero che il libro di Virgina Vallejo offre uno sguardo più intimo sul suo comportamento criminale e descrive da vicino gli anni più duri della guerra tra il narcotrafficante e il governo colombiano. Lei è stata sua amante ma soprattutto lei fu una sopravvissuta di tutta questa faccenda. La sua è in fondo la storia disperata di un naufragio, che tratta di attrazione e fascinazione, ma è anche il racconto della pazzia e del terrore di uno dei decenni più violenti della storia recente, a cui la stessa Virginia prese parte.

Javier Bardem, si vedeva prima o poi nei panni di Escobar?
Javier Bardem: Questo film volevo farlo da tempo e già altri registi mi avevano offerto il ruolo in passato. Alla fine ho accettato perché Escobar è una figura caratterizzata da una grande contraddizione, era infatti un padre affettuoso ma anche un terribile assassino. C’è voluto tempo per cogliere in lui questa doppia faccia: un essere umano che si fa mostro. Spero di essere riuscito con la mia interpretazione a far arrivare questo aspetto agli spettatori.

Penelope Cruz, come si è preparata al ruolo di Virginia Vallejo?
Penelope Cruz: Ho visionato molto materiale televisivo, perché Virginia era un volto noto del piccolo schermo. Poi chiaramente ho letto il suo libro. Non credo che il cinema abbia il dovere di cambiare il mondo, ma penso che abbia la responsabilità di raccontare certe storie. Noi non volevamo rendere questo film un videogame. In questo caso il personaggio di Virginia doveva essere quello che più degli altri incarnasse il dolore.

Perché avete scelto di girare in lingua inglese? E’ sembrata una scelta alquanto strana…
Javier Bardem: Rispondo da produttore del film: ho pensato semplicemente che l’inglese rispondesse alle richieste di mercato. Ma la lingua non è importante in questo caso, è solo un mezzo espressivo. L’importante è che arrivino le emozioni.
Fernando León de Aranoa: Abbiamo comunque scelto attori che parlassero con accento colombiano. Purtroppo oggi è difficile vendere un film sul mercato internazionale se non si utilizza la lingua inglese. E’ la legge del mercato. Abbiamo in ogni caso cercato di essere il più realistici possibile, girando nei luoghi reali dove sono avvenuti i fatti raccontati.

Javier Bardem, lei ha dovuto trasformare completamente il suo fisico per entrare nel ruolo…
Javier Bardem: Il fisico è uno dei mezzi per descrivere al meglio un personaggio. Trasformarmi anche fisicamente era importante per entrare meglio in Pablo. Il mio Pablo è quasi un ippopotamo. Tra l’altro l’ippopotamo era il suo animale preferito. Un animale all’apparenza tranquillo e flemmatico, ma in realtà ferocissimo. C’è anche una scena del film in cui Escobar sembra proprio un ippopotamo, quando sta in piscina ed ha tutto il corpo coperto dall’acqua tranne gli occhi. Credo che questa scelta sull’aspetto fisico sia stata giusta per rappresentare al meglio l’anima del personaggio.
Penelope Cruz: L’aspetto fisico di Javier, il suo essere entrato così tanto nel personaggio, ha aiutato anche noi altri attori sul set. Io, ad esempio, devo dire che durante le riprese più volte ho avuto paura di Pablo Escobar, della sua energia così aggressiva. Anche quando tornavamo a casa, io vedevo Pablo e non Javier. Infatti, poi, è arrivato un momento in cui non vedevo l’ora di finire le riprese.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: @MatteoMignani

L'articolo Penelope Cruz e Javier Bardem presentano Loving Pablo proviene da Daily Mood.

Come è nato il progetto di questo documentario?
Jim Carrey : È stata una cosa che ho generato io, in fondo. O meglio, l’artefice in realtà è Andy con il suo genio. Nella mia testa, pensavo che fosse Andy a realizzare il film, non che fossi io. Prima di arrivare sul set pensavo: “Andy ritornerà per girare”.

In quel film si immedesimò completamente in Andy Kauffman…
Jim Carrey: Il mio impegno fu psicotico in Man on the Moon. Ho avuto il sospetto che Andy e io rivestivamo personaggi insieme. Ho sempre chiesto chi è che recita la mia vita. Chi è?

Dato che lei mette sempre molto del suo nella creazione dei personaggi, ha mai pensato di fare il regista?
Jim Carrey: Si ci ho pensato, ma ci sono registi per mestiere, come Chris ad esempio, che sviluppano tutte le idee. Io amo avere libertà nei miei progetti per esplorare ogni strada dei personaggi che interpreto. Potrei diventare regista, ma solo se non facessi l’attore.

Il documentario mostra tanto la sua genialità quanto la sua fragilità…
Jim Carrey. All’inizio credevo che la mia personalità fosse tutto nella mia carriera. Tutto è sempre stato centrato sulla mia personalità e sull’atteggiamento dei personaggi nei film. Ma dopo un po’ che rivesti un personaggio, anche tu diventi un personaggio. C’è qualcuno che ha interpretato tutta la mia vita e sto cercando di capire chi è. Noi, tutti, non siamo un io. Siamo solo un’energia a cui viene data un’etichetta. Trascorriamo la nostra vita a cercare ancore per la nostra identità ma in realtà non esistiamo. Siamo solo delle idee. E ci mettiamo addosso un braccialetto, con tanti ciondoli, che sono le nostre idee. Ma noi non siamo tutto questo, non siamo niente.

Dove è andata la comicità del primo Jim Carrey?
Jim Carrey. Io non sono solo uno che fa smorfie. Potrei raccontarvi il significato spirituale dietro ogni smorfia della mia carriera. C’è spiritualità dietro il mio lavoro, anche dietro a Scemo e più scemo. Ma fortunatamente ho trovato registi che hanno visto oltre la superficie, come Chris Smith.

Cosa pensa dei comici di oggi, della commedia americana contemporanea?
Jim Carrey: Ci sono cose che mi fanno ridere e altre meno. Ad esempio, ultimamente ho amato Get Out. Ogni generazione ha i suoi comici. Io ai miei tempi, volevo distruggere Hollywood, non volevo farne parte. Volevo prendere in giro quelli egocentrici, i leader, quelli con l’atteggiamento à la Clint Eastwood, volevo prendere in giro i film. Io ho sempre cercato qualcosa di sovversivo, che secondo me ci deve sempre essere. Basta essere onesti. L’onestà è sovversiva. Tutti indossano una maschera, e se uno è autentico, senza maschera, tutti gli altri si sentono in difficoltà. E lo dico qui, a Venezia, nella città delle maschere.

La sua arte comica ricorda molto quella dell’appena scomparso Jerry Lewis…
Jim Carrey: Jerry Lewis era un genio assoluto, un artista stratificato, che proponeva tante modi diversi di recitare. La scomparsa di Jerry è stato un dramma, ma la sua vita è stata incredibile. Io da ragazzo ero telepaticamente collegato a lui. Per me lui significa tanto.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: @MatteoMignani

L'articolo Jim Carrey: “Non sono soltanto uno che fa smorfie” proviene da Daily Mood.

Frances McDormand, come è stato lavorare con McDonagh?
Frances McDormand: Martin è bravissimo, ha uno sguardo malinconico e divertente. Il film fa piangere e ridere allo stesso tempo, quindi è stato un immenso piacere lavorare con lui. Poi, la sceneggiatura è fantastica e lui ha scritto i personaggi proprio per Woody Harrelson, Sam Rockwell e me. E’ stato un vero onore.

Il personaggio di Mildred pare abbia avere numerose assonanze con quello di Marge di Fargo, quasi come se il primo fosse un’evoluzione del secondo.
Frances McDormand: Penso che mi porterò Marge addosso fino alla tomba. E’ un personaggio che mi seguirà per tutta la vita, scriveranno il suo nome pure nel mio epitaffio! In ogni caso, penso che si potrebbe tranquillamente pensare che Mildred sia Marge da grande.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri è un’opera incentrata sul razzismo e la violenza. Due temi molto caldi in America dopo l’elezione di Trump.
Martin McDonagh: Razzismo e xenofobia sono presenti in tutto il mondo, non solo negli Stati Uniti. Questo non è un film sul razzismo e la violenza in America, quello che mi interessava raccontare era la storia, non il luogo.

La costruzione del testo filmico sembra richiamare quella di uno spaghetti western, anche nella stessa costruzione del personaggio di Mildred. Cosa ne pensate?
Frances McDormand: Confesso che amo John Wayne e che ho preso tanto da lui per costruire Mildred, il suo sguardo, come si muove, soprattutto dal personaggio di Ethan Edwards di Sentieri Selvaggi. Lui era un uomo antipatico, razzista, violento, ma alla fine riesci a empatizzare con lui e pure a volergli bene.
Martin McDonagh: Nel film non ci sono personaggi cattivi o buoni. Tutti hanno la loro storia personale, un proprio percorso. Per esempio, tra Willoughby (Woody Harrelson) e Mildred c’è un rapporto molto particolare, entrambi sono arrabbiati e si confrontano, ma in fondo tutti e due hanno ragione. Ma si rispettano e si vogliono bene. Mi piace questo tipo di rapporto.

Sam Rockwell, come ha costruito il suo personaggio?
Sam Rockwell: Ho visto tanti episodi di Cops, che è un bellissimo show. Poi ho capito che i poliziotti non sono degli stereotipi, ma sono delle persone normali alle prese con un lavoro non semplice. Io ho cercato di mettere insieme tutte le sfaccettature del personaggio.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia – Foto ASAC

L'articolo Frances McDormand: “La Marge di fargo me la porterò dietro fino alla tomba” proviene da Daily Mood.

Il primo è il nuovo capolavoro di uno dei più grandi documentaristi viventi, Frederick Wiseman. Il film è il ritratto della Public Library di New York. Un’opera fiume di più di tre ore che si concentra sulla vita culturale animata dalla biblioteca della Grande Mela e dalle sue 90 filiali sparse per la metropoli. “Questo documentario ci mostra che le biblioteche non stanno sparendo, come invece molti pensano”, ha dichiarato il regista. “I libri non scompariranno mai e le biblioteche sono archivi che sopravviveranno anche alla digitalizzazione, perché gli originali su carta hanno un valore inestimabile”.

Il secondo, invece, diretto da Martin McDonagh, il regista del bellissimo In Bruges, è una dark comedy straordinaria che racconta di Mildred, donna che chiede giustizia per la figlia assassinata lanciando il suo messaggio di protesta affiggendo dei cartelloni pubblicitari appena fuori la città. Da lì si scatenerà una girandola di violenza e di rabbia, resa sullo schermo dal regista con ironia e cinismo. Applausi a scena aperta. Forse abbiamo il Leone d’Oro, anche se prevediamo più facilmente la Coppa Volpi ai protagonisti Sam Rockwell e Frances McDormand. Quest’ultima, tra l’altro, è stata la protagonista in serata di un vero proprio show sul tappeto rosso. Lei, infatti, che odia le passerelle, ha sviato i flash dei fotografi, che non hanno gradito. L’attrice allora ha risposto provocatoriamente mimando una scimmia. I festival del cinema sono anche questo. Soprattutto se ci troviamo di fronte ad un personaggio così particolare, se non unico, come la McDormand.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia – Foto ASAC

L'articolo Venezia 74, giorno 6: Micaela Ramazzotti madre e moglie disperata in Una famiglia proviene da Daily Mood.

Paolo Virzì, non la spaventava intraprendere questo progetto?
Paolo Virzì: inizialmente avevo i miei dubbi, perché le mie sceneggiature sono strutturate sempre sulla lingua e su paesaggi familiari. Quindi, come se cercassi una difesa per me, ho deciso di proporre il film a Helen e Donald. Hanno accettato subito e allora ho capito che dovevo farlo. Ho percorso più volte la Route 1, ma come più volte mi sono messo sull’Aurelia tra Livorno e Roma. Non ho cambiato modo di lavorare.

Dopo questa esperienza, ci sarà un’emigrazione di Virzì?
Paolo Virzì: Non avevo e non ho in mente nessuna emigrazione. Io sono fiero di essere un regista italiano e di far della comunità del nostro cinema, che è meravigliosa. Questo film è partito come una scommessa su spinta di amici, produttori e sceneggiatori, che mi hanno consigliato di scrivere una sceneggiatura dal libro In viaggio contromano di Michael Zadoorian.

Helen Mirren e Donald Sutherland, com’è stato il lavoro con Virzì?
Helen Mirren: A volte ci vuole uno sguardo straniero per raccontare la vera anima di una cultura, di una nazione. Paolo è riuscito in questo, con il suo humor, la sua umanità, la sua sensibilità.
Donald Sutherland: Paolo è italianissimo, e lo dico perché quando parla faccio fatica a capirlo. Ma lui ha uno sguardo che può essere universale, non solo italiano. Uno sguardo pieno d’amore e mai cinico. Le sue idee mi sembravano perfette per questa storia e così ho accettato il ruolo.

Il film è costellato di elementi della cultura americana…
Paolo Virzì: Per creare lo sfondo culturale alla storia dei protagonisti dovevamo inserire questi elementi, che tra l’altro abbiamo cambiato rispetto al libro. Nel romanzo l’America descritta è pacchiana, noi abbiamo cercato di adattare il tutto al nostro gusto.

Ci sono anche tanti riferimenti alla campagna elettorale di Trump…
Paolo Virzì: Quando facevamo i sopralluoghi, tutti i luoghi erano tappezzati dei cartelloni della campagna elettorale di Trump. E quindi poi ci è sembrato opportuno inserire questo aspetto nel film, anche per sottolineare la fuga di Ella e John da un paese che non riconoscono più.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia – Foto ASAC

L'articolo Paolo Virzì, Helen Mirren e Donald Sutherland presentano The Leisure Seeker proviene da Daily Mood.

La prima è venuta al Lido per presentare Vittoria e Abdul del connazionale Stephen Frears, dove veste i panni della regina Vittoria. Un ruolo non nuovo per l’attrice, che già l’aveva ricoperto venti anni fa in La mia regina, diretta tra l’altro da John Madden, che poco dopo gli affidò la parte della regina Elisabetta in Shakespeare in Love. La Dench è dunque un’habituée della corona, sul grande schermo la porta ormai con una naturalezza e una disinvoltura disarmanti, ed è diventata a tutti gli effetti il vero volto cinematografico della dinastia reale inglese. Questa nuova fatica del regista di Alta fedeltà, con il quale l’attrice era già stata alla Mostra in occasione di Philomena, racconta però una storia assolutamente inedita al cinema. Vittoria e Abdul, in uscita nelle nostre sale il prossimo 26 ottobre, è infatti la storia della straordinaria amicizia tra la sovrana e un commesso indiano giunto a Londra per servire a tavola durante il Giubileo d’oro. “E’ un dramma, non una commedia come molti pensano”, ha dichiarato Frears, al festival anche per ritirare il premio Jaeger-LeCoultre Glory to the filmmaker. “E poi non sappiamo quanto sia vera o meno questa storia. E’ un po’ come Butch Cassidy”. Storia, storia romanzata o leggenda, cambia poco per il film, solido e narrativamente perfetto come sempre con Frears dietro la macchina da presa. “Non avrei mai potuto dire di no a Frears, non me l’aspettavo questa parte – ha detto la Dench in conferenza stampa – ma sono affezionata a questo ruolo, è stato come dare continuità al mio lavoro”. Una continuità in fondo che troviamo anche nella carriera del regista: “Faccio solo film sulla famiglia reale, sono peggiorato negli anni – ha proseguito Frears – ma non potevo perdere l’occasione di portare sullo schermo una storia simile”. D’altronde, non bisogna dimenticarsi del bellissimo The Queen, sull’intimità della regina Elisabetta nei giorni della morte di Diana.

Nei panni della regina, in quel film, c’era proprio Helen Mirren, l’altra grande britannica di giornata. Lei è arrivata al Lido per The Leisure Seeker, prima avventura americana del nostro Paolo Virzì che la vede straordinaria protagonista insieme all’altro fantastico “veterano” Donald Sutherland. Lui è John, smemorato professore di letteratura, lei è Ella, malata ma piena di voglia di vivere. Insieme decidono di partire per un lungo viaggio on the road nel loro vecchio camper per “scappare” da un’America che proprio non fa più per loro. Un grande omaggio all’amore, un grande omaggio alla vita, il film è stato accolto benissimo, con applausi scroscianti, sia dalla critica sia dal pubblico. Si piange, e tanto. Ci si diverte. Uno dei migliori Virzì. Chissà se Annette Bening e i suoi giurati gli regaleranno un premio. Speriamo.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: ©La Biennale di Venezia foto ASAC

L'articolo Venezia 74, giorno 5: Helen Mirren e Judi Dench “regine” del Festival proviene da Daily Mood.

Il film è stato scritto dai fratelli Coen negli anni Ottanta. E’ stata l’ascesa di Trump a farvi riprendere in mano il progetto?
George Clooney: Abbiamo iniziato a lavorare a questo film quando Donald Trump ha cominciato la sua corsa politica. Ma “fare grande l’America” si diceva anche negli anni Cinquanta ai tempi di Eisenhower. Non c’è niente di nuovo. Alcuni aspetti, alcuni problemi non andranno mai fuori moda nel nostro paese.

Il film propone una riflessione politica molto forte…
George Clooney: Io sono cresciuto in Kentucky negli anni Sessanta, e in quel periodo si lottava contro la segregazione. La storia della famiglia afroamericana del film contrapposta alla lucida follia dei Lodge è uno strumento per far capire allo spettatore che stiamo andando nella direzione sbagliata nel momento in cui per ogni problema incolpiamo una minoranza. Ma d’altronde abbiamo ancora tanto lavoro da fare per liberarci del nostro peccato originale: la schiavitù.

Matt Damon, come ti sei trovato in questo ruolo da cattivo?
Matt Damon: E’ un ruolo nuovo per me, mai interpretato un personaggio simile. George con questa parte mi ha fatto fare un salto in avanti. E’ stato divertente recitare in questo film. Ho avuto uno dei migliori registi a dirigermi e molto della mia interpretazione la devo a lui.

Julianne Moore, com’è stato interpretare questo doppio ruolo?
Julianne Moore: George mi ha offerto due ruoli perché voleva risparmiare. A parte gli scherzi, quello con George è stato un lavoro splendido e sono stata felicissima che mi abbia offerto due personaggi. Mi piaceva mettermi nei panni di due donne diversissime ed è stato interessante e stimolante vedere la vita di una sorella che si ripercuote su quella dell’altra.

Questo film trasmette tanta rabbia. La rabbia sembra il sentimento su cui è basato…
George Clooney: Guardiamo gli Stati Uniti: ovunque si guardi si trova rabbia. La rabbia di tutto il paese è al massimo storico. C’è una nube nera sugli States. Il film riflette questa situazione, in modo divertente e anche con cattiveria. In ogni caso io sono ottimista, sono fiducioso, credo molto nei giovani, credo davvero che possano e vogliano migliorare il mondo.

Nel film troviamo anche Oscar Isaac. Come mai ha scelto lui?
George Clooney: Quando i fratelli Coen volevano portare sullo schermo questa sceneggiatura, nel 1999, avevano offerto quel ruolo a me. E quando l’anno scorso ho deciso di realizzare questo film, ho pensato subito ad Oscar perché è un grande attore, un interprete meraviglioso.

Le voci si stanno facendo sempre più insistenti. Sarà lei il prossimo candidato democratico alla presidenza?
George Clooney: Sarebbe divertente. Ma chiunque sarebbe meglio di chi occupa quel ruolo adesso.

di Antonio valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: @MatteoMignani

L'articolo George Clooney: “Io prossimo candidato presidente? Sarebbe divertente” proviene da Daily Mood.

Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: © La Biennale di Venezia – foto ASAC

L'articolo Venezia 74, giorno 3: Jane Fonda e Robert Redford Leoni d’Oro alla carriera proviene da Daily Mood.

Matteo Botrugno e Daniele Coluccini, tornate a Venezia e alle Giornate degli Autori dopo sette anni. Che effetto fa?
Daniele Coluccini: Essere di nuovo alle Giornate degli Autori è come tornare a casa. Non è retorica. Grazie alle Giornate abbiamo presentato il nostro primo film e, quindi, quando ci hanno chiamato per presentare Il contagio abbiamo accettato subito, con grande gioia.
Matteo Botrugno: Oggi, come sanno bene i nostri produttori e i nostri attori, è difficile avere l’opportunità di fare un film e ancora di più è difficile farlo vedere. Per cui per noi è un vero onore essere qui.

Walter Siti, come ha reagito alla proposta di trarre un film da un suo romanzo? E’ la prima volta che succede…
Walter Siti: In realtà credevo fosse un onore il fatto che non fossero mai stati tratti film dai miei romanzi. Credo che dia più valore alla mia scrittura, difficilmente trascrivibile con un altro mezzo. Tantissime volte mi avevano chiesto i diritti dei miei romanzi, una volta ho anche iniziato a scrivere una sceneggiatura con Daniele Vicari, ma poi non si è fatto più nulla. Allora quando mi hanno chiesto i diritti de Il contagio ho accettato convinto che poi alla fine non sarebbe mai stato realizzato. E invece poi è stato fatto, ma io non c’entro niente. Non volevo entrare nella cosa, perché sono due mestieri completamente diversi. Loro si sono inventati una struttura diversa e autonoma.

Vinicio Marchioni, si tratta di un film duro che però in realtà è anche una storia d’amore, quella tra il tuo Marcello e il professore interpretato da Vincenzo Salemme…
Vinicio Marchioni: Nel film ci sono tante storie d’amore, non solo una. Lo stesso Marcello ne vive due, quella con il professore e quella con la moglie, Anna Foglietta. E poi credo che sia un atto d’amore anche lo stesso lavoro dei registi, che non giudicano mai i loro personaggi. Spero che questo aspetto arrivi al pubblico. Quindi l’amore è centrale, in tutto il film, ma penso che nella storia conti molto anche la mancanza d’amore.

La mancanza d’amore si nota soprattutto nei personaggi femminili, che subiscono i comportamenti dei loro mariti, e nel personaggio interpretato da Maurizio Tesei, il “cattivo” del film…
Anna Foglietta: Penso che la mia Chiara sia un personaggio positivo, il suo sorriso finale lo vedo come uno slancio verso la vita, dopo che è depressa per tutto il racconto. E’ un personaggio fragile, dolce, ma ho visto in lei tanta vitalità e per questo ho sentito il dovere di proteggerla.
Giulia Bevilacqua: Anche il mio personaggio è dolce e ingenuo. Sacrifica il suo posto nella società per stare accanto al suo uomo. Anche lei fa finta di non vedere il comportamento del marito ed ha molto entusiasmo e una freschezza pura.
Maurizio Tesei: Non definirei Mauro, il mio personaggio, un cattivo. E’ un personaggio che fa degli errori, due su tutti: quello di etichettare il mondo attorno a lui e quello di dare per scontato tante cose, come il rapporto con la moglie. Vede la felicità nei soldi, nel benessere e per questo sacrifica il suo matrimonio e la sua amicizia con Marcello.

Il film appare diviso in due parti ben distinte. Come mai questa scelta?
Matteo Botrugno e Daniele Coluccini: Anche nel libro c’è una struttura bipartita, che si svolge su due binari diversi. Nel film c’è una prima parte corale, in periferia, e una seconda incentrata su uno dei personaggi che diventa quasi schiavo della sua ambizione, della sua fame di potere. Sono comunque due facce della stessa medaglia.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Vinicio Marchioni e Anna Foglietta presentano Il contagio proviene da Daily Mood.

Nonostante sia ancora molto, troppo presto, qui al Lido già si parla di premi per queste due opere. La prima, basata su una sceneggiatura densa di dialoghi e pregna di profonde argomentazioni, è forse uno dei lavori più intensi e convincenti del suo autore. La storia del rapporto tra il parroco Ethan Hawke e la giovane vedova Amanda Seyfried è il punto di partenza per una complessa analisi dell’umanità, dei sentimenti e della fede. Una critica al mondo in bilico tra speranza e disperazione, con due attori che, a prescindere dal clamore con cui sono stati accolti sul tappeto rosso, ci regalano delle performance solide, ricche di sfumature e costruite su un’evidente empatia.

Se First Reformed è un film duro, “tosto”, a suo modo difficile, The Shape of Water è invece uno spettacolo di leggiadra poesia che ci restituisce un Del Toro in forma smagliante, creativo, originale e mai ridondante. Un omaggio al cinema, protagonista di molte sequenze e motore dei sentimenti dei personaggi, e un inno all’amore: così possiamo riassumere la pellicola del regista messicano. Un mix tra La Bella e la Bestia, E.T., Il labirinto del fauno e Splash – Una sirena a Manhattan, ambientato in piena Guerra Fredda, che racconta la storia di Elisa (una magnifica Sally Hawkins), dirimpettaia del disegnatore Richard Jenkins, che lavora di notte alle pulizie di un laboratorio governativo americano insieme all’amica Zelda (Octavia Spencer, sempre eccellente). Muta per uno shock subito in passato, Elisa cambierà la sua vita grazie all’incontro con una misteriosa creatura marina custodita dagli americani nel laboratorio. “Il film è ambientato nel 1962 – ha dichiarato Del Toro in conferenza stampa – in un periodo nel quale gli Stati Uniti facevano tante promesse e si riempivano la bocca di futurismo e avanguardia. Cosa è cambiato oggi? Nulla”. Un film, quindi, che dietro alla sua struttura favolistica e sognante, presenta sottotesti molto attuali. Ma, d’altronde, l’amore è un tema universale che, se trattato con la giusta sensibilità – come fa Del Toro –, può risultare il giusto filtro per raccontare qualunque epoca e qualunque psicologia. Anche quando è la fantasia a vincere su tutto: “Credo che la fantasia sia molto politica come genere”, ha proseguito il regista. “Ma il primo atto politico da compiere è quello di scegliere l’amore sulla paura: viviamo in un momento storico in cui la paura è usata come mezzo persuasivo. E l’unico modo per combatterla è proprio l’amore”. Un messaggio che, in questo periodo, andrebbe accolto da tutti.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: © La Biennale di Venezia – foto ASAC
Photo Credits: @MatteoMignani

L'articolo Venezia 74, giorno 2: Applausi a scena aperta per Del Toro e Schrader proviene da Daily Mood.

Paul Schrader, questo film sembra il culmine di un processo artistico che è durato tanti anni…
Paul Schrader: prima di essere sceneggiatore ero critico e ho scritto un libro su spiritualità e cinema (Il trascendente nel cinema). E’ un universo che mi interessa da sempre ma non pensavo che avrei mai fatto un film su questo tema. Poi due anni fa, a cena con Pavel Pawlikowski, parlavamo del suo film, Ida. In quella serata ho capito che era arrivato il momento di cimentarmi in un progetto simile. Quindi si, credo che First Reformed sia il culmine di qualcosa che è iniziato negli anni ‘70.

Questo film arriva dopo Silence di Martin Scorsese, che in fondo tratta un tema simile. Ne avete parlato?
Paul Schrader: Silence volevo girarlo io. Ho provato a prendere i diritti del libro, ma lui mi ha detto: “non lo farai mai!”. E infatti poi l’ha girato lui. In ogni caso, sono due opere molto diverse.

Vede una correlazione tra First Reformed e Taxi Driver? In fondo sono due film con protagonista un uomo solo contro i suoi “demoni”…
Paul Schrader: Me l’ha detto anche il mio montatore. Io non volevo fare un film che ricordasse Taxi Driver, però effettivamente, rivedendolo, ha inciso molto sul copione, c’è molto di quella pellicola.

Amanda Seyfried, cosa hai provato quando hai letto la sceneggiatura?
Amanda Seyfried: Ho avuto una reazione di paura, ero spaventata. Certi argomenti, certe tematiche a volte non si toccano perché si ha paura. Ma sono stata fortunata a leggere per prima una storia così e soprattutto a sentirmi connessa con gli altri in questa sensazione. Sentirsi tutti coinvolti in un processo simile è la parte più bella.

Hai mai avuto bisogno di una guida spirituale?
Amanda Seyfried: L’ho cercata per tutta la vita. Può sembrare assurdo ma per un periodo l’ho trovata nel mio cane. Credo che il rapporto con gli animali apra verso la compassione. L’amore è la mia vita spirituale.

Ethan Hawke, è la prima volta che interpreti un prete al cinema. Come sei entrato nel ruolo?
Ethan Hawke: Quando ero piccolo, mia nonna mi diceva che secondo lei sarei diventato prete, e io pregavo per avere un destino diverso. Per fortuna ho fatto l’attore. Io sono cresciuto in una famiglia molto religiosa, e quindi non è stato molto difficile. Il mio personaggio è come uno sciamano e, se ci pensate bene, in tutti i riti religiosi, anche la Messa, in fondo c’è un po’ di spettacolo. Per cui ho cercato di metterci anche qualcosa di mio.

Cosa pensi della cifra trascendentale con cui Paul Schrader fa film?
Ethan Hawke: Trascendentale è una parola importante per me. E mi sento fortunato di essere entrato nel percorso artistico di Paul. Sono cresciuto con il trascendentale, aiuta a trovare connettività col mondo. Questo è un film che pone interrogativi più che dare risposte. E’ un film che cammina sull’orlo dell’abisso, tra disperazione e amore.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: @MatteoMignani

L'articolo Ethan Hawke: “in First Reformed recito tra amore e disperazione” proviene da Daily Mood.

La storia è fantascientifica e alquanto originale, quella di un mondo in cui è possibile rimpicciolirsi per salvaguardare la salute del pianeta, consumando e inquinando di meno. In questa folle, seppur nobile alla base, pratica finisce anche il protagonista interpretato da Matt Damon, che si ritrova alto 12 cm a vivere in una città in miniatura e apparentemente ideale. Di spunti e sottotesti sociopolitici la pellicola quindi ne presenta parecchi, ma sia Payne che Damon, accompagnati dal cosceneggiatore Jim Taylor e dalle coprotagoniste Hong Chau e Kristin Wiig, sono apparsi molto restii a parlarne con i giornalisti. Infatti, alla conferenza stampa di presentazione qui al Lido, il regista e il cast hanno preferito infarcire l’incontro di sorrisi ed ironie piuttosto che entrare nel dettaglio delle tematiche attuali proposte dal film, lasciando così spazio a tutte le possibili interpretazioni del pubblico.

Nonostante lo spunto fantascientifico, Payne non vede una discontinuità con la sua produzione precedente. “Credo sia un film pienamente in linea con gli altri. Presenta lo stesso humor e lo stesso tono”, ha affermato il regista. “E’ un film molto umano, che racconta una storia d’amore”. Amore tra i personaggi interpretati da Matt Damon e Hong Chau, bravissima nel ruolo di una dissidente vietnamita “rimpicciolita” dal regime del suo paese ed emigrata clandestinamente negli Stati Uniti. “Tutti i film di Alexander sono un mix di dramma e commedia. Anche Downsizing parla d’amore, di umanità, di come tratti un vicino di casa. Non è un film unidimensionale”, ha commentato l’attrice. Muoversi sulle tonalità sfumate di Payne, dunque, non sembrerebbe un lavoro facile per un attore, ma Damon, di poche parole durante la conferenza – anche perché stranamente poco chiamato in causa dai giornalisti – ha voluto sottolineare l’esatto contrario: “tutti vorrebbero lavorare con Alexander. E’ un regista molto meticoloso, ed è facile lavorare con lui, basta seguire esattamente quello che vuole. E lui ha sempre le idee chiare. Anche quando ti fa fare venti ciak, sai che lo fa per un motivo preciso”. Il premio Oscar per Will Hunting – Genio ribelle ha poi proseguito: “quando ho letto la sceneggiatura l’ho trovata unica, originale, intelligente. Il mio è un personaggio con un vita diversa dalle nostre, ma che ha anche molte cose in comune con noi. Era facile creare empatia”.

D’altronde, come sempre nel cinema di Payne, da Sideways a Paradiso amaro fino a Nebraska, sono centrali i personaggi e i loro sentimenti. Anche per questo all’autore non interessava molto approfondire l’aspetto scientifico del processo di rimpicciolimento. “Abbiamo avuto della consulenza scientifica, ma poca. Non volevamo essere condizionati da questo aspetto, a noi interessava la storia. Nonostante ciò, per creare questo mondo fantascientifico, mi sono avvalso di una bravissima production designer, Stefania Cella, collaboratrice di Sorrentino per La grande bellezza. Lei ha tantissime idee e mi ha dato la possibilità di lavorare su una tela magnifica”. Il risultato di Downsizing porta quindi la firma anche di un talento italiano.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photocall – Downsizing – Matt Damon © La Biennale di Venezia – foto ASAC

L'articolo Matt Damon e Alexander Payne presentano Downsizing proviene da Daily Mood.

Se la vera star è stata l’ex “Will – genio ribelle – Hunting”, a rubare i flash dei fotografi è stato anche il “nostro” Alessandro Borghi. Scelto quest’anno come padrino della Mostra – interrompendo la tradizione della madrina del Festival – l’attore romano, che nei prossimi giorni presenterà qui al Lido anche i primi episodi della serie Netflix Suburra, è stato un perfetto cerimoniere, vestendo senza intoppi il ruolo che gli è stato affidato dal direttore Alberto Barbera. Chissà se la bravura di Borghi possa aprire un ciclo di padrini (o di “madrini”, come li ha chiamati qualcuno), ma la Mostra non ha comunque potuto fare a meno di una bellezza femminile per l’apertura. Il consueto shooting fotografico riservato in ogni edizione alla madrina della kermesse c’è stato anche quest’anno. Per il ruolo di “vice-madrina” è stata scelta la modella brasiliana Isabeli Fontana, ex angelo di Victoria’s Secret e ora testimonial di L’Oréal Paris, che si è concessa con disinvoltura ai fotografi passeggiando a piedi nudi sulla spiaggia del Lido.

Tra lustrini e glamour, tra bellezze maschili e femminili, è opportuno però parlare anche un po’ di cinema. Se è stata una produzione statunitense ad aprire le danze del concorso ufficiale, a dare il via alla sezione Orizzonti è stato invece un film italiano, anche se dal respiro marcatamente internazionale. Parliamo di Nico 1988, diretto da Susanna Nicchiarelli e incentrato sulla controversa figura della musica Nico, appunto, all’anagrafe Christa Paffgen. Icona maledetta, musa dei Velvet Underground e di Andy Warhol è portata sullo schermo dall’attrice danese Trine Dyrholm, già protagonista de La comune, con cui vinse l’Orso d’Oro a Berlino. Il film è un biopic, costruito completamente sulla musica, che vuole raccontarci la donna prima che l’artista. “Volevo smontare il cliché del film biografico” – ha dichiarato la regista. “La parte più interessante della vita di Nico è quella successiva all’esperienza dei Velvet Underground. Era una persona intrigante, sia come donna che come artista, anche negli errori commessi con il figlio. Ho scelto di raccontare solo una parte della sua vita per parlare del tutto”. Il film uscirà nelle sale ad ottobre, e prima di scoprire se il pubblico gradirà la pellicola, la Nicchiarelli si gode intanto questa sua nuova avventura veneziana, dopo quella del 2009, con Cosmonauta, che segnò il suo esordio alla regia.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Venezia 74, giorno 1: Tesoro, mi si è ristretto Matt Damon! proviene da Daily Mood.

La Enjoy Movies torna quindi a produrre: in lavorazione “Walking to Paris” di Peter Greenaway e in pre-produzione “Labirintus” per la regia di Joe Dante, appena terminato il nuovo documentario del regista-cult Abel Ferrara “PIAZZA VITTORIO”, “una giornata nel cuore di Roma Eterna, tra la Stazione Centrale e il Colosseo, dove Piazza Vittorio è diventata il centro e il simbolo di un quartiere multietnico. Un incursione in questo microcosmo – tra divi del cinema e barboni, attraverso volti e storie, passato e presente, problemi e contraddizioni – una riflessione attuale sull’evoluzione nelle nostre società dell’eterno tema dello ‘Straniero“.
“Piazza Vittorio”, diretto dal regista newyorkese Abel Ferrara, sarà presentato Fuori Concorso alla 74ma Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.
Il film, prodotto dalla Enjoy Movies di Andrea De Liberato con la produzione associata di Manfredi Saavedra, montato da Fabio Nunziata, sarà presentato alla stampa in due proiezioni giovedì 7 settembre alle ore 19:30 in Sala Perla e alle ore 22:30 in Sala Darsena. La proiezione ufficiale per il pubblico si terrà venerdì 8 settembre alle ore 14:30 presso la Sala Grande del Palazzo del Cinema.
Dopo la co-produzione di “Spaghetti Story” di Ciro De Caro e la produzione di “Dark” co-prodotto con Joe Dante e “Bagnoli Jungle” di Antonio Capuano Andrea de Liberato annuncia i suoi prossimi titoli e ci da appuntamento al Lido di Venezia.

SINOSSI
Piazza Vittorio è la più estesa piazza romana. Si contraddistingue per la varietà multietnica dei propri abitanti. Troviamo infatti un insieme di etnie vicine e lontane: romani, asiatici, nordafricani, indiani che rendono la piazza ed il quartiere vivace ma allo stesso tempo di difficile gestione. Proprio per la sua natura unica e variopinta è la residenza di molti artisti e personalità legate al mondo del cinema, tra cui il maestro Abel Ferrara, che ha deciso di raccontare questo mondo con la sua visione indipendente e poetica.

L'articolo Venezia 74: Abel Ferrara Fuori Concorso con Piazza Vittorio proviene da Daily Mood.

In Concorso sono quattro i film made in Italy. The Leisure Seeker, il primo film americano di Paolo Virzì interpretato da Helen Mirren e Donald Sutherlad, Ammore e malavita, musical sulla camorra dei Manetti Bros., Hannah di Andrea Pallaoro, con Charlotte Rampling, e infine Una famiglia, di Sebastiano Riso, con Micaela Ramazzotti.

Anche in Orizzonti sono quattro i titoli in gara. Il primo, scelto come film di apertura, è Nico, 1988, di Susanna Nicchiarelli. Si tratta di un road-movie sugli ultimi anni di Christa Päffgen, musa di Warhol e cantante dei Velvet Underground, in arte Nico. Altro film “tricolore” è Brutti e cattivi di Cosimo Gomez, dove Claudio Santamaria, Marco d’Amore e Sara Serraiocco si improvvisano rapinatori fuori dal comune. Edoardo Winspeare invece racconta La vita in comune dentro un paese salentino. Alessandro Rak, insieme a Ivan Cappiello, Marino Guarnieri e Dario Sansone, dirigono il film d’animazione Gatta cenerentola.

Il cinema italiano è naturalmente presente anche Fuori Concorso. Gianni Amelio presenta Casa d’altri, un corto girato ad Amatrice, a un anno dal sisma. Antonietta De Lillo invece gira il mediometraggio Il signor Rotpeter, ispirato a un racconto di Kafka, mentre Silvio Soldini, in Il colore nascosto delle cose, chiama Valeria Golino e Adriano Giannini per vestire i panni dei protagonisti. Francesco Patierno con Diva! ci porta nella vita dell’attrice Valentina Cortese interpretata da Greta Scarano, Barbora Bobulova, Anita Caprioli, Carolina Crescentini, Silvia D’Amico, Isabella Ferrari, Carlotta Natoli, Anna Foglietta e Michele Riondino.

Dopo il successo dell’anno scorso, torna anche Cinema nel Giardino. Tra le anteprime in programma le prime due puntate di Suburra – La serie con Alessandro Borghi, Claudia Gerini, Filippo Nigro, Nato a Casal di Principe di Bruno Oliviero e Controfigura di Rä Martino che racconta la storia di una troupe italiana a Marrakech, con Valeria Golino.

L'articolo Venezia 74, tutti i film italiani proviene da Daily Mood.

Nel 2017 Cinecittà ha compiuto 80 anni. Un compleanno importante, che Istituto Luce Cinecittà festeggia anche con le sue Pillole d’Archivio, l’appuntamento che dal 2013 accompagna alcuni film della selezione ufficiale della Mostra di Venezia, prima della proiezione.

Istituto Luce

Gli spettatori troveranno così 18 brevissimi estratti, provenienti dal ricco patrimonio d’immagini dell’Archivio Luce (a cura di Nathalie Giacobino – montaggio di Patrizia Penzo), che li riporteranno nei tanti set che la fabbrica dei sogni ha ospitato nella sua lunga storia.
Dal bianco e nero della fondazione degli Studi nel 1937, ai primi grandi colossali storici nazionali, come Scipione l’Africano, a quando la storia entrò nei Teatri di posa, diventati dopo la guerra una città-dormitorio per gli sfollati. Si vedrà uno stupendo ciak rubato a Visconti in Bellissima, con Anna Magnani. Dal set televisivo di Le avventure di Pinocchio di Comencini con Nino Manfredi/ Geppetto e il piccolo Andrea Balestri/burattino impegnati nella celebre scena della balena, al set del kolossal L’ultimo imperatore con Bernardo Bertolucci.
Nel corso della Mostra di Venezia all’Italian Pavilion, che ospita incontri e iniziative sul nostro cinema, 10 di queste  Pillole d’archivio saranno inoltre visibili nella versione 3D realizzata in collaborazione con Sky.

80 anni di Cinecittà

1) Nel Teatro 8 di Cinecittà Ildebrando Pizzetti incide un coro per Scipione l’Africano di C. Gallone (1937)

2) Benito Mussolini inaugura la nuova città del cinema: Cinecittà (1937)

3) Un corso di trucco cinematografico negli stabilimenti di Cinecittà (1938)

4) L’assedio dell’Alcazar rivive nel film di Augusto Genina (1940)

5) Nel teatro 7 si gira La corona di ferro di Alessandro Blasetti con Gino Cervi (1940)

6) La città del cinema trasformata in campo profughi. Il teatro 5 organizzato come dormitorio (1943-47)

7) Primi ciak per Anna Magnani in Bellissima di Luchino Visconti (1951)

8) Il regista Carmine Gallone sul set del suo ultimo film Messalina (1951)

9) Anna Magnani diretta da Jean Renoir nel film La carrozza d’oro (1952)

10) Si gira il leggendario Spartaco di Riccardo Freda (1953)

11) Sui set di Cinecittà: Lualdi e Interlenghi in Non c’è amore più grande, Dapporto e Delia Scala in Giove in doppiopetto e Kerima e Gian Gaspare Napolitano nel film Tam Tam Majunba (1955)

12) Kim Novak arriva sul set di Suor Letizia di Mario Camerini con Anna Magnani (1956)

13) Grandi scenografie e allestimenti per il kolossal Ben Hur diretto da William Wyler (1959)

14) Anita Ekberg protagonista del film Nel segno di Roma di Guido Brignone (1958)

15) Totò contro Maciste nel nuovo film di Fernando Cerchio (1962)

16) Nella piscina di Cinecittà viene varata la balena per il film tv Le avventure di Pinocchio di Luigi Comencini con Nino Manfredi e Gina Lollobrigida (1972)

17) Federico Fellini e Cinecittà: Casanova (1976) e E la nave va (1983) 

18) Sul set del film L’ultimo imperatore di Bernardo Bertolucci (1987)

L'articolo Venezia 74. Le pillole d’archivio dell’Istituto Luce proviene da Daily Mood.

Alessandro Borghi
Asac – La Biennale di Venezia

Un precedente maschile in realtà c’è stato: nel 1998 Alessandro Gassmann presentò insieme a Livia Azzariti la 55esima edizione. Sono passati quindi quasi 20 anni da quando un uomo ha condotto le serate di apertura e chiusura della manifestazione in Laguna.

Ma chi è Alessandro Borghi?
Romano, classe 1986, Alessandro Borghi è un volto del cinema italiano contemporaneo.
Bello e bravo, uno dei più promettenti della nuova generazione di attori italiani. Ha catturato l’attenzione nel 2016 proprio a Venezia nel ruolo di coprotagonista nel film Non essere cattivo di Claudio Caligari. Tra gli ultimi progetti, i film Fortunata di Sergio Castellitto, al cinema in questi giorni, e Suburra – La serie, prima produzione italiana per Netflix.
Attualmente è sul set del nuovo film Napoli Velata, di Ferzan Ozpetek.

L'articolo Alessandro Borghi, un “padrino” per Venezia 74 proviene da Daily Mood.

La pellicola, che uscirà negli USA il 21 dicembre, è interpretata da Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau e Kristen Wiig, e sarà proiettata in prima mondiale mercoledì 30 agosto nella Sala Grande del Palazzo del Cinema al Lido di Venezia.

Downsizing racconta le avventure di Paul Safranek (Matt Damon), un uomo ordinario che viva nello Stato del Nebraska, ad Omah (città natale di Payne), insieme alla moglie Audrey (Kristen Wiig), sognando una vita migliore. Per rispondere alla crisi mondiale causata dalla sovrappopolazione e dall’eccessivo consumo energetico, è stato scoperta una procedura di rimpicciolimento in grado di ridurre temporaneamente le dimensioni delle persone di circa un ottavo, permettendogli così di risparmiare le risorse a disposizione.
Le persone presto scoprono che i loro risparmi valgono di più in un mondo più piccolo e, con la promessa di uno stile di vita lussuoso oltre ogni loro aspettativa, Paul e Audrey decidono di correre il rischio di sottoporsi a questa pratica controversa, imbarcandosi in un’avventura che cambierà le loro vite per sempre.

Alexander Payne ha già vinto due Oscar per la sceneggiatura di Sideways e per lo script di Paradiso amaro con George Clooney, ma è la prima volta che il regista americano presenta un film a Venezia.

L'articolo Alla scoperta di Downsizing, il film di apertura del Festival di Venezia 74 proviene da Daily Mood.

La decisione è stata presa dal Cda della Biennale di Venezia presieduto da Paolo Baratta, su proposta del Direttore della Mostra del Cinema Alberto Barbera.

Robert Redford
Asac – La Biennale di Venezia

Redford e Fonda si conoscono da molti anni e hanno già recitato insieme in A piedi nudi nel parco, ma a Venezia 74 sono pronti a tornare e a condividere non solo il premio, ma anche il set: in occasione della consegna del Leone d’oro alla carriera, che avrà luogo venerdì 1 settembre nella Sala Grande del Palazzo del Cinema (Lido di Venezia), verrà proiettato in anteprima mondiale il film prodotto da Netflix Our Souls at Night (Le nostre anime di notte), basato sul romanzo di Kent Haruf, diretto da Ritesh Batra e interpretato da Jane Fonda e Robert Redford, prodotto da Redford e dalla sua società Wildwood Enterprises, Inc. Le nostre anime di notte arriva a Venezia 74 come film fuori concorso, e verrà distribuito in tutto il mondo da Netflix nel 2017.

Nel libro di Kent Haruf, quindi anche nella versione cinematografica, Addie Moore (Jane Fonda) e Louis Waters (Robert Redford) sono due quieti vicini di casa. Entrambi sono già anziani, hanno perso il proprio coniuge e vivono nella cittadina di Holt. In quella cittadina in Colorado sono stati vicini per decenni, ma fino a quel momento con pochi contatti. E’ Addie che per prima contattata Louis, proponendogli di trascorrere le notti insieme invece che rassegnarsi alle loro rispettive solitudini. La relazione, così poco convenzionale, ci mette poco a dare scandalo.

L'articolo Jane Fonda e Robert Redford Leoni d’oro alla carriera della 74. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica proviene da Daily Mood.

Partiamo da quest’ultimo dato per farci un’idea dell’anima “futuristica” di questa Mostra. Dopo il successo dello scorso anno, a Venezia 74 grande protagonista sarà la realtà virtuale, a cui sono state dedicate ben tre sezioni. I prodotti realizzati con la tecnologia VR saranno fruibili in un teatro dotato di sedie girevoli e visori virtuali Samsung, oppure con 5 postazioni “stand up” o attraverso 6 installazioni che consentiranno agli spettatori di

Jane Fonda
(Asac – La Biennale di Venezia)

interagire con il film. La scelta di puntare fortemente sulla realtà virtuale è il segno di quanto il direttore artistico Alberto Barbera sia attento all’evoluzione e al progresso dell’arte e dell’industria cinematografica, e di quanto, soprattutto, voglia che sia proprio la Mostra di Venezia la vetrina mondiale di questo rinnovamento.
Ciò lo si evince anche dal programm

Robert Redford
Asac – La Biennale di Venezia

a “canonico” dei film in competizione e nelle sezioni collaterali. Perché se da un lato troviamo grandi autori internazionali e omaggi a splendidi “veterani” (i Leoni d’Oro alla carriera saranno consegnati a Jane Fonda e a Robert Redford),

dall’altro si vuole dare centralità a nuovi autori, soprattutto italiani, che – come sottolinea lo stesso Barbera – “dimostrano, a differenza di qualche anno fa, che forse finalmente siamo davanti a una sorta di piccola novelle vague”.

In concorso, quindi, oltre a Paolo Virzì che presenterà The Leisure Seeker, suo primo film in lingua inglese con protagonisti Helen Mirren e Donald Sutherland, ecco tre registi “novizi” della competizione veneziana: Andrea Pallaoro, che con Hannah dirige addirittura Charlotte Rampling; i Manetti Bros, che con Ammore e Malavita firmano un originale musical neomelodico; e Sebastiano Riso che con Una Famiglia immerge la protagonista Micaela Ramazzotti in un dramma intimo e potente.

Se i nostri autori meriteranno un premio, lo deciderà la giuria presieduta dalla splendida Annette Bening e che

Annette Benning (Asac – La Biennale di Venezia)

vedrà tra i suoi membri anche la diva italiana del momento, Jasmine Trinca, la quale dopo il premio vinto a Cannes per Fortunata è richiestissima ovunque.
Chissà se quest’ultima si batterà per i film tricolori; certo è che la sfida, almeno sulla carta, sembra molto tosta. Il film d’apertura sarà Downisizing di Alexander Payne – “una favola che mescola fantascienza ed ecologia”, come la definisce Barbera – che vede protagonisti Christoph Waltz e Matt Damon. Quest’ultimo resterà al Lido qualche giorno in più perché è tra gli interpreti, insieme a Julianne Moore, anche della nuova fatica da regista di George Clooney, il giallo Suburbicon, basato su una sceneggiatura dei Fratelli Coen. A contendersi con loro il Leone d’Oro, ci saranno anche Abdellatif Kechiche con Mektoub, My Love: Canto 1, il già vincitore Samuel Maoz con Foxtrot, il grande Paul Schrader che dirige Ethan Hawke in First Reformed, Darren Aronofsky che porta Jennifer Lawrence e Javier Bardem a fare coppia nel cupo mistery-horror Mother!.

Ma non finisce qui. Perché se il concorso garantisce red carpet da urlo, anche il fuori concorso e le sezioni collaterali non sono da meno. Sienna Miller presenterà il film The Private Life of a Modern Woman di James Toback; l’eterna Judi Dench sarà al Lido con Vittoria e Abdul di Stephen Frears; Valeria Golino e Adriano Giannini sono i protagonisti de Il colore nascosto delle cose di Silvio Soldini; Vinicio Marchioni, Anna Foglietta e Vincenzo Salemme portano sullo schermo, diretti dalla coppia di registi Botrugno-Coluccini, il romanzo di Walter Siti, Il contagio; Francesco Patierno con Diva! ci racconta la vita dell’attrice Valentina Cortese interpretata da nove volti differenti (Greta Scarano, Barbora Bobulova, Anita Caprioli, Carolina Crescentini, Silvia D’Amico, Isabella Ferrari, Carlotta Natoli, Anna Foglietta e addirittura Michele Riondino). E poi ancora: star della Mostra sarà anche John Landis, a cui sarà dedicata una serata evento dove assisteremo alla versione 3D del mitico videoclip Thriller di Michael Jackson; Kirsten Dunst accompagnerà in Laguna Woodshock; vedremo Claudio Santamaria per la prima volta dietro la macchina da presa con un cortometraggio; ed infine si potranno gustare due puntate della serie Suburra, con Alessandro Borghi, Filippo Nigro e Claudia Gerini. Dopo l’anno scorso, quando venne presentata la serie The Young Pope di Paolo Sorrentino, Barbera ha così deciso di proporre un nuovo appuntamento “televisivo” all’interno della Mostra d’Arte Cinematografica. Altra prova, questa, di quanto Venezia voglia e riesca a guardare avanti. Verso il futuro, verso il “nuovo” cinema.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Venezia 74: tante star e tanta Italia nella Mostra proiettata verso il futuro proviene da Daily Mood.

A partire da questa edizione della Mostra è previsto infatti un nuovo concorso dedicato alla realtà virtuale (VR), “che probabilmente non sarà il futuro del cinema – ha sottolineato Barbera – ma si imporrà come altro settore, in continua sperimentazione e ricerca, frequentato da moltissimi registi”. Sono state più di 100 le proposte di partecipazione alla kermesse. Una tecnica variegata quella della Virtual Reality, che sarà presente in tre  diverse forme di fruizione: la prima dentro ad un teatro, con visori virtuali Samsung, la seconda in cinque postazioni stand up per fruire prodotti più elaborati  e la terza che prevede sei installazioni in cui sarà possibile interagire direttamente con il film.

Alberto Barbera
Asac -La Biennale di Venezia

Il Direttore di Venezia 74 invita inoltre a riflettere sul fatto che molti festival tendono oggi a mettere insieme un certo numero di film, disponendoli uno dopo l’altro come intrattenimento o pretesto da offrire agli spettatori, solamente per fare numero.
Quello che si è cercato invece di realizzare alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia consiste nell’esporre i film intendendoli non come qualcosa di passato, ma come ciò che deve ancora venire.
“Più che l’istantanea del presente, o la foto-ricordo della stagione del cinema che stiamo vivendo – continua Barbera – i film che proponiamo sono in certo qual modo la percezione del futuro, l’indicazione di una o (meglio) più vie che si aprono sul domani, testimoniano una rincorsa in avanti, scrutano l’orizzonte per avvistare un “dopo”. Se non ci siamo troppo discostati dalla precarietà di questo traguardo, possiamo ancora una volta rivendicare un senso al nostro lavoro”.

L'articolo Venezia 74: Alberto Barbera parla di Venice VR proviene da Daily Mood.