C’è un’isola in cui l’estate non si misura soltanto in giornate di sole e mare, ma in melodie caraibiche che vibrano nell’aria, tramonti accompagnati da dj set sulla spiaggia e concerti che raccontano la storia di un’intera cultura. È la Giamaica, patria del reggae e della dancehall, che si prepara ad accogliere i viaggiatori da tutto il mondo con una stagione di eventi imperdibili.

Tra luglio e agosto, l’isola si trasforma in un grande palcoscenico a cielo aperto grazie ad alcuni appuntamenti che rappresentano il meglio della scena musicale e lifestyle caraibica: Reggae Sumfest, Dream Weekend e il Best Weekend Ever. Tre esperienze diverse ma complementari, pensate per chi desidera vivere la destinazione oltre le sue spiagge da cartolina, immergendosi nell’autentica energia giamaicana.

Reggae Sumfest: il cuore della musica giamaicana

Considerato da anni uno trai i festival musicali più importanti dell’isola, il Reggae Sumfest è un vero e proprio rito per gli appassionati di musica. L’edizione estiva, che si terrà il 18 luglio presso Plantation Cove, St. Ann, promette un’atmosfera ancora più coinvolgente, con una line-up che celebra le grandi icone del genere e i nuovi protagonisti della scena contemporanea.

Tra i nomi più attesi spiccano due autentiche leggende della dancehall, Vybz Kartel e Mavado, protagonisti di un evento che si preannuncia storico per gli amanti della musica giamaicana.

Più che un semplice festival, il Sumfest è un’immersione totale nella cultura locale: concerti, street food, incontri con artisti e l’inconfondibile atmosfera che ha reso la Giamaica una delle capitali musicali del mondo.

Dream Weekend: cinque giorni di party non-stop

Per chi identifica l’estate con beach party, DJ set e un’atmosfera cosmopolita, il Dream Weekend è una delle esperienze più emblematiche dei Caraibi. In scena tra la fine di luglio e l’inizio di agosto nella vibrante Montego Bay, il festival richiama ogni anno migliaia di giovani viaggiatori da tutto il mondo, dando vita a una sequenza ininterrotta di eventi che animano giorno e notte resort, spiagge tropicali e location iconiche del territorio.

L’evento porta in scena alcuni dei migliori dj della regione, artisti raggae e performer internazionali, offrendo un mix perfetto di musica, lifestyle e intrattenimento. L’edizione 2026 punta, inoltre, su produzioni ancora più spettacolari, venue ampliate e nuove esperienze immersive che confermano il Dream Weekend come uno degli appuntamenti più attesi dell’estate caraibica.

Per molti giovani traveller provenienti da Nord America ed Europa, partecipare al Dream Weekend significa vivere una sorta di “spring break tropicale”, con il valore aggiunto dell’autenticità culturale giamaicana.

Best Weekend Ever: l’Independence Weekend diventa un’esperienza lifestyle

Dal 6 al 10 agosto, in occasione delle celebrazioni per l’indipendenza della Giamaica, riflettori puntati su Best Weekend Ever, il format che negli ultimi anni ha conquistato un pubblico internazionale grazie a un mix vincente di musica, beach party, brunch esclusivi e appuntamenti lifestyle.

Ospitato nella vivace cornice di Ocho Rios, l’evento richiama oltre diecimila partecipanti e propone un programma che spazia dalle serate dedicate alla soca ai party in spiaggia, fino agli appuntamenti all’alba e ai grandi eventi conclusivi. Tra le figure simbolo figurano I Love Soca, Milk & Honey, Zimi Beach, Rise & Toast e Late Checkout, diventati ormai veri e propri cult per chi cerca il meglio del divertimento caraibico.

Il risultato è un lungo weekend che combina musica, vacanza e scoperta del territorio, permettendo ai visitatori di alternare le feste alle escursioni tra cascate, spiagge e paesaggi tropicali.

La nuova frontiera del viaggio musicale

Per chi ama la musica ed essere circondato da good vibes durante la giornata, la Giamaica si conferma una delle mete più attrattive dell’estate. Qui il raggae non è soltanto intrattenimento, ma parte integrante dell’identità nazionale: una colonna sonora che accompagna ogni momento del viaggio, dalle spiagge di Montego Bay alle notti di Ocho Rios, passando per i ritmi irresistibili che hanno reso celebre l’isola in tutto il mondo.

L'articolo Giamaica: l’isola che pulsa al ritmo del reggae proviene da Daily Mood.

Days Of Ash era stato una risposta a quello che sta accadendo nel mondo, una raccolta di canzoni urgenti, che non potevano attendere. Uscite nel giorno delle ceneri, per ricordarci che sono giorni di cenere, di vite e di diritti bruciati. Ma anche che dalle ceneri si può, si deve rinascere, magari cercando la soluzione “una persona alla volta”, come racconta One Life At A Time. Gli Stati Uniti, con Minneapolis, Israele e la Palestina, l’Iran, l’Ucraina. C’era tutto questo nel precedente EP. Easter Lily è una raccolta di canzoni molto più riflessive, che emerge da un luogo più personale e privato, in cui alcuni potrebbero rifugiarsi in tempi come questi, esplorando temi quali l’amicizia, la perdita, la speranza e, in definitiva, il rinnovamento.

Questi U2 sono semplici eppure complessi, sono classici eppure guardano verso il futuro, perché forse è questo il suono che avrà il nuovo album. O forse no. Sono, a quanto pare, gli U2 che vogliono i loro fan, che mai come in questi ultimi mesi hanno esclamato “gli U2 sono tornati, questi sono i veri U2”. Sono gli U2 che fanno gli U2, che sono gli U2, che non hanno paura di esserlo. Per questo, e per tanti altri motivi, sembra di essere nei dischi del passato. C’è qualcosa di The Unforgettable Fire, qualche piccolo tocco di The Joshua Tree, ma anche All That You Can’t Leave Behind, l’album non certo perfetto ma nel quale gli U2 avevano deciso di non vergognarsi di essere gli U2, di suonare classici, di usare, per Beautiful Day una chitarra che veniva dagli anni Ottanta.

Song For Hal

La chitarra di Edge apre l’EP e la prima canzone Song For Hal. E sembrano delle campane. Ma stavolta c’è anche la voce solista di The Edge, che una sua limpidezza e una sua dolcezza, quella voce che chi ha amato Van Diemen’s Land conosce bene. Ma qui tocca vette altissime, porta la canzone verso un sentimento di consolazione, positività. È un suono solare, lenitivo, è qualcosa che cura le ferite, cura l’anima. Song for Hal è un pianto sul lockdown durante il COVID-19, scritto per l’amico della band, il produttore musicale Hal Willner, che avrebbe compiuto 70 anni il Lunedì di Pasqua e che è scomparso quasi sei anni fa, proprio durante questi giorni.

In A Life

Quelli che ascoltiamo, sin dal primo brano, sono suoni allo stesso tempo vecchi e nuovi. Così come lo sono i suoni che aprono in A Life. Suoni che sembrano arrivare dal passato, dalla loro storia. Suoni che ci mancavano e che, in realtà, non se ne sono mai andati. C’è il tintinnio della chitarra di The Edge. Sulla quale adesso si appoggia la voce di Bono, profonda, sempre un po’ rotta dall’emozione, piena di colori. È una canzone che parte quieta e si apre, sale fino a diventare un inno. Un inno non urlato ma meditato. Ci ricorda Kite, la canzone tratta da All That You Can’t Leave Behind diventata un classico. In a Life è una canzone che celebra l’amicizia

Scars

Chitarre lancinanti, che sembrano quelle di Wire, da Unforgettable Fire, aprono Scars. Scars è sostenuta dal basso, quel basso proverbiale di Adam Clayton, custode della tradizione new wave che dai Joy Division ha portato ai New Order, ai primi U2 e a quegli U2 che in California (da Songs Of Innocence) suonavano come i New Order. Le chitarre di Edge tagliano l’aria, rintoccano come campane. La voce di Bono va dai toni bassi a quelli più alti, in una canzone che sembra procedere come un flusso di coscienza. Il finale in falsetto sulla chitarra acustica fa il resto. È una canzone trascinante, empatica, carica. Speriamo di sentirla nel prossimo tour: funzionerebbe alla grande dal vivo. Scars è una canzone di incoraggiamento e accettazione, che parla di cicatrici e tutto il resto. “Don’t cover your scars… they’re your scars”. Non nascondere le tue cicatrici… sono le tue cicatrici”. Vuol dire che parlano di te, ti definiscono, dicono al mondo chi sei. Devi esserne orgoglioso. Come diceva Zerocalcare alla fine della sua serie Strappare lungo i bordi.

Resurrection Song

All’inizio ascoltiamo gli arpeggi e le tessiture sonore di The Unforgettable Fire, il tintinnio tipico della chitarra di Edge – “ring those bells Edge”, come cantava Bono su I Will Follow nell’Elevation Tour – mentre basso e batteria crescono in un ritmo quasi tribale. La canzone della resurrezione recita il titolo, una canzone perfetta per la Pasqua, il tema del disco. È ancora una volta un canto liberatorio, catartico. Resurrection Song parla di un pellegrinaggio, un viaggio verso l’ignoto con un’amante o un amico.

Easter Parade

L’inizio ha trame elettroniche sulle quali si inserisce la chitarra, la sintesi tra gli U2 classici e quelli più sperimentali, la canzone si muove quieta tra suoni eterei, e con un giro di basso che ancora comanda. Fino a un ritornello che si apre tra cori beatlesiani o, se preferite, alla Beautiful Day, o qualcosa che ricorda The Three Sunrises, un outtake di The Unforgettable Fire.  Easter Parade è una canzone devozionale, una celebrazione della nuova vita, della rinascita e della resurrezione. E quel Kyrie Eleison finale riporta agli inni spirituali di un tempo, ai salmi di October e War.

COEXIST

Gli U2 hanno lavorato anche con Brian Eno, l’artefice dei loro dischi storici, nell’ultimo periodo. Non si sa ancora se quel materiale sarà nel nuovo album o in un album successivo. Un esempio del lavoro con Brian Eno è questa COEXIST (I Will Bless The Lord), una canzone atmosferica, che vive su un tappeto di tastiere con la voce filtrata dal vocoder. È una preghiera sommessa e sentita, il brano più intimo e sperimentale del disco. COEXIST è una ninna nanna per i genitori dei bambini coinvolti nella guerra. Trea queste canzoni è quella che ci mette più tempo ad arrivare. Ma gli U2 sono anche questi.

E il nuovo album?

Come abbiamo scritto, tutto lascia suppore che arriverà il 25 settembre, a 25 anni esatti da quel 25 settembre del 1976 in cui si formò la band. “Siamo in studio, ancora impegnati a realizzare un album rumoroso, caotico e ‘irragionevolmente colorato’ da suonare dal vivo… che è il vero habitat degli U2. Continuiamo a pensare al rock’n’roll più vivace come ad un atto di resistenza contro tutta questa orribile realtà che vediamo sui nostri piccoli schermi. Questi sono senza dubbio anni duri’. per molti di noi che guardano al caos che regna là fuori nel mondo. C’è una grande curiosità, emozione, ma anche timore per questo nuovo disco. Come a ogni loro nuova uscita, del resto. Stavolta, molto di più, perché dall’ultimo disco in studio saranno passati nove anni. Ci viene da pensare che, se queste degli ultimi due EP sono le canzoni che non sono entrate nel disco, chissà cosa potrà esserci nel nuovo album. Ma anche che, magari, per il loro ritorno, abbiano puntato su canzoni più “facili”, d’impatto, come hanno fatto nel recente passato. Quasi quasi ci sarebbe piaciuto che questo Easter Lily fosse già il nuovo album, per quelle tre-quattro canzoni all’inizio che hanno tutto, carica, emotività, epicità, parole. Non resta che aspettare. E leggere le loro parole. “In un secondo momento cercheremo di fare un gran trambusto e clamore per ricordare al resto del mondo che esistiamo, ma nel frattempo… questa è una cosa tra voi e noi”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo U2, Easter Lily: Dalle ceneri alla resurrezione. In Attesa del nuovo album proviene da Daily Mood.

La line-up originale — composta da Marco “Morgan” Castoldi, Andy Fumagalli, Livio Magnini e Sergio Carnevale — si è presentata arricchita dalla presenza del polistrumentista Lele Battista (ex La Sintesi). Il risultato è stato un’esperienza sensoriale stratificata, ben lontana dall’estetica polverosa delle classiche “reunion” nostalgiche. I Bluvertigo hanno messo in scena una vera e propria architettura sonora, una scaletta divisa per gradi di tensione che ha ripercorso i vertici della loro discografia.

Il manifesto di Morgan: tra algoritmi e “bilinguismo”

Il concerto è stato intervallato dalle riflessioni di un Morgan in veste di oratore, con chioma giallo acceso e un’invettiva lucida contro il presente digitale. Il suo discorso ha celebrato la Generazione X come l’unico “ponte” rimasto, ha esaltato il valore dell’analogico e il recupero del tempo umano e della ricerca fisica, ha criticato in modo serrato la “cattività” delle nuove generazioni, prigioniere di algoritmi e cultura istantanea, e si è concluso con un appello alla bellezza e all’arte come unici strumenti contro la violenza e l’omologazione.

In un momento di rara vulnerabilità, Castoldi ha inoltre reso omaggio ai compagni di band, scusandosi per le ombre del passato e riconoscendo il talento individuale di Magnini e l’eleganza artistica di Andy, definendo il gruppo, per lui, “salvifico”.

La performance: suite ipnotiche e nichilismo sintetico

Musicalmente, la band ha confermato una chimica impeccabile. Il motore ritmico di Carnevale e le trame elettriche di Magnini hanno sostenuto suite ipnotiche, dove l’elettronica “virulenta” si è fusa con il rock più abrasivo.

Il live è iniziato con Decadenza. Nonostante un avvio tecnicamente incerto sul piano dei volumi, il suono è andato definendosi con il pop cerebrale de Il Dio Denaro e l’intensità de L’assenzio. Il secondo atto ha toccato l’apice con Cieli Neri — accompagnata dalla proiezione dello storico videoclip — e il groove amaro de La Crisi. Il trittico composto da Zero, Fuori dal Tempo e Altre forme di vita ha sancito la supremazia di un sound che, a distanza di decenni, appare ancora attuale e fuori da ogni logica di mercato.

Il pubblico dell’Alcatraz non ha assistito solo a un concerto, ma a un manifesto antropologico. Tra lacrime e cori, la “generazione privilegiata” dei fan dei Bluvertigo ha rivendicato il possesso di un codice culturale fatto di materia e complessità. I Bluvertigo, oggi più che mai, si confermano una bussola necessaria per orientarsi nel rumore bianco della contemporaneità.

Questo ritorno non guarda al passato come un archivio, ma come una base viva da cui ripartire. La reunion riporta sul palco un linguaggio che, a distanza di anni, continua a risultare attuale e sorprendentemente vicino al presente. È un riallineamento naturale con una scena musicale che oggi condivide molte delle intuizioni che la band aveva esplorato già allora. Ritrovare questo spazio significa, per i Bluvertigo, recuperare un’energia che non si è mai spenta. Non è un ritorno al passato, ma un nuovo modo di rimettere in movimento ciò che non ha mai smesso di vibrare.

Photo credits: Mathias Marchioni

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

L'articolo I Bluvertigo conquistano l’Alcatraz: il ritorno della “Gen X” tra avanguardia e resistenza umana proviene da Daily Mood.

Un’estate a tutto volume con Chupa Chups, che entra nel mondo della musica per accompagnare la Gen Z durante alcuni tra gli eventi più iconici dell’estate. A giugno il brand è presente agli eventi live della celebre cantante Elodie e a settembre sarà official sponsor dell’edizione 2025 di Fiera Milano Live.

Chupa Chups accende il sound della musica grazie ad una serie di attivazioni che risuoneranno per tutta l’estate. In particolare, sarà presente con un’installazione dedicata durante il concerto di Elodie, icona della nuova musica italiana e volto amatissimo dal pubblico giovane, previsto per il prossimo 12 giugno a Napoli, all’iconico Stadio Diego Armando Maradona – ed è stato presente anche l’8 giugno al concerto tenutosi a Milano presso l’avvolgente cornice dello stadio Giuseppe Meazza –San Siro. Due appuntamenti imperdibili in cui Chupa Chups incontra dal vivo il proprio pubblico, creando momenti di engagement in un’atmosfera all’insegna del ritmo.

Gli appuntamenti però non finiscono qui. A settembre il brand rafforzerà ulteriormente la propria presenza nel mondo musicale, grazie al ruolo di Official Partner della Fiera Milano Live: l’evento musicale che prevede un calendario di concerti con gli artisti più seguiti dal pubblico Gen Z. Un presidio importante, che testimonia la volontà di Chupa Chups di consolidarsi come punto di riferimento nel panorama musicale italiano, intercettando sempre nuove passioni, linguaggi e stili delle generazioni più giovani.

La musica, infatti, rappresenta oggi un catalizzatore fondamentale per la Gen Z. Secondo una recente indagine, il 74% dei ragazzi tra i 16 e i 24 anni ha partecipato ad almeno un concerto dal vivo nell’ultimo anno, nonostante l’aumento dei costi dei biglietti*. Un dato che conferma quanto la dimensione musicale, soprattutto quella live, sia un territorio autentico, emozionale ed identitario per questa generazione, che sceglie la musica come linguaggio per raccontarsi e connettersi con gli altri.

NOVITÀ – Super Chupa Chups Music Limited Edition

Come aggiunta, Chupa Chups presenta una nuova linea di prodotto in edizione limitata: nasce il Super Chupa Chups Music Limited Edition, una collezione che celebra tre stili musicali –pop, rock e trap– con un design inedito ispirato all’estetica delle rispettive sonorità. Un tributo al potere della musica di unire e far sognare, tradotto in un prodotto che combina creatività, identità visiva e concept fortemente innovativo. Inoltre, il legame tra Chupa Chups e la musica si estende poi anche al mondo digitale, con due contest attivi sul sito ufficiale: https://www.chupachups.it/. Entrambi i concorsi, che condividono il concept Vinci un botto di musica, sono coerenti nel messaggio e nell’identità visiva.

Con questa attivazione, Chupa Chups sceglie di suonare la propria estate sulla frequenza della Gen Z. Una nuova dichiarazione d’amore alla musica, scegliendo di esserci, suonare e far divertire. Ovunque.

Le media partnership, i contest, l’amplificazione social e tutta l’immagine del brand sono stati curati da Selection Communication & Design.

L'articolo Il sound dell’estate è firmato Chupa Chups proviene da Daily Mood.

Già partner ufficiale di importanti appuntamenti come il Cruïlla Festival di Barcellona e il BBK Live di Bilbao, Vueling annuncia la partnership con il Primavera Sound, in programma nella capitale catalana dal 4 all’8 giugno 2025.

Inoltre, grazie alle quasi 100 destinazioni raggiunte durante la stagione estiva, la compagnia permette di volare verso i più grandi eventi dei prossimi mesi, tutti da non perdere, Italia inclusa: dagli I-Days Festival (Milano, fino al 7 giugno) al Rock in Roma (Roma, dal 13 giugno al 31 luglio).

Spagna:

• Primavera Sound, Barcellona (4-8 giugno)

Uno dei festival musicali più emblematici d’Europa, si tiene ogni anno nel cuore del Parc del Fòrum, sul lungomare di Barcellona. Rinomato per il suo eclettico programma di performer internazionali, artisti emergenti e indipendenti, il festival attira decine di migliaia di spettatori da tutto il mondo.

• Festival Cruïlla, Barcellona (10-13 luglio)

Festival all’aperto multiculturale con che spazia dal pop al reggae, con un’atmosfera rilassata.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Barcellona è raggiungibile grazie a Vueling con numerose frequenze settimanali: da Roma Fiumicino (con fino a 41 voli settimanali), da Milano Malpensa (fino a 39), da Firenze (fino a 26), da Venezia (fino a 21), da Palermo e Bari (fino a 13), da Catania (fino a 12), da Bologna (fino a 11), da Cagliari (fino a 10), da Genova e Olbia (fino a 7), da Torino (fino a 5), da Salerno (fino a 3), da Rimini e Comiso (fino a 2).

• Mad Cool Festival, Madrid (10-12 luglio 2025)

Questo eclettico festival attira grandi nomi del pop, del rock e dell’elettronica.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Madrid è raggiungibile grazie a Vueling da Firenze con fino a 19 voli settimanali.

• Bilbao BBK Live, Bilbao (dall’11 al 13 luglio)

Un festival che si tiene sulle alture del Monte Cobetas, a tu per tu con la natura.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Bilbao è raggiungibile grazie a Vueling da Milano Malpensa e da Roma Fiumicino, rispettivamente con fino a 6 e 2 voli settimanali.

Inghilterra:

• Festival di Glastonbury, Pilton (25-29 giugno)

Il più grande e famoso festival musicale e artistico del mondo offre un ricco programma di pop, rock, elettronica e hip-hop.

• Wireless Festival, Londra (11-13 luglio)

Uno dei principali eventi della scena musicale britannica, celebra la musica urbana, il pop, l’hip-hop e la musica elettronica.

• Festival di Reading e Leeds, Reading e Leeds (22-24 agosto)

Questo doppio festival è uno dei più popolari del Regno Unito, con artisti pop, rock e di musica alternativa.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Londra è raggiungibile grazie a Vueling da Roma Fiumicino e Firenze, rispettivamente con fino a 21 e 18 voli settimanali.

Francia:

• We Love Green, Parigi (6-8 giugno)

Festival pionieristico, unisce musica, sostenibilità e innovazione. Con un programma vario che spazia dall’indie all’electro, raduna fino a 100.000 persone attorno ai suoi 5 palchi.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Parigi è raggiungibile grazie a Vueling da Roma Fiumicino e Firenze, rispettivamente con fino a 27 e 18 voli settimanali.

Belgio:

• Tomorrowland, Boom, Belgio (18-20 luglio e 25-27 luglio)

Uno dei festival di musica elettronica più iconici al mondo, Tomorrowland trasforma la piccola città di Boom in un regno da favola. Con palchi tematici e una line-up con i più grandi DJ internazionali, è un appuntamento imperdibile per gli appassionati di musica dance elettronica, house, trance e techno.
Dall’Italia, durante la stagione estiva Bruxelles è raggiungibile grazie a Vueling da Firenze con fino a 3 voli settimanali.

L'articolo Sulle ali della musica con Vueling: i migliori festival europei a portata di volo quest’estate proviene da Daily Mood.

L'articolo 7 destinazioni indimenticabili per un’estate 2025 “in tour” proviene da Daily Mood.

I Blur verso la Country House

Blur: To The End inizia con i quattro che si dirigono verso una casa in campagna, una Country House come quella di cui cantavano in quella lontana estate del 1995. 30 anni dopo Modern Life Is Rubbish, il disco che li ha fatti conoscere al mondo, nel 2023 i Blur hanno deciso di riunirsi. Per dare vita a un nuovo album, The Ballad Of Darren, e a un breve tour che nel 2024 li avrebbe portati, per la prima volta, a due concerti allo stadio di Wembley, a Londra. Sono una band a loro modo unica, i Blur. “Non avevamo mai fatto Wembley perché non eravamo abbastanza grandi” dice il batterista Dave Rowntree. “Meno facciamo più grandi diventiamo”. Sembra un controsenso, ma ha una sua logica: in un mondo in cui viviamo di attese e di desideri, l’assenza crea proprio questo, e ogni volta il ritorno è un evento più grande. Si vedano anche gli Oasis, assenti per quindici anni e richiestissimi per la loro reunion.

Dieci anni senza sentirsi, ma poi scatta la magia

Ma la mia band è differente, potrebbero dire Damon Albarn e soci. Loro non sono come i Gallagher che litigano violentemente e non si parlano per anni prima di un colpo di teatro come la reunion. I Blur non si sono mai sciolti. In un momento di Blur: To The End raccontano che in questi ultimi dieci anni si sono sentiti pochissimo. Che, in passato, hanno fatto fatica a stare tutti insieme in una stanza. Eppure, non appena si trovano tutti e quattro insieme a suonare in una sala prove, è come se non si fossero mai lasciati. Bastano pochi minuti e scatta la magia. È questo quello che hanno le grandi band: l’alchimia. Il momento in cui quegli strumenti lasciati per anni alla polvere riprendono vita è emozionante.

I Blur sono come noi

I Blur non sono neanche quelle rockstar distanti, perfette, per cui il tempo non scorre. I Blur sono un po’ come noi: hanno un po’ di pancia, hanno la barba grigia, hanno figli e qualcuno di loro si è davvero ritirato nella country house nel Devonshire (come racconta il bassista Alex James, che per non spostarsi dalla campagna ha organizzato un festival nella sua fattoria). I segni del tempo che passa li senti sui loro corpi e sui loro volti. Ma non sulla loro musica: le loro grandi canzoni non sentono il passare del tempo, non sono invecchiate affatto, ancora oggi suonano benissimo. Anzi, forse sono ancora più belle. Quando, durante i concerti di Wembley che chiudono il film (dove non si cedono alla tentazione di fare un greatest hits) ascoltiamo Song #2, ma soprattutto Tender e The Universal, capiamo che i Blur sono dei grandi autori di canzoni.

The Ballad Of Darren e The Narcissist: la depressione diventa sublime

Blur: To The End non è il classico rockumentary, non è la celebrazione epica di una band e delle sue canzoni più gloriose. È l’esatto contrario, ed è perfettamente in linea con il mood dei Blur. È un film sul tempo che passa (scorrono molte immagini della band agli esordi, il che rende il loro cambiamento ancora più evidente), su quattro amici che si ritrovano. E sul loro ultimo disco, The Ballad Of Darren, che ha in sé quella depressione di cui parlavamo all’inizio, ma riesce a renderla sublime. Lo abbiamo capito subito, la scorsa estate, la prima volta che abbiamo ascoltato The Narcissist, il primo singolo dell’album, una canzone come non la ascoltavamo da tempo. L’ultimo lavoro, ce lo racconta Damon Albarn, ha a che fare con la perdita, con lo shock che avviene dopo che qualcosa di drammatico è successo, come una rottura. Tutto questo è evidente in uno dei momenti chiave del film: quello in cui ascoltano una loro registrazione e si commuovono. Tutti, ma soprattutto Albarn.

I Blur: ritorno agli anni Novanta

I Blur sono malinconici ma sono anche terribilmente pop. Lo erano 30 anni fa (il britpop, il movimento musicale che dopo anni riportava in auge la “cool Britannia” è nato anche e soprattutto grazie al loro) e lo sono ancora oggi. E allora, vedere questo Blur: To The End diventa subito “so 90s”. E tornano quegli abiti degli anni Novanta: polo sportive e giacche della tuta della Fila (tra cui la riproduzione originale di quella che indossava nel video di Girls And Boys nel 1994), giacche di Sergio Tacchini, cappelli da pescatore dell’Adidas. Sneakers e jeans, abiti sportivi che sembrano messi a caso (non nel concerto di Wembley, però) eppure sono pieni di stile e hanno perfettamente senso. Negli anni Novanta vestivamo un po’ così anche noi. E anche questo ci riporta indietro.

I Blur a Wembley: un trionfo

“C’è qualcosa di molto ridicolo nel vedere un uomo vecchio uomini che si getta dal palco” dice al pubblico Damon Albarn durante il concerto di Wembley. “Voi ci avete reso così. È colpa vostra”. Anche questo è stile Blur, ironia a understatement. Wembley è un trionfo. 148mila persone, migliaia di accendini accesi come stelle nel cielo a illuminare la notte di Londra. Ci sono fan di tutte le età, ma colpisce vedere dei giovanissimi nelle prime file. La fan di cui parliamo all’inizio è una di loro. Il London Community Gospel Choir si unisce ai quattro per suonare Tender accentuando ancor di più la natura di gospel. Tender, e l’album 13, insieme al disco precedente, Blur, è stato uno dei momenti in cui abbiamo capito che Damon Albarn e compagni erano molto di più di una band britpop. Ed è per questo che ancora oggi sono vivi. E, soprattutto, rilevanti. Andate a vedere Blur: To The End: vi riporterà indietro nel tempo e vi scalderà il cuore. Se non avete capito ancora chi sono i Blur, ecco la risposta di Damon Albarn dopo il successo di Wembley. Lo rifaresti? “Perché dovrei? L’ho già avuto. Ho avuto una vita meravigliosa essendo nei Blur”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Blur: To The End: Dai favolosi anni Novanta a oggi, è passato tutto in un attimo proviene da Daily Mood.

Siamo nell’estate nel 1989. Max viene bocciato alla fine dell’anno scolastico. I genitori, così, non lo mandano in vacanza, ma lo fanno lavorare nel loro negozio di fiori: tutta l’estate a fare consegne, a fare anche i funerali. Ma è a uno di questi che incontra Silvia Panayiotopoulos, per tutti Silvia Atene, una ragazza che si è trasferita a Pavia e che quella sera non ha nessuno con cui uscire. Max le dice che si intende di musica, che scrive canzoni, e lei gli chiede di scriverne una per lei. Max non ha mai suonato nulla, ma prende una chitarra e inizia a comporre. Alla fine dell’estate, nella nuova scuola in cui lo hanno iscritto i suoi, incontra il suo nuovo compagno di banco. È Mauro Repetto. Quella cassetta con la prima canzone scritta, la tenacia di Mauro nel trovare il suo talento, e qualcuno con cui farlo esplodere, faranno nascere gli 883.

Hanno ucciso l’Uomo Ragno è questo, una serie di fili che si snodano e si riannodano, una serie di coincidenze che si legano l’una a all’altra per dare vita a qualcosa di speciale, un po’ come Il favoloso mondo di Amelie in chiave punk e ambientato a Pavia. In questo far partire le storie da un punto di vista insolito (ogni episodio è un capitolo a sé, con un tema e uno svolgimento, anche se concorre alla storia orizzontale) c’è la mano di Sydney Sibilia, uno per cui le storie fanno dei giri immensi e poi ritornano. Questo modo di raccontare, iniziando da angoli nascosti per arrivare al centro, è una qualità delle grandi serie (senza fare confronti, ma solo come schema narrativo degli episodi, ci vengono in mente Lost e The Crown).

Non sono mai stati punk, gli 883, ma avevano una punk attitude. Che cosa vuol dire? Vuol dire buttarsi. Dire di essere un deejay senza esserlo ancora, dire di essere un cantante senza saper ancora suonare e cantare. Dire di avere un intero album pronto quando ancora non ce l’hai. Vuol dire avere dei piani arditi, temerari. Ma che a volte riescono. Chi ce l’ha fatta è stato sempre qualcuno che ha avuto idee più grandi di lui. E, in quegli anni, Max e Mauro hanno avuto una grande idea. Hanno avuto un grande sogno.

Anche Sydney Sibilia, a suo modo, è punk. Lo è per come racconta gli underdog, gli anarchici, degli ultimi, degli outsider. Per come ama i pirati. I pirati che, da ricercatori precari, creano il loro business fuori dalla legge (Smetto quando voglio). I pirati che creano il loro Stato libero in mare aperto (L’incredibile storia dell’Isola delle Rose). I pirati che creano il loro mondo discografico (Mixed By Erry). E quelli che vogliono entrare nello show business a Pavia. Hanno ucciso l’Uomo Ragno sembra essere il controcampo di Mixed By Erry, o il suo sequel, per come si muove in un universo fatto di cassettine analogiche, negozi di strumenti musicali, stereo e mixer. “A Mauro Repetto mancava sempre quel tanto così” in ogni cosa che faceva. Gli eroi di Sydney Sibilia sono tutti così. Ma ce la fanno lo stesso. Sono personaggi in cui, in una situazione in cui ci sono due scenari possibili, si creano da soli il terzo scenario. Hanno in sé un talento: l’arte di arrangiarsi, di farcela contro ogni pronostico.

Max e Mauro (Elia Nuzzolo e Matteo Oscar Giuggioli, bravissimi e perfetti nei loro ruoli), come li vediamo nella serie, sono proprio così. Sono due personaggi dei fumetti, proprio come L’Uomo Ragno che cantano nella loro canzone più famosa. Come due Willy il coyote, sono quei cartoon che cadono mille volte senza farsi mai male, senza morire mai. Non li butti giù, Max e Mauro. Non ci è riuscita l’indifferenza generale dopo la prima apparizione in tv (a 1 2 3 Jovanotti, quando ancora si chiamavano i Pop e facevano musica rap in inglese). Non ci è riuscito il primo rifiuto di Claudio Cecchetto a pubblicare il loro album, nella sua prima versione, quando ancora mancava qualcosa.

Già, Jovanotti e Claudio Cecchetto. Nella serie sugli 883 ci sono loro, ma appaiono anche altri nomi di quel mondo, come Fiorello e Sandy Marton. O nomi grandi come i Public Enemy e i Metallica. Tutta la storia è vista con lo sguardo stupefatto di un ragazzo di Pavia che incontra il mondo che aveva sempre sognato. Max Pezzali, probabilmente, è così ancora oggi: un ragazzo in grado ancora di stupirsi, un uomo ignaro di essere una popstar e uno dei grandi autori di canzoni della storia recente.

Ma scorrendo questi nomi avrete capito anche che Hanno ucciso l’Uomo Ragno è anche un grosso amarcord, un come eravamo, un viaggio a ritroso negli anni Novanta. Sibilia e il suo staff hanno fatto di tutto per corredare il viaggio con momenti e oggetti iconici. Il walkman, il telefono a gettoni, le macchine fotografiche con la pellicola. E ancora il Festivalbar e il Karaoke, e chi più ne ha più ne metta. È un viaggio dove tutto torna. Guardate la serie (8 episodi) fino in fondo, e seguite quella cassettina con la canzone per Silvia. E sentite cosa ci sarà lì dentro.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Hanno Ucciso l’Uomo Ragno – La leggendaria storia degli 883: Su Sky e NOW ecco Max e Mauro, eroi degli anni Novanta proviene da Daily Mood.

La serata si è svolta presso l’iconico Élysée Montmartre, location situata tra Pigalle e Montmartre. Inaugurato come sala da ballo nel 1807, il locale è noto come la culla del Can-Can e ha ospitato artisti leggendari come David Bowie e Daft Punk. Oggi rimane un simbolo vibrante della cultura parigina, ospitando concerti e festival in un’atmosfera teatrale senza tempo.

Una performance avvincente tra teatro e moda, ha inaugurato l’evento. Il racconto ha avuto come protagonista una giovane sognatrice alle prese con le sfide del proprio percorso di crescita, trasmettendo un messaggio universale: l’età non conta, rimarrai sempre “One of Those Kids” finché continuerai a sognare. La produzione ha saputo sfumare abilmente il confine tra realtà e fantasia, interpretando l’identità del brand e lo spirito creativo.

Durante la performance, Golden Goose ha svelato la propria collezione Journey SS25, indossata dagli attori che ne hanno presentato i best look, tra cui l’attesissima nuova sneaker Forty2. La Forty2 reinventa lo stile anni ’90 per i sognatori moderni, mantenendo l’artigianalità di Golden Goose e con un’estetica ispirata alla Golden Age del basket americano. La sneaker è caratterizzata da una doppia suola, con una struttura decostruita e in tre colori. La tomaia di pelle micro-perforata arricchita da texture tridimensionali sulla stella e sulla linguetta del tallone crea un’esperienza tattile unica.

La serata è poi proseguita con un esclusivo after party composto da una lineup internazionale di DJ, tra cui The Blaze, Boombass (Cassius) e Nathalie Duchene. All’evento hanno inoltre partecipato celebrities come le modelle Stella Maxwell e Joan Smalls, Lucky Blue Smith, Lauren Wasser, gli attori Cole Sprouse, Peyton List, Inanna Sarkis and Disha Patani, artisti del calibro di Kid Cudi, Justine Skye, Girl in Red e Kanika Kapoor, insieme a influencers e friends of the brand come Mary Leest, Kristy Scott, Xenia Adonts e molti altri.

In questa occasione, il brand ha presentato un’edizione speciale limitata della sneaker Forty2, caratterizzata da un distintivo effetto lived-in e preziosi lacci in cristalli Swarovski.

La Forty2 è disponibile anche in bianco con dettagli in diverse combinazioni di colore dal rosa, al nero, al grigio. Tutte le varianti sono da oggi disponibili su www.goldengoose.com ed in selezionati negozi in tutto il mondo.

L'articolo Golden Goose celebra la Paris Fashion Week con la performance “We Will Always Be Those Kids” Una serata tra moda, musica, community e cultura proviene da Daily Mood.

adidas Originals annuncia la partnership con Red Bull per la terza edizione del RED BULL 64 BARS LIVE,  il format musicale di Red Bull, attesissimo dagli appassionati di rap e non solo, che si terrà a Napoli il prossimo 4 ottobre.

Con questa partnership, il “Trifoglio” rinnova ancora una volta il suo profondo legame con il mondo della musica, sostenendo i giovani artisti italiani e promuovendo la scena musicale contemporanea.

Dopo un’edizione da record nel 2023, Red Bull 64 Bars Live torna in una vibrante versione dal vivo nella piazza che ha visto esibirsi alcuni dei più grandi nomi della scena rap e urban italiana.

Il palco di Scampia ospiterà i protagonisti più in voga della scena hip hop, MC e beatmaker, chiamati a collaborare per la realizzazione di un brano inedito.

In questo contesto adidas Originals continua a rafforzare il suo legame con la musica, non solo con il ruolo di main partner dell’evento, ma anche supportando alcuni degli artisti in line-up, tra cui Massimo Pericolo, Kid Yugi e Dat Boi Dee, con cui vuole raccontare storie che iniziano negli studi di registrazione e finiscono sui palchi più attesi e amati d’Italia.

Per l’occasione sarà possibile acquistare all’interno della venue i prodotti ufficiali dedicati allo show, una selezione di capi adidas Originals volti a caratterizzare con stile tutto il merchandiser legato all’evento e agli artisti che si esibiranno.

Da sempre il brand vede nella musica un linguaggio universale capace di unire le community, una forza creativa in grado di creare sinergie con vari mondi della cultura urbana. Attraverso infatti collaborazioni esclusive, come quella recente con il festival musicale underground C2C, adidas si impegna a costruire dialoghi innovativi tra moda e musica, attraverso le generazioni.

Ancora una volta, il Trifoglio si fa promotore di eventi musicali, offrendo agli artisti una piattaforma per esprimersi e connettersi con il pubblico. adidas è orgogliosa di sostenere la comunità musicale, promuovendo progetti che celebrano la diversità, l’inclusione e l’energia unica della cultura contemporanea.  Con questo impegno, il brand si conferma non solo come leader nel settore sportivo, ma anche come catalizzatore di creatività e ispirazione nel panorama artistico globale.

L'articolo ADIDAS ORIGINALS È MAIN PARTNER DEL RED BULL 64 BARS LIVE proviene da Daily Mood.

Dove nasce l’amore per la musica e per la musica classica?
Il mio amore per la musica è nato subito nei confronti della classica. Mia madre è pianista e la vedevo suonare il piano a casa. Mio fratello più grande a cinque anni aveva iniziato a suonare il violino. In casa c’era sempre la musica classica. Credo di averla ascoltata ancora nel pancione di mamma. Ho iniziato a suonare a 5 anni: prima il piano, poi il violino, ma non mi convinceva. Mia madre mi ha fatto provare il violoncello, me ne sono innamorata e non l’ho più lasciato.

Che cosa aveva di diverso dagli altri strumenti il violoncello?
La prima cosa che mi ha colpito è stata la posizione, più comoda, in cui viene suonato. Si suona da seduti. Il registro alto del violino mi infastidiva, e nel violoncello ho trovato un registro più caldo, più basso, che mi avvolgeva. È uno strumento che si abbraccia, c’è un contatto che sembra una posizione naturale.

Ha avuto dei modelli mentre imparava a suonare?
Da piccola il mio idolo era una violoncellista, Jacqueline du Pré, un’artista con una vita travagliata, venuta a mancare quando era ancora giovane. Trovavo i video delle sue esibizioni su YouTube. Ero totalmente affascinata e coinvolta dal suo modo di interpretare la musica. Era anche l’unica donna che per me poteva essere un esempio.

Ha raccontato come la musica l’abbia aiutata a dare sfogo a emozioni contrastanti, uscire dalla sua condizione di ragazza considerata “strana” rispetto ai suoi coetanei, che l’ha portata a vivere male gli anni del liceo. Che anni sono stati?
La musica era sia la cosa che mi rendeva diversa, sia quella che mi aiutava, che mi arricchiva. Ed era la cosa in cui sfogavo queste emozioni contrastanti e in cui ritrovavo me stessa. Già dalle medie, e poi al liceo, mi sono sentita quella diversa, un po’ fuori posto. La musica, se la prendi sul serio, richiede molto tempo e sacrificio. Io ci tenevo a sembrare una ragazza normale come i miei coetanei ma la mia vita non me lo permetteva. Magari non potevo andare a molte feste, non potevo uscire con le amiche, e facevo molte assenze a scuola, partivo per lezioni e concerti…

Ma l’idea di fare quello che le piaceva è stata la sua forza…
Sì, per me non è mai stato un peso, mi dava una certa forza. La cosa di essere diversa era una difficolta e mi faceva sentire speciale. L’idea di avere una grande passione mi dava molta forza.

Adesso, a 24 anni, fa quello che ha sempre sognato, ottenendo moltissime soddisfazioni professionali e personali…
Mi sento fortunata. Tutto lo sforzo che ho fatto da ragazza me lo sono ritrovato ora, nell’avere una strada spianata e avere chiari i miei orizzonti. Molti dei miei coetanei hanno dei dubbi su cosa fare, si provano tante strade. Io ho la mia. Ho avuto anche io i miei momenti di crisi dove ho messo in dubbio questa strada, come credo sia normale. Però poi l’ho sempre ritrovata.

La chiave per diventare una musicista classica è la disciplina e lo studio quotidiano?
La musica classica è come lo sport. Anche gli sportivi hanno una disciplina che influenza tutta la vita: quando ti svegli, quello che mangi. Per noi musicisti classici il rigore, la disciplina e lo studio sono importantissimi, ma vanno arricchiti dall’esperienza della vita. Non si può passare la vita solo a studiare. Quello che interpretiamo con la musica è la vita stessa: abbiamo bisogno di esperienze da interpretare.

Come definirebbe il suo stile all’interno della musica classica
Coinvolgente. L’idea che si ha dei musicisti classici è che siano un po’ più distaccati, seriosi. Quando interpreto la musica io sono completamente coinvolta. Lo sento non solo con le dita, ma con tutta me stessa. E secondo me questo arriva al pubblico

Il brano Adios Nonino è un tango. La sua è musica che va oltre gli steccati?
A me piace spaziare non mi precludo nulla, mi diverto. Le basi della musica classica ti permettono di suonare qualunque cosa, un po’ come la ballerina classica che può fare tutto il resto. A me diverte. Questi repertori più leggeri, facili per il pubblico, mi piacciono perché avvicinano un pubblico diverso, non abituato alla classica.

C’è qualcosa nell’ambito della musica che le piacerebbe ancora fare?
Io sono molto affascinata dal cantautorato. Sono una malinconica che ama i cantautori italiani. Mi piacciono Fabrizio De André, Francesco De Gregori. Magari una collaborazione del genere, con un tema al violoncello, mi piacerebbe.

Il cinema è una novità: anche se in un film legato alla musica, ha avuto la possibilità di recitare. Che esperienza è stata? Ha interpretato se stessa e come si è calata nella recitazione?
Mi sono trovata a mio agio nel ruolo. La regista è stata coraggiosa a voler lavorare con me che non ero un’attrice. Senza rendermene conto ho interpretato una parte che un po’ parla di me. Ho trovato molto della mia storia, arricchita da molto altro. Questo mi ha coinvolto molto e mi ha facilitato l’interpretazione

Sempre più spesso oggi il cinema parla di musica, ci sono film in cui il rapporto tra cinema e musica non è solo nella colonna sonora, ma la musica è tutt’uno con il film. Sono mondi che si stanno contaminando più di altri. Che cosa ne pensa?
Era inevitabile. È sempre stato così, un film senza colonna sonora è un film a metà. Ma secondo me ora si sta sfruttando di più il potere che le due espressioni d’arte hanno quando vengono messe insieme. Forse anche per una difficoltà ad attrarre pubblico in due ambiti differenti, oggi si stanno unendo queste due forme d’arte. Credo sia molto intelligente unirle per puntare a un pubblico sempre più ampio.

A 24 anni ha già raggiunto molti traguardi. Dove si vede tra 10 anni?
Spero di continuare a parlare con la mia musica. Ora che mi sono avvicinata alla recitazione penso che l’arte in senso lato sia un grande strumento di comunicazione con cui tutti noi viviamo. E vorrei continuare a farlo, attraverso la mia musica o in altro modo.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Erica Piccotti: “Sono innamorata del violoncello: non lo suono solo con le dita, ma con tutta me stessa” proviene da Daily Mood.

A un anno dall’ultima edizione, realizzata nel difficile periodo immediatamente successivo all’alluvione che ha colpito la regione, ELEMENTI ha scelto di invitare ancora una volta il pubblico a scoprire una serie straordinari palcoscenici en plein air, tra Cervia, Milano Marittima, Faenza e Lugo di Romagna con una serie di eventi a impatto ambientale zero basati sulle specificità naturali di ogni location. L’edizione 2024 di ELEMENTI conferma il proprio format interdisciplinare volto alla diffusione multisensoriale di forme eterogenee di espressione artistica contemporanea, con un calendario di 14 spettacoli performativi site specific distribuiti in 7 giornate, corredati da percorsi ed attività educative, ludiche e pratiche creative a base partecipativa.

Il calendario di eventi performativi – come sempre gratuiti – vedrà il coinvolgimento di giovani talenti emergenti e artisti affermati nel panorama internazionale.

Si parte domenica 2 giugno nell’area di un ex capanno da pesca che si affaccia sul paesaggio della Salina di Cervia con i protagonisti del revival new age Spencer Clark e Lieven Martens (nelle vesti di Monopoly Child Star Searchers & Dolphins Into The Future), che esploreranno i territori più marginali del suono onirico, a cavallo tra pop-ipnagogico, ambient, neo-psichedelia, sound art (posti limitati, evento su prenotazione alla mail riservaree@gmail.com).

Domenica 23 giugno, presso il Circolo Kayak di Milano Marittima, il pubblico potrà prenotare un’escursione via acqua verso la Salina, seguita da uno spettacolo live al tramonto della band italiana Hearth of Snake, rituale ideato da Vincenzo Marando con Alberto Danzi e Cosimo Rosa, a cui nel 2023 si sono aggiunti Francesca Colombo aka Mira e Paul Beauchamp. L’evento si concluderà al Circolo Kayak, con una selezione musicale curata da MAGMA (posti limitati, evento su prenotazione alla mail riservaree@gmail.com).

Domenica 7 luglio, la Pineta di Cervia ospiterà un laboratorio condotto dall’architetto, musicista, sound artist e studioso Nicola di Croce che si focalizzerà sulla relazione tra studi urbani e sonori, e due live performance: la sound designer e musicista Agnese Banti eseguirà un intervento sonoro acustico site specific, mentre la performer e compositrice giapponese Michiko Ogawa si esibirà con clarinetto e shō (posti limitati, evento su prenotazione alla mail riservaree@gmail.com).

Sabato 20 e domenica 21 luglio, presso il suggestivo parco di Villa Emaldi a Faenza si potrà partecipare a laboratori di ceramica in collaborazione con AiCC – Associazione italiana Città della Ceramica e il Museo Carlo Zauli con il maestro ceramista Fabiano Sportelli, specializzato nel creare fischietti e ceramiche sonore (posti limitati, evento su prenotazione alla mail riservaree@gmail.com).

La giornata del 20 luglio prevederà anche djset e interventi performativi del collettivo Armonika, una live performance di Uomo Uccello (Claudio Montuori), due interventi site-specific sulle azioni sonore di Jacopo Buono e del sassofonista Bertrand Gauguet. Nella notte dal 20 al 21 luglio ci sarà uno sleeping concert di sette ore aperto al pubblico con Equohm, Erob, Manticora in cui esplorare lo spazio tra sonno e veglia.

Domenica 4 agosto, l’incantevole scenario “lunare” dell’Aia della Salina di Cervia al calare del sole farà da sfondo a un’esibizione live. A esibirsi sarà Cucina Povera, il progetto solista della musicista lussemburghese-finlandese Maria Rossi, acclamata come una delle nuove voci più sorprendenti della scena musicale underground di Glasgow. (posti limitati, evento su prenotazione alla mail riservaree@gmail.com).

Per l’ultimo evento della rassegna, mercoledì 14 agosto, all’Aeroporto Francesco Baracca di Bagnara-Lugo di Romagna si esibirà il progetto musicale Parus, creato da Anton Anishchanka, produttore di musica elettroacustica, in collaborazione con la cantante ed etnografa Hanna Silivonchyk. Al tramonto, all’interno di un hangar dell’aeroporto, sarà presentata l’installazione audiovisiva No Such Array del musicista John Chantler. Come cornice all’evento, dal tardo pomeriggio fino a notte il collettivo bolognese Undicesimacasa proporrà una serie di dj set e sessioni d’ascolto.

La quinta edizione di ELEMENTI è realizzata con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna e in collaborazione con l’Unione della Romagna Faentina, l’Unione dei Comuni della Bassa Romagna, il Comune di Cervia e il Parco della Salina di Cervia, il Comune di Faenza ed il Museo Carlo Zauli di Faenza.

Ingresso gratuito
Per maggiori informazioni:
riservaree@gmail.com
Instagram: @elementi.zone https://www.instagram.com/elementi.zone/?hl=it
Facebook: @elementi.zone https://www.facebook.com/elementi.zone
www.magma.zone

I luoghi

L'articolo ELEMENTI Quinta edizione A cura di MAGMA 2 giugno – 14 agosto 2024 proviene da Daily Mood.

L'articolo ANNAKIKI in tour con Annalisa proviene da Daily Mood.

Nell’anniversario della morte di Fabrizio de Andrè, al Tearo CARCANO di Milano, va in scena “De Andrè, la storia”, lo spettacolo-evento. De Andrè, La Storia è un vero e proprio viaggio musicale nell’universo di Fabrizio De André, il grande cantautore italiano scomparso l’11 gennaio del 1999, sempre presente nella memoria e nella cultura musicale italiana, che accompagna intere generazioni. “De André, La Storia”, è lo spettacolo sul cantautore più importante e influente della musica italiana che celebra, a 25 anni esatti dalla scomparsa, la sua opera. Lo spettacolo ha debuttato nel 2020 e, dopo una tournèè nazionale, approda a Milano, al Teatro CARCANO.

“Fabrizio De André è stato uno dei primi a portare la canzone italiana verso la modernità, ha cambiato le regole delle canzoni, ha mescolato la storia e l’intelletto con il canto popolare, il sacro e il profano, la cultura alta e bassa con una libertà di espressione senza pari – dice il direttore Musicale, Massimiliano Salani – poterne raccontare l’epopea musicale ed umana attraverso la sua musica, ma anche attrvaerso immagini e testi credo sia una grande sfida e un grande privilegio”.

Da Creuza de ma, a Non al denaro… da La buona Novella a Le nuvole, da Anime salve a l’Indiano, l’avventura musicale di De Andrè viene attraversata in uno spettacolo emotivo e coinvolgente, arricchito dalle immagini e dalle informazioni che lo rendono un vero e proprio concerto documentario.
Grazie a un grande interprete, una band eccezionale e video esclusivi, questo spettacolo ripercorre quindi quarant’anni di attività artistica di Fabrizio De André, raccontando un’epoca storica, il clima sociale e politico di un periodo, l’atmosfera e il sapore di un mondo e di come un visionario lo abbia attraversato, descrivendo magistralmente noi stessi, oggi.

La sua storia, la nostra storia.

“È una grande emozione poter lavorare e ideare uno spettacolo basato su una figura così imponente del panorama musicale e intellettuale italiano. L’arte e la musica svolgono nella vita delle persone un ruolo fondamentale, che Fabrizio ha saputo coniugare con una rara indipendenza e profondità di pensiero. Oggi De Andrè è più seguito ed amato che mai, le sue canzoni restano attuali, le nuove generazioni le assorbono e rimandano sui social, negli eventi.
Stiamo ricevendo un caloroso riscontro riguardo agli spettacoli che abbiamo in programma.
Abbiamo voluto dedicare questo spettacolo a un musicista e poeta visionario, proseguendo una ricerca che portiamo avanti dal 2003. Questo evento non è solo un modo per ascoltare i brani di Fabrizio ma anche una possibilità di celebrare la sua influenza storica e la sua continua conversazione con il tempo e con la contemporaneità.” afferma il regista e produttore Emiliano Galigani.

Uno spettacolo da non perdere! I biglietti sono acquistabili online (TicketOne).

Lo spettacolo è prodotto da Stage 11: il regista, Emiliano Galigani ha già realizzato, nel 2003 lo spettacolo musicale Circo Faber, con la collaborazione della Fondazione Fabrizio de André, di Dori Ghezzi e dello storico collaboratore di De André, Pepi Morgia.

Voce: Carlo Costa
Synth, minimoog, voce: Massimiliano Salani
Chitarra acustica, nylon, bouzouki, voce: Emmanuele Modestino
Chitarra elettrica, chitarra acustica, berimbeau, guitalele: Giacomo Dell’Immagine
Basso: Luca Santangeli
Flauto: Eanda Lutaj
Batteria: Alessandro Matteucci

Regia: Emiliano Galigani
Video: Domenico Zazzara
Prodotto da: Federica Moretti, Simone Giusti
Per Stage11

L'articolo DE ANDRÉ – LA STORIA 25mo anniversario proviene da Daily Mood.

Oktoberfest di Lipsia (dal 6 ottobre al 4 novembre)

L’Oktoberfest di Lipsia è leggendario e ormai da molti anni saldamente ancorato nel calendario degli eventi della città. Ogni anno quasi 40.000 visitatori festeggiano nel grande tendone con birreria all’aperto presso la storica fiera Alte Messe Leipzig. Per chi è in cerca di atmosfere festose, che nulla hanno da invidiare a quelle di Monaco, Lipsia dal 6 ottobre al 4 novembre 2023, offre quattro settimane piene di successi pop e party, birra di eccellenti produzioni e deliziose prelibatezze. di Lipsia. Informazioni: www.oktoberfest-leipzig.com

Autunno ’89 – Giorno della Rivoluzione Pacifica (9 ottobre)

Non forse tutti sanno che Lipsia ebbe un ruolo fondamentale nella Rivoluzione Pacifica che portò alla caduta del Muro di Berlino. Nel gennaio 1989 le persone cominciarono a scendere in strada ogni lunedì e a sfilare in cortei pacifici per chiedere la pace e la Riunificazione della Germania. Ogni anno il 9 ottobre si celebra quella imponente e inarrestabile manifestazione a cui si unirono 70.000 persone da tutta la Germania dell’Est gridando “Wir sind das Volk!” (Noi siamo il popolo!). In occasione del Festival delle Luci, Lipsia diventa un simbolo rievocando quella notte illuminata che fu decisiva per la caduta del regime. Informazioni: www.herbst89.de e www.lichtfest.leipziger-freiheit.de

210° anniversario della Battaglia delle Nazioni vicino a Lipsia nel 1813 (dal 13 al 15 ottobre)

Ogni anno le associazioni di storia militare provenienti da tutta Europa si riuniscono a Lipsia e Markkleeberg per rievocare la celebre Battaglia delle nazioni, vicino allo storico monumento omonimo che commemora questo evento. Si prevede che circa 2.000 partecipanti in uniforme storica sistemati in bivacchi, insceneranno spettacoli di battaglie e costumi dell’epoca. Informazioni: www.leipzig1813.com

Giornate del jazz di Lipsia (dal 14 al 22 ottobre)

Uno dei festival jazz più antichi e rinomati della Germania sta arrivando a Lipsia. Ogni anno il Jazzclub Leipzig presenta oltre 100 musicisti: grandi nomi e pionieri del jazz ma anche talenti emergenti. Si suona nel teatro dell’opera, nelle chiese e in numerosi locali alla moda. Informazioni: www.jazzclub-leipzig.de/leipziger-jazztage

Bright Festival Connect 2023 (12-15 ottobre)

La 4° edizione propone eventi diurni e notturni che coinvolgono tutta la città. Ispirato dalle nuove tendenze dell’innovazione digitale, il variegato programma comprende workshop, mostre d’arte coinvolgenti, esperienze di realtà virtuale e spettacoli creati da artisti digitali di tutto il mondo. Informazioni: connect.brightfestival.com

Mendelssohn Festival (29 ottobre – 5 novembre)

In occasione dell’anniversario della morte di Felix Mendelssohn Bartholdy, avvenuta il 4 novembre, ogni anno si svolge il Festival Mendelssohn, in onore di uno dei musicisti più eccezionali, universalmente istruiti e versatili del XIX secolo. Il suo lavoro musicale come compositore, direttore d’orchestra e pianista lo ha portato in tutta Europa. Il centro della sua vita fu Lipsia per dodici anni. Qui, come direttore del Gewandhaus e cofondatore del primo conservatorio tedesco, esercitò un’influenza decisiva sulla vita musicale e sul carisma musicale della città. Il Festival Mendelssohn di quest’anno, dal 29 ottobre al 5 novembre 2023, mette in primo piano i capolavori dell’artista e la musica del periodo romantico, caratterizzandosi per una selezione di ospiti eccezionali, tra cui Magdalena Kožená, Sir András Schiff, il West-Eastern Divan Ensemble, Andris Nelsons, la Gewandhaus Orchestra e, naturalmente, Elena Bashkirova. L’opera di Mendelssohn continua ben oltre il Festival di Mendelssohn durante tutta la stagione, grazie al Direttore della Gewandhaus, Andris Nelson, che dirige tutte le sinfonie del suo predecessore nei più grandi concerti in calendario.

Fiera Grassi (20 -22 ottobre)

La Grassimesse è una delle principali fiere internazionali di arte applicata e design che si svolge nel Grassimuseum per le arti applicate. Un’occasione per mostrare, informare e vendere, proponendo ai numerosi visitatori una grande e pregiata esposizione di oggetti di design: limited editions ed esemplari modelli di gioielleria, ceramica, vetro, tessili, arredo, metalli, pelle, giocattoli e altro ancora proveniente da tutto il mondo. La manifestazione è organizzata dal Museo Grassi di Arti Applicate e si tiene nell’importante edificio in arte Decó di Lipsia, che ospita il museo. La sala delle mostre è di 1.200 mq e ospita un centinaio di espositori, valutati da una giuria di esperti.

Evelyn Richter (dal 16 novembre 2023 al 17 marzo 2024)

Il Museo delle Belle Arti di Lipsia mostra il lavoro di Evelyn Richter (1934-2021), tra i più importanti fotografi artistici della DDR. Nel 1953 inizia a studiare fotografia presso l’Accademia di Arti Visive di Lipsia (HGB) con Johannes Widmann. Dal 1980 lavora come fotografa pubblicitaria e teatrale freelance e come photo editor per fiere. Informazioni: www.mdbk.de

Tourism & Caravanning International (dal 22 al 26 novembre)

Per chi ama viaggiare o lavora nel settore turistico, la più grande fiera turistica della Germania centrale si tiene a Lipsia. Dalla breve vacanza al viaggio intorno al mondo, dai viaggi in nave alle vacanze outdoor, visitarla è un’occasione per entrare in contatto con il mondo del turismo. La TC è anche una delle fiere di caravan e campeggio più importanti della Germania. Informazioni: www.touristikundcaravaning.de

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

L'articolo Lipsia, autunno stagione di eventi: musica, arte, storia e folklore. Tanti motivi per scoprirla proviene da Daily Mood.

“Funk socialmente consapevole”. Così una rivista definisce il primo singolo degli Wham!, Wham Rap!. Parlava di loro due, due giovani disoccupati, lontani da quel mondo di adulti in cui vivevano. Sì, anche grazie a un produttore che viveva vicino a casa loro, poi una casa discografica che li mettesse sotto contratto l’avevano trovata. George Michael ed Andrew Ridgeley, due ragazzi di origini straniere (i genitori del primo venivano da Creta, il padre del secondo era egiziano) erano amici già da giovanissimi, dai tempi della scuola, e da subito avevano in mente di formare una band. Una volta lanciato quel primo singolo, erano convinti che sarebbe stato una hit, ma non entrò neanche nella top 100. La casa discografica pensava che avrebbero dovuto costruirsi una fan base, così i due si lanciano in una serie di apparizioni in piccoli locali in tutta l’Inghilterra, una buona gavetta. Young Guns, il secondo singolo, va meglio, ma arriva al n. 32 della classifica inglese. Si trattava di fermarsi o andare avanti. La svolta arriva quando li chiama Top Of The Pops, al posto di un artista che aveva rinunciato. Gli Wham! adesso sono conosciuti. Provano a rifare la formula del rap impegnato con Bad Boys, ma la cosa non li soddisfa più.

Wham! Andrew Ridgeley and George Michael in Wham! Cr. Courtesy of Netflix © 2023

Così gli Wham! cambiano tutto, con Club Tropicana. È una nuova direzione, una nuova identità. Era il 1983. non c’era più la rabbia del punk. I problemi c’erano ancora, ma si preferiva pensare a ballare o alle vacanze in posti esotici per esorcizzarli. Con Club Tropicana George ed Andrew diventano i veri Wham!. Con quel pezzo, una di quelle canzoni che avevano scritto qualche tempo prima, senza essere mai stati nel posto che raccontavano, gli Wham! riescono a cogliere quello che era lo spirito nascente degli anni Ottanta, quel disimpegno e quella leggerezza di un decennio che voleva lasciarsi alle spalle la durezza di quello precedente. Gli Wham! cominciano a puntare anche decisamente sul loro aspetto fisico. Cosa che è naturale per Andrew, meno per George. “Non mi sono mai sentito un fotomodello come Andrew, ma la gente mi trova attraente come lui” racconta George Michael.

È proprio durante il soggiorno a Ibiza per girare il video di Club Tropicana che George confessa ad Andrew di essere gay. Avrebbe voluto dirlo anche ai suoi genitori ma gli dicono che non è una buona idea. “Quando hai 19 anni ti dicono di non dirlo a tuo padre, andrà su tutte le furie” confessa la popstar. George desidera davvero fare coming out ma poi perde il coraggio. Per necessità decide di dedicarsi anima e corpo all’ evoluzione degli Wham!, creando un nuovo personaggio, per forgiare un’identità attraverso il suo successo. Questa cosa ha influito per gran parte della sua carriera: quel suo sentirsi in gabbia, non poter rivelare la sua identità, lo spinge a volere sempre di più dalla sua carriera, come se uno status di superstar potesse definirlo, dargli quell’identità che non aveva.

Negli anni la capacità di scrittura di George si era sviluppata molto, quella di Andrew meno. Per lui era difficile Così capita qualche attrito: la questione viene chiusa in fretta e i due non devono più parlarne. Esce Fantastic, il loro primo album, va dritto al numero 1 e rimane in classifica due anni e mezzo. Alla critica gli Wham! cominciano a non piacere, perché, a detta loro, hanno perso quel tocco impegnato. Da un pubblico eterogeno passano a un’audience piena di ragazze innamorate di loro. George è infastidito perché non lo prendono sul serio come cantautore. I due si dividono i compiti. Andrew pensa al look, che deve essere giovanile, sportivo: così ecco le felpe della Fila gialle e rosse, i pantaloncini corti. George si occupa della musica. Ma diventa comunque quello che non aveva mai pensato: un teen idol. Per uno insicuro come lui diventa una droga.

In quella prima cassettina, insieme a Club Tropicana, c’era anche Careless Whisper. Ora si tratta di capire cosa fare con questa canzone. Così George va in Alabama per registrare con Jerry Wexler, il produttore di Aretha Franklin e Ray Charles. Ma quella canzone in qualche modo viene snaturata. Così George Michael la incide di nuovo, e la produce in prima persona: esamina 10 sassofonisti prima di scegliere Steve Gregory, che con il suo sax renderà quel brano indimenticabile. Fin dall’inizio sapevano che Careless Whisper sarebbe stato il loro singolo di maggior successo. Ed è proprio Andrew a proporre a George di lanciarlo come singolo da solista. Non c’è nessun litigio, ma la consapevolezza che ci sarebbe stata un’intestazione tra la carriera negli Wham! e la sua carriera solista. Negli Usa, però, la canzone viene lanciata come Wham! featuring George Michael perché lì non erano così famosi e volevano scalare l’America. Un biglietto lasciato a casa di Andy, un mattino in cui aveva dormito da lui, aveva un errore: c’era scritto “wake me up up before you go”. Allora viene aggiunta un’altra “go”. E così quelle parole diventano un titolo perfetto per una canzone: Wake Me Up Before You Go Go. George Michael era chiaramente un autore in grado di scrivere grandi hit, e ora anche un produttore di successo. Il secondo album viene lasciato produrre a loro. È Make It Big, e ora è tutto più grande. Anche il Big Tour, che li porta in tutto il mondo. La musica ha un altro sapore, è molto più soul, con la voce di George Michael in grande evidenza.

Gli Wham!, in quel 1984, sono arrivati già tre volte al numero 1. E sta per arrivare il quarto n. 1 in classifica. In un pomeriggio, a casa dei suoi genitori, George Michael, scrive Last Christmas, una canzone perfetta per andare in testa alla classifica nella settimana di Natale. Il Natale è sempre stato importante per lui, un mondo incantato, fantastico, e quella canzone doveva trasmettere tutto questo. Il video, perfetto per la canzone e passato alla storia, viene girato a Saas-Fee, sulle Alpi svizzere. In quella gita in c’erano tutti i suoi amici. Durante le riprese il regista fa riempire i bicchieri, e l’alcool scorre a fiumi il loro umorismo gioca un ruolo importante. Le cose precipitano e si ubriacano sempre di più, ma il risultato è perfetto.  Tutto è pronto per arrivare al numero uno. Ma, quando tornano dalla Svizzera, arriva una richiesta. Bob Geldof sta registrando una canzone contro la carestia in Etiopia, in Africa. Anche gli Wham! partecipano a quelle registrazioni. Nasce Do They Know It’s Christmas dei Band Aid, che va al numero uno e ci resta per due settimane. Anche i proventi di Last Christmas verranno donati alla causa dell’Etiopia. George è contento. “Ma quel piccolo bastardo insicuro voleva quattro primi posti” dice di sé il cantante.

Wham! è un documento molto importante, non solo perché racconta la storia di una band sottovalutata, e che in Italia è stata raccontata soprattutto dai video e dalle canzoni, spesso trascurando quello che c’era dietro. Ma racconta anche uno show business, quello degli anni Ottanta, in cui il successo era una sbornia, una droga, qualcosa di cui si voleva sempre di più. A George Michael gli Wham! non bastavano più, si vedeva in grado di competere con Michael Jackson, Prince, Madonna. Si considerava un grande autore e un grande interprete. E aveva ragione, lo era. D’altro canto, si parla sempre di George Michael come leader degli Wham!, ma all’inizio è stato Andrew quello più forte, più deciso, quello in grado di dare sicurezza. Quella degli Wham!, se ci pensiamo, è una storia archetipica: quella in cui un amico aiuta l’altro, ne diventa il mentore, gli dà forza lo fa crescere. E poi, quando capisce che è destinato ad altro, deve lasciarlo andare, a malincuore. È un classico.  Il documentario vede Andy scivolare sempre più indietro. Le immagini del Live Aid, dove George canta Don’t Let The Sun Go Down On Me insieme ad Elton John ed Andrew è dietro, a fare i cori, è simbolica. Andrew era stanco di essere considerato il ragazzo fortunato che era capitato vicino a George. È inevitabile per gli Wham! separarsi. Dopo uno storico concerto in Cina e un fortunato tour in America, il 26 giugno del 1986 gli Wham! mettono in scena The Final, il loro ultimo concerto, a Londra, allo stato di Wembley. È la fine di una storia. E un’altra sta per cominciare. George Michael avrebbe venduto 120 milioni di dischi. E nel 2020 Last Christmas sarebbe arrivata finalmente al numero 1 nella classifica inglese.  Gli Wham! non sarebbero mai stati cinquantenni. Sarebbero rimasti l’incarnazione di loro due da giovani.

Ed è anche questa la forza di un documentario senza interviste in primo piano, ma solo con immagini di repertorio, e molte dichiarazioni prese ai tempi del loro successo. George Michael, purtroppo, ci ha lasciato qualche anno fa. Ma questo film viaggia indietro nel tempo, fissa lui e la band in uno stato di grazia. E ci lascia quel senso di spensieratezza che si respirava a quei tempi, senza che nulla faccia pensare alla tragedia che sarebbe arrivata anni dopo. C’è lo spirito degli anni Ottanta, che pochi come gli Wham! hanno saputo incarnare. C’è solo gioia, ottimismo, ritmo e soul.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Wham!: la band che colse lo spirito degli anni Ottanta è su Netflix proviene da Daily Mood.

Chi è allora David Bowie? È stato un simbolo, un modello per molte persone che avevano bisogno di trovare se stesse, la loro identità, il loro posto nel mondo. Il periodo di Ziggy Stardust, quel vestirsi in modo così personale, “vistoso”, come lo definisce lui, è servito a tante persone per liberare il proprio io, la propria personalità, per apparire ed essere chi davvero sentivano di essere. Ognuno, finalmente, poteva essere un “individuo” e non solo parte di una massa. Il suo Ziggy Stardust era nato per raffigurare una rockstar aliena, che riunisse maschile e femminile in sé, come alcune divinità del passato. Ma ognuno poi ci ha trovato dei significati, ognuno si è fatto la sua idea di Ziggy “Era un miscuglio di tante idee. Ci siamo presi la responsabilità di creare il XXI secolo nel 1971”. Le esibizioni dal vivo del periodo di Ziggy Stardust, le foto di Mick Rock prendono lo spazio per tutta la prima parte del film. Assistiamo anche alla famosa posa in cui, simulando una fellatio, Bowie si avvicinava alla chitarra di Mick Ronson e fingeva di suonarla con la bocca.

David Bowie ha scelto di diventare una rockstar anche per quell’aura di mistero che un tempo aveva il mondo della musica. “Ascoltavo Fats Domino senza capire una sola parola dei testi che ha scritto. Rendeva tutto più misterioso. Volevo far parte di quel mondo magico”. E magico David Bowie lo è stato davvero, il mistero delle star del rock è qualcosa che in lui è convissuto con la continua voglia di cambiare e sperimentare. “Molti cambiamenti della mia carriera musicale sono stati una sfida con me stesso”. Tutto questo è evidente in tutta la sua vita artistica, ma soprattutto nella parte che riguarda la “Trilogia Berlinese”, i suoi album Low, “Heroes” e Lodger. Così come si sente la sorpresa per la mancanza di sperimentazione nel periodo di Let’s Dance, che però Brett Morgen, che ammette di non aver compreso appieno quel periodo, qui ci fa capire le sue ragioni, quella voglia di fare una musica più semplice e diretta di diventare semplicemente un performer.

Brett Morgen racconta tutto questo accostando immagini di epoche diverse, mescolando versioni diverse, eseguite in diversi periodi, della stessa canzone. Così una Space Oddity eseguita negli anni Novanta sfuma in una eseguita negli anni Settanta. Il montaggio di Brett Morgen non è mai scontato, non segue una logica prettamente cronologica, ma segue suggestioni, affinità elettive, influenze. A volte sembra che, grazie al montaggio, il Bowie più giovane e quello più maturo si guardino tra loro, si scambino dei cenni di intesa. È come se assistessimo a un Big Bang con migliaia di frammenti, quelli che formano l’eclettico universo di Bowie, a viaggiare sullo schermo per poi riunirsi, Le tante anime di Bowie, e le sue influenze musicali, cinematografiche, artistiche, alla fine si legano tra loro per dare vita a un artista unico e irripetibile.

Brett Morgen ha avuto accesso a un enorme archivio e ha scrutato per anni il materiale a disposizione, cercando di regalare ai fan il materiale più inedito, quello meno scontato, quello che probabilmente non avevano mai visto. Il risultato è strepitoso, è un’opera monumentale in cui ognuno di noi può scegliere il momento preferito, quello da cui farsi sorprendere. Ci sono dei frammenti del famoso documentario Cracked Actor, che coglie David Bowie, intervistato in un’auto, nel massimo della sua paranoia nel periodo americano, negli anni Settanta, da cui è stata tratta ispirazione per alcune scene de L’uomo che cadde sulla Terra (vediamo molte sequenze di quel film, insieme agli altri in cui ha recitato). Vediamo una straordinaria versione di “Heroes” dall’Isolar Tour, quello che seguì l’album in questione. Ascoltiamo World On A Wing mentre la voce di Bowie, da interviste di repertorio, racconta il suo incontro con Iman. È l’unico accenno alla sua vita privata, della prima moglie e del primo figlio non c’è menzione.

La sua vita si è tinta di rosa, racconta Bowie. Proprio lui che, fino a qualche anno prima, nelle interviste diceva di evitare l’amore per evitare distrazioni nella sua arte, di essersi costruito una corazza contro l’amore. Lui che aveva raccontato di non aver mai avuto un orsacchiotto da piccolo, che non gli erano mai piaciute le cose da bambini. Anche se non si racconta la sua vita privata, conosciamo comunque un Bowie intimo, spirituale, profondo. “Crede in Dio?” “Credo in una forma di energia a cui non vorrei dare il nome. Amo la vita, tanto”. In Moonage Daydream ci sono l’immagine, la musica, ma anche la spiritualità di David Bowie, la sua visione personale della fede e di Dio.

Ma David Bowie crede anche nel caos. “Il mondo ha deciso di rifiutare il caos, che invece fa parte delle nostre vite”. Il caos come ispirazione, come spinta creativa. E, se ci pensate, è quello che accade proprio in Moonage Daydream, un caos di immagini e di spunti dove, però, tutto trova magicamente senso, unità, coesione. È davvero un nuovo modo di raccontare i grandi della musica (l’idea di Morgen di un film di questo tipo inizialmente era destinata ai Beatles), senza racchiuderla negli stereotipi del biopic con le storie di caduta e redenzione, senza attori destinati a “imitare” e non “essere” gli artisti in questione, senza regole e paletti. Con Moonage Daydream Brett Morgen ha trovato il modo perfetto per raccontare David Bowie. E di film come questo ne vorremmo tanti altri.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Moonage Daydream: Chiedi chi era David Bowie proviene da Daily Mood.

Un “giro del mondo” lungo tutta l’estate, toccando le città e le mete più suggestive e animate dalle manifestazioni dei generi più diversi, dal techno al jazz, dal rock alla musica popolare, per riunire gli appassionati di tutte le età che vogliono scoprire posti nuovi ma anche condividere le emozioni di una performance dal vivo. 

Luglio, tra mare e montagna sulle note senza tempo degli artisti più cool, dal jazz al vintage

Rotterdam (Paesi Bassi), perché non si può resistere al ritmo del North Sea Jazz Festival – dall’8 al 10 luglio 2022
La romantica Rotterdam, con il suo porto, i mulini a vento e i luoghi d’arte, all’inizio di luglio ospita North Sea, noto per essere il festival jazz al coperto più grande del mondo, che accoglie ogni anno spettatori di tutto il mondo nell’arena Ahoy dove il passato, il presente e il futuro della musica si incontrano per presentare artisti e brani di tutte le epoche. Nonostante la grande affluenza di appassionati, circa 70mila, la manifestazione ha mantenuto il suo carattere intimo, proprio come le atmosfere dei paesi nel Nord Europa.

A Londra (Gran Bretagna) sulle tracce del rap con Wireless Festival – dall’1 al 3 luglio e dall’8 al 10 luglio 2022
Anche se non ci troviamo più nella Swinging London, la città che è sempre stata simbolo di avanguardia nel mondo musicale continua a incantare, senza confini geografici, ma unendo preferenze e stili diversi. Un esempio? il Wireless Festival, la manifestazione di musica urban più importante di tutta la Gran Bretagna che accoglie sul palco i migliori artisti internazionali di hip hop, rap, grime e R&B. Parte degli spettacoli sono ospitati nel centralissimo Finsbury Park, che diventa un ottimo punto per partenza per chi desidera avventurarsi alla scoperta della città più vivace d’Europa. Chi lo ha vissuto utilizza solo una parola per descriverlo: “leggendario”.

L’armonia della montagna e del classico Festival a Verbier (Svizzera) – dal 15 al 31 luglio 2022
Le Alpi svizzere sono lo scenario di uno straordinario festival di musica classica, punto d’incontro tra i grandi maestri e i giovani musicisti di tutto il mondo. Il Verbier Festival è famoso per i suoi meravigliosi concerti all’aperto e con vista panoramica, che lo trasformano in un’occasione speciale per vivere una vacanza immersi nella natura, coccolati dalle note delle più grandi sinfonie della storia.

Riviera del Conero vintage al Summer Jamboree di Senigallia (Italia) – dal 30 luglio al 7 agosto 2022
Tra luglio e agosto sulla costa adriatica si rivive il sogno americano degli anni ’40 e ’50, grazie al Summer Jamboree, il festival della musica e della cultura USA che per alcuni giorni trasforma le strade di Senigallia in una festa diffusa con concerti dal vivo e dj set di swing, rock and roll, jive, doo-wop, rhythm’n’blues, hillbilly e western swing, lezioni di ballo, mostre fotografiche e spettacoli. La manifestazione è l’evento turistico principale delle Marche, la regione italiana famosa per la sua ospitalità, per le tradizioni culinarie e per le spiagge ampie e sabbiose.

Agosto, dal Danubio al Mediterraneo i ritmi che uniscono avanguardia, folklore e rispetto

Budapest (Ungheria) con il camaleontico Sziget – dal 10 al 15 agosto 2022
Un’ottima occasione per scoprire la capitale ungherese, dal fascino tipicamente mitteleuropeo, con i suoi edifici ottocenteschi, è scatenarsi al Sziget, uno dei più grandi raduni pop-rock di sempre che si tiene sull’isola di Óbudai-sziget, in mezzo alle acque del Danubio a Budapest. Generi musicali e artistici diversi si incontrano in questo evento unico e imperdibile con rappresentazioni teatrali e circensi, proiezioni video-cinematografiche, danza e manifestazioni sportive, DJ set e concerti di tutti i tipi. Uno spettacolo che non è mai uguale alla volta precedente.

Benicassim (Spagna), ovvero sole, mare e reggae a Rototom Sunsplash – dal 16 al 22 agosto 2022
6 chilometri di spiagge sabbiose sulla costa valenciana rendono questa località di per sé un’ottima scelta di viaggio, inoltre in questa settimana di agosto si trasforma nella cornice del Rototom Sunsplash, il più grande festival reggae europeo, nato nei primi anni novanta nel Nord d’Italia e trasferito nel 2010 nella sua nuova roccaforte iberica. Non solo musica, ma sostenibilità, solidarietà, pace e rispetto sono i valori su cui si basa la manifestazione. Durante i giorni dell’evento si crea una vera e propria comunità di giovani, meno giovani e famiglie che possono vivere le proprie vacanze nel contesto del raduno.

Il Salento più autentico alla Notte della Taranta a Melpignano (Italia) – 27 agosto 2022
Accarezzato da un mare da cartolina e tra i più belli d’Italia, il Salento fa da sfondo alle celebrazioni legate al mito della Taranta, un ottimo motivo per visitare la zona a fine agosto e assaporarne ancora meglio la cultura e le tradizioni. Partito quasi in sordina nel 1998, questo festival è diventato uno degli eventi di musica e cultura popolare che ha reso celebre la pizzica salentina attraverso le contaminazioni degli altri generi musicali: dalla world music al rock, dal jazz alla sinfonica. Caratteristica unica di questa manifestazione è la natura itinerante che coinvolge 15 comuni del Salento e termina con il Concertone finale di Melpignano, che raccoglie circa centocinquantamila spettatori.

Cultura e musica sul fiordo di Oslo (Norvegia) in occasione del Festival di Øya – dal 9 al 13 agosto 2022
Per trascorrere un mese di agosto fresco e con temperature miti, Oslo è decisamente la meta ideale. Circondata dai boschi e situata nel punto più interno dell’omonimo fiordo, la capitale si distingue per il suo spirito allegro e moderno, ma sempre attento alle tradizioni. Passeggiare per le strade di questa città è un’esperienza indimenticabile tra opere architettoniche, monumenti, parchi e musei (da non perdere quello dedicato a Munch). Proprio in questo periodo, la città fa da cornice al Festival di Øya, una rassegna musicale che spazia da grandi artisti internazionali a promettenti star emergenti.

Per concludere in bellezza e a ritmo nel Nord dell’Europa
Salutare l’estate a Stradbally (Irlanda) durante l’Eletric Picnic– dal 2 al 4 settembre 2022
Un fascino senza tempo, unito al verde della campagna irlandese e al patrimonio storico delle cittadine, rende la Contea di Laois una delle destinazioni più suggestive dell’Irlanda. I turisti che scelgono di visitare questa incantevole pianura a settembre, oltre a dilettarsi tra passeggiate nella natura e shopping nei negozi tipici, potranno partecipare al più importante raduno irlandese di musica e arti: l’Electric Picnic, ospitato dalla città di Stradbally. Unica nel suo genere, la manifestazione è una vera e propria festa di fine estate dallo spirito eclettico che offre una vasta selezione di generi sonori, arte, teatro, commedia, cibo e salute olistica.

L’autunno musicale di Berlino (Germania) con il Lollapalooza Festival – 24 e 25 settembre 2022
Sicuramente Berlino è la destinazione che mette d’accordo i turisti di tutti i generi: da chi preferisce una vacanza culturale, visitando l’Isola dei Musei, a chi cerca la tranquillità e il contatto con la natura negli splendidi parchi urbani e nelle numerose piste ciclabili, fino a chi cerca il divertimento e la vita notturna nei locali più cool del momento. Tra i motivi per riscoprire la capitale tedesca non può mancare il Lollapalooza, uno dei festival musicali più grandi d’Europa che torna all’Olympiastadion dove si esibiranno importanti artisti del panorama rock, rap e punk internazionale.

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

L'articolo Estate e Musica: 10 mete imperdibili per gli appassionati di festival e concerti proviene da Daily Mood.

La musica torna finalmente a vivere nei suoi luoghi dopo venti mesi di fermo, il popolo della notte torna finalmente sulle piste da ballo e, a Milano, l’ elegante sala del Lounge Bar & Bistrot Fifty Five  accoglie nuovamente la clientela che si immerge in un’atmosfera intima e raffinata per degustare i nuovi cocktail, gli aperitivi e i piatti del nuovo menù che mescolano, in un’interpretazione “fusion”, la musica con i sapori genuini del territorio, la tradizione culinaria italiana e l’internazionalità della città di Milano.

Eventi e serate si alternano al Fifty Five, situato in Via Piero della Francesca 55, in una delle zone più prestigiose e ricercate di Milano, vicino all’ex stazione ferroviaria di Bullona,  creativamente ricavato da un ex deposito ferroviario, offre mille metri quadrati di spazio aperto che può essere diviso in base alle esigenze e seicento metri quadrati di terrazza. Il locale, in attesa delle luci e colori dal sapore natalizio, ha inserito tra gli eventi la data del  22 novembre, una serata particolare dove Gino Foglia, imprenditore e organizzatore di grandi eventi,  editore e patron di ACS (Associazione Centro Spettacolo) Talenti Emergenti,  la dedica al cantautore italiano  Rino Gaetano con la presentazione del libro “Rino Gaetano e il regno di Salanga” di Angelo Sorino e sullo sfondo le canzoni “Ma il cielo è sempre più blu”, “La ballata di Renzo”, “Gianna”, “Mio fratello è figlio unico” e tante altre di questo giovane cantautore calabrese prematuramente scomparso.

La serata sarà arricchirà dalla sfilata della collezione di pelletteria e pellicce Eco 2021/22 del brand Hanna Moore Milano, ed infine una serie di premiazioni dedicate all’imprenditoria, al fashion, al cinema, alla cucina e al beauty dove saranno premiati il produttore Vincenzo Iannone per il  progetto del Teaser City Life,
Luciano Carino per HM make up Italy per la partecipazione al Teaser City Life come curatore d’immagine e make up artist,
sempre nelle stessa serata sarà premiato il Dr. Antonio Malafronte dell’ AM Group Import Export di frutta secca per il suo impegno nel sociale ed infine saranno premiati  l’imprenditore Gianfranco Unione per la collezione presentata del Brand Hanna Moore Milano e lo chef Daniele Unione, che, in tandem con la figlia Emanuela, è risultato vincitore in febbraio di Cuochi d’Italia il format condotto da Barbieri, Gennaro Esposito e Cristiano Tomei, che sarà premiato per la presentazione del Panettone  J’adore, una vera anteprima natalizia con le variabili del panettone, da quello classico a quello con goccia di cioccolata, dal panettone al pistacchio di Bronte a quello con le castagne.

FIFTY FIVE Lounge Bar&Bistrot
Via Piero della Francesca 55, 20153 Milano
Tel. +39 02 34936616

L'articolo Una serata dedicata al ricordo di Rino Gaetano proviene da Daily Mood.

I Duran Duran nascono già nel 1978. Sono tre studenti d’arte, John Taylor alla chitarra, Nick Rhodes ai sintetizzatori e Stephen Duffy alla voce e al basso. I tre sono compagni di scuola e amano gli artisti glam e synth pop. È proprio John Taylor a suggerire il nome per la band: si chiamerà Duran Duran ispirandosi a Durand Durand, il cattivo del film Barbarella, famoso film di fantascienza con Jane Fonda. E, se ascoltate certe linee di tastiera del primo album dei Duran, sentirete che una certa atmosfera fantascientifica c’è tutta. Nella band entrerà poi Simon Colley, al clarinetto e al basso. Ma, già dopo il terzo concerto, Duffy e Colley se ne andranno. John Taylor lascerà la chitarra per imbracciare il basso, lo strumento con cui darà un groove inconfondibile al suono dei Duran Duran. Alla batteria ci sarà il secondo Taylor, Roger. Il terzo, Andy Taylor (i tre non sono parenti) entrerà nella band come chitarrista. Alla voce ci proverà Andy Wickett, che registrerà con la band alcune demo. Ma non saranno i Duran Duran che conosciamo fino a che, con la sua voce inconfondibile, non prenderà in mano il microfono Simon Le Bon.

Il biglietto da visita con cui i Duran Duran si sono presentati al mondo è il singolo Planet Earth, quello in cui si parla di new romantic in cerca del suono della televisione. È una canzone trascinante che, ancora oggi, sembra arrivare da un altro pianeta. Ci sono i synth spaziali di Nick Rhodes, il basso incalzante di John Taylor, il ritmo sincopato della batteria di Roger Taylor che si sposa alla perfezione con i salti del basso, la chitarra ritmica rockeggiante di Andy Taylor. E poi quegli effetti sonori che sembrano evocare l’atterraggio di un elicottero, o qualsiasi altro veicolo vogliate immaginare. Magari un’astronave. È qui che sentiamo già tutte le influenze che hanno reso quello dei Duran Duran un suono unico. In quella ritmica c’è, ad esempio, il groove di Giorgio Moroder, quello, per capirci, di I Feel Love di Donna Summer. L’influenza dei Roxy Music, una band che aveva dato una propria interpretazione del glam rock, la sentiamo tutta in Girls On Film, il brano che apre l’album. Ascoltate Love Is The Drug dei Roxy Music e poi questa canzone, e capirete quanto siano importanti. E poi, ancora, ci sono gli Chic, ci sono i Japan di David Sylvian, idolo di Nick Rhodes, tanto che i due sembrano due gemelli separati alla nascita. E ovviamente David Bowie, che in qualche modo aveva lanciato il movimento new romantic nel suo video Ashes To Ashes, in cu apparivano alcune comparse prese da quella scena, tra cui Steve Strange dei Visage. Nelle linee melodiche orientaleggianti di Tel Aviv, lo strumentale che chiude il disco, ci sono degli echi di alcune canzoni del Bowie della trilogia berlinese. E nella versione Deluxe di Duran Duran, del 2010, c’è una cover di Fame (che i Duran incisero come lato B di Careless Memories), il brano, tratto da Young Americans, che Bowie registrò a metà anni Settanta insieme a John Lennon. A proposito, Duran Duran fu registrato, agli AIR Studios di Londra, proprio nel dicembre del 1980, quando da New York arrivava la notizia dell’assassinio di Lennon. Più tardi i Duran confessarono quanto fu difficile portare a termine le registrazioni dopo aver sentito quella notizia. Ma in quei giorni in quello studio c’erano proprio i Japan, i loro idoli, che stavano registrando Gentlemen Take Polaroids in fondo alla sala dello studio.

Girls On Film, il terzo singolo estratto dall’album, è stato il salto definitivo dei Duran Duran verso la fama. Merito anche di un video ad effetto, arrivato proprio nel momento in cui, grazie a MTV, il videoclip diventava allo stesso tempo una forma ad arte a sé, e il miglior veicolo promozionale per lanciare un singolo e un artista in vetta alle classifiche. Girls On Film era uno di questi video: fatto per bucare lo schermo, scandalizzare, far discutere. Era stato girato dal duo Godley & Creme, musicisti e videomaker tra i più in voga al tempo, e due settimane dopo venne lanciato negli Stati Uniti da MTV. Nel video, i Duran Duran suonano di fronte a un ring, sul quale si avvicendano una serie di numeri da nightclub: una ragazza mima un combattimento con un lottatore di sumo, un’altra simula un salvataggio da parte di un bagnino, una un massaggio e una cowgirl cavalca un uomo con una testa di cavallo. La parte più spinta è quella in cui due donne, di cui una in topless, lottano nel fango. Il video fece scandalo e molte reti televisive finirono per mandare in onda la versione alleggerita, senza la scena incriminata. Ma il video integrale venne trasmesso nei nightclub dotati di schermi video, e sulle nostre tivù musicali spesso veniva tramesso. Ma è un video che ha una sua ironia e, nonostante sia spinto, non è mai volgare. A maggior ragione se visto oggi. La potenza del suono di Girls On Film e quel video così particolare portarono l’album la terza posizione nella Top 20 inglese.

La Duranmania doveva ancora iniziare, e le ragazze che avrebbero voluto sposare Simon Le Bon anche. Da lì a poco sarebbe arrivato Rio, il secondo album, e i video esotici girati da Russell Mulcahy. Sarebbero arrivate le loro canzoni più belle e più famose, quelle che avrebbero fissato per sempre nell’immaginario il suono e l’immagine dei Duran Duran. Ma il primo album aveva forse un suono ancora più sperimentale, coraggioso, innovativo. I Duran Duran, insieme a un’altra manciata di artisti, avevano lanciato il movimento dei new romantic. Un movimento fatto di musica, come detto, ma anche di look sgargianti e sfrontati. I Duran Duran, grazie alla collaborazione con stilisti come Perry Haines, Kahn & Bell e Anthony Price, a ogni video e ogni apparizione si distinguevano per il loro abiti. Se i pantaloni sono spesso quelli di pelle tipici del rock, a volte stretti, a volte più larghi e a vita alta, i nostri vestono spesso con camicioni dalle maniche larghe e dal collo a sbuffo che sembrano usciti da un film su Casanova. Hanno vistose sciarpe attorno al collo, o strette in vita a mò di cinture, e a volte portano delle fasce annodate sulla fronte. Nel loro guardaroba ci sono quelle giubbe militari che oggi vediamo molto spesso, e il tipico giubbetto del rock, il chiodo, magari è di colore bianco, come quello che indossa Simon Le Bon nel video di Girls On Film, o blu. Gli abiti sono speso di tinte pastello, ad esempio carta da zucchero. Un classico del periodo, poi, sono le t-shirt, colorate o bianche e nere, a righe orizzontali. Il trucco sul volto è spesso deciso, pesante. E i capelli sono colorati con meches, bionde o di altri colori, e spesso dalle forme molto voluminose.

Quelle parole di Planet Earth possono suonare come “qualche nuovo romantico in cerca del segnale della tv”, o “in cerca di una sigla per la tv”. Ma ci piace leggere, in quei versi, che quei new romantic stessero cercando il suono della tv, cioè il prodotto perfetto per le nuove tivù musicali che stavano nascendo, una forma d’arte che unisse musica e immagini, canzoni e videoclip perfetti e inscindibili da essere una cosa sole nell’immaginario collettivo, suoni all’avanguardia e un look all’altezza di essi. A quarant’anni da Duran Duran, se oggi vi guardate e attorno e tenete le orecchie aperte, vedrete ancora in giro tracce del look new romantic. E, se le hit dei Duran risuonano ancora, hanno lasciato anche molte tracce sonore in canzoni di oggi e in band che, da almeno vent’anni o forse di più, in qualche modo provano a recuperare il loro suono.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Duran Duran: Quei new romantic in cerca del suono della tv proviene da Daily Mood.

Da un lato c’è la mamma, che ha dei bambini ancora piccoli e li porta con sé in tour. Li vediamo nelle loro foto quando erano ancora piccolissimi, accanto alle prime immagini di P!NK. La sua prima esibizione è stata dolorosa: i suoi si erano appena separati e lei, accompagnata dal padre, ha cantato Oh Father di Madonna, una canzone molto significativa in quel momento. I bambini sembrano divertirsi in tour, nei momenti liberi in giro per le città, o a scorrazzare sul palco durante le prove. Sembra ieri che quella ragazza ventenne, sbarazzina e scanzonata, arrivava sulle scene. E vederla oggi da mamma fa un certo effetto. Con quei capelli sparati verso il cielo, in fondo, sembra sempre la stessa. E alla fine è come tutti noi genitori, che si chiedono se e come i figli ci somiglino. “Ho capito che essere genitori è bello solo osservandoti come madre” le ha detto la prima figlia, Willow, quando aveva quattro anni. E sono cose che farebbero sciogliere chiunque.

L’altro lato è la grande professionalità dell’artista. “Se foste in uno spettacolo di Madonna sareste già stati licenziati”: apostrofa così, scherzando, i propri ballerini. Ma dietro quell’approccio allegro c’è un grande impegno. Dopo il primo spettacolo, che è stato un successo, fa sensazione vedere che P!NK si chieda se il suo show sia valso il prezzo del biglietto, se chi ha pagato il concerto, il viaggio, la cena, possa ritenersi soddisfatto. E così, appena rientrata in albergo, a cena, mete subito in chiaro cosa non è andato. Quel vestito era troppo largo. Quelle passerelle troppo distanti e non collegate tra loro, con il rischio di perdersi. Il problema, come per tutte le rockstar che suonano in uno stadio, è arrivare a tutti, accorciare le distanze.

“Tua madre è una performer che ha sempre gli occhi addosso” ha detto una volta la cantante ai figli. P!NK quando non è in scena non porta il suo ciuffo sparato, ma raccoglie i capelli con un foulard annodato sopra la testa, e somiglia incredibilmente a Rosie The Riveter, la ragazza della famosa immagine promozionale We Can Do It! che, negli anni 40, durante la guerra, incitava le donne a lavorare. P!NK è una gran lavoratrice. È una che non si accontenta. Vedendo un concerto di Cher con delle ballerine che volteggiavano nell’aria appese a dei cerchi, si è chiesta: perché non posso farlo direttamente io? E così, forte di anni e anni di allenamento da ginnasta, ha provato fare questo, delle coreografie acrobatiche, ma cantando contemporaneamente. A proposito, quei capelli Pink se li acconcia da sola: primo, perché non c’è molto da fare, dice lei. Secondo: perché è l’unico momento in cui riesce a stare da sola. È il suo rituale.

Fatte le debite proporzioni delle rispettive carriere, i suoi concerti sono spettacolari, ricchi, coreografici come quelli di Madonna. “Il nostro show non ha precedenti” dice P!NK. “Sono la prima a fare molte di queste cose”. Le sue evoluzioni sono veramente complesse e anche rischiose. Durante uno show, qualche tempo fa, qualcosa non aveva funzionato e c’era stato un piccolo incidente. “Ma non puoi perderti lo spasso solo perché è accaduto una volta”, dice lei. Lo show è davvero strabiliante. P!NK vola letteralmente, sostenuta da quattro cavi lungo tutto lo stadio, a metri di altezza, nel vuoto. Questo Madonna non lo ha mai fatto. Popstar, acrobata, madre, P!NK è anche un modello per tante ragazze. Lo capiamo quando legge la lettera di una fan, che le dice che seguendo lei ha imparato ad accettare se stessa.

Il tour ha il suo culmine nello stadio di Wembley. Che è quello nuovo, completamente ristrutturato. Ma è comunque un tempio della musica. E poi ci sono le canzoni. Get The Party Started, Just Like A Pill, What About Us, Hustle, I Wanna Start A Fight, Try e tante altre. Che cos’è tutto questo? Ce lo dice Pink, prima che scorrano i titoli di coda. “Rock’n’roll. Rock’n’fucking roll!”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo P!NK – All I Know So Far: Date inizio alla festa (e non solo) su Prime Video! proviene da Daily Mood.

A distanza di due anni dal debutto con “Il ballo della vita”, doppio disco di platino, il gruppo di giovanissimi presenta “Teatro d’ira – Vol. I”, il primo volume di un nuovo progetto più ampio che si svilupperà nel corso dell’anno.

In “Teatro d’ira – Vol.I” i Måneskin trovano una nuova connotazione sonora per esprimere il loro messaggio. Al centro della scala dei valori della band campeggia la libertà dalle sovrastrutture e dai filtri inutili, unita al desiderio di essere autentici. Un appello che si rivolge fin dal primo singolo “Vent’anni” alla Generazione Z, ma che si allarga a tutto il pubblico: un invito a scrollarsi di dosso etichette preconfezionate per vivere appieno ed essere se stessi, senza paura del giudizio.

“La nostra non è una rabbia nei confronti di qualcuno, ma un’ira che smuove, che crea le rivoluzioni – raccontano i Måneskin – un’ira catartica rivolta alle oppressioni e agli oppressori, che porta a sfogarsi e a ribellarsi verso tutto ciò che ti fa sentire sbagliato e che, come risultato, porta a una rinascita e a un cambiamento. Abbiamo voluto collocare questa forza molto potente in un contesto, quello del teatro, che nell’immaginario comune viene percepito come elegante e pacato. Ci piace questa antitesi: un contrasto che vive nel momento in cui il sipario si apre e, al posto di uno spettacolo o di un balletto, ci si ritrova catapultati in questa esplosione di energia. Il teatro è una metafora a rappresentare l’arte, il luogo dove questo impulso potente genera qualcosa di artistico e positivo”.

Un percorso ambizioso e in continuo divenire, partito dai singoli “Vent’anni” (disco di platino) e dall’inedito “Zitti e buoni”, che in pochi giorni ha raggiunto 18 milioni di streaming.

Scritto interamente dai Måneskin, il nuovo album è stato registrato tutto in presa diretta al Mulino Recording Studio di Acquapendente (VT) – luogo da cui ci hanno presentato l’album con un minilive – rimandando alle atmosfere analogiche dei bootleg anni ’70, con l’idea e la voglia di ricreare la dimensione live vissuta dal gruppo nel loro primo lungo tour di 70 date fra Italia e Europa. Un disco tutto suonato, crudo, contemporaneo, capace di rappresentare lo stile e il sound della band.

I Måneskin porteranno la loro carica dal vivo per la prima volta sui palchi dei più importanti palazzetti italiani, dove presenteranno il loro secondo album in un tour di 11 date, organizzato e prodotto da Vivo Concerti.

Subito esauriti i biglietti per i primi quattro show al Palazzo dello Sport di Roma (14 e 15 dicembre) e al Mediolanum Forum di Assago (18 e 19 dicembre), a cui si aggiunge un terzo concerto al palazzetto di Milano, previsto per il 22 marzo 2022.

Oltre a questa nuova data oggi sono annunciati i nuovi concerti della tournée che farà tappa il 20 marzo all’Unipol Arena di Casalecchio di Reno (BO), il 26 marzo al PalaPartenope di Napoli, il 31 marzo al Nelson Mandela Forum di Firenze, il 3 aprile al Pala Alpitour di Torino, l’8 aprile al PalaFlorio di Bari e si concluderà nell’iconica Arena di Verona il 23 aprile 2022. Questo sarà un live evento che vedrà i Måneskin con la loro dirompente energia aprire la stagione dei grandi concerti 2022 dell’Arena.

Damiano, Victoria, Thomas ed Ethan hanno iniziato a esibirsi live da giovanissimi nelle strade di Roma e con la loro carica fuori dal comune hanno conquistato il pubblico, spazzando via stereotipi di genere, mescolando influenze e stili in un mix originalissimo e unico, arrivando a collezionare oltre 16 dischi di platino e 6 dischi d’oro.

Dopo la vittoria sul palco di Sanremo, i Måneskin rappresenteranno l’Italia all’edizione 2021 dell’Eurovision Song Contest prevista per maggio a Rotterdam, portando il loro messaggio di libertà – epurato dalle parolacce come da regolamento – e la voglia di lasciare il segno.

PHOTOBCREDITS GABRIELE GIUSSANI

Sito ufficiale: https://www.maneskin.it
Video ufficiale “Zitti e Buoni”: https://www.youtube.com/watch?v=QN1odfjtMoo&t=1s

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

L'articolo Fuori il 19 marzo il nuovo atteso album dei Måneskin proviene da Daily Mood.

All That You Can’t Leave Behind nasce da una sorta di insoddisfazione, di scottatura degli U2 con l’album precedente, Pop, un disco contaminato, elettronico, scintillante e decadente che non aveva incontrato appieno il favore del pubblico americano: un “relativo” insuccesso del disco e alcune date che non erano andate sold out, sempre negli States li avevano fatti riflettere. “L’esperienza di Pop ci aveva lasciati pieni di lividi ed ematomi” raccontò Bono. “Anche se i biglietti e i dischi venduti erano nell’ordine di milioni, il disco non aveva entusiasmato come avevamo sperato. Ci lasciò la sensazione di non aver messo i puntini sulle i e i trattini sulle t”. Oggi quel disco è un vero e proprio “cult” tra i fans. Ma allora gli U2 sentivano il bisogno di un ritorno a casa, alle origini, perché a forza di reinventarsi si finisce per essere prevedibili, come disse Bono. Tornare a casa per i quattro di Dublino vuol dire tornare a lavorare con gli storici produttori Brian Eno e Daniel Lanois, gli artefici dei capolavori The Unforgettable Fire, The Joshua Tree e Achtung Baby. E tornare a registrare senza pressioni, in un’atmosfera rilassata. È così che nascono canzoni come Kite, uno di quei pezzi che, appena usciti, sono già un classico. È una canzone che prende vita da un momento da papà di Bono: di ritorno da un tour decide di portare le sue bambine, Jordan e Eve, sulle colline vicino a casa per far volare un aquilone. Ma a quel papà premuroso ma un po’ imbranato il filo scappa di mano e l’aquilone vola via, e si disintegra. Kite parla di questo. Del lasciar andare. Ma il Bono che canta è il papà che sa che lascerà andare le sue bambine un giorno, o è il figlio che sa che sarà suo padre a lasciarlo? Kite è una delle prime canzoni ad essere registrate, e la voce di Bono arriva a delle vette che non raggiungeva da anni. Quando canta i versi “I’m a man, I’m not a child” restano tutti a bocca aperta. Erano dieci anni che non c’era una nota così alta, a voce piena, in un disco degli U2.

Ma accanto a quella voce così libera di volare ce n’è un’altra, una voce rotta dalla notte e dall’alcool.  È proprio la traccia dopo Kite, la n.6, In A Little While, “un hangover che si trasforma in una canzone gospel”, grazie al consiglio di Joey Ramone, che l’aveva ascoltata prima di morire. Il leader degli U2 arrivò in studio dopo aver fatto le sei di mattina, dopo una nottata di baldoria, e aver dormito un paio d’ore. Con i postumi della sbornia, con una voce roca, ha intonato una canzone d’amore, per la sua Ali “quella piccola ragazza con gli occhi spagnoli”, quei Spanish Eyes a cui aveva già dedicato una canzone ai tempi di The Joshua Tree. In A Little While, cantata con quella voce, diventa comica, e allo stesso tempo accorata, struggente, vera.

All That You Can’t Live Behind sarà il disco degli affetti, della tenerezza, ma anche del dolore e della perdita. Il titolo viene dalle strofe iniziali di Walk On, un brano mid tempo epico, in classico stile U2 (dedicato a Aung San Suu Kyi, allora leader dell’opposizione in Birmania, poi macchiatasi di varie violazioni dei diritti umani, una volta al potere, per cui la dedica è stata rinnegata), che recitano “And love is not the easy thing, the only baggage you can bring is all that you can’t leave behind” (l’amore non è una cosa facile, il solo bagaglio che ti puoi portare è quello che non ti puoi lasciare dietro). E quello che non puoi lasciare dietro è l’amore, gli affetti più intimi.

È un disco con il quale gli U2, per la prima volta, guardano al loro passato. Beautiful Day, il primo singolo e la canzone che apre l’album, è sostenuta da un suono di chitarra, una Gibson Explorer, un classico suono U2 che la band non usava dai tempi di War, nel 1983. E così ha discusso molto se fosse il caso di riproporlo. Ma alla fine non ci sono stati dubbi. Perché per “rispondere all’inserzione per il lavoro di miglior band del mondo” (come avrebbe dichiarato Bono ai Grammy Awards, proprio dopo aver vinto con questo disco) si può anche riprendere un suono che è un marchio di fabbrica. La canzone, che parla di un uomo che ha perso tutto, ma sente che può vivere ancora una bella giornata, è un brano semplice ma complesso: c’è una parte di batteria elettronica, ci sono violini, un giro di tastiere che è diventato un giro di chitarra, e dei cori nati per caso e diventati quella pennellata di colore che serviva alla canzone.

All That You Can’t Leave Behind è anche un disco che parla tanto di morte. Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of è dedicata a Michael Hutchence, amico di Bono e leader della band degli INXS, morto suicida qualche anno prima. È una canzone particolarissima, nata al piano grazie a The Edge, con degli accordi gospel e un ritornello che profumava del soul della Motown. Bono voleva scrivere un testo che non fosse sdolcinato e sentimentale. Perché Michael non lo avrebbe voluto, gli sarebbe piaciuto ben altro. E quella canzone così pop andava bilanciata. Così se ne uscì con quei versi con cui attacca il pezzo, “I’m not afraid of anything in this world, There’s nothing you can throw at me that I haven’t already heard” (Non ho paura di niente a questo mondo, non c’è niente che tu possa gettarmi addosso che non abbia già sentito). È una sorta di dichiarazione di sfida, “come quando si sporge la mascella in fuori prima di una rissa”, disse Bono. Briano Eno trasformò il brano in qualcosa di unico: Edge aveva suonato il giro della canzone su un piano e lo aveva passato su un sequencer. Eno prese le note, eliminò le prime e le seconde e lasciò solo le terze note di ogni giro. In questo modo l’intro della canzone diventa qualcosa di sospeso e incantato, come se fosse il rintocco di alcune campane. Peace On Earth, dedicata alle vittime di un attentato a Omagh che, nell’agosto del 1998, rischiò di far fallire le trattative di pace in Irlanda, è invece una preghiera sommessa e accorata perché si fermi la violenza. Ma la morte tornerà ancora, nella storia di questo disco.

All That You Can’t Leave Behind è sempre stato raccontato come il ritorno alle origini “U2 back to their basics”, ma è qualcosa di molto altro. C’è la voglia di tornare suonare in quattro, chitarra, voce, basso e batteria, certo, ma è forse il disco meno rock della band. C’è dentro il gospel, il soul, alcune cose di Al Green e Dusty Springfield, i Beatles di Ob-La-Di, Ob-La-Da, che Edge avvicina a Wild Honey, il brano più leggero dell’album, non amatissimo dai fan. Ha dentro alcuni suoni che arrivano dal passato, ma All That You Can’t Leave Behind non suona come nessun altro disco degli U2, né precedente, né successivo. Ha un suono fuori dal tempo, sospeso tra le epoche e tra i generi. La produzione di Brian Eno e Daniel Lanois, in realtà, ha soffocato in molti punti la potenza del suono degli U2. Ma è un disco che ha una sua dolcezza. È un disco curativo, capace di sollevarti quando sei a terra, di carezzarti, di abbracciarti. E anche di darti un bel calcio per farti ripartire.

E così la band è ripartita, in un giro in torno al mondo, nell’Elevation Tour. Un concerto che, come il disco, doveva essere un ritorno all’essenziale dopo gli eccessi del PopMart Tour. Un concerto pensato per essere suonato al chiuso, nelle arene (solo i concerti a casa nostra, a Torino, e a casa loro, allo Slane Castle vicino Dublino, sono stati outdoor), con una passerella a forma di cuore ad avvolgere il pubblico e quattro schermi in bianco e nero a riprendere i quattro musicisti, che arrivano in scena con le luci ancora accese. Il concerto sarà, anche qui, molto più articolato, di quello che sembra. Ce lo ricordiamo per Bono ed Edge che si guardano negli occhi, mentre la musica si ferma, per cantare l’ultima strofa di In A Little While, “slow down your beating heart”, per la versione più bella di The Fly mai sentita, per Bullet The Blue Sky che Bono dedica a John Lennon e, parlando del suo assassino, Mark Chapman, diventa un’invettiva contro la lobby delle armi americana, che fa sì che sia così facile per tutti possedere una pistola.

Sarà, in qualche modo, ancora la morte a rendere memorabili alcuni concerti del tour. Quello di Torino, andato in scena nel luglio del 2001, il giorno dopo i fatti del G8 di Genova e la morte di Carlo Giuliani, vedranno un Bono infuocato gridare “violence is never right”, durante Sunday Bloody Sunday. Sarà in concerto lunghissimo, con due fuori programma, dovuti alla comunione che si era creata tra il pubblico e la band, che non ne voleva proprio sapere di lasciare il palco. Gli occhi lucidi, emozionati di Bono che guarda il pubblico prima di lasciare la scena sono difficili da dimenticare. La morte di Bob Hewson, il padre di Bono, arriverà durante le date inglesi e irlandesi del tour, e la band suonerà, nell’attesissimo concerto di Slane Castle, a fine agosto, proprio il giorno dopo il funerale di Bob, rendendo anche quel concerto unico. Ma gli U2 si troveranno anche a suonare a New York, al Madison Square Garden, pochi giorni dopo gli attentati dell’11 settembre 2001. Ancora una volta la loro musica è lenitiva- Durante Where The Streets Have No Name, le luci si accendono per inquadrare il pubblico. Ci sono 10mila persona con il volto in lacrime. “Siete bellissimi stanotte” grida loro Bono. È un verso che diventerà City Of Blinding Lights. Ma è un altro disco. E un’altra storia.

Uno dei concerti del tour, quello di Boston, è uno dei contenuti speciali dell’edizione Super Deluxe della ristampa, in cd o in vinile:19 canzoni dallo Staples Center per capire che atmosfera si respirasse in quei concerti. Ma non c’è solo quello. C’è The Ground Benath Her Feet, una canzone d’amore insinuante e dolente, una delle più belle mai scritte, ispirata a un libro di Salman Rusdhie e finora inclusa solo nell’edizione inglese dell’album, e nella colonna sonora di The Million Dollar Hotel, il film di Wim Wenders scritto da Bono. È da quel disco che arriva anche Stateless, un brano liquido, soffuso, che vede gli U2 in piena libertà creativa. Un intero disco dell’edizione speciale è dedicato alle canzoni di quel periodo che non sono mai entrate nell’album. Una di queste è Levitate, che ha un suono un po’ più “sporco” rispetto ai suoni un po’ patinati, edulcorati di ATYCLB. In certe parti di chitarra, in quelle batterie pesanti, con una sorta di riverbero, si sente qualche eco di Achtung Baby. Ascoltata 20 anni dopo, suona ancora piuttosto fresca. E colpisce con quel verso, “I want a love that’s hard, hard as hate” (voglio un amore che sia duro, duro come l’odio). Sta bene in un cofanetto che racconta il periodo di All That You Can’t Leave Behind, un disco di suoni lievi, ma di sensazioni forti.

Un disco di cui, passati vent’anni, è rimasto molto. Beautiful Day e Elevation sono entrate nei classici degli U2, e sono suonate in ogni concerto. Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of è rimasta un piccolo gioiello, ed è stata riproposta in una versione acustica, che trovate nel cofanetto. E Walk On, dopo quello che è successo, non è più legata alla leader birmana, ma è tornata a nuova vita, in una toccante versione acustica, proprio la scorsa settimana, durante l’esibizione di Bono e The Edge a una trasmissione televisiva irlandese. Vent’anni fa, in Kite, Bono raccontava già un mondo che sembrava quello di oggi, dove il rock è in secondo piano, le star dell’hip-hop sembrano raggiungere di più i gusti del grande pubblico, e la musica vive soprattutto sui social media.. “The last of the rock stars, when hip hop drove the big cars, in the time when new media was the big idea”. “L’ultima delle rockstar, quando l’hip hop guida i macchinoni, al tempo in cui in nuovi media erano la grande idea”. Bono voleva raccontare quell’epoca. Ha finito per raccontare i giorni di oggi. Dove è ancora, con i suoi U2, l’ultima delle rockstar.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo All That You Can’t Leave Behind: Quando gli U2 incisero il loro album “pop”… proviene da Daily Mood.

DailyMood.it: Buongiorno grazie per averci concesso il suo tempo.Lei è uno dei piu’ noti e conosciuti arpisti e nel 2002 ha  fatto nascere il bel progetto ” Celtic Harp Orchestra”. Ci racconta come è nato tutto?
Fabio Constable: Il progetto è nato quasi per caso. Organizzammo un evento con 44 arpe celtiche, doveva essere un solo concerto, ma la passione e l’amicizia nata durante le sessioni di prove ci hanno convinto ad andare avanti insieme, dando così l’inizio a venti bellissimi anni.

DM: Nella formazione del gruppo spesso si affiancano anche altri strumenti tra cui violini, flauti, violoncelli, chitarra voce o fisarmonica quasi una sorta di “visualizzazione guidata” musicale, una narrazione a piu’ voci in continuo crescendo. E’ cosi?
F.C. : Diversi suoni in un’orchestra sono come diversi colori in quadro, diversi sapori in un piatto. Le note dell’arpa celtica toccano tantissime corde delle nostre emozioni e altri strumenti non solo aiutano ad esprimere meglio il nostro strumento, ma arricchiscono le musiche in senso compositivo, generando -come hai giustamente detto tu- immagini ed emozioni completamente nuove.

D.M. : Tra i suoi progetti piu’ famosi c’e’ il Dante’s Dream. Molti infatti dimenticano che Dante è stato il “bardo” per eccellenza e che, in fondo, quella selva oscura presto si ritrova nella cultura dei suonatori d’arpa. Ci dice qualcosa di piu’ su questo progetto?
F.C. Il progetto Dante’s Dream – I fiori dell’Inferno trova le sue radici ai tempi dell’università, quando studiavo le melodie scritte nel medioevo per accompagnare madrigali e sonetti (tra cui quelli di Petrarca e di Dante stesso). Rimasi colpito da come la maggior parte della poesia dei secoli passati fosse cantata, non troppo diversamente dalle nostre canzoni odierne. Volli così provare ad attualizzare le terzine dell’Inferno: nella prima cantica si trovano così tanti colori dell’animo umano da non poter rimanerne indifferenti. Mi sono ispirato a uno stile diverso per ogni canto, dal Tango al Barocco Veneziano, dal Minimalismo Nordico al Romanticismo Russo.

D.M. : Esiste una giornata nazionale dell’arpa in Giappone. E’ stata istituita il 2 agosto dello scorso anno e lei è stato designato supervisore e direttore artistico di tutta la manifestazione cimentandosi addirittura con la musica di Giuseppe Verdi . Come è stata quella esperienza? La rifarebbe?
F.C. Rispondo sinceramente di sì e, ne sono certo, appena ci saranno i presupposti per poter riportare la musica sui palcoscenici senza i terribili sacrifici e le enormi difficoltà di questi giorni, lo rifarò. E’ stato emozionante vedere dei grandi interpreti giapponesi dell’arpa suonare sul palco i miei riarrangiamenti e le mie rivisitazioni di alcune arie verdiane. Il momento in cui, poi, più di 50 arpisti si sono riuniti per il gran finale (era il brindisi da “La Traviata”) è stato da mozzare il fiato!

D.M.: Lei nel 2005 ha anche fuso il tango e la musica celtica. quasi che fossero le corde degli strumenti, piu’ che il timbro delle casse armoniche a rendere il suono in musica. Come è nato Keltango? E perchè è un “meeting point”?
F.C.: “Keltango” è nato in maniera molto egoistica: ho voluto unire la mia passione per questi due generi musicali, creando una fusion tanto improbabile quanto coerente. I due stili, per quanto storicamente molto distanti, riescono a intrecciarsi in modo molto coinvolgente, sia in senso ritmico che armonico.

D.M. Concludendo, il “mood della musica” supera ogni distanza, lo ha dimostrato durante il confinamento con il bel progetto di Myrdhyn’s Last Spell in remote session”, quando 43 musicisti di tutto il mondo hanno suonato insieme per sensibilizzare alla musica cge può portare bellezza, speranza e gioia, ora più che mai ma è quanto mai fragile. Secondo lei è cosi? Esiste un mood della musica come mood del fiabesco? Quale è il ruolo della musicista nell’era post lockdown?
F.C.: Il primo video in “remote session” ha unito 43 musicisti, ma siamo arrivati ad averne quasi 70 nei video successivi. La musica è passione, ma è una -se mi permetti il termine- specie in via di estinzione. Soprattutto in un momento come questo va protetta, i musicisti vanno supportati. Immaginiamo come sarebbe stato il nostro lockdown senza musica. Immaginiamo la nostra vita, senza musica! I musicisti e gli artisti non sono stati supportati o aiutati in alcun modo dal nostro Governo, come se fossero delle suppellettili inutili, e più che mai va ricordato che bisogna proteggere ciò che si ama. L’alternativa è un futuro che conoscerà solo la musica proposta dalle multinazionali, come un bosco in cui crescerà una sola specie di alberi, come un mondo in cui tutti vestono con lo stesso colore.

Crediti Fotografici: ©PiotrDanilov

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

L'articolo Intervista a Fabio Constable: il mood della musica supera ogni distanza proviene da Daily Mood.

Karaoke (Boomdabash e Alessandra Amoroso)

Squadra che vince non si cambia. E così i Boomdabash, dopo che due estati fa avevano duettato con Loredana Bertè e lo scorso anno con Alessandra Amoroso in Mambo salentino, ripropongono il sodalizio Made In Salento con la cantante lanciata da Amici, ormai diventata una loro grande amica. “Voglio l’aria di mare, il sole sulla faccia, tornerò a cantare sotto al suo balcone quando lei si affaccia” sono le prime parole di una canzone tra reggae e ragamuffin. Tra le strofe compare l’immancabile “lu sole, lu mare lu iento” che non può mancare in ogni canzone ambientata in Salento. Tra un flow e l’altro dei Boomdabash arriva la voce inconfondibile, acutissima, di Alessandra Amoroso, fino al grido di battaglia “Karaoke Guantanamera”. “Quindi se voglio cercare il karaoke di questa canzone dovrò scrivere: Karaoke di Karaoke” scrive qualcuno nei commenti su YouTube.

La Isla (Giusy Ferreri e Elettra Lamborghini)

Altra coppia esplosiva: Giusy Ferreri ed Elettra Lamborghini sono lo yin e lo yang, il zenith e il nadir: l’ex cassiera esplosa con X Factor e l’ereditiera dell’impero automobilistico, la cantante dalla voce roca e rock e la regina del twerking. Opposites Attract, come cantava Paula Abdul, e allora eccole qua. A produrre ci sono sempre loro, Takagi & Ketra, quelli che negli anni con Giusy Ferrei sono andati prima nella favela e poi nella savana, La Isla, che parte con un giro di piano da salsa, evoca una fuga in un luogo esotico e isolato. Le due ragazze si dividono alla perfezione il compito: Elettra rappa e cantilena (“Dai papi non mi paghi l’affitto, vogliamo aprire un bar solo Mojito”), Giusy lancia il suo solito ritornello killer (“La notte vicino al faro il mare si accende, ti porto con me”, “Tu mi fai cantare, non ho più bisogno di niente”). Successo annunciato. Ma avete notato una cosa? “Se non fosse stato per quella lettera di differenza avremmo avuto Lamborghini ft Ferrari”, ha scritto qualcuno su YouTube…

Una voglia assurda (J-Ax)

Vorrei ma non posto, Senza pagare, Italiana, Ostia Lido: ogni anno, con la bella stagione, arriva J-Ax, con il suo rap-pop che mette alla berlina le manie e le cafonate di noi italiani. Una voglia matta, il suo tormentone del 2020, però, è qualcosa di nuovo: fa i conti con il Coronavirus, lo si capisce sin dalle prime strofe: “l’industria della musica è fallita, la libreria di Netflix l’ho finita, ora voglio fare binge watching alla vita” e “anche se rispetto la distanza, che tanto tutto passa, allora dimmi perché ho una voglia assurda di stare tra la gente e urlare come in curva, cantare Acqua azzurra nudi in riva al mare”. Con un ritmo trascinante alla Good Times degli Chic, con citazioni della storica Tranqui Funky dei suoi Articolo 31, Una voglia assurda ha un che di catartico, e coglie un po’ il sentimento di tutti. Come tutte le canzoni estive di J-Ax, anche Una voglia assurda nasce come una silly song, ma tanto sciocca non è…. E c’è chi commenta “Il cameo a Tranqui Funky mi fa scendere una lacrima a tutti i millennial che non hanno idea di cosa significhi quella strofa”…

Guaranà (Elodie)

Elodie ha ormai abbandonato il mondo di Amici di Maria De Filippi e la canzone melodica. La scorsa estate la sua via al tormentone era un reggaeton, torrido e sensuale, Margarita, con Marracash, una storia d’amore alcolica. Che torna anche qui, insieme alla voglia di fuga: “Cosa succederà, lasciamo la città, tequila e guaranà” canta Elodie su una musica disco, elettronica e minimale. E con un nuovo look, allo stesso tempo sexy e acqua e sapone, capelli con lunghe treccine nere, e sfilata di costumi da bagno da copertina di Sports Illustrated. Non a caso, su YouTube, pensando a lei, ma anche alle nostre quarantene, c’è chi commenta “L’unica pronta per la prova costume, praticamente”…

Il sudore ci appiccica (Francesco Gabbani)

Tra tante donne bellissime c’è anche lui, quello un po’ meno bello, ma simpatico. Francesco Gabbani aveva vinto a Sanremo, con Occidentali’s Kharma, nel 2017, e aveva conquistato anche le feste dei bambini dell’asilo. Lo scorso anno, con Un’altra cosa, Francesco Gabbani aveva trovato la sua via al tormentone, con i suoi soliti giochi di parole. Ci riprova anche quest’anno con Il sudore ci appiccica, altra filastrocca con un occhio alle nuove manie dei social “E comunque si balla, come bolle nell’aria, e si tagga la faccia, che si è riaperta la caccia”. “Il sudore ci appiccica, accipicchia” canta nel ritornello, con un piglio alla Edoardo Bennato e una base technopop. È una canzone che spopolerebbe al Festivalbar, se ancora ci fosse il Festivalbar… Per lui solo apprezzamenti nei commenti: “Gabbani scrive sempre grandi testi, è ironico e intelligente: non si amalgama al nulla dei competitors estivi. Mantiene la sua coerente originalità”.

Ciclone (Takagi & Ketra, Elodie, Mariah – Ciclone ft. Gipsy Kings, Nicolás Reyes, Tonino Baliardo)

E poi c’è chi, per fare il tormentone estivo, guarda al passato… Non alla musica del passato, ma al cinema, quello italiano degli anni Novanta. Parliamo de Il Ciclone di Leonardo Pieraccioni. Ricordate la scena del flamenco nel cortile del casale con Lorena Forteza e Natalia Estrada? Ciclone parte proprio da qui, e lo ripropone anche nel video, con Francesco Mandelli nei panni di Massimo Ceccherini. Gli artefici dell’operazione sono i Re Mida del tormentone estivo, Takagi & Ketra (quelli di Amore e capoeira e Jambo), che per l’occasione vanno a recuperare quel residuato anni Novanta che credevamo ormai perduto, la chitarra gitana dei Gipsy Kings… Le dichiarazioni d’amore sono aggiornate ai nostri tempi: “Scriverò di amarti sulle note di un’iPhone” canta Elodie, in vestitino bianco nei panni che erano di Lorena Forteza. Con lei c’è Mariah, astro nascente del trap-reggaeton internazionale, nata a Miami nel 1999, di origini cubane e portoricane. Ne sentiremo parlare a lungo. E c’è chi commenta: “”è agosto ma si gela” is the new “le domeniche d’agosto quanta neve che cadrà””…

Non mi basta più (Baby K special guest Chiara Ferragni)

Un altro esempio di donne che vanno in coppia è la nuova joint venture tra Baby K e Chiara Ferragni. Unico punto in comune: i capelli biondi. Per il resto, le due sono diverse, lo street style e l’eleganza, l’hip-hop e il bon ton. La canzone è a tutti gli effetti la nuova hit di Baby K, altra abbonata al tormentone estivo: Chiara Ferragni è nominata “special guest” e si limita a qualche breve frase. Se è vero che ha portato più visite agli Uffizi, starà portando like e contatti anche a Baby K. Il video vede le due in aeroporto, in partenza per le vacanze. Il testo è, al solito, ironico e ammiccante: “finestre nella chat coi sogni dei pacha, lo chiederò all’Estate non fare la stupida, se la felicità e un bicchiere a metà stasera mi ci tuffo mentre cerchi nelle app”. E ancora: “tu fra queste bambole sembri Ken ti ho in testa come Pantene, sei una ruota da lunedì fino al weekend” canta Baby K su una base lievemente reaggaeton. Mentre Chiara Ferragni… fa Chiara Ferragni. E c’è chi ironizza su “i soldi che ha guadagnato Chiara dicendo due frasi”…

Balla per me (Tiziano Ferro e Jovanotti)

Altra strana coppia che più strana non si può è Tiziano Ferro e Jovanotti. Il video è un mini film che inizia con Tiziano Ferro che ascolta in cuffia Jovanotti, a partire da La mia moto… Poi si reca davanti a un green screen e inizia il viaggio. Su una chitarra che profuma di Coldplay e una cassa in quattro quarti le voci uniche dei due cantanti si alternano fino ad arrivare a un ritornello stranissimo che sembra quello di certe canzoni di chiesa… I commenti su YouTube ci vengono in aiuto e ci fanno notare che “I più giovani non la ricordano ma il ritornello è uguale a “words don’t come easy” (cioè Words di F.R. David), ma anche Goodbye Yellow Brick Road di Elton John…

Bam Bam Twist (Achille Lauro)

Achille Lauro, con Bam Bam Twist, evoca sonorità passate, gli anni Cinquanta e Sessanta, il twist e il surf rock, i film di Tarantino (nel testo e nel twist di Pulp Fiction, che Claudio Santamaria e Francesca Barra ripropongono nel suggestivo video). Achille Lauro canta su un palco in completo glitterato d’oro che sarebbe piaciuto a certi grandi del rock, sussurrando un testo criptico pieno di riferimenti al cinema (“Malandrino, Chiodo giallo e zaffiro bluette, eh, È lo zoo di Berlino, La mia tipa è un vampiro ed è pazza di me, Sei più bella dal vivo, Lei che balla è la donna del boss, Davanti a un jukebox, Tarantino, E con quei bravi ragazzi è delirio, è De Niro”). Achille Lauro, ancora una volta, è abilissimo a prendere immaginari e frullarli per creare suggestioni. E la sua Bam Bam Twist è una sorpresa.

Ridere (Pinguini Tattici Nucleari)

La loro Ringo Starr, lanciata a Sanremo, è stato il tormentone di fine inverno, una delle ultime canzoni a farci sorridere prima del lockdown. Normale che i Pinguini Tattici Nucleari provino a farlo anche questa estate, con una canzone il cui titolo è tutto un programma: Ridere. Il video è uscito da qualche mese, in periodo di lockdown, e così è uno di quei montaggi che entra nelle case della gente, a suo modo commovente. “E un po’ mi fa ridere se penso che ora c’hai un altro che ti uccide i ragni al posto mio”, recita il testo, insieme a “Però tu fammi una promessa, che un giorno quando sarai persa, ripenserai ogni tanto a cosa siamo stati noi”, cantano i Pinguini in una di quelle canzoni d’amore finito che un tempo cantava Venditti e oggi canta Tommaso Paradiso. Ma lo fanno con un suono power pop e una melodia dal taglio internazionale che non può non conquistare. Come il video. “Com’è possibile che abbia pianto per quaranta minuti? Il video ne dura solo quattro e la canzone si chiama Ridere” scrivono nei commenti…

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Musica: chi ha paura del tormentone? Qual è la canzone dell’estate? proviene da Daily Mood.