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A WEEKEND IN IRELAND – La campagna pubblicitaria di Weekend Max Mara per l’Autunno/Inverno 2026

DailyMood.it — Wed, 26 Aug 2026 13:38:17 +0000

Conosciuta come l’“Isola di Smeraldo” per il suo paesaggio verdeggiante, l’Irlanda fa da cornice alla nuova campagna di Weekend Max Mara per la stagione AI 2026-27.

Ambientate tra i paesaggi verdi e collinari dell’isola e le sue caratteristiche cittadine in pietra, le immagini catturano il fascino poetico e senza tempo di questa meta, avvolta da una luce morbida e tonalità tenui.

Qui, la protagonista intraprende una fuga del fine settimana che incarna l’essenza del tempo libero rurale irlandese. Le immagini e i video ritraggono avventure all’aria aperta tra distese selvagge e scogliere battute dal vento, alternate da intimi momenti davanti al camino e piacevoli passeggiate tra i villaggi di pietra.

Lo spirito della collezione si riflette nei capi in maglia e nelle gonne ampie, arricchite da un’ondata di motivi a quadri – dal windowpane al pied-de-poule, dal tartan all’argyle – che sposano la texture rustica del tweed e il comfort della lana cotta. I capisaldi del guardaroba invernale, come le giacche a vento, i cappotti pesanti e i parka, danno vita a sofisticati giochi di stratificazione.

La narrazione visiva si sviluppa anche attraverso i piccoli, preziosi oggetti che la protagonista raccoglie durante il suo viaggio. Ogni elemento – un trifoglio, una sciarpa, una moneta o una pietra locale – diventa il simbolo di una scoperta e di un ricordo da custodire.

In un perfetto equilibrio tra autenticità e cura dei dettagli, la campagna pubblicitaria di Weekend Max Mara evoca un’atmosfera genuina, capace di ispirare nuove storie e di valorizzare ogni singolo istante di un fine settimana da ricordare.

Nato nel 1983 come collezione casual per il tempo libero, Weekend Max Mara è oggi un vero e proprio lifestyle brand, dal dna italiano e dalla spiccata personalità. Con le sue collezioni di abbigliamento e accessori Weekend Max Mara riesce a garantire il giusto equilibrio tra continuità e contemporaneità. Il risultato è uno stile in cui formale e informale si fondono sapientemente in un’eleganza casual, dedicata a donne dallo spirito libero, amanti della cultura, e la cui personalità trascende la moda e le stagioni. Come espressione del proprio percorso evolutivo, Weekend Max Mara ha introdotto le Signature Collection, frutto della collaborazione con rinomati creativi che interpretano di stagione in stagione i codici stilistici del brand per creare un guardaroba secondo il proprio personale punto di vista. Weekend Max Mara è presente in più di 250 punti di vendita monomarca e nei più importanti department store nel mondo.

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FALCONERI presenta A RIDE TOWARD A FINE SEASON, un viaggio verso la nuova stagione

DailyMood.it — Tue, 25 Aug 2026 09:23:49 +0000

Falconeri abbraccia l’arrivo della nuova stagione con “A ride toward a fine season”, un viaggio tra tonalità sofisticate, materiali preziosi e nuove espressioni di stile. Un percorso in cui il Cashmere Ultrafine si conferma il segno distintivo del brand, reinterpretato attraverso nuovi abbinamenti e inedite esplorazioni di styling che raccontano un’eleganza innata e senza tempo.

Completi nelle tonalità naturali del fiocco, stone, corda e grano si intrecciano con le sfumature autunnali, dal marrone wood al verde deep forest, fino ai semi di lino e al cammello, nuovi colori di stagione. Accenti cromatici attraversano la collezione, esaltandone la profondità e il carattere, dando vita a un gioco sofisticato di layering e contrasti materici.

Per la donna, la seta esprime tutta la sua luminosità e leggerezza nelle nuove gonne a portafoglio, abbinate con naturalezza alle maglie in Cashmere Ultrafine. Morbidi cappotti e camicie nelle delicate tonalità del petal rose convivono in un equilibrio armonioso tra fluidità, comfort e raffinatezza.

Per l’uomo, il blu navy valorizza i capi reversibili in cashmere con un tocco di eleganza essenziale esaltandone la versatilità e il carattere contemporaneo, che accompagna l’uomo Falconeri nella nuova stagione.

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FASHION VIBES — THE NEXT CHAPTER

DailyMood.it — Tue, 25 Aug 2026 08:00:28 +0000

Fashion Vibes Milano riunisce quattro voci internazionali per la Primavera/Estate 2027 durante la Milano Fashion Week

Il 24 settembre 2026, nel cuore di Milano, Fashion Vibes Milano presenta THE NEXT CHAPTER — SS’27, un progetto che riunisce quattro designer internazionali chiamati a interpretare, attraverso linguaggi profondamente differenti, alcuni dei temi più significativi della moda contemporanea: il futuro della forma umana, l’eredità della memoria, l’evoluzione dell’identità femminile e il dialogo tra culture.

Presentato durante la Milano Fashion Week, THE NEXT CHAPTER non nasce come una semplice successione di sfilate, ma come una narrazione curatoriale costruita attraverso quattro universi creativi.

Quattro designer. Quattro identità. Quattro prospettive unite da una stessa idea: la moda come linguaggio capace di custodire memoria e identità, interpretare il presente e immaginare il futuro.

ISFERRA — NOVA ERA

Il viaggio inizia dal futuro.

ISFERRA apre THE NEXT CHAPTER con NOVA ERA, una ricerca radicale sulla forma umana attraverso geometria anatomica, minimalismo e costruzione ingegneristica dell’abito.

Materiali compositi, polimeri, superfici innovative e tessuti tecnologici ridefiniscono il rapporto tra corpo e indumento, dando vita a volumi tridimensionali e silhouette che sembrano proporre una nuova architettura dell’essere umano.

Più che valorizzare semplicemente il corpo esistente, ISFERRA immagina ciò che potrebbe diventare.

NOVA ERA proietta la moda verso un futuro possibile in cui tecnologia, estetica e natura convivono in un nuovo equilibrio, trasformando l’abito nella rappresentazione di una forma umana evoluta.

ROVEL HAGOS — THE WOMEN BEFORE ME

Dal futuro, il racconto si sposta verso la memoria.

Con The Women Before Me, Rovel Hagos presenta una collezione profondamente personale, dedicata alla madre della designer e alla linea ininterrotta di donne che l’hanno preceduta: donne la cui forza, il cui sacrificio e il cui amore incondizionato costituiscono un’eredità spesso invisibile, ma fondamentale.

Il bianco diventa una pagina sulla quale proiettare le storie, mentre interventi grafici neri attraversano silhouette architettoniche e volumi monumentali che evocano contemporaneamente rifugio e armatura.

Riferimenti alle tradizioni tessili eritree ed etiopi entrano nel linguaggio contemporaneo della collezione attraverso tecniche specializzate e superfici artigianali, trasformando il tessuto in un veicolo di memoria familiare e culturale.

Il risultato va oltre il concetto di heritage.

È un monumento indossabile dedicato alle donne silenziose che hanno sostenuto le generazioni venute dopo di loro.

HELENA D’OR — FASES

Con il brand brasiliano indipendente HELENA D’OR, lo sguardo si sposta verso il tempo e l’identità.

FASES esplora le diverse dimensioni che una donna attraversa nel corso della propria vita, trasformando l’abito in un linguaggio attraverso il quale desiderio, forza, vulnerabilità e trasformazione possono coesistere senza che una dimensione annulli l’altra.

Sartoria architettonica e narrazione concettuale definiscono una collezione in cui il corpo non viene semplicemente vestito: viene scritto, attraversato e trasformato.

Nero, bordeaux e bianco avorio incontrano pelle, lana fredda e seta, costruendo una tensione continua tra struttura e leggerezza, protezione e fragilità.

In FASES, il corpo diventa memoria, linguaggio e architettura.

La vulnerabilità diventa costruzione. La forza diventa silenzio.

MILAGROS ANCHEITA — BAROC-CORAZÓN

L’ultimo capitolo diventa un incontro tra mondi.

Con BAROC-CORAZÓN, Milagros Ancheita, insieme a Giovanni Petrillo, porta la ricchezza teatrale del Barocco italiano in dialogo con l’anima culturale del Messico.

La precisione della sartoria italiana incontra ricami realizzati a mano, tecniche tessili ancestrali e lavorazioni artigianali legate alle comunità indigene Huichol e Chamula e alle artigiane Tehuana dell’Istmo di Tehuantepec.

Colori vibranti, cristalli, tessuti dipinti a mano, pizzi ricamati, pietre preziose, volumi scultorei e copricapi teatrali costruiscono un universo couture in cui la ricchezza estetica diventa anche un gesto di preservazione culturale.

Realizzata in Italia da sarte italiane e maestri artigiani messicani, BAROC-CORAZÓN celebra la memoria custodita dalle mani che realizzano ogni capo e la capacità della moda di mettere in relazione culture, storie e generazioni.

La moda diventa così non soltanto espressione di bellezza, ma preservazione, dialogo e connessione umana.

UNA PASSERELLA. QUATTRO CAPITOLI

Le quattro collezioni costruiscono insieme l’architettura narrativa di THE NEXT CHAPTER.

ISFERRA immagina ciò che potremmo diventare.

ROVEL HAGOS ricorda coloro che hanno contribuito a renderci ciò che siamo.

HELENA D’OR esplora il modo in cui l’identità si trasforma attraverso il tempo.

MILAGROS ANCHEITA racconta ciò che può nascere dall’incontro tra culture, memorie e savoir-faire.

Futuro. Memoria. Identità. Cultura.

Geografie e linguaggi creativi differenti convergono a Milano intorno a una convinzione comune: la moda esprime la propria forza più autentica quando supera il confine dell’abito e diventa veicolo di idee.

Il prossimo capitolo della moda non appartiene a un solo Paese, a una sola estetica o a una sola generazione.

Nasce dall’incontro.

EVENT INFORMATION
FASHION VIBES MILANO — THE NEXT CHAPTER SS’27

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano
Art Gallery & Exhibition Showroom: 11:00–21:00
Apertura porte e accredito: 17:30
Inizio sfilate: 18:00
Cocktail & Networking: a seguire
Dress Code: CONTEMPORARY ELEGANCE

RUNWAY PROGRAMME

18:00 — ISFERRA: NOVA ERA
18:15 — ROVEL HAGOS: THE WOMEN BEFORE ME
18:30 — HELENA D’OR: FASES
18:45 — MILAGROS ANCHEITA: BAROC-CORAZÓN

PRESS CONTACT

Fashion Vibes Milano Creative Agency
www.fashion-Vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

Termine accrediti stampa: 11 settembre 2026

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Back to school: la scuola ricomincia, ma nessuno torna davvero uguale

DailyMood.it — Mon, 24 Aug 2026 08:55:14 +0000

C’è un momento preciso, alla fine di agosto, in cui l’estate smette di sembrare infinita.

Non succede quando si guarda il calendario. Succede quando, improvvisamente, su TikTok iniziano a comparire video di zaini nuovi, «first day outfit», agende colorate, scrivanie da sistemare, capelli da cambiare e interminabili wishlist di cose che, fino a una settimana prima, sembravano assolutamente inutili.

La scuola non è ancora iniziata, ma nella testa è già cominciata.

E forse è proprio questo il bello del back to school: non è soltanto il ritorno tra i banchi. È una piccola ripartenza. Un momento sospeso in cui tutto sembra ancora possibile e, soprattutto, in cui ci si può concedere il lusso di immaginare una versione nuova di sé.
Nuovo anno, nuovo zaino. Nuovi jeans. Nuova playlist. Nuovi capelli, magari. Nuove amicizie, nuove crush, nuove storie da raccontare.
E, naturalmente, un nuovo modo di presentarsi al mondo.

Il primo giorno comincia molto prima del primo giorno
Per i ragazzi di oggi il back to school non comincia davanti al cancello della scuola.
Comincia sullo schermo.
TikTok è diventato una specie di termometro collettivo delle tendenze: basta scorrere qualche video per capire cosa sta arrivando, cosa è tornato e cosa, invece, è definitivamente finito nel dimenticatoio.
Ci sono i video di shopping, quelli in cui si mostra tutto quello che è finito nel carrello per settembre. Ci sono gli outfit preparati con una precisione quasi cinematografica. Ci sono i «get ready with me», le trasformazioni dei capelli, i consigli beauty, le idee per personalizzare lo zaino e persino le strategie per sopravvivere al primo giorno senza sembrare troppo emozionati.
Perché sì, il primo giorno conta.
Non necessariamente perché qualcuno debba essere perfetto. Anzi.
Conta perché rappresenta una possibilità.
Quella di entrare in classe e sentirsi, almeno per un giorno, esattamente come ci si era immaginati durante l’estate.

La moda? Sempre più personale
La cosa interessante è che le tendenze tra i più giovani non sembrano più seguire una sola direzione.
Non esiste un unico «look da scuola».
C’è chi sceglie il preppy, con gonne, polo, cardigan e dettagli college. Chi continua ad amare il mondo sporty, fatto di felpe oversize, sneakers e pantaloni comodi. Chi pesca direttamente dagli anni Novanta e Duemila, tra denim, t-shirt vintage e accessori che sembrano usciti da un vecchio album fotografico.
E poi ci sono i baggy jeans, le silhouette rilassate, le sneakers protagoniste, le borse portate in modo apparentemente casuale e quell’arte molto contemporanea di mescolare capi costosi e pezzi trovati chissà dove.
Perché la vera tendenza, forse, è proprio questa: non sembrare troppo costruiti.
Anche quando dietro a quell’«effortless» ci sono quaranta minuti davanti all’armadio.
La moda dei ragazzi è diventata un grande collage. Prende un po’ dal vintage, un po’ dallo streetwear, un po’ dalla cultura pop e moltissimo dai social. Ma soprattutto prende qualcosa dall’identità di chi la indossa.
Lo stesso paio di sneakers può raccontare storie completamente diverse.
Ed è questo che rende il back to school così interessante: ogni corridoio diventa una piccola passerella, ma nessuno sembra volerlo ammettere.

Il beauty come dichiarazione d’identità
Anche beauty e capelli seguono la stessa regola.
Il trucco non è necessariamente lì per «farsi belle». Può essere un modo per giocare, sperimentare, cambiare.
Un eyeliner diverso. Un gloss. Un dettaglio luminoso. Un’acconciatura nuova. Una frangia pensata per settimane e poi tagliata in un pomeriggio.
E soprattutto i capelli.
Cambiarli prima di settembre è quasi un rito di passaggio.
Perché c’è qualcosa di profondamente simbolico nel presentarsi a scuola con un dettaglio che prima dell’estate non esisteva.
Come dire: «Sì, sono sempre io. Però vediamo cosa succede quest’anno».

Il ritorno porta con sé anche un po’ di ansia

Naturalmente il back to school non è tutto entusiasmo.
C’è anche quella piccola inquietudine che arriva quando le vacanze stanno finendo.
La paura di non essere abbastanza. Di non sapere con chi sedersi. Di ritrovare persone con cui qualcosa è cambiato. Di arrivare in una classe nuova. Di sentirsi fuori posto.
E qui i social possono essere contemporaneamente una compagnia e una trappola.
Da una parte raccontano che tutti stanno vivendo la stessa cosa. Dall’altra mostrano continuamente persone apparentemente perfette, organizzate, bellissime, circondate da amici e già pronte per il loro «new era».
Ma la verità è molto meno patinata.
Il primo giorno può andare male.
L’outfit può non convincere più appena si esce di casa. I capelli possono decidere autonomamente di avere una pessima giornata. Si può sbagliare aula. Si può mangiare da soli. Si può ridere nel momento sbagliato.
E va bene così.
Perché nessuno ricomincia davvero da zero.

La cosa più bella? Sentirsi diversi senza doverlo dimostrare
Forse è proprio questa la parte più interessante del nuovo back to school.
I ragazzi non cercano soltanto cose nuove.
Cercano sensazioni nuove.
Vogliono sentirsi più indipendenti, più sicuri, più liberi di scegliere chi essere.
E allora lo zaino nuovo diventa quasi secondario. Lo stesso vale per il paio di sneakers desiderato per tutta l’estate.
Quello che conta davvero è la sensazione di entrare in classe e pensare: «Quest’anno sarà diverso».
Anche se non sappiamo ancora perché.
Anche se magari non lo sarà affatto.
Ma settembre ha questa magia: permette di crederci.

E allora, che cosa vedremo nei corridoi?
Probabilmente un po’ di tutto.
Outfit sporty e look preppy. Jeans larghi e silhouette più ordinate. Sneakers protagoniste, accessori vintage, borse oversize e dettagli personalizzati. Beauty sempre più naturale alternato a momenti di sperimentazione. Capelli nuovi, soprattutto.
Ma soprattutto vedremo ragazzi che provano a raccontare qualcosa di sé.
Con un paio di scarpe.
Con una felpa.
Con un colore.
Con una playlist.
Con il modo in cui entrano in classe.
Perché il back to school non è mai soltanto «si torna a scuola».
È quel piccolo momento dell’anno in cui ci guardiamo allo specchio e decidiamo, anche solo per gioco, chi vogliamo essere nei prossimi mesi.
E forse è proprio per questo che, ogni settembre, ricominciamo tutti un po’ da capo.
Con lo zaino sulle spalle, il telefono in mano e quella strana, bellissima sensazione che qualcosa stia per succedere.
Anche se non sappiamo ancora cosa.

di Redazione

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After –Un percorso di lavoro. Fendi Karl Lagerfeld, la mostra alla Galleria d’Arte moderna

Elena Parmegiani — Wed, 22 Jul 2026 09:53:41 +0000

Nel 1985 la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea a Roma ospitò la mostra che celebrava i vent’anni di lavoro di Karl Lagerfeld per Fendi. Oggi, dopo più di trent’anni, Maria Grazia Chiuri, attuale direttrice creativa di Fendi, rievoca questa esposizione, ma soprattutto la figura di Lagerfeld, guida della Maison romana. In esposizione ci sono schizzi, tele, carte, tavolette che riproducono prove di lavorazione ideate da Fendi nell’arco di venti anni di attività. Fino al 25 ottobre 2026, infatti, alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea sarà possibile ammirare After Un percorso di lavoro. Fendi / Karl Lagerfeld 1985, che ripropone la mostra inaugurata nel 1985. La rassegna, curata da Maria Luisa Frisa, è stata inaugurata in occasione della sfilata di Fendi Couture, che è stata ospitata nelle sale dedicate alle opere del Novecento della GNAMC. L’esposizione odierna segue il più fedelmente possibile le orme dell’esposizione del 1985, nello stesso museo, ma in spazi diversi. Concepita per illustrare i diversi passaggi che conducono dall’ideazione alla progettazione e alla produzione del capo, si articola nelle sezioni: Tavolette, Caleidoscopio, Matrici Progettuali, Teatro, Pettine, Video, Schizzi e Computer, attraverso una sequenza narrativa basata su quella studiata dallo stesso Lagerfeld quarant’anni fa. La retrospettiva si configura come un percorso illustrato delle tappe di lavoro che si affrontano dall’idea iniziale prima di una collezione alla realizzazione finale dei capi che la costituiscono. Nel percorso c’è la rappresentazione della creatività di Lagerfeld , ma anche quella di chi inventa nuovi modelli e differenti tecniche di lavorazione, di un’equipe che realizza i capi secondo criteri antichi, ma anche sperimentali. “Ieri è trascorso-Oggi va passando- Non resta che domani- Solo l’avvenire mi interessa e mi intriga-La curiosità dell’ignoto è la più stimolante tra quelle della mia vita professionale che è la mia vita tout court”, dichiara Lagerfeld a proposito della sua mostra nel 1985 all’epoca una delle prime dedicate a un brand di moda ospitate in un museo. L’idea di Maria Grazia Chiuri di replicarla permette di andare oltre il racconto della sua concezione. Renderla fruibile oggi significa ricreare la presenza fisica dell’esposizione e generare una nuova iterazione con il pubblico. Al titolo originale della retrospettiva è stata anteposta la parola After, che comunica la ricontestualizzazione di oggetti e immagini finalizzata ad ottenere qualcosa di nuovo dopo la mostra originaria. Ricreare un’esposizione del passato è sempre un’operazione critica. Il tentativo di riproporre le sezioni, l’impianto allestivo e gli oggetti originari, nello stesso museo, ma in spazi diversi, ha posto diverse questioni, sia per quanto riguarda l’allestimento sia per i pezzi esposti, essendo recuperabili solo una parte di quelli del 1985. Tele e pellicce sono state sostituite da heritage reproductions. Tra le novità l’allestimento di una vastissima rassegna stampa che, attraverso illustri critici, documenta la discussione, allora generata dalla retrospettiva, sull’opportunità di portare la moda dentro un museo d’arte. Un gesto che ancora oggi fa riflettere sui problemi irrisolti della museologia della moda in Italia.

“Fendi / Karl Lagerfeld 1985. After Steps Through Work”, courtesy photo of Fendi Giorgio Benni

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Il 19 agosto 1883 nasceva Coco Chanel: White Star le dedica un nuovo volume

DailyMood.it — Wed, 22 Jul 2026 08:13:19 +0000

Questo volume non racchiude solo la storia di una maison leggendaria. È il racconto di una donna che ha riscritto le regole della moda con la sua filosofia. Gabrielle “Coco” Chanel ha cambiato per sempre il modo in cui le donne si vestono, si muovono e percepiscono sé stesse. Indipendente, rivoluzionaria e audace, ha creato uno stile senza tempo, dando vita a capi e accessori diventati vere e proprie icone. Chanel Philosophy va oltre la moda: esplora la visione innovativa della stilista nel campo degli accessori, dei bijoux e della gioielleria, ambiti in cui ha osato più dei gioiellieri tradizionali. Attraverso materiali d’archivio, modelli storici e interviste esclusive, il libro svela il segreto di un lusso che non è solo esclusività, ma anche eleganza pratica e senza tempo.

Chanel Philosophy di Mara Cappelletti

White Star
240 pagine
27 x 31 cm
ISBN 9788854064225
€ 50,00

www.whitestar.it

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Il mood della passerella per Shenzhen Milan Lifestyle Week 2026

T. Chiochia Cristina — Tue, 21 Jul 2026 08:23:34 +0000

Il mood della passerella contagia la piattaforma internazionale che “promuove il dialogo tra Italia e Cina attraverso moda, innovazione, cultura e lifestyle arrivata quest’anno alla sua terza edizione” e che porta a sfilare capi inediti in prevalenza tra le tinte iconiche del rosso ,il bianco ed il nero (anche a scacchiera). Un mondo di tinte unite e festose, capi morbidi che scendono in modo semplice e naturale, ma presentati non in una semplice manifestazione accompagnata da eventi istituzionali e inaugurazioni (come la bellissima cerimonia il 17 Luglio 2026 a Shenzhen appunto) ,ma nel mood della passerella che può raggiungere tutti. Se la moda infatti è cultura e non solo stile, sono manifestazioni come questa che diventando sempre più seguite ed importanti proprio perchè in modalità online, creano identità tra arte, tecnologia e stile in modo semplice e naturale, avvicinando i compratori e gli investitori con la gente comunemente appassionata alla moda in modo inedito. Una bussola nel mondo della moda? Insomma, sicuramente sempre più seguita dove le città, in questo caso Milano e Shenzhen, diventano relazione di creatività e stile che incuriosiscono, rendono attraente l’abito ed il “prodotto moda” anche per ciò che vi sta attorno. Moda, cultura, stile e relazioni offrono terreno fertile per un vero e proprio “”mood della passerella” quindi, dove la creatività di un evento trasforma la passerella della collezione di uno stilista , quasi una sorta di “tramplino di lancio” per uno stile in cui ancora non ci si riconosce ma è via via sempre più apprezzato, in un luogo di dialogo internazionale fatto di mercati è vero, ma anche di idee e persone non solo di clienti e modelli.

Tra gli ospiti da segnalare alla inaugurazione lo stesso Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura del Comune di Milano ed il console Cataldo Cianciaruso, Console Generale d’Italia a Canton con Maria Rosa Azzolina, Presidente dell’Istituto Italo Cinese e Francesco Morra, Presidente di ANCI Campania. Tra le istituzioni cinesi Lin Jie, Presidente della “Shenzhen Municipal Committee of the CPPCC”, e il viceSindaco Wang Wei (Governo Municipale di Shenzhen), Lei Weihua, Sindaco del Distretto di Longhua e la fondatrice di HUI Milano Zhao Huizhou, oltre che d Eachway Fashion Group.

E cosi, in una grande festa nel mood della passerella, ecco che il vero lusso diventa lo scambio. Il vero “mood globale”, che non vuole imporre stili ma promuovere nuove visioni e condividerle anche se cosi differenti. Diviso in diverse serate hanno visto sfilare appunto Hui Milano, Casapreti, Momonì, Domenico Orefice e Raxxy . Mentre per la seconda serata ecco messo al centro il rapporto con il territorio con l’inaugurazione anche di una mostra “Digital Fashion: An Oriental Expression of Gravity”, curata dall’artista italiana Maria Jole Serreli. Ma anche in questo caso, nuovamente in primo piano le sfilate con quelle di Alberto Zambelli, Eachway e Wu Tang.

Un incontro nel mood della passerella che segna la creatività italiana e cinese a servizio di una moda che unisce, non divide, ispira ma soprattutto “rigenera” in nuove ed interessanti opportunità per l’intero circuito della moda ma anche come incontro tra brands e operatori del settore.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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2° Edizione Iconic Fashion Flow 2026 a Lecce la moda diventa spettacolo.

DailyMood.it — Mon, 20 Jul 2026 07:50:22 +0000

Il 25 luglio l’Ex Convento dei Teatini ospita uno degli eventi più prestigiosi dell’estate pugliese

Lecce si prepara ad accendere i riflettori su una serata destinata a lasciare il segno, un appuntamento che celebra il talento, promuove il territorio e dimostra come la moda possa diventare un efficace strumento di valorizzazione culturale e turistica.

La moda incontra l’arte, la musica dialoga con la storia e il talento diventa protagonista in una delle location più affascinanti del patrimonio barocco italiano.

Sabato 25 luglio 2026, alle ore 20:00, l’Ex Convento dei Teatini farà da cornice alla seconda edizione di Iconic Fashion Flow, manifestazione che, dopo il successo della prima edizione, si conferma tra gli appuntamenti più prestigiosi e attesi dell’estate pugliese.

Realizzato con il patrocinio del Comune di Lecce, l’evento supera il concetto tradizionale di sfilata, trasformandosi in un’esperienza immersiva in cui moda, arte, musica e spettacolo si fondono in un racconto capace di emozionare il pubblico.

Ideato e organizzato da Christian Schirone e Giuseppe Schirone, Iconic Fashion Flow nasce con l’obiettivo di valorizzare stilisti affermati, professionisti del settore e nuovi talenti, offrendo loro una passerella esclusiva all’interno di uno dei luoghi simbolo della città.

Sfileranno le collezioni di designer provenienti da diverse realtà del panorama nazionale e internazionale: Maria Carone, Marisol Mentor, Esperança Conceição Mateus, Carmela Luciani, Kathy Connolly, Pina Grasso, Sandra Luffarelli, Galleria Graffiti, Ismaila Jallow, Bérés Géza & Mattiassich Zsuzsanna, Antonia Appice, Giovanni Maffei, Gruppo Dandy Junior & Senior e Ioana Bogdan. Collezioni differenti per stile, ricerca e identità che offriranno al pubblico uno spettacolo ricco di creatività, eleganza e contaminazioni artistiche.

L’edizione 2026 si arricchisce inoltre della collaborazione ufficiale con Peacock Models Management, che porterà in passerella i propri modelli contribuendo, con professionalità ed esperienza, all’elevato livello qualitativo della manifestazione. Ad arricchire la serata saranno performance artistiche, musica dal vivo e momenti di spettacolo che accompagneranno le sfilate. Le suggestive note di sax e violini dialogheranno con l’architettura dell’Ex Convento dei Teatini, creando un’atmosfera raffinata e coinvolgente.

Il comparto artistico sarà coordinato da un team di professionisti di consolidata esperienza: Malou Pouralan, coordinatrice delle Baby Models; Sarajo Mariotti, coreografa dell’evento; Selenia Erye, giornalista e responsabile della comunicazione e dell’ufficio stampa; Fabrizio Ferrante, videomaker ufficiale; Alessio Di Pinto, fotografo ufficiale della manifestazione.

Partner dell’evento saranno Yves Segal Bari, che curerà il make-up delle modelle, e Charm Hair School Corato, responsabile degli hairstyle che accompagneranno le collezioni in passerella.

A condurre la serata saranno Betta De Venere e Rebecca Lynn, che accompagneranno il pubblico attraverso i diversi momenti dello spettacolo. Ospiti speciali saranno Aldo Farinola e Luca Fiocca, protagonisti di una serata che unirà moda, cultura e intrattenimento. L’evento sarà inoltre raccontato dalle telecamere di Political TV, media partner della manifestazione.

La presenza delle istituzioni, a partire dal patrocinio del Comune di Lecce, conferma il valore culturale dell’iniziativa, che punta a promuovere il territorio attraverso la moda, valorizzando il patrimonio storico e artistico della città e proiettandolo in una dimensione internazionale.

Anche quest’anno grande spazio sarà dedicato alla solidarietà. Iconic Fashion Flow rinnova infatti il proprio impegno sociale sostenendo associazioni attive sul territorio: una parte del ricavato della manifestazione sarà devoluta in beneficenza, affinché la bellezza della moda possa tradursi in un concreto gesto di aiuto verso chi vive situazioni di difficoltà.

Iconic Fashion Flow si conferma così molto più di un evento fashion: è un luogo d’incontro tra culture, linguaggi artistici e professionalità diverse, capace di raccontare l’evoluzione della moda contemporanea guardando al futuro.

Come afferma il giovane organizzatore Christian Schirone.

«Iconic Fashion Flow nasce dal desiderio di creare un evento che non sia soltanto una sfilata, ma un’esperienza capace di mettere in dialogo moda, arte e territorio. Ricevere il patrocinio del Comune di Lecce rappresenta un riconoscimento importante e uno stimolo a continuare a investire nella valorizzazione dei talenti e della nostra città.»

A lui si uniscono le parole dell’organizzatore Giuseppe Schirone:

«Desideriamo esprimere la nostra più sincera gratitudine al Sindaco Adriana Poli Bortone e a tutta la Giunta Comunale di Lecce per la disponibilità dimostrata e per aver creduto fin da subito nel nostro progetto. Il patrocinio rappresenta un importante attestato di fiducia e conferma l’attenzione dell’Amministrazione verso iniziative che valorizzano il territorio, promuovono il talento e contribuiscono a rafforzare il ruolo di Lecce nel panorama della moda, della cultura e dei grandi eventi.»

Dove la storia incontra l’eleganza, nasce il futuro della moda.

Appuntamento sabato 25 luglio 2026, ore 20:00,
Ex Convento dei Teatini – Lecce.

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Il ritorno della grande couture: Fendi riscrive il dialogo tra moda e cultura

Elena Parmegiani — Mon, 13 Jul 2026 08:46:44 +0000

Roma non è soltanto la scenografia della nuova Haute Couture di Fendi, ma ne è la protagonista assoluta. Nello scenario monumentale della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, la Maison romana ha trasformato uno dei luoghi simbolo della cultura italiana in un teatro dove moda e arte hanno parlato la stessa lingua. Una dichiarazione d’identità, prima ancora che di stile. Quella andata in scena il 9 luglio rappresenta molto più del debutto couture di Maria Grazia Chiuri alla guida creativa della Maison. È un ritorno alle origini, una riflessione sul patrimonio di Fendi e sulla capacità della moda italiana di raccontare sé stessa senza rincorrere tendenze effimere. Dopo gli anni trascorsi alla direzione creativa di Dior, Chiuri torna nella sua Roma e sceglie di farlo proprio là dove il dialogo tra creatività contemporanea e storia dell’arte diventa naturale. L’ingresso in passerella è preceduto da un cortometraggio ispirato a Histoire d’Eau, il film commissionato da Karl Lagerfeld nel 1977, reinterpretato per l’occasione dalla regista Valeria Golino. Un omaggio raffinato che prepara lo spettatore a una collezione costruita sulla memoria più che sulla nostalgia. La memoria, infatti, non guarda indietro: diventa materia viva, capace di generare nuove forme. La collezione si sviluppa attraverso una palette essenziale, dominata da bianco, nero, avorio e sfumature cipria. La silhouette è fluida, quasi liquida. Gli abiti sembrano sospesi nello spazio, mentre i cappotti couture rivelano un lavoro sartoriale minuzioso. La costruzione è rigorosa ma mai rigida; la femminilità emerge attraverso la leggerezza e non attraverso l’ostentazione. Si percepisce immediatamente il dialogo con Karl Lagerfeld, figura imprescindibile nella storia di Fendi. Chiuri non tenta di replicarne il linguaggio, ma ne recupera alcuni codici visivi, reinterpretandoli con sensibilità contemporanea. Le geometrie ispirate alla Secessione Viennese, i riferimenti all’universo artistico di Gustav Klimt e l’attenzione quasi architettonica alle proporzioni restituiscono una couture colta, costruita su riferimenti culturali profondi anziché su effetti spettacolari. Anche il luogo scelto amplifica il messaggio. La Galleria Nazionale d’Arte Moderna non è soltanto una location prestigiosa: diventa parte integrante del racconto. Le opere custodite nelle sale dialogano con gli abiti come fossero installazioni contemporanee, confermando quanto il confine tra arte e moda sia ormai sempre più sottile. Non è un caso che proprio negli spazi della GNAM venga inaugurata anche la mostra ”After-Un percorso di lavoro. Fendi/Karl Lagerfeld 1985” dedicata al lavoro di Lagerfeld per Fendi, un progetto fortemente voluto da Maria Grazia Chiuri, visitabile fino al 25 ottobre 2026, proprio la stessa mostra che la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea ospitò nel 1985. La scelta evidenzia una precisa volontà culturale: restituire alla moda il riconoscimento di disciplina artistica, tema sul quale la stilista si è espressa apertamente sottolineando come l’Italia, a differenza di altri Paesi, abbia ancora margini di crescita nel valorizzare il patrimonio creativo della moda all’interno delle istituzioni culturali. Sul front row il parterre è quello delle grandi occasioni: Sarah Jessica Parker, Monica Bellucci, Valeria Bruni Tedeschi, Eleonora Abbagnato, la famiglia Fendi e numerosi protagonisti del cinema e della cultura internazionale confermano il peso simbolico dell’evento. Ma, diversamente da molte sfilate contemporanee, le celebrities non oscurano la collezione: restano spettatrici di un racconto che appartiene innanzitutto agli abiti. Tra i dettagli più interessanti emerge la straordinaria qualità dell’artigianato italiano. Ricami quasi invisibili, lavorazioni tridimensionali, piume trattate come pennellate, pellicce reinterpretate con un approccio contemporaneo e sostenibile dimostrano come la couture di Fendi continui a fondarsi sulla maestria degli atelier romani. Questa sfilata assume inoltre un valore strategico per la Maison. Fendi sceglie infatti di riportare la couture nella propria città d’origine, riaffermando un’identità profondamente romana in un momento in cui il lusso globale tende spesso ad uniformare linguaggi e immaginari. Roma non viene rappresentata attraverso i suoi cliché monumentali, ma come laboratorio creativo, città dell’arte e della manifattura. Il risultato è una collezione che evita ogni eccesso. Non cerca il colpo di scena virale né l’immagine destinata esclusivamente ai social network. Punta invece sulla costruzione di un immaginario destinato a durare, nel quale ogni abito racconta una storia fatta di cultura, memoria e ricerca estetica. Più che una sfilata, Fendi ha costruito un manifesto. Un invito a rallentare lo sguardo, ad osservare il lavoro delle mani, a riconoscere nella couture un patrimonio culturale prima ancora che commerciale. In un’epoca dominata dalla velocità delle immagini, Maria Grazia Chiuri sceglie il tempo lungo dell’eleganza. E forse è proprio questa la lezione più preziosa lasciata dalla serata romana: il vero lusso oggi non consiste nell’eccesso, ma nella capacità di creare bellezza destinata a rimanere.

Courtesy photo of Fendi

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Armani Privé, il nuovo capitolo della leggenda

Elena Parmegiani — Thu, 09 Jul 2026 13:52:23 +0000

La passerella di Armani Privé non è mai stata soltanto una sfilata: è un manifesto di eleganza, misura e perfezione sartoriale. L’edizione Haute Couture Autunno/Inverno 2026-2027, presentata a Parigi, assume però un valore ancora più profondo: è la prima stagione in cui la maison conferma la propria continuità creativa sotto la guida di Silvana Armani, nipote dello stilista e da anni figura chiave all’interno dell’atelier. Il debutto della nuova collezione non rappresenta una rivoluzione, bensì una raffinata evoluzione. La scelta è chiara fin dai primi look: preservare il linguaggio estetico costruito in oltre quarant’anni da Giorgio Armani, introducendo con discrezione una sensibilità più contemporanea e femminile. La sfilata, ospitata nel Palazzo Armani di Parigi, si apre con completi sartoriali impeccabili. Le giacche destrutturate, firma storica della maison, vengono reinterpretate con tagli leggermente più morbidi e proporzioni allungate. I pantaloni fluidi accompagnano il movimento del corpo senza costringerlo, mentre il velluto, il satin e la seta dialogano con ricami di microcristalli e perline applicati interamente a mano. La palette cromatica evita volutamente gli eccessi. Blu notte, bordeaux, verde bosco, nero profondo e sfumature fumé costruiscono un guardaroba sofisticato che riflette una femminilità adulta, sicura di sé e lontana da qualsiasi ricerca di spettacolarizzazione. Anche le stampe animalier, presenti in alcune uscite, vengono reinterpretate in tonalità smorzate, quasi polverose, mantenendo quell’equilibrio estetico che da sempre distingue Armani Privé. Il filo conduttore della collezione è il boudoir, inteso non come luogo di ostentazione della sensualità, ma come spazio privato dell’intimità femminile.

L’idea viene tradotta attraverso vestaglie couture, cappotti morbidi, blazer ricamati, pantaloni in seta e lunghi abiti impreziositi da lavorazioni luminose che ricordano la luce soffusa di una stanza privata. Le silhouette rimangono pulite, prive di costruzioni eccessive, mentre il lusso emerge esclusivamente attraverso la qualità dei materiali e l’altissima manifattura. La couture Armani continua così a parlare sottovoce, in netto contrasto con una parte della moda contemporanea che privilegia l’effetto scenografico. È una scelta stilistica che riafferma il valore della sobrietà come forma di lusso assoluto. La responsabilità di raccogliere l’eredità di uno dei più importanti designer del Novecento avrebbe potuto spingere verso cambiamenti radicali. Silvana Armani ha invece scelto la strada della continuità. Per oltre quarant’anni ha lavorato accanto allo zio seguendo da vicino lo sviluppo delle collezioni Privé. In una delle rare interviste ha ricordato di aver iniziato la propria carriera nell’azienda di famiglia come modella e successivamente in Emporio Armani, diventando progressivamente il braccio destro di Giorgio Armani nella couture. Questo lungo percorso le ha consentito di assorbire completamente il metodo creativo della maison, fatto di disciplina, ricerca dei tessuti e attenzione quasi maniacale alla costruzione del capo. Durante la presentazione della collezione, la stilista ha ribadito che il suo obiettivo non è reinterpretare Armani in chiave nostalgica, bensì preservarne i valori fondamentali adattandoli alle esigenze della donna contemporanea. Tra gli elementi più riusciti della collezione figurano i blazer ricamati con cristalli tono su tono, le giacche bomber in satin, gli smoking femminili in velluto e gli abiti da sera impreziositi da lunghissimi ricami realizzati a mano. Le trasparenze vengono utilizzate con estrema moderazione, mentre la costruzione sartoriale rimane il vero fulcro creativo. Ogni capo appare pensato per accompagnare il movimento naturale del corpo, evitando qualsiasi rigidità. L’impressione generale è quella di una couture destinata a durare nel tempo piuttosto che a inseguire le tendenze della stagione. Una filosofia che Giorgio Armani ha sempre difeso e che oggi continua a caratterizzare la maison. In un panorama della moda spesso dominato dalla ricerca dell’effetto immediato, Armani Privé continua a distinguersi per una scelta opposta: parlare attraverso la qualità, la misura e la perfezione del dettaglio. Silvana Armani dimostra che raccogliere l’eredità di uno dei più grandi couturier della storia non significa copiarne il linguaggio, ma comprenderne profondamente i principi. La sua prima fase creativa racconta una maison che continua a evolversi senza rinunciare alla propria identità. La collezione Autunno/Inverno 2026-2027 conferma così che il vero lusso non risiede nell’eccesso, ma nella capacità di trasformare la semplicità in eccellenza, una lezione che Giorgio Armani ha insegnato per oltre mezzo secolo e che oggi continua a vivere attraverso una nuova generazione della famiglia, pronta a guidare Armani Privé nel futuro senza dimenticare le proprie radici.

Courtesy photo of Armani Privè

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Genny rilegge lo spirito degli anni novanta attraverso una prospettiva attuale per la nuova Collezione Resort 2027

DailyMood.it — Mon, 06 Jul 2026 12:26:39 +0000

La collezione Resort 2027 si ispira all’immaginario iconico di Steven Meisel, reinterpretando il linguaggio visivo di quell’epoca con uno sguardo rivolto alla donna di oggi. Non è nostalgia, ma una traslazione temporale: immaginare un’icona contemporanea come Hailey Bieber ritratta da Meisel nel momento di massima influenza culturale del decennio.
Ne nasce un guardaroba che unisce sofisticazione spontanea e sensualità moderna. Toni pastello: rosa cipria, azzurro ghiaccio, verde pallido ed écru luminoso creano un’eleganza discreta, mentre i contrasti bianco e nero introducono precisione grafica.
La sartorialità è centrale: blazer rilassati, blouson e giacche morbide si combinano con pantaloni ad anfora, mini e shorts, definendo silhouette sicure e naturali. Per la sera, le linee si fanno più nette e sensuali, rivelando una femminilità raffinata.
Materiali e lavorazioni sono oggetto di ricerca. Il denim si eleva con effetti nuvolati e ricami; i gessati écru con righe dorate suggeriscono un lusso discreto; tweed sfrangiati in blu e bianco aggiornano codici classici con leggerezza.
La maglieria, elemento identitario di GENNY, assume un ruolo chiave: maglie leggere, top e completi coordinati uniscono comfort e raffinatezza, arricchiti da lavorazioni ricercate e dettagli preziosi.
Una nuova stampa a corda con logo GENNY attraversa la collezione, aggiungendo un segno grafico che richiama tradizioni nautiche in chiave moderna.
Tessuti fluidi modellano camicie, abiti e completi rilassati, creando movimento. La trasparenza diventa linguaggio espressivo attraverso ricami su tulle ispirati a motivi botanici.
Il guardaroba da sera esplora il dialogo tra struttura e delicatezza: bustier ricamati, top preziosi e silhouette fluide convivono con elementi lingerie, pizzi Chantilly e abiti dalla sensualità sofisticata.
Gli accessori completano il racconto con equilibrio tra raffinatezza e modernità. Bijoux di perle reinterpretati accompagnano le silhouette, mentre borse in cuoio, nero intenso e verde brillante aggiungono accenti decisi.
Le calzature diventano protagoniste: scarpe ricamate e décolleté fucsia introducono lampi di colore che creano una tensione giocosa tra dolcezza e carattere.
In tutta la collezione, la femminilità emerge attraverso il contrasto: morbidezza e precisione, romanticismo e sicurezza, leggerezza e struttura.
La Resort 2027 cattura il fascino di un’epoca che ha trasformato la moda, traducendone lo spirito in una visione attuale fatta di eleganza, artigianalità e sofisticazione naturale.

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Successo per la quarta edizione di “Treviglio in moda”

DailyMood.it — Mon, 06 Jul 2026 07:30:21 +0000

Talento, inclusione e imprenditoria giovanile al centro dell’evento ideato da Valentina Poltronieri

Grande partecipazione per la quarta edizione di Treviglio in Moda, il progetto ideato dalla fashion designer Valentina Poltronieri, che ancora una volta ha trasformato Treviglio in un palcoscenico dedicato alla creatività emergente, confermandosi un appuntamento di riferimento per giovani designer, scuole di moda, startup creative e professionisti del settore.

La serata del 24 giugno, ospitata in Piazza Setti, ha visto alternarsi in passerella collezioni di abbigliamento e accessori, performance artistiche e momenti di spettacolo, davanti a un pubblico numeroso che ha seguito con entusiasmo l’intero evento. Circa 600 persone hanno preso parte alla serata, confermando il crescente interesse del pubblico nei confronti della manifestazione.

Tra le autorità presenti è intervenuto il Sindaco di Treviglio, Juri Imeri, a testimonianza della vicinanza delle istituzioni a un progetto che valorizza il territorio attraverso creatività, formazione e nuove opportunità per i giovani.

A condurre la serata è stata Francesca Leto, volto della radio e della televisione italiana, affiancata dalla partecipazione speciale di Awa Fall, artista da sempre impegnata nella promozione di progetti culturali e inclusivi.

I protagonisti della passerella

L’edizione 2026 ha riunito sei designer di abbigliamento, una scuola di moda e cinque designer di accessori, offrendo un racconto autentico della nuova creatività contemporanea.

Tra le collezioni presentate, Olivia ha interpretato l’abito come moderna armatura, simbolo di forza e protezione; Giuglia ha raccontato il proprio universo artigianale dal gusto new vintage; Aelora ha conquistato il pubblico con una proposta sartoriale raffinata ed essenziale; Noella Nakucha ha portato in passerella opere d’arte indossabili capaci di superare i confini tra moda e sperimentazione.

La stessa Valentina Poltronieri ha presentato una collezione che mette in dialogo memoria e architettura, attraverso volumi strutturati, dettagli sartoriali e una ricerca stilistica che conferma la sua visione creativa.

Ha partecipato inoltre ABF Bergamo, che ha presentato un progetto realizzato dalle allieve della scuola attraverso una serie di foulard stampati interpretati in passerella con diverse modalità di utilizzo.

Per gli accessori hanno sfilato Le Boxette, Pasot, Andre, L’Emporio Incantato, Made of Dreams – Emanuel Lorenti e Rivea Accessories, dando vita a un percorso che ha valorizzato manifattura, ricerca estetica e artigianalità.

Un progetto che continua oltre la passerella

Dal 25 al 28 giugno, il VP Fashion & Creative Lab, atelier e spazio creativo di Valentina Poltronieri, si è trasformato nel Treviglio in Moda Concept Store, offrendo al pubblico l’opportunità di conoscere da vicino le collezioni, incontrare i designer e scoprire il lavoro creativo che si cela dietro ogni progetto.

Anche nelle giornate successive si è registrata un’ottima affluenza di visitatori, a conferma dell’interesse suscitato dall’iniziativa e della volontà del pubblico di approfondire la conoscenza dei brand e dei giovani creativi protagonisti dell’evento.

Un’iniziativa che conferma la volontà di creare connessioni concrete tra giovani creativi, territorio e mercato, favorendo occasioni di visibilità e sviluppo professionale.

“Treviglio in Moda è nato come un sogno e oggi è diventato una rete di persone, talenti e opportunità. Vedere giovani designer, studenti, professionisti e realtà del territorio collaborare insieme per costruire qualcosa di bello e concreto è la soddisfazione più grande. La moda può essere molto più di una passerella: può diventare uno strumento di crescita, inclusione e futuro.” commenta Valentina Poltronieri, ideatrice di Treviglio in Moda.

Una rete che cresce

Fondamentale la collaborazione con Polly’s Fitting Room (PFR), community che riunisce giovani professionisti della moda favorendo networking, crescita professionale e nuove opportunità lavorative, in piena sintonia con la missione del progetto.

La quarta edizione è stata realizzata con il patrocinio della Città di Treviglio, del Distretto del Commercio di Treviglio, di Commercianti Trevigliesi e Treviglio Cultura, insieme al sostegno degli sponsor Rivoltella Group, PEA Pratiche Automobilistiche, IGEA e BCC Treviglio e Carate, oltre ai numerosi partner che hanno contribuito al successo dell’iniziativa.

Con questa quarta edizione, Treviglio in Moda conferma il proprio ruolo di piattaforma dedicata alla valorizzazione della creatività emergente, capace di mettere in relazione talento, formazione, territorio e imprenditoria attraverso il linguaggio della moda.

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Documenting McQueen: il teschio come firma, ossessione e memoria creativa della Maison

DailyMood.it — Thu, 02 Jul 2026 12:39:51 +0000

Ci sono simboli che attraversano la moda come semplici dettagli decorativi. E poi ci sono simboli che diventano linguaggio, identità, ossessione estetica. Per Alexander McQueen, il teschio appartiene a questa seconda categoria: non un ornamento, non una provocazione fine a se stessa, ma una vera grammatica visiva capace di raccontare fragilità, bellezza, morte, ribellione e desiderio.

La Maison McQueen prosegue il suo viaggio nell’archivio con un nuovo capitolo di Documenting McQueen, la mini-serie dedicata ai codici fondativi e alle storie che hanno costruito l’immaginario della casa di moda. L’episodio 4, intitolato The Skull, è ora disponibile e porta lo spettatore dentro la storia di uno degli emblemi più riconoscibili del brand: il teschio McQueen.

A guidare il racconto è Alistair O’Neill, storico della moda e professore alla Central Saint Martins, che ripercorre la nascita e l’evoluzione di questo segno iconico, dalle sue radici negli anni Novanta fino al debutto del celebre Skull Scarf nel 2003. Un accessorio diventato immediatamente culto, capace di superare la dimensione stagionale per trasformarsi in una firma permanente, riconoscibile, potentissima.

Attraverso materiali d’archivio ed esempi emblematici, l’episodio mostra come il teschio sia diventato molto più di un motivo grafico. In McQueen, la morte non è mai stata soltanto oscurità: era teatro, memoria, romanticismo gotico, tensione tra attrazione e inquietudine. Il teschio sintetizza questa visione con una forza rara, unendo la durezza del simbolo alla delicatezza del gesto creativo.

Tra i momenti più significativi raccontati nel film compare anche l’abito bespoke con stampa Skull creato per Kate Moss nel 2004, apparso in una performance per il Black Show, coreografata dal celebre danzatore e coreografo britannico Michael Clark. Un’immagine che restituisce perfettamente la natura del linguaggio McQueen: moda come corpo, movimento, rito, apparizione.

Documenting McQueen non si limita quindi a celebrare un archivio: lo riattiva. Ogni episodio diventa un modo per comprendere come i codici della Maison continuino a vivere, trasformarsi e riaffiorare nel presente. Anche oggi, sotto la direzione creativa di Seán McGirr, l’eredità di McQueen non viene trattata come un monumento immobile, ma come una materia viva, ancora capace di generare nuove visioni.

Il teschio resta così una delle immagini più potenti della storia recente della moda. Un simbolo immediato, quasi popolare, ma profondamente radicato nell’universo poetico di Alexander McQueen. Perché in quel segno c’è tutto: la bellezza che sfida la paura, l’eleganza che nasce dall’ombra, la fragilità trasformata in potere.

L’episodio 4 di Documenting McQueen – The Skull è disponibile su alexandermcqueen.com e sul canale YouTube di McQueen.

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Louis Vuitton Cruise 2027 alla Frick Collection: quando la moda incontra il patrimonio artistico

Elena Parmegiani — Tue, 23 Jun 2026 13:50:14 +0000

La moda torna a dialogare con l’arte scegliendo uno dei luoghi più prestigiosi della cultura newyorkese. Louis Vuitton presenta la collezione Cruise 2027 all’interno della Frick Collection, trasformando per una sera gli spazi storici del museo dell’Upper East Side in una passerella dedicata all’incontro tra creatività, architettura e patrimonio culturale. La scelta della location rappresenta molto più di un semplice sfondo scenografico. La Frick Collection, ospitata in una delle ultime grandi residenze dell’età dorata di New York, è da sempre un luogo dedicato alla conservazione delle arti decorative. La collezione Cruise 2027 porta avanti i codici stilistici che hanno definito il percorso di Nicolas Ghesquière alla guida di Louis Vuitton: una continua ricerca tra passato e futuro, tradizione e innovazione. I look presentati alternano silhouette strutturate e forme più dinamiche, con una particolare attenzione ai capi spalla, alle proporzioni e ai dettagli sartoriali. Le creazioni descrivono un guardaroba sofisticato, ma contemporaneo, dove elementi più classici vengono reinterpretati attraverso un’attitudine moderna. Il tema del viaggio, da sempre centrale nella storia della Maison fondata nel 1854, ritorna attraverso accessori, lavorazioni e dettagli che richiamano l’idea di movimento e trasformazione. L’ispirazione nasce infatti da un ritrovamento d’archivio. Si tratta di una valigia Louis Vuitton degli Anni Trenta, usata come tela da Keith Haring nel 1984, che offre il pretesto ideale per riflettere sul significato del termine pop. I famosi omini dell’artista underground travalicano il contesto di strada per inserirsi tra i capispalla e accessori, una fusione che abbatte le barriere tra l’esclusività dell’alta moda e la cultura metropolitana. Le borse e gli elementi di pelletteria mantengono un ruolo fondamentale, confermando il legame tra Louis Vuitton e il proprio patrimonio artigianale. Materiali ricercati, contrasti di texture e richiami alla cultura urbana contribuiscono a creare un equilibrio tra eleganza e spontaneità. La collezione riflette così la firma di Ghesquière: reinterpretare gli archivi della Maison senza replicarli, trasformandoli in un linguaggio nuovo.

La sfilata Cruise 2027 si inserisce nel percorso che Louis Vuitton porta avanti da anni: quello di utilizzare luoghi simbolici come parte integrante del racconto delle proprie collezioni. Le presentazioni Cruise della Maison sono spesso ambientate in contesti capaci di creare un dialogo con l’identità della collezione, come musei, edifici storici e spazi culturali internazionali. In questo caso la Frick Collection diventa un elemento narrativo centrale: non una semplice scenografia, ma un interlocutore creativo. L’eleganza classica degli interni del museo incontra una collezione che guarda alla contaminazione tra culture, alla storia del costume e all’energia contemporanea di New York. Tra i riferimenti presenti nella collezione emerge anche il legame con l’immaginario artistico newyorkese, attraverso richiami alla scena creativa della città e alla sua storia culturale. Un elemento che sottolinea come Louis Vuitton non consideri la moda un settore isolato, ma una forma di espressione collegata alle arti visive, al design e alla cultura. La presentazione della Cruise 2027 coincide con l’inizio di una collaborazione triennale tra Louis Vuitton e la Frick Collection. La Maison è diventata infatti uno dei principali sostenitori culturali del museo, contribuendo al finanziamento di importanti iniziative legate alle mostre, alla ricerca e ai programmi aperti al pubblico. Il progetto comprende il sostegno a tre grandi esposizioni temporanee, un anno di Louis Vuitton First Fridays, il programma di aperture serali gratuite del museo, dalle 17:30 alle 21:00 il primo venerdì di ogni mese (ad eccezione di gennaio e settembre) e la creazione di una nuova posizione dedicata alla ricerca curatoriale, il Louis Vuitton Curatorial Research Associate. La partnership conferma una tendenza sempre più evidente nel mondo del lusso contemporaneo: le grandi maison non si limitano più alla produzione di moda e accessori, ma investono nella costruzione di un ecosistema culturale. Attraverso musei, fondazioni, mostre e collaborazioni artistiche, i brand cercano di creare un rapporto più profondo con il pubblico, collegando il prodotto a una narrazione più ampia fatta di storia, creatività e conoscenza. Per Louis Vuitton questa direzione è coerente con l’eredità della Maison, fondata nel 1854 da Louis Vuitton e nata proprio intorno al concetto di viaggio, artigianalità e cultura. La scelta della Frick Collection assume quindi un valore simbolico. Da una parte rappresenta la volontà del brand di inserirsi in luoghi riconosciuti come custodi della memoria artistica internazionale; dall’altra mostra come la moda possa diventare uno strumento per riattivare gli spazi culturali e avvicinare nuovi pubblici. Il museo newyorkese, con la sua atmosfera intima e il suo patrimonio storico, ha offerto un contrasto significativo rispetto alla dimensione spettacolare tipica delle grandi sfilate internazionali. La Cruise 2027 non ha cercato soltanto di impressionare attraverso la scenografia, ma di costruire un’esperienza in cui abiti, architettura e opere d’arte dialogassero tra loro. Il parterre della sfilata ha visto accanto alle storiche ambassador della Maison, tra cui Emma Stone e Zendaya, anche Anne Hathaway e Cate Blanchett. La collaborazione tra Louis Vuitton e la Frick Collection rappresenta dunque un esempio di come il confine tra moda e cultura sia diventato sempre più sottile. La sfilata non è stata soltanto la presentazione di una nuova collezione, ma l’inizio di un progetto destinato a durare nel tempo, in cui il savoir-faire della griffe incontra la conservazione e la diffusione del patrimonio artistico. In un momento storico in cui il lusso cerca nuovi significati oltre il prodotto, Louis Vuitton sceglie ancora una volta la cultura come spazio privilegiato per raccontare la propria identità.

Courtesy photo of Louis Vuitton

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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McQueen torna a Londra: il ritorno più atteso alla London Fashion Week

DailyMood.it — Mon, 22 Jun 2026 12:30:49 +0000

La maison annuncia la sfilata Primavera/Estate 2027 nella capitale britannica. Per Seán McGirr sarà il primo show londinese da Direttore Creativo: un ritorno alle origini, tra sartorialità, identità e nuova energia.

McQueen torna a casa. E non è solo una notizia di calendario, ma un gesto carico di significato, quasi una dichiarazione d’identità. La maison ha annunciato il suo ritorno alla London Fashion Week con la sfilata Primavera/Estate 2027, in programma domenica 20 settembre, segnando un momento importante nella nuova fase creativa del brand.

Sarà infatti la prima sfilata londinese di Seán McGirr nel ruolo di Direttore Creativo, un passaggio che assume un valore speciale proprio perché Londra non è, per McQueen, una città qualsiasi. È il luogo delle origini, della formazione, della tensione creativa, dell’irriverenza e di quella bellezza inquieta che ha reso il nome McQueen uno dei più potenti e riconoscibili della moda contemporanea.

Fondata da Lee Alexander McQueen nel 1992, la maison ha sempre avuto con Londra un rapporto profondo, quasi fisico. La città è stata laboratorio, palcoscenico, ferita e ispirazione: un territorio creativo dove tradizione sartoriale britannica e ribellione culturale hanno saputo incontrarsi in modo radicale. Tornare alla London Fashion Week significa quindi riaprire un dialogo con quella memoria, ma anche spingerla avanti, dentro una visione nuova.

La collezione Primavera/Estate 2027 continuerà l’esplorazione dell’eredità McQueen, concentrandosi su due codici fondamentali della maison: la sartorialità affilata e l’occasionwear distintivo, con una proposta che comprenderà sia womenswear sia menswear. Una direzione che sembra voler tenere insieme rigore e teatralità, struttura e tensione emotiva, passato e futuro.

«Londra è sempre stata al cuore di McQueen», ha dichiarato Seán McGirr, sottolineando quell’energia viscerale che attraversa la storia della maison e continua a ispirarne il presente. Un ritorno che, nelle sue parole, non è nostalgia, ma immersione viva nello spirito creativo della città.

Anche per Gianfranco D’Attis, CEO di McQueen, il ritorno nella capitale britannica rappresenta un momento profondamente simbolico: Londra resta centrale nell’identità del brand, non solo come luogo d’origine, ma come ecosistema creativo da sostenere e valorizzare. Una scelta che riafferma il legame con il British Fashion Council e con una comunità culturale che ha sempre fatto dell’audacia una forma di linguaggio.

Particolarmente significativo anche il commento di Laura Weir, CEO del British Fashion Council, che ha definito il ritorno di McQueen una delle sue prime ambizioni alla guida dell’istituzione. Il rientro della maison nel calendario ufficiale viene letto come una dichiarazione di fiducia nella creatività britannica più libera, feroce e distintiva.

In un momento in cui la moda cerca continuamente nuovi equilibri tra heritage e contemporaneità, McQueen sceglie di ripartire da Londra. Non per guardarsi indietro, ma per ricordare da dove nasce la sua forza: da una città capace di essere elegante e brutale, colta e istintiva, classica e sovversiva nello stesso respiro.

Il 20 settembre, dunque, non sarà soltanto una sfilata. Sarà un ritorno alle radici. Ma, come sempre accade quando si parla di McQueen, le radici non servono a restare fermi: servono a spingere più lontano.

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Achille Lauro debutta nella moda: Erotica, la prima collezione per Dondup

Elena Parmegiani — Mon, 22 Jun 2026 07:56:10 +0000

Un debutto a dir poco ambizioso è quello della collezione firmata da Achille Lauro per Dondup andato in scena lo scorso 15 giugno davanti a sessantamila persone a San Siro a Milano, per la prima volta set di sfilata. L’annuncio della sua nomina alla direzione creativa del brand era avvenuto lo scorso 26 maggio, da quel momento l’attesa di scoprire il cantautore romano in una nuova veste era davvero tanta. Erotica è il nome della prima collezione limited edition fall/winter 26/26 di Dondup di Lauro De Marinis, presentata durante il concerto milanese, con il sottofondo della hit Maleducata, che segna un nuovo capitolo della carriera dell’artista. Il nome anticipa l’intento di questo percorso: riportare la sensualità nella moda contemporanea, non nella sua declinazione provocatoria, ma in quella elegante, dettata da un’attitudine consapevole, ambiziosa e, proprio per questo, magnetica. Più che una semplice capsule collection, Erotica rappresenta il tentativo di Achille Lauro di tradurre in abiti quell’immaginario estetico costruito negli anni tra musica, performance e ricerca identitaria. Una visione che rimanda immediatamente alla tradizione sartoriale italiana, di cui Lauro è testimonial. In passerella ci sono cinquanta creazioni tra capi e accessori. Il rigore sartoriale incontra la sensualità elegante e decisa. I gessati e i tailoring costruiscono una silhouette autorevole, mentre trasparenze, superfici luminose e dettagli preziosi introducono tensione e provocazione. “Erotica è la mia personale espressione di una femminilità potente e irresistibile”– dichiara Achille Lauro. Il bianco e il nero definiscono una femminilità decisa, sofisticata e sicura di sé. Texture ricche, materiali pregiati e volumi importanti ne amplificano il carattere, come il pantalone Lexi, capo iconico del brand, flared a vita media. L’istinto diventa lusso e la consapevolezza diventa erotismo. Ogni look in bianco, nero e grigio, realizzato con delicati velluti, maglierie lurex tridimensionali, shantung di seta e chiffon impalpabili, all’occorrenza sfruttati come mascherine per le modelle, esprime forza e identità. La seduzione non è una ricerca di consenso, ma l’espressione naturale di una donna consapevole del proprio valore. “Volevo creare qualcosa che restasse», afferma il cantautore romano. “Non come volto ma come autore. Erotica è il modo in cui vedo la donna: forte, elegante, consapevole del proprio corpo. La sensualità non è un accessorio, è un’attitudine. E la moda deve saperla raccontare”. Tra le modelle presenti Laila Hasanovic, compagna del numero uno del tennis Jannik Sinner. Al momento la distribuzione prevede un solo pezzo per capo, disponibile inizialmente esclusivamente in taglia 40, con una vestibilità pensata per adattarsi anche alle taglie 38 e 42, nonostante ciò numerosi articoli della collezione hanno registrato il sold out in tempi rapidi. Proposta in edizione limitata, la collezione Erotica è disponibile online, sul sito del brand, e presso alcuni punti vendita selezionati. Il marchio nasce nel 1999 a Fossombrone e dal 2021 Dondup fa parte del portfolio di Made in Italy Fund, fondo di private equity promosso e gestito da Quadrivio & Pambianco. La linea si colloca nel segmento luxury: i prezzi spaziano dal blazer in lana gessata da circa 750 euro fino al suit in velluto che raggiunge i 1.350 euro, passando per accessori come borse e cinture che oscillano tra i 200 e i 690 euro. Il riscontro del pubblico è stato davvero significativo: molte creazioni sono state vendute immediatamente, un segnale chiaro di un enorme interesse attorno al progetto.

Courtesy photo of Dondup

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Dsquared2 City Break Essentials: l’estate urbana passa da Roma

DailyMood.it — Wed, 17 Jun 2026 13:56:00 +0000

Dsquared2 racconta l’estate con uno sguardo urbano, libero e naturalmente contemporaneo. La nuova selezione City Break Essentials prende forma sullo sfondo vibrante di Roma, tra strade assolate, architetture iconiche, ristoranti di quartiere e momenti quotidiani che diventano racconto di stile.

La città eterna non è solo ambientazione, ma parte integrante della narrazione: un paesaggio vivo, fatto di storia, carattere e bellezza spontanea, in cui ogni look sembra accompagnare il movimento di una giornata estiva. Passeggiate lente, pause all’aperto, incontri improvvisati e momenti di leggerezza diventano il punto di partenza per un guardaroba pensato per vivere la città con disinvoltura.

Al centro della proposta c’è il denim, firma identitaria di Dsquared2, interpretato con l’attitudine rilassata e sicura che da sempre caratterizza il brand. Shorts, pantaloni cargo, camicie leggere e silhouette utility-inspired costruiscono un’estetica pratica ma mai banale, dove la funzionalità incontra una personalità forte e riconoscibile.

La selezione gioca su capi versatili, facili da indossare e da sovrapporre: camicie leggere, pantaloni dalle linee morbide, accessori essenziali e dettagli pensati per accompagnare ogni momento della giornata. Il risultato è un guardaroba estivo dinamico, capace di adattarsi al ritmo della città senza rinunciare al carattere.

Tra texture leggere, proporzioni rilassate e accenti denim, Dsquared2 firma una proposta che celebra una nuova idea di city style: spontanea, concreta, energica. Un’estate urbana in cui comfort e personalità convivono con naturalezza, trasformando anche il più semplice city break in una dichiarazione di stile.

Dsquared2 City Break Essentials è un invito a vivere la città con passo sicuro, tra praticità, libertà e quell’attitudine inconfondibile che rende ogni look immediatamente riconoscibile.

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Gianni Versace, il Re del barocco pop torna a Parigi

Elena Parmegiani — Tue, 09 Jun 2026 09:13:37 +0000

Parigi si prepara a rendere omaggio a uno dei creatori più influenti del XX secolo. Dal 5 giugno al 6 settembre 2026, il Museo Maillol nel cuore del 7° arrondissement di Parigi, sulla Rive Gauche, uno dei quartieri più eleganti e culturali della città, ospita “Gianni Versace Retrospective“, la prima grande mostra francese dedicata allo stilista italiano dal 1986. Un evento che non è soltanto una celebrazione della sua straordinaria carriera, ma anche un viaggio immersivo nell’universo creativo di un uomo che ha rivoluzionato per sempre il linguaggio della moda contemporanea. Quando si parla di moda come forma d’arte, pochi nomi evocano immagini potenti quanto quello di Gianni Versace. Visionario, provocatore, amante dell’eccesso e della bellezza, lo stilista calabrese ha costruito un’estetica immediatamente riconoscibile, fondata su sensualità, opulenza, riferimenti classici e un innato senso dello spettacolo. La mostra parigina arriva in un momento particolarmente simbolico: il 2027 segnerà infatti il trentesimo anniversario della sua tragica scomparsa, avvenuta a Miami nel luglio del 1997, mentre il 2026 coincide con quello che sarebbe stato il suo ottantesimo compleanno. Un doppio anniversario che rende questa esposizione ancora più significativa. Curata da Saskia Lubnow e Karl von der Ahé e allestita dalla celebre scenografa Nathalie Crinière, la retrospettiva riunisce circa quattrocentocinquanta opere eccezionali tra abiti originali, accessori, schizzi preparatori, oggetti decorativi, fotografie, filmati e interviste rare. L’esposizione accompagna il visitatore lungo l’intero percorso creativo dello stilista, dalle sue radici in Calabria fino all’affermazione internazionale. Nato a Reggio Calabria nel 1946, Gianni Versace mosse i primi passi nel laboratorio sartoriale della madre Francesca, esperienza che avrebbe influenzato profondamente la sua sensibilità estetica e la sua straordinaria capacità artigianale. Fin dagli esordi, il designer guardò oltre i confini della moda tradizionale, attingendo liberamente all’arte, alla storia e alla cultura popolare. La sua creatività si nutriva delle statue della Magna Grecia, delle decorazioni barocche del Sud Italia, dell’iconografia religiosa cattolica e dell’opera lirica italiana. Tutti elementi che sarebbero diventati codici distintivi del marchio Versace. Uno degli aspetti più affascinanti della mostra è il racconto del continuo dialogo tra la moda di Versace e il mondo dell’arte. Le sue creazioni entrano idealmente in conversazione con i capolavori di Sandro Botticelli, Antonio Canova e Pablo Picasso, ma anche con l’universo cromatico e provocatorio della Pop Art. In particolare, il rapporto creativo con Andy Warhol rappresenta uno dei capitoli più iconici della sua produzione. Le celebri stampe dedicate a Marilyn Monroe e James Dean trasformarono infatti le opere dell’artista americano in tessuti preziosi, anticipando una contaminazione tra arte e moda oggi ampiamente diffusa. Versace comprese prima di molti altri che la moda non era soltanto un prodotto da indossare, ma un linguaggio culturale capace di dialogare con cinema, musica, fotografia e arte contemporanea La mostra evidenzia anche il contributo fondamentale dei grandi fotografi che contribuirono a costruire il mito del marchio. Richard Avedon, Irving Penn, Helmut Newton, Patrick Demarchelier e Mario Testino immortalarono le sue creazioni attraverso immagini che hanno definito l’immaginario fashion degli Anni Ottanta e Novanta. Se oggi le sfilate sono veri e propri eventi mediatici globali, gran parte del merito va proprio a Gianni Versace. Fu lui a trasformare le modelle in autentiche superstar internazionali. Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Linda Evangelista, Karen Mulder e Carla Bruni non erano semplici indossatrici: diventavano protagoniste di una narrazione glamour che mescolava moda, celebrità e spettacolo. Indimenticabile resta la sfilata del 1991 in cui Campbell, Crawford, Schiffer ed Evangelista sfilarono insieme sulle note di “Freedom! ’90” di George Michael. Un momento che segnò simbolicamente la nascita dell’era delle supermodel. La mostra ricostruisce quell’epoca attraverso video d’archivio, immagini editoriali e documenti che restituiscono tutta l’energia di una stagione irripetibile della moda internazionale. La forza comunicativa dello stile Versace conquistò rapidamente anche il mondo dello spettacolo. Madonna, Elton John, Prince, Grace Jones e George Michael furono tra i suoi più fedeli sostenitori. Allo stesso modo, figure iconiche come la Principessa Diana ed Elizabeth Hurley contribuirono a trasformare le sue creazioni in simboli globali di eleganza e audacia. Chi potrebbe dimenticare il celebre “safety pin dress” indossato da Elizabeth Hurley nel 1994? Quel vestito nero, tenuto insieme da spille dorate, entrò immediatamente nella storia del costume contemporaneo, diventando una delle immagini più iconiche degli Anni Novanta. Versace aveva compreso che la moda non vive esclusivamente sulle passerelle: vive nella cultura popolare, nelle fotografie, nei videoclip, nei red carpet e nell’immaginario collettivo. Nonostante abbia contribuito a trasformare Milano nella capitale del prêt-à-porter di lusso, Gianni Versace considerava Parigi il centro simbolico della moda mondiale. Fu proprio nella capitale francese che nel 1989 lanciò Atelier Versace, la sua linea di alta moda. Le presentazioni organizzate presso l’Hotel Ritz di Place Vendôme divennero rapidamente leggendarie, attirando stampa internazionale, clienti facoltosi e celebrità da tutto il mondo. I suoi show non erano semplici sfilate, ma spettacoli totali, eventi in cui moda, musica, scenografia e celebrità si fondevano in una messa in scena grandiosa. Non a caso, l’allestimento del Museo Maillol prende ispirazione proprio dal concetto di passerella. Un lungo catwalk attraversa gran parte degli spazi espositivi, invitando i visitatori a ripercorrere il cammino creativo dello stilista e a rivivere l’atmosfera dei suoi leggendari défilé. A quasi trent’anni dalla sua scomparsa, l’influenza di Gianni Versace continua a essere evidente nella moda contemporanea. L’uso audace del colore, la celebrazione della sensualità, il dialogo tra lusso e cultura pop, la spettacolarizzazione delle sfilate e l’importanza delle celebrity come ambasciatrici di stile sono oggi pratiche consolidate nel settore. Prima di molti altri, Versace aveva intuito che il futuro della moda sarebbe passato attraverso l’intrattenimento, la comunicazione e la contaminazione culturale. La retrospettiva del Museo Maillol non è dunque soltanto una mostra dedicata a un grande couturier; è il racconto di un visionario che ha saputo trasformare la moda in un fenomeno culturale globale, lasciando un’eredità che continua a ispirare designer, artisti e creativi in tutto il mondo, perché, come amava dire lui stesso, “è nella mia opera che mi troverete”. E a Parigi, nell’estate del 2026, quell’opera torna finalmente a raccontarsi in tutta la sua straordinaria grandezza.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Stella McCartney torna da H&M: la capsule 2026 che riscrive il lusso sostenibile

Elena Parmegiani — Tue, 26 May 2026 07:25:41 +0000

Ventuno anni dopo la collaborazione che ha cambiato la storia del fast fashion, Stella McCartney torna da H&M, questa volta però il punto non è soltanto il desiderio, è la responsabilità. Nel 2005 la designer britannica aveva aperto la strada al fenomeno delle capsule collection luxury-low cost, trasformando H&M in un palcoscenico globale per la moda d’autore. Nel 2026, invece, il ritorno ha il sapore di un manifesto: meno hype fine a sé stesso, più ricerca sui materiali, filiera e innovazione e soprattutto una domanda precisa: può davvero esistere un fast fashion più consapevole? La risposta di Stella McCartney è una collezione che guarda contemporaneamente al passato e al futuro. Un greatest hits del suo archivio creativo reinterpretato attraverso materiali prevalentemente riciclati, certificati e alternativi alle fibre tradizionali. La nuova capsule “Stella McCartney x H&M”, presentata attraverso una campagna scattata da Sam Rock a Londra e lanciata il 7 maggio 2026, recupera alcuni dei codici estetici più iconici della designer: tailoring rilassato, sensualità effortless, silhouette Anni Duemila e quell’eleganza british-rock che ha reso il marchio riconoscibile in tutto il mondo. “Vedo questa collezione come un viaggio attraverso la mia storia nella moda. È un vero mix di classici attuali e alcuni dei miei vecchi pezzi preferiti che mostrano le mie prime incursioni nella moda e lo sviluppo delle mie firme stilistiche. È giocosa, forte, scintillante, gioiosa, raffinata”, dichiara Stella McCartney. Ci sono trench doppiopetto oversize, blazer gessati morbidi, mini dress drappeggiati, top monospalla rossi e accessori effetto snakeskin. L’iconica catena Falabella ritorna come elemento distintivo in diversi accessori della collezione: nelle collane e negli orecchini in metallo riciclato, nelle finiture di alcuni capi e nei loafers impreziositi dal dettaglio chain davanti. Il vero cuore della collezione è invisibile a prima vista: i materiali. Il trench crema, uno dei pezzi chiave della capsule, è realizzato in cotone certificato ROC™ (Regenerative Organic Certified), uno standard che include criteri ambientali ma anche sociali e di benessere animale. I completi sartoriali utilizzano lana certificata RWS (Responsible Wool Standard), mentre molti capi casual sono prodotti in cotone GOTS-certified, persino gli elementi più glamour seguono la stessa filosofia. Le decorazioni gioiello dei miniabiti sono realizzate con perline composte all’80% da vetro riciclato; collane, orecchini e dettagli metallici usano metalli riciclati; alcune borse e bomber effetto pelle di serpente derivano da materiali ottenuti parzialmente da olio vegetale riciclato e scarti agricoli come la paglia. In altre parole: la sostenibilità non è relegata alla capsule “green” nascosta in un angolo del negozio, è il linguaggio stesso della collezione. Che Stella McCartney fosse una pioniera della sostenibilità non è una novità. Dal lancio del suo brand nel 2001, la designer ha costruito la propria identità rifiutando pelle e pelliccia animale, molto prima che diventasse un dibattito collettivo. La vera sorpresa è che oggi scelga ancora H&M come piattaforma. Collaborare infatti con il gigante simbolo del fast fashion significa inevitabilmente esporsi a critiche e contraddizioni, ed è proprio qui che la capsule 2026 diventa interessante. La collaborazione non viene presentata soltanto come una collezione moda, ma come un progetto più ampio di dialogo sull’industria fashion. H&M e Stella McCartney hanno annunciato anche la creazione di un “Insights Board”, un tavolo di confronto dedicato a sostenibilità, innovazione e trasformazione del settore. È una mossa che riflette perfettamente il momento storico della moda contemporanea: il lusso rallenta, il fast fashion viene accusato di greenwashing, mentre i consumatori chiedono contemporaneamente prezzi accessibili e trasparenza etica. In mezzo, designer come Stella McCartney tentano una strada più complessa: cambiare il sistema dall’interno. Nel 2005 la collaborazione Stella McCartney x H&M generava code fisiche fuori dai negozi. Nel 2026 genera soprattutto viralità digitale, wishlist e resale immediato. Su Reddit e social, gli utenti raccontano di borse sold out in poche ore, accessori introvabili e store svuotati già dalla mattina del lancio. Alcuni pezzi sono comparsi quasi subito sulle piattaforme di rivendita online. Rispetto a vent’anni fa, il pubblico sembra avere uno sguardo più critico. Se da una parte la collezione viene apprezzata per il design e l’utilizzo di materiali alternativi, dall’altra emergono anche dubbi sulla durata reale dei materiali “vegan” e sull’impatto ambientale del fast fashion in generale. Alcuni utenti online lodano l’accessibilità della capsule, altri accusano il progetto di essere più comunicazione che rivoluzione, ed è forse proprio questa ambivalenza a raccontare meglio la moda del 2026. Oggi non basta più essere belli, on basta più essere cool, bisogna anche giustificare il proprio posto nel mondo. La capsule 2026 funziona perché non cerca la perfezione. Cerca il dialogo. Da una parte c’è H&M, macchina globale del consumo veloce, dall’altra Stella McCartney, simbolo della moda etica contemporanea. In mezzo c’è una generazione di clienti che compra vintage, noleggia borse, rivende sneakers e pretende trasparenza senza rinunciare all’estetica. La collezione intercetta esattamente questo paradosso. E forse il suo vero messaggio è proprio qui: il futuro della moda non sarà completamente luxury né completamente fast fashion: sarà ibrido, contraddittorio, fluido, proprio come i consumatori che lo abitano. Ventuno anni dopo la prima collaborazione, Stella McCartney e H&M non stanno più semplicemente vendendo vestiti; stanno cercando di vendere un’idea diversa di desiderio e nel 2026, probabilmente, è questa la vera rivoluzione. La prova definitiva? Il sold out. Nel giro di poche ore dal debutto online, gran parte della collezione Stella McCartney x H&M risultava già esaurita. Le tote bag effetto Falabella, i trench oversize e i mini dress drappeggiati sono spariti dal sito quasi istantaneamente, mentre sui social iniziavano già i post disperati di chi aveva lasciato il carrello aperto troppo a lungo. Oggi l’hype della moda si misura così: non dal numero di capi prodotti, ma dalla velocità con cui diventano introvabili.

Photo Courtesy of H&M

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Calabrone&Delfino presenta la nuova Estate 2026: successo a Villa Cuturi tra moda, energia e spirito apuano

DailyMood.it — Tue, 19 May 2026 08:49:45 +0000

Grande successo sabato 16 maggio a Villa Cuturi, dove La Calabrone&Delfino ha presentato davanti al pubblico della sua città natale la nuova collezione Estate 2026, trasformando Marina di Massa in una passerella a cielo aperto, sospesa tra eleganza, vitalità e voglia d’estate.

L’evento ha richiamato cittadini, ospiti e appassionati di moda, confermando il forte legame tra il brand e il territorio apuano. Una serata brillante e partecipata, in cui stile, musica e intrattenimento hanno accompagnato la presentazione delle nuove linee fitness, beachwear e glamour, pensate per raccontare un’estate dinamica, libera e piena di personalità.

Protagonisti assoluti della collezione sono stati i colori vivaci, i tessuti innovativi e una visione contemporanea della femminilità, capace di unire comfort, energia e carattere. La Calabrone&Delfino ha portato in passerella capi pensati per donne che vivono il movimento, il mare e il tempo libero con naturalezza, senza rinunciare a un tocco sofisticato e riconoscibile.

La cornice di Villa Cuturi ha reso l’appuntamento ancora più suggestivo: tra luci, musica e atmosfera estiva, Marina di Massa ha celebrato non solo una nuova collezione, ma anche l’identità di un marchio nato e cresciuto nel territorio, capace di parlare a un pubblico sempre più ampio mantenendo intatto il proprio legame con le origini.

Ma il calendario degli appuntamenti firmati La Calabrone&Delfino non si ferma qui. Il brand dà già appuntamento a martedì prossimo a Marina di Massa, in occasione dell’arrivo della cronometro del Giro d’Italia. Una giornata speciale che unirà sport, spettacolo e moda, con gadget, animazione e momenti dedicati al pubblico, per continuare a vivere l’energia dell’estate nel cuore della città.

Con la nuova collezione Estate 2026, La Calabrone&Delfino conferma così la sua anima vivace e contemporanea: un brand che sa interpretare lo stile come movimento, colore e libertà, portando con sé il calore e la forza del territorio da cui è nato.

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Exposure quando essere visti diventa una forma di potere: da Harry Styles a Lady Gaga

Elena Parmegiani — Fri, 08 May 2026 09:20:26 +0000

Nel sistema moda contemporaneo non basta più indossare un abito: bisogna essere visti. È questa la premessa alla base di “Exposure – Quando il mondo ti guarda, da Harry Styles a Lady Gaga”, la nuova mostra ospitata all’ITS Arcademy, Museum of Art in Fashion di Trieste, in programma fino al 3 gennaio 2027. Non si tratta di una semplice esposizione di look iconici, ma di una riflessione più ampia sul modo in cui l’immagine delle celebrità viene costruita, trasformata e amplificata nell’era della visibilità totale. Exposure – Quando il mondo ti guarda svela il dialogo creativo tra celebrità e stylist, narratori capaci di trasformare le emozioni in immagini e dare forma al modo in cui il mondo osserva; da Lady Gaga a Harry Styles, una mostra su visibilità, identità e linguaggio della moda. Al centro della mostra c’è una figura spesso sottovalutata ma oggi fondamentale: lo stylist. Curata dallo stylist belga Tom Eerebout, collaboratore di artisti come Lady Gaga e Rita Ora, l’esposizione esplora il ruolo dello styling come pratica creativa autonoma, capace di costruire narrazioni visive e identità pubbliche. Dietro ogni apparizione pubblica: dal red carpet al palco, esiste infatti un processo complesso fatto di prove, negoziazioni e scelte estetiche che trasformano un semplice outfit in un linguaggio. In questo senso lo stylist non è più solo un tecnico della moda, ma un vero e proprio autore dell’immagine contemporanea. Il titolo della mostra non è casuale. Figure come Harry Styles e Lady Gaga rappresentano due esempi emblematici di come la moda contemporanea non si limiti più a vestire il corpo, ma lo utilizzi come mezzo espressivo. Nel caso di Harry Styles, la costruzione di un’estetica fluida e genderless ha contribuito a ridefinire i codici del menswear contemporaneo. Nel caso di Lady Gaga, invece, l’abito diventa performance, provocazione, narrazione emotiva. Entrambi incarnano un principio chiave della cultura visiva contemporanea: l’identità non è più qualcosa da esprimere, ma da costruire pubblicamente. “Exposure” riflette un cambiamento strutturale nel sistema moda: la centralità non è più solo del prodotto, ma dell’immagine. In un’epoca dominata dai social media, ogni look è potenzialmente globale nel momento stesso in cui viene mostrato. La visibilità non è più un effetto collaterale della moda, ma il suo obiettivo principale. Come evidenziato dai materiali della mostra, il processo creativo tra stylist, designer e celebrità è oggi una collaborazione continua che trasforma l’abito in un dispositivo narrativo. La mostra mette in evidenza un aspetto fondamentale: ciò che vediamo delle celebrità non è mai spontaneo. Ogni immagine pubblica è il risultato di una costruzione precisa, in cui styling, fotografia, contesto e distribuzione digitale lavorano insieme per definire un’identità. In questo senso, il red carpet non è solo un evento mondano, ma un vero e proprio spazio culturale dove si negozia il significato dell’immagine contemporanea. “Exposure” invita quindi a spostare lo sguardo: non più solo su ciò che viene mostrato, ma su come e perché viene mostrato. In un mondo in cui tutto è visibile, la vera competenza diventa leggere le immagini, comprenderne la costruzione e riconoscere le strategie che le generano. La moda, da questo punto di vista, non è più solo estetica, ma linguaggio e chi lo padroneggia, oggi, non si limita a vestire il mondo: lo racconta. Le celebrità sono diventate corpi e volti attraverso cui si riflettono desideri, valori e contraddizioni della società contemporanea. Ogni abito, ogni posa sul red carpet raccontano un dialogo segreto, non privo di rischi, tra chi pratica l’arte di essere visti e chi la rende possibile e tra il corpo di chi si espone e lo sguardo di chi osserva. Tom Eerebout racconta il proprio mondo attraverso una selezione di creazioni indossate da alcuni dei personaggi più celebri della cultura pop, tra cui spiccano quelle di designer che hanno mosso i primi passi a Trieste durante la loro esperienza a ITS Contest. Attraverso abiti e accessori indossati da Lady Gaga, Harry Styles, Beyoncé, Madonna, Björk, Gwyneth Paltrow, Damiano David, Kylie Jenner, fino a Jenna Ortega e Chappell Roan, Exposure racconta stili e linguaggi diversi e il lavoro di una pluralità di designer e maison che hanno segnato l’estetica del nostro tempo, tra i quali partecipanti e finalisti di ITS Contest, le cui opere prime sono oggi parte della collezione del museo. Il catalogo, a cura di Tom Eerebout e Emanuele Coccia, raccoglie una serie di dialoghi che intrecciano filosofia, moda e curatela: conversazioni tra il filosofo, il curatore della mostra e lo storico della moda Olivier Saillard.

Photo Courtesy of ITS Arcademy for Exposure

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Hokusai a Roma: quando l’arte diventa moda e il kimono racconta il corpo

Elena Parmegiani — Tue, 28 Apr 2026 07:33:49 +0000

C’è una linea sottile, e oggi più che mai attuale, che unisce arte, moda e vita quotidiana. Non è una linea retta, ma una trama, fatta di superfici, gesti e simboli. È proprio questa trama che la mostra dedicata a Katsushika Hokusai, ospitata nelle sale di Palazzo Bonaparte a Roma, visitabile fino al 29 giugno 2026, restituisce con straordinaria lucidità. Non una semplice retrospettiva, ma un dispositivo culturale complesso: accanto alle celebri stampe, il percorso si apre a oltre centottanta oggetti — lacche, armature, strumenti musicali e soprattutto kimono, componendo un racconto che dissolve la distinzione occidentale tra arte “alta” e arti applicate. Accanto ai capolavori di Hokusai, come Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, la celeberrima La Grande Onda di Kanagawa, le Trentasei Vedute del Monte Fuji fino ai sorprendenti Manga, gli straordinari album di disegni che hanno consegnato alla storia uno dei termini più noti della cultura visiva contemporanea l’esposizione presenta anche un insieme di oltre 180 pezzi tra libri rarissimi e preziosi oggetti giapponesi, tra cui laccature, smalti cloisonné, accessori da viaggio, armature, elmi e spade, oltre a strumenti musicali tradizionali. I costumi (kimono, giacche haori e fasce obi) accompagnano visivamente la visita, creando un dialogo continuo tra arte, vita quotidiana e spiritualità della cultura giapponese. Qui tutto è linguaggio, tutto è progetto. E, soprattutto, tutto è moda. Per comprendere davvero la portata di questa mostra, bisogna partire dal concetto di ukiyo-e, letteralmente “immagini del mondo fluttuante”. Un’espressione che definisce non solo un genere artistico, ma un’intera visione del vivere urbano nel Giappone del Periodo Edo. Un mondo fatto di piacere, spettacolo, consumo visivo — e quindi, inevitabilmente, di stile. Le stampe di Hokusai, inclusa l’iconica La grande onda di Kanagawa, non erano opere destinate a una contemplazione museale, ma oggetti accessibili, riproducibili, parte integrante della cultura popolare. In questo senso, funzionavano come veri e propri media di diffusione estetica, analoghi alle riviste di moda contemporanee. Secondo il Metropolitan Museum of Art, le immagini ukiyo-e contribuivano attivamente alla circolazione di modelli di bellezza, abbigliamento e comportamento, influenzando il gusto collettivo su larga scala. È nel dialogo tra queste immagini e i kimono esposti che la mostra trova il suo punto di massima tensione visiva. Perché il kimono non è semplicemente un abito: è una forma di scrittura. Le sue origini risalgono al Periodo Heian, quando l’élite aristocratica sviluppò un sistema sofisticato di stratificazione tessile, in cui colori e combinazioni indicavano rango, stagione e sensibilità estetica. Ma è nel periodo Edo che il kimono si democratizza e si trasforma in superficie narrativa. I tessuti si popolano di motivi simbolici — onde, rami di ciliegio, gru, paesaggi — molti dei quali trovano un parallelo diretto nelle stampe di Hokusai. Non si tratta di una semplice coincidenza stilistica, ma di una vera e propria convergenza visiva: lo stesso immaginario attraversa arte e abito, costruendo un’estetica condivisa. Il Victoria and Albert Museum sottolinea come il kimono rappresenti uno dei primi esempi di design modulare: tagliato da pezzi rettangolari di tessuto, riduce al minimo lo spreco e privilegia la continuità della superficie. Un principio che oggi risuona con forza nelle pratiche di moda sostenibile. Se la moda occidentale ha storicamente costruito il corpo attraverso costrizione e modellamento — busti, corsetti, tagli aderenti — il kimono propone una visione radicalmente diversa: non impone una forma, ma la accompagna. Questa caratteristica ha esercitato un’influenza profonda sul design contemporaneo. Designer come Issey Miyake hanno trasformato il principio del kimono in ricerca tecnologica e tessile, mentre Rei Kawakubo ha decostruito l’idea stessa di silhouette, portando in passerella volumi che sfidano la logica occidentale del corpo ideale. Anche in Europa, il fascino del Giappone ha lasciato tracce profonde: da Yves Saint Laurent, che negli Anni Settanta reinterpretò l’Oriente in chiave couture, fino alle sperimentazioni concettuali di Maison Margiela. Quello che emerge è un dato chiaro: il kimono non è solo un capo, ma un’idea di moda come spazio di libertà. Uno degli aspetti più sofisticati della mostra è la sua capacità di restituire una verità spesso dimenticata: nella cultura giapponese premoderna, arte e vita non sono mai state separate. Le lacche, le armature, gli oggetti d’uso quotidiano condividono con le stampe e i kimono lo stesso livello di attenzione estetica. Tutto è progettato, tutto è significativo. Questo approccio anticipa molte delle riflessioni contemporanee sulla moda come sistema culturale. Non più semplice industria dell’effimero, ma campo di ricerca che intreccia artigianato, sostenibilità e identità. In un momento storico in cui il sistema moda è attraversato da una profonda trasformazione — tra crisi ambientale e ridefinizione dei modelli produttivi — la lezione di Hokusai e del kimono appare sorprendentemente attuale. Secondo dati dell’European Environment Agency, il settore tessile è tra i più impattanti in termini di consumo di risorse e produzione di rifiuti. In questo scenario, il kimono — con la sua costruzione essenziale, la durabilità e la capacità di essere tramandato — rappresenta un modello alternativo. Un’idea di lusso che non coincide con l’accumulo, ma con la durata. Non con la velocità, ma con la qualità del tempo. Visitare questa mostra significa, in fondo, interrogarsi su cosa significhi oggi “vestire”. Non solo coprire il corpo, ma raccontarlo. Non solo seguire una tendenza, ma partecipare a un sistema di significati. Hokusai, con il suo sguardo capace di attraversare natura e cultura, e il kimono, con la sua struttura essenziale e poetica, ci ricordano che la moda, quando è davvero tale, non è mai superficiale. È, piuttosto, una forma di conoscenza. E forse è proprio questa la sua espressione più radicale di glamour.

Photo Courtesy of Press Office

di Elena Parmegiani per DailyMoodit

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Malloni x BFF -Biennale di Fotografia Femminile: Sostenere lo sguardo che crea futuro

DailyMood.it — Fri, 03 Apr 2026 08:43:05 +0000

La moda non è solo stile, ma un linguaggio capace di interpretare il presente e immaginare nuove prospettive. È proprio da questa consapevolezza che nasce la collaborazione tra Malloni e la Biennale di Fotografia Femminile (BFF), un incontro naturale tra due realtà che condividono lo stesso desiderio: dare valore allo sguardo delle donne e alla loro capacità di raccontare il mondo.
Per Malloni, sostenere la cultura significa scegliere progetti che abbiano un impatto reale, capaci di generare connessioni e nuove possibilità. La BFF incarna perfettamente questa visione. Non è semplicemente una mostra fotografica, ma un vero e proprio ecosistema culturale in cui talenti, idee e prospettive si incontrano. Qui, le fotografe trovano non solo visibilità, ma anche opportunità concrete per affermarsi in un settore che ancora oggi presenta importanti squilibri di genere.
Al centro di questa collaborazione prende forma anche un mini-documentario dedicato ad Alessia Locatelli, direttrice artistica della Biennale. Attraverso il suo racconto emerge una concezione della curatela come atto di visione e responsabilità, capace di trasformare la fotografia in uno strumento di empowerment e di dialogo tra arte e società. Il suo sguardo restituisce l’essenza più profonda della BFF: uno spazio vivo, in continua evoluzione, dove ogni immagine diventa occasione di confronto e crescita.
La Biennale è resa possibile anche grazie al contributo di figure chiave come Anna Volpi, presidentessa dell’Associazione La Pappessa, e Nathália Bariani, project manager e fundraiser. Il loro lavoro rafforza la dimensione collettiva del progetto, trasformando idee e visioni in iniziative concrete e accessibili, capaci di costruire una comunità attiva e inclusiva.
In questo contesto, Malloni sceglie di inserirsi con discrezione e coerenza, contribuendo alla realizzazione dei look per il vernissage e sostenendo la produzione di contenuti dedicati alla narrazione della femminilità in tutte le sue sfumature. Per il brand, infatti, l’eleganza non è solo una questione estetica, ma anche una forma di responsabilità: quella di dare spazio a nuove voci e nuove storie.
Questa collaborazione rappresenta l’inizio di un percorso condiviso, un dialogo tra moda e arte destinato a crescere nel tempo. Un impegno concreto per ampliare gli spazi di espressione e contribuire alla costruzione di una cultura più inclusiva, consapevole e rappresentativa.
Malloni x BFF è l’incontro tra estetica e visione, tra creatività e cambiamento.

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Giuliana Civello, Luluredgrove: “ I miei jeans in seta, un must femminile”

Elena Parmegiani — Tue, 24 Mar 2026 10:32:42 +0000

E’ un inno alla voglia di vivere, al benessere e alla freschezza la nuova collezione per la primavera/estate di Luluredgrove, il marchio della talentuosa direttrice creativa Giuliana Civello. Le proposte sono state presentate attraverso una sfilata con oltre quattrocento ospiti alla Galleria del Cardinale Colonna lo scorso lunedì 16 marzo. In pedana tessuti di altissima qualità, seta in Tripla A e capi interamente realizzati a mano, impreziositi dai suggestivi accessori LMP di Petrana Colesanti. In contrasto con la maestosità della location la sfilata, con la regia di Daniela Palese Acampora, si è aperta con il brano Dopamine, performance del beathboxer internazionale Wing, tra i più famosi al mondo. La collezione Spring/Summer 2026 “The Art of Freshness and Renewal” celebra il profondo legame tra l’essere umano e l’ambiente. Quarantadue look donna e sei uomo caratterizzati da fibre leggere selezionate per il pregio e l’alta qualità che rendono la silhouette morbida e dalla vestibilità eccezionale. “La sostenibilità e l’artigianalità è ciò che guida il mio processo creativo” – dichiara in esclusiva al Daily Mood Giuliana Civello -“ La mia manodopera altamente specializzata è interamente italiana, un team tutto al femminile. Nel realizzare le proposte primavera/estate 2026 mi sono ispirata alla natura, al senso di rinascita che la nuova stagione infonde. Il capo cult, che ormai è un must nella storia del mio brand, è il jeans in seta. Siamo stati i primi a crearlo, rispetto ad altre maison importanti, lo proponiamo da oltre dieci anni e le nostre clienti ne sono entusiaste. Da sempre utilizzo i tessuti maschili nel creare i look da donna, perché possiedono una qualità migliore e nel tempo garantiscono una vestibilità ed una resa perfetta. La mia donna non ama omologarsi, ricerca un prodotto di altissima qualità, confortevole, ed un look in grado di accompagnarla in ogni fase della sua giornata”. Un elegante trompe-l’œil raffigura il jeans su preziose sete in Triple A e su georgette di seta, un capo casual diventa quindi un originale proposta di lusso. “La collezione è improntata ad infondere un senso di benessere”– chiosa la stilista-“ Ogni capo vuole creare una connessione autentica tra corpo e ambiente. Ho ideato una stampa ispirata alla carpa koi e alla leggenda cinese che narra di questo pesce coraggioso che risalì il Fiume Giallo sfidando forti correnti e demoni. Giunta a una cascata chiamata “Porta del Drago”, la carpa saltò così in alto da superarla, venendo trasformata dagli dèi in un maestoso drago per la sua perseveranza.” Dalle lavorazioni nascono una vera e propria famiglia di capi che reinterpretano il guardaroba denim in chiave couture: giubbini, bermuda, gilet, camicie, gonne e pantaloni, tutti realizzati in seta stampata effetto jeans. Il risultato è un equilibrio inatteso tra l’iconografia del denim e la fluidità luminosa della seta, dando vita a creazioni che uniscono comfort, eleganza e sperimentazione tessile, perfettamente in sintonia con lo spirito della collezione. A completare i look in pedana gli accessori di luce e colore LMP di Petrana Colesanti. I monili per la Primavera/Estate 2026 interpretano lo spirito di freschezza e vitalità cromatica della sfilata. La palette spazia dal fucsia e arancione fino alle sfumature di viola, blu e avio, evocando l’energia luminosa dell’estate. Interamente Made in Italy e realizzata su misura, la collezione propone accessori in pelle di alta qualità impreziositi da ricami eseguiti a mano con pietre luminose di prima scelta, cuciti su pellami morbidi e ricercati. “Tra le novità spiccano borse in pelle e rafia, arricchite da motivi decorativi ispirati alla frutta.”- dichiara al Daily Mood Petrana Colesanti-.”Le creazioni sono ispirate al mondo marino e ai colori dell’estate, mentre accanto alle nuove proposte tornano anche i classici del brand: bracciali, collane e cinture sottili reinterpretati nelle cromie stagionali, insieme a due cinture alte stile corsetto in rafia e pelle. L’accessorio completa i look di una donna, una mise anonima può essere ravvivata dal pezzo giusto che può trasformare il look. Ogni mia creazione si declina con gli outfit di Luluredrove, il mio fine e quello di Giuliana è di creare un total look mai scontato e molto diverso dalle proposte che si vedono quotidianamente, per una donna che vuole essere protagonista indiscussa delle proprie scelte di stile”.
Ph. Carlo Tracci e Claudio Frijio

di Elena Parmegiani per Dailymood.it

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Saint Laurent, il brand più desiderato al mondo e l’eredità di un’icona senza tempo

Elena Parmegiani — Mon, 23 Feb 2026 10:40:07 +0000

Nel terzo trimestre del 2025 Saint Laurent ha raggiunto un primato senza precedenti: è stato eletto il marchio di lusso più desiderato a livello globale secondo la Lyst Index, la classifica trimestrale che misura le preferenze dei consumatori basandosi su ricerche, interazioni social e vendite online. Una conquista che racconta non solo la forza del brand, ma anche la persistenza di un’estetica che continua a parlare alle generazioni di oggi. A differenza di molti competitor, la forza di Saint Laurent non risiede semplicemente in un marketing aggressivo o in campagne virali. La maison ha costruito negli anni un codice stilistico riconoscibile e coerente, che unisce eleganza sobria e audacia sofisticata. Il direttore creativo Anthony Vaccarello ha saputo reinterpretare la visione originale di Yves Saint Laurent, mantenendo l’equilibrio tra modernità e classicità: le silhouette pulite, le linee essenziali e i dettagli iconici rendono ogni pezzo immediatamente riconoscibile. In termini pratici, questo si traduce in prodotti che diventano veri e propri “oggetti del desiderio”: dai mocassini Le Loafer alle borse iconiche, in primis la Loulou o la Mombasa, quest’ultima lanciata nei primi anni del Duemila da Tom Ford, allora direttore creativo del brand ed ora riportata in auge, passando per capi prêt-à-porter che combinano lusso e portabilità quotidiana. La strategia della griffe ha inoltre saputo intercettare il pubblico giovane, sempre più influenzato da contenuti digitali e social, senza tradire l’eleganza storica del marchio. Il riconoscimento di Saint Laurent come brand più desiderato non è frutto del caso. La Lyst Index analizza milioni di interazioni di consumatori in tutto il mondo, dalla ricerca online all’acquisto effettivo, fino al passaparola digitale sui social media. Questo rende la classifica una fotografia affidabile del desiderio reale dei clienti, più che delle tendenze imposte dai media o dagli influencer. In altre parole, Saint Laurent non è solo popolare: è percepito come riferimento stilistico imprescindibile, un marchio capace di incarnare l’idea stessa di lusso contemporaneo, senza risultare ostentato o eccessivamente distante dalla quotidianità.

L’attuale successo della maison affonda le radici nella visione pionieristica del suo fondatore, Yves Saint Laurent (1936‑2008). Giovane talento scoperto da Christian Dior, Yves prese le redini della maison Dior a soli ventun anni, ma fu con la creazione della sua casa di moda a Parigi nel 1961 che rivoluzionò la moda femminile. Yves Saint Laurent introdusse innovazioni che oggi appaiono iconiche: il celebre Le Smoking per donna, la linea prêt-à-porter Rive Gauche e l’uso audace di tessuti e colori ispirati all’arte contemporanea. Più che abiti, Yves creava emozioni e libertà, ridefinendo il concetto di eleganza femminile come sintesi di potere, stile e indipendenza. Il celebre atelier al civico 5 di Avenue Marceau, il palazzo del Secondo Impero entrato nel mito, ora sede del Musée Yves Saint Laurent, visitato dagli appassionati del mondo fashion di tutto il mondo, è diventato leggenda. Proprio qui venivano accolte le facoltose clienti, mentre il resto dell’edificio ospitava i laboratori di cucito e lo studio dello stilista con le sue librerie, la sua scrivania e i mobili d’epoca. Oggi Saint Laurent non solo rende omaggio al suo passato, ma riesce a tradurre la sua eredità in desiderio contemporaneo. La vetta del Lyst Index è la conferma che coerenza, innovazione e autenticità stilistica continuano a fare la differenza nel panorama globale. Il marchio rimane un simbolo di lusso moderno, in cui la storia incontra le esigenze del presente e ogni pezzo racconta una storia di eleganza senza tempo. In un mondo della moda spesso dominato da novità effimere, Saint Laurent dimostra che la vera desiderabilità nasce dall’equilibrio tra tradizione e modernità, tra stile iconico e capacità di reinventarsi. Un esempio che ogni marchio di lusso, oggi, può solo ammirare e imparare.

Photo Courtesy of Saint Laurent

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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