Christopher Nolan, con il suo cinema, ha sempre cercato in qualche modo di giocare con il tempo. Il movimento a ritroso del racconto di Memento, lo sfasamento dei piani temporali in Dunkirk, il tempo dei sogni che scorre in tempo diverso rispetto a quello della realtà in Inception. E il tempo stesso rivoltato e piegato ai propri voleri in Tenet. Nell’Odissea Christopher Nolan non ha bisogno di giocare con il tempo. L’Odissea è già così, scritta con i suoi flashback e con quella particolare costruzione temporale, segno che all’epoca si sapeva già tutto di come si costruisce una storia.  Al tempo stesso, Nolan gioca con il tempo perché va a raccontare una vicenda che è sì storia, ma è soprattutto leggenda. È qualcosa che avviene nella notte dei tempi, così lontana da perdersi tra le nebbie del mito e astrarsi dalla realtà, diventare fantasia, immaginazione, reinvenzione. In fondo l’epica è storia ma è anche fantasy e in questo senso ogni personaggio è simbolico, ogni vicenda è archetipica. L’Odissea è allo stesso tempo reale e astratta, ed è per questo che può essere raccontata anche con libertà nei costumi, nei corpi e nei volti, nelle parole.

Guardando l’Odissea e ripercorrendo la sua storia, è evidente perché Christopher Nolan ami Ulisse. È un’anima a lui affine. Entrambi sono maestri nel trucco, nell’inganno. Ulisse è un maestro nell’ingannare e manipolare chi ha davanti, Nolan è uno specialista nel manipolare il suo pubblico, ovviamente con la complicità del pubblico stesso. The Prestige era un film che parlava proprio di questo, di quel trucco e quel patto con lo spettatore che era il gioco di prestigio e in fondo è anche il cinema. Inception era un viaggio nel mondo dei sogni dove le regole erano sovvertite ed era tutto possibile. Ma proprio nella messa in scena dell’Odissea Christopher Nolan non ha bisogno di nessun trucco perché è già tutto nel poema di Omero. C’è solo una cosa da fare in questo caso. È trasporre tutto nel modo più grande possibile. Tutto deve essere enorme perché l’epica è questa. È un racconto che parte da una base storica, ma che, tramandato nei secoli, diventa sempre più ricco, eccessivo, immaginifico.

Ricordate The Prestige? La cosa più importante, il trucco del prestigiatore, era quello che non si vedeva. E il cinema di Nolan è stato sempre sospeso tra il vedere e il non vedere. Memento era la storia di un uomo che non vedeva nel proprio passato, Insomnia quella di un uomo che non distingueva tra bene e male, The Prestige, come detto, parlava di un artista che non faceva vedere al pubblico il segreto del suo gioco. Man mano il cinema di Nolan è diventato altro, ma questo tema torna sempre. Polifemo, di fatto, è un uomo che, dopo la mossa di Ulisse, è accecato nel suo unico occhio e non può vedere. Ma è interessante anche come Nolan costruisce la sua entrata in scena. Non vediamo subito il ciclope, ma vediamo prima lo stupore e il terrore negli occhi di Ulisse. Poi il buio che il masso posto all’entrata dell’antro, una volta chiuso, crea. E infine, ecco Polifemo.

Nell’Odissea c’è dentro tutto il cinema di Nolan. Come in Memento, Ulisse per un certo periodo ha perso la memoria, annebbiato dai fiori del loto, e dalla tela tessuta dalla ninfa Calipso. Non ha memoria di sé, dei suoi compagni, della sua storia, della sua famiglia. Rimane lì per sette anni, passati come se fossero pochi giorni. Ed è un po’ come se avesse vissuto lo scorrere del tempo diverso tra la Terra e lo spazio di Interstellar. La famosa statua del Cavallo di Troia, all’inizio del film, è abbandonata su una spiaggia che sembra quella di Dunkirk. E potremmo andare avanti ancora a lungo.

L’Odissea è un racconto così grande perché mette in scena tutte le nostre paure. La paura di cedere alle tentazioni (il canto delle sirene), di perdere la nostra umanità e vivere come bestie (la maga Circe), di non poter tornare nella propria casa ad abbracciare i nostri familiari, di fallire, di disonorare i defunti. C’è, in tutto il film, un continuo rimando a quella ‘legge di Zeus’, che allora era un dettame divino e che, rapportata ai nostri giorni, può essere vista come un senso di rispetto e di pietà verso il prossimo che sembra essere sparito.

È proprio se pensiamo a questo aspetto che il film acquista un nuovo senso. Alla fine del film, quando Ulisse, sotto mentite spoglie, tornato ad Itaca parla con Penelope, racconta di “dieci anni di rabbia che ricadono su una città in una sola notte”. Le immagini della caduta di Troia ripartono, e stavolta vediamo le stragi degli innocenti, il disonore che c’è nella guerra, i suoi eccessi. “Bruciare le mura di Troia ha significato bruciare il mondo intero” dice Ulisse. E quanto mai immagini e parole sembrano rispecchiare il mondo di oggi, le guerre e le stragi in atto. “Una nuova alba risorgerà oltre l’oscurità del mondo. I nostri errori verranno dimenticati” afferma Ulisse. È stato davvero così?

Una parte fondamentale del cinema di Nolan, e di questa Odissea, sono gli attori. Matt Damon è Ulisse, Anne Hathaway è Penelope, Robert Pattinson è Antinoo, Tom Holland è Telemaco, Zendaya è Athena, Charlize Theron è Calipso. Sono i divi del cinema e qui non nascondono mai di esserlo. Ma sono perfettamente credibili nei loro personaggi. Si dice che, per essere realistici, gli attori debbano scomparire nei loro personaggi. Qui sono sempre se stessi. È Nolan che li eleva, ne accresce l’aura. Accentua la loro condizione di divi, termine che nella sua accezione vuol dire divini, vicini agli Dei. È proprio questo che sono i personaggi della mitologia greca, è proprio questo che vuole l’epica. Personaggi enormi. Le interpretazioni degli attori sono intense, quasi teatrali, eppure non sembrano mai artefatte. Quei personaggi ci sembrano lontani, epici, eppure anche familiari. Così lontani e così vicini a noi. L’Odissea di Nolan è un racconto bellissimo. Quasi quanto quello che un padre poteva fare, la sera, a un bambino di cinque anni.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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In quegli anni andavano di moda le Adidas. Le indossavano i rapper, le sfoggiavano orgogliosi i ragazzi che facevano la breakdance. I Run Dmc, all’epoca i più grandi esponenti della musica rap, ci avevano addirittura dedicato una canzone. Le scarpe delle star del basket erano le Converse, e nessuno credeva davvero che una stella nascente della pallacanestro avrebbe firmato un contratto come testimonial per la Nike. Le Nike, allora, erano le scarpe da jogging. “E i neri non fanno jogging, perché la gente penserebbe che corrono dopo aver rubato qualcosa”, come dice con uno humour sarcastico uno dei personaggi del film. Chi avrebbe davvero immaginato che Michael Jordan avrebbe potuto firmare per un brand come la Nike.

E invece un uomo, un uomo comune, nemmeno sportivo, come Sonny Vaccaro; (interpretato da un mimetico Matt Damon, nascosto dietro tutti i toni del grigio) ci pensa. E trova la chiave. La trova guardando lo spot di una racchetta da tennis di in tv. Si chiama “Io e la mia Head” e un noto tennista spiega come la ditta ha costruito su misura la racchetta per lui. E allora ecco la grande idea per convincere Michael Jordan. Lui non indossa la scarpa, lui è la scarpa. E la scarpa è lui. Si tratta di costruire il prodotto su misura per un atleta, in modo che l’identificazione tra brand, prodotto e personaggio sia totale. Una scarpa studiata attorno all’atleta, ma rivolta al mercato di massa.

Dovrà essere la più bella scarpa mai vista sul mercato. E dovrà essere la scarpa che piacerà anche al di fuori del mondo del basket. Ci dovrà essere del rosso, molto rosso, perché Michael Jordan ha firmato per i Chicago Bulls, e quello è il colore dominante delle divise della squadra. Certo, c’è un problema: le regole della NBA dicono che il 51% della scarpa deve essere bianco, e allora più di tanto il rosso non dovrebbe essere presente. Ma chi se ne frega: la Nike, in caso, pagherà le multe della lega verso Jordan.

Ma quelle scarpe sono speciali anche perché Peter Moore (Matthew Maher). direttore creativo della Nike, ha progettato un sistema con dei cuscinetti d’aria nelle suole, che facilitano i salti e attutiscono gli atterraggi. Stava pensando di chiamare le scarpe “Air Sole”. Ma suona male. E gli viene in mente che il nome “Air Jordan” non suona affatto male. Un’intuizione non da poco. Così come quella, pensata un anno dopo il lancio della scarpa, di sostituire il logo con una figura stilizzata di Jordan che si libra in volo e sembra restare sospeso. La scarpa si chiama Air Jordan, e il campione sembra davvero, in ogni azione e in quell’immagine iconica, sfidare l’aria, restando in volo per secondi che sembrano interminabili, ogni volta che salta per andare a canestro.

Ma per trovare l’accordo con Michael Jordan sarà decisivo un aspetto. Sarà la madre (Viola Davis) a chiederlo, ma l’atleta dovrà percepire una percentuale su tutte le scarpe vendute con il suo nome. Non si tratta solo di un fatto di soldi. Ma del fatto di credere in se stesso, di credere che potrà diventare il numero uno, e che la Nike, in questo modo, riconoscerà il suo valore e la sua voglia di migliorarsi. Per la Nike sembrava un affare temerario. Eppure avrà ragione. Il primo anno le Air Jordan faranno guadagnare al marchio di articoli sportivi 162 milioni di dollari. Ancora oggi, Michael Jordan guadagna 400 milioni di dollari l’anno solo dalla vendita di queste scarpe, richiestissime anche dopo che ha lasciato il basket. Per la cronaca: la Nike ha poi acquisito la Converse, nel 1996. Tutta questa storia è raccontata da un film spassoso, costantemente sopra le righe, con grandi attori e grande musica. È il film da vedere al cinema in questi giorni.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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“Ti senti in colpa, ma, amore mio, non dirlo a nessuno. Per la tua sicurezza. Tuo marito potrebbe ucciderti”. The Last Duel, come il famoso Rashomon di Kurosawa, è raccontato da diversi punti di vista. Prima quello di Jean De Carrouges, poi quello di Le Gris, e solo alla fine quello di Madame De Carrouges. Le parole che abbiamo appena scritto sono quelle del capitolo 2, la versione di Le Gris, lo stupratore. Leggerle è davvero scioccante, come lo è ascoltare la confessione che, poco dopo, dirà a un prete. “Ho commesso peccato di adulterio verso un uomo che considero un amico”. Le Gris non pensa proprio alla donna a cui ha fatto violenza. Non parla di stupro ma di adulterio. Il problema, per lui, è solo tra uomini.

Assistiamo alla versione di Le Gris dopo aver assistito a quella di De Carrouges, che era stata ancora più scarna. Quello che ci colpisce, nei primi due capitoli di The Last Duel, è che in un film in cui una donna è il personaggio chiave, Madame De Carrouges si veda pochissimo. La scrutiamo ascosta dietro le grate, non ascoltiamo mai la sua voce. Ma, man mano che il film procede, ci rendiamo conto che tutto è perfettamente logico. I primi due capitoli sono i racconti dei due uomini, e come tali ci raccontano la loro visione, il loro mondo. Un mondo dove la donna è qualcosa di secondario, di accessorio.

Ma è nel capitolo III, che Ridley Scott titola esplicitamente “La verità secondo Madame De Carrouges. La verità”, con quel termine ribadito ancora una volta, come se volesse che fossimo sicuri che per lui la verità è quella, che i nodi vengono al pettine. E dove, finalmente, anche quello che avevamo visto fino a qui acquista senso. Narrati dal suo punto di vista, vediamo i tanti aspetti della vita di Madame De Carrouges. Come il fatto che, nel giudicare Le Gris, si attenga al giudizio del marito, che lo ritiene inaffidabile. Come sia fedele al marito, e preoccupata di dargli un erede. Assistiamo alle sue notti d’amore con il marito, che proprio d’amore non sono. E assistiamo a una serie di consigli molto intelligenti su allevamento, agricoltura, e anche sui tributi, dati ai suoi collaboratori quando, in assenza del marito, prende in mano alcune faccende.

Ma, soprattutto, nel terzo capitolo, rivediamo la scena dello stupro dal suo punto di vista. Il girato è lo stesso, ma il montaggio è molto diverso. Qui Ridley Scott, con grande maestria, monta dei dettagli visivi e sonori che prima aveva volutamente omesso. Così sentiamo il pianto, le urla della donna, le sue corse e i tentativi di fuga da quella stanza. Il volto in lacrime. E poi spento, con lo sguardo assente, dopo. Quell’atto sessuale che avevamo visto prima ora ci è mostrato come lo ha percepito la protagonista femminile. Ed è una sensazione completamente diversa. Fa ancora più male la reazione del marito: la prima cosa che pensa è che Le Gris abbia fatto un dispetto a lui.

Ma quello che accade dopo forse è ancora peggiore. Perché Madame De Carrouges, una volta deciso di denunciare l’accaduto, non riceve solidarietà da alcuna donna, né dalla suocera che le dice “non siete diversa dalle contadine prese dai soldati in guerra”, né dalla sua amica che le ricorda “avevate detto che trovavate Le Gris attraente”. Madame De Carrouges è al cento di un vero e proprio processo. Ma non è forse così anche oggi, quando le vittime spesso sono più accusate degli stupratori?

La potenza di un racconto del passato usato per parlare del presente è ogni volta la stessa. È fare il parallelo, vedere che le cose spesso sono ancora così, ancora oggi. E fare un salto in avanti, e poi rifare un salto indietro. Pensare che era il 1386 ed era inaccettabile allora. E poi tornare ancora in avanti, realizzare che sono passati 600 anni e le cose spesso sono ancora così. E questo è ancora più inaccettabile. Non è che ai nostri tempi le cose siano andate meglio. In fondo è solo dal 15 febbraio 1996 che si è affermato il principio per cui lo stupro è un crimine contro la persona e non contro la morale pubblica. Sono solo 25 anni fa.

Jodie Comer, nel ruolo di Madame De Carrouges, svetta su tutto il resto del cast. La sua espressione fiera, gli occhi vispi, il suo volto moderno sono incorniciati da un’immagine incantata, gli abiti eleganti e i lunghi capelli biondi da principessa delle favole, da dama dei romanzi cavallereschi È forse per far risaltare ancora la sua bellezza e la sua statura che gli uomini sembrano tutti goffi, rudi, a volte ridicoli. Forse è qualcosa di voluto per raccontare la loro vacuità, la loro vanagloria. Anche il duello finale, violento e muscolare come una sequenza di Ridley Scott sa essere, sembra avere al centro solo loro, il regolamento di conti tra due uomini accecati dall’odio e presi solo da se stessi, Lei, Madame De Carrouges, sposa in nero a sua volta legata in attesa del giudizio di Dio, non può fare altro che osservare e aspettare. Noi, in platea, non possiamo che tifare per suo marito non perché si meriti qualcosa, ma per sapere lei in salvo.

The Last Duel, visto dall’esterno, è il Ridley Scott epico, quello de Il gladiatore, Robin Hood, Le Crociate. E, si sa, è una cosa che gli riesce bene. I duellanti del suo film d’esordio, che si battevano ai tempi di Napoleone, qui vivono nel Medioevo, e si battono in maniera molto più violenta e ferina. Ridley Scott oggi non può più fare la Storia del cinema perché l’ha già scritta almeno tre volte (con Alien, Blade Runner e Thelma & Louise) se non qualcuna di più. Ma può portare il cinema nella Storia e, ancora meglio, aggiornarlo alla Storia dei nostri tempi. Un regista che ha sempre amato le sue donne, dalla Ripley di Alien fino alle Thelma e Louise del film omonimo non è rimasto indifferente ai movimenti di rivendicazione femminile come il #metoo. E ha deciso di scendere in campo con un suo personale, riuscito, duello contro il maschilismo tossico.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Così, dopo i tre colpi a due casinò e a un museo di Roma firmati da Danny Ocean, questa volta è il turno di Debbie Ocean, sorella del fenomenale capo della vecchia banda. E dato che buon sangue non mente, la rapina non può che avere un obiettivo grandioso: una collana dal valore di 150 milioni di dollari, da rubare nientemeno che ad uno degli eventi mondani più importanti del mondo, il Met Gala.

Dietro la macchina da presa di quello che è uno dei titoli più cool dell’estate cinematografica, senz’altro il più atteso, c’è Gary Ross, uno che di azione (e di saghe) se ne intende, dato che ha diretto il primo Hunger Games. Sullo schermo, invece, a formare l’allegra brigata di esperte rapinatrici, un cast stellare. Nei panni di Debbie, troviamo il premio Oscar Sandra Bullock, e nella squadra spiccano altri due Academy Award winner, Cate Blanchett e Anne Hathaway, e poi Helena Bonham Carter, una inedita e sorprendente Rihanna, Mindy Kaling, Sarah Paulson e la stella del rap Awkwafina. Ma il parterre di volti noti che vedremo nel film non finisce qui. L’ambientazione al Met Gala, infatti, ha permesso di inserire nella pellicola numerose star che interpretano se stesse. Il red carpet dell’evento newyorkese, ricreato perfettamente da Ross, è l’occasione per veder sfilare sullo schermo le dive televisive Kim Kardashian, Kendall e Kylie Jenner, e ancora Jaime King, la modella Hailey Baldwin, Katie Holmes e tanti altri personaggi del mondo della moda e del jet set.

Un po’ sequel, un po’ spin off della celebre trilogia di Soderbergh (a sua volta nata come remake del film del 1960, Colpo grosso, con Frank Sinatra e Dean Martin), Ocean’s 8 è un heist movie che promette azione e divertimento e che sicuramente accontenterà il pubblico, sia maschile che femminile. In uscita il 26 luglio con Warner Bros, il film ha già ottenuto un ottimo successo negli Stati Uniti, raggiungendo quasi 130 milioni di incasso al botteghino. E’ l’occasione per poter riaprire una saga che sembrava finita? Chissà. Intanto, buona rapina a tutti.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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La storia è fantascientifica e alquanto originale, quella di un mondo in cui è possibile rimpicciolirsi per salvaguardare la salute del pianeta, consumando e inquinando di meno. In questa folle, seppur nobile alla base, pratica finisce anche il protagonista interpretato da Matt Damon, che si ritrova alto 12 cm a vivere in una città in miniatura e apparentemente ideale.

Nonostante lo spunto fantascientifico, Payne non vede una discontinuità con la sua produzione precedente. “Credo sia un film pienamente in linea con gli altri. Presenta lo stesso humor e lo stesso tono”, ha affermato il regista. “E’ un film molto umano, che racconta una storia d’amore”. Amore tra i personaggi interpretati da Matt Damon e Hong Chau, bravissima nel ruolo di una dissidente vietnamita “rimpicciolita” dal regime del suo paese ed emigrata clandestinamente negli Stati Uniti.
“Tutti i film di Alexander sono un mix di dramma e commedia. Anche Downsizing parla d’amore, di umanità, di come tratti un vicino di casa. Non è un film unidimensionale”, ha commentato l’attrice. Muoversi sulle tonalità sfumate di Payne, dunque, non sembrerebbe un lavoro facile per un attore, ma Damon ha voluto sottolineare l’esatto contrario: “tutti vorrebbero lavorare con Alexander. E’ un regista molto meticoloso, ed è facile lavorare con lui, basta seguire esattamente quello che vuole. E lui ha sempre le idee chiare. Anche quando ti fa fare venti ciak, sai che lo fa per un motivo preciso”.

Il premio Oscar per Will Hunting – Genio ribelle ha poi proseguito: “quando ho letto la sceneggiatura l’ho trovata unica, originale, intelligente. Il mio è un personaggio con un vita diversa dalle nostre, ma che ha anche molte cose in comune con noi. Era facile creare empatia”.
D’altronde, come sempre nel cinema di Payne, da Sideways a Paradiso amaro fino a Nebraska, sono centrali i personaggi e i loro sentimenti. Anche per questo all’autore non interessava molto approfondire l’aspetto scientifico del processo di rimpicciolimento. “Abbiamo avuto della consulenza scientifica, ma poca. Non volevamo essere condizionati da questo aspetto, a noi interessava la storia. Nonostante ciò, per creare questo mondo fantascientifico, mi sono avvalso di una bravissima production designer, Stefania Cella, collaboratrice di Sorrentino per La grande bellezza. Lei ha tantissime idee e mi ha dato la possibilità di lavorare su una tela magnifica”. Il risultato di Downsizing porta quindi la firma anche di un talento italiano.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Il film è stato scritto dai fratelli Coen negli anni Ottanta. E’ stata l’ascesa di Trump a farvi riprendere in mano il progetto?
George Clooney: Abbiamo iniziato a lavorare a questo film quando Donald Trump ha cominciato la sua corsa politica. Ma “fare grande l’America” si diceva anche negli anni Cinquanta ai tempi di Eisenhower. Non c’è niente di nuovo. Alcuni aspetti, alcuni problemi non andranno mai fuori moda nel nostro paese.

Il film propone una riflessione politica molto forte…
George Clooney: Io sono cresciuto in Kentucky negli anni Sessanta, e in quel periodo si lottava contro la segregazione. La storia della famiglia afroamericana del film contrapposta alla lucida follia dei Lodge è uno strumento per far capire allo spettatore che stiamo andando nella direzione sbagliata nel momento in cui per ogni problema incolpiamo una minoranza. Ma d’altronde abbiamo ancora tanto lavoro da fare per liberarci del nostro peccato originale: la schiavitù.

Matt Damon, come ti sei trovato in questo ruolo da cattivo?
Matt Damon: E’ un ruolo nuovo per me, mai interpretato un personaggio simile. George con questa parte mi ha fatto fare un salto in avanti. E’ stato divertente recitare in questo film. Ho avuto uno dei migliori registi a dirigermi e molto della mia interpretazione la devo a lui.

Julianne Moore, com’è stato interpretare questo doppio ruolo?
Julianne Moore: George mi ha offerto due ruoli perché voleva risparmiare. A parte gli scherzi, quello con George è stato un lavoro splendido e sono stata felicissima che mi abbia offerto due personaggi. Mi piaceva mettermi nei panni di due donne diversissime ed è stato interessante e stimolante vedere la vita di una sorella che si ripercuote su quella dell’altra.

Questo film trasmette tanta rabbia. La rabbia sembra il sentimento su cui è basato…
George Clooney: Guardiamo gli Stati Uniti: ovunque si guardi si trova rabbia. La rabbia di tutto il paese è al massimo storico. C’è una nube nera sugli States. Il film riflette questa situazione, in modo divertente e anche con cattiveria. In ogni caso io sono ottimista, sono fiducioso, credo molto nei giovani, credo davvero che possano e vogliano migliorare il mondo.

Nel film troviamo anche Oscar Isaac. Come mai ha scelto lui?
George Clooney: Quando i fratelli Coen volevano portare sullo schermo questa sceneggiatura, nel 1999, avevano offerto quel ruolo a me. E quando l’anno scorso ho deciso di realizzare questo film, ho pensato subito ad Oscar perché è un grande attore, un interprete meraviglioso.

Le voci si stanno facendo sempre più insistenti. Sarà lei il prossimo candidato democratico alla presidenza?
George Clooney: Sarebbe divertente. Ma chiunque sarebbe meglio di chi occupa quel ruolo adesso.

di Antonio valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credits: @MatteoMignani

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La storia è fantascientifica e alquanto originale, quella di un mondo in cui è possibile rimpicciolirsi per salvaguardare la salute del pianeta, consumando e inquinando di meno. In questa folle, seppur nobile alla base, pratica finisce anche il protagonista interpretato da Matt Damon, che si ritrova alto 12 cm a vivere in una città in miniatura e apparentemente ideale. Di spunti e sottotesti sociopolitici la pellicola quindi ne presenta parecchi, ma sia Payne che Damon, accompagnati dal cosceneggiatore Jim Taylor e dalle coprotagoniste Hong Chau e Kristin Wiig, sono apparsi molto restii a parlarne con i giornalisti. Infatti, alla conferenza stampa di presentazione qui al Lido, il regista e il cast hanno preferito infarcire l’incontro di sorrisi ed ironie piuttosto che entrare nel dettaglio delle tematiche attuali proposte dal film, lasciando così spazio a tutte le possibili interpretazioni del pubblico.

Nonostante lo spunto fantascientifico, Payne non vede una discontinuità con la sua produzione precedente. “Credo sia un film pienamente in linea con gli altri. Presenta lo stesso humor e lo stesso tono”, ha affermato il regista. “E’ un film molto umano, che racconta una storia d’amore”. Amore tra i personaggi interpretati da Matt Damon e Hong Chau, bravissima nel ruolo di una dissidente vietnamita “rimpicciolita” dal regime del suo paese ed emigrata clandestinamente negli Stati Uniti. “Tutti i film di Alexander sono un mix di dramma e commedia. Anche Downsizing parla d’amore, di umanità, di come tratti un vicino di casa. Non è un film unidimensionale”, ha commentato l’attrice. Muoversi sulle tonalità sfumate di Payne, dunque, non sembrerebbe un lavoro facile per un attore, ma Damon, di poche parole durante la conferenza – anche perché stranamente poco chiamato in causa dai giornalisti – ha voluto sottolineare l’esatto contrario: “tutti vorrebbero lavorare con Alexander. E’ un regista molto meticoloso, ed è facile lavorare con lui, basta seguire esattamente quello che vuole. E lui ha sempre le idee chiare. Anche quando ti fa fare venti ciak, sai che lo fa per un motivo preciso”. Il premio Oscar per Will Hunting – Genio ribelle ha poi proseguito: “quando ho letto la sceneggiatura l’ho trovata unica, originale, intelligente. Il mio è un personaggio con un vita diversa dalle nostre, ma che ha anche molte cose in comune con noi. Era facile creare empatia”.

D’altronde, come sempre nel cinema di Payne, da Sideways a Paradiso amaro fino a Nebraska, sono centrali i personaggi e i loro sentimenti. Anche per questo all’autore non interessava molto approfondire l’aspetto scientifico del processo di rimpicciolimento. “Abbiamo avuto della consulenza scientifica, ma poca. Non volevamo essere condizionati da questo aspetto, a noi interessava la storia. Nonostante ciò, per creare questo mondo fantascientifico, mi sono avvalso di una bravissima production designer, Stefania Cella, collaboratrice di Sorrentino per La grande bellezza. Lei ha tantissime idee e mi ha dato la possibilità di lavorare su una tela magnifica”. Il risultato di Downsizing porta quindi la firma anche di un talento italiano.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photocall – Downsizing – Matt Damon © La Biennale di Venezia – foto ASAC

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La pellicola, che uscirà negli USA il 21 dicembre, è interpretata da Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau e Kristen Wiig, e sarà proiettata in prima mondiale mercoledì 30 agosto nella Sala Grande del Palazzo del Cinema al Lido di Venezia.

Downsizing racconta le avventure di Paul Safranek (Matt Damon), un uomo ordinario che viva nello Stato del Nebraska, ad Omah (città natale di Payne), insieme alla moglie Audrey (Kristen Wiig), sognando una vita migliore. Per rispondere alla crisi mondiale causata dalla sovrappopolazione e dall’eccessivo consumo energetico, è stato scoperta una procedura di rimpicciolimento in grado di ridurre temporaneamente le dimensioni delle persone di circa un ottavo, permettendogli così di risparmiare le risorse a disposizione.
Le persone presto scoprono che i loro risparmi valgono di più in un mondo più piccolo e, con la promessa di uno stile di vita lussuoso oltre ogni loro aspettativa, Paul e Audrey decidono di correre il rischio di sottoporsi a questa pratica controversa, imbarcandosi in un’avventura che cambierà le loro vite per sempre.

Alexander Payne ha già vinto due Oscar per la sceneggiatura di Sideways e per lo script di Paradiso amaro con George Clooney, ma è la prima volta che il regista americano presenta un film a Venezia.

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Previsti grandi nomi internazionali e il rilancio del cinema italiano, con 4 film “tricolori”. Chi vincerà il Leone d’Oro?

Fra le star più attese George Clooney, Matt Damon, Michelle Pfeiffer, Jennifer Lawrence, Javier Barden e Julianne Moore.

LA LISTA COMPLETA DEI FILM IN CONCORSO

HUMAN FLOW
di AI WEIWEI
Germania, Usa / 140’

MOTHER!
di DARREN ARONOFSKY
con Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Ed Harris
Usa / 120’

SUBURBICON
di GEORGE CLOONEY
con Matt Damon, Julianne Moore, Noah Jupe, Oscar Isaac / Usa / 104’

THE SHAPE OF WATER
di GUILLERMO DEL TORO
con Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg, Octavia Spencer / Usa / 119’

THE INSULT
di ZIAD DOUEIRI
con Adel Karam, Kamel El Basha, Camille Salameh, Rita Hayek / Francia, Libano / 110’

LA VILLA
di ROBERT GUÉDIGUIAN
con Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin / Francia / 107’

LEAN ON PETE
di ANDREW HAIGH
con Charlie Plummer, Steve Buscemi, Chloë Sevigny / Gran Bretagna / 121’

MEKTOUB, MY LOVE: CANTO UNO
di ABDELLATIF KECHICHE
con Shain Boumedine, Ophélie Baufle, Salim Kechiouche, Lou Luttiau, Alexia Chardard, Hafsia Herzi / Francia, Italia / 180’

SANDOME NO SATSUJIN (THE THIRD MURDER)
di KOREEDA HIROKAZU
con Fukuyama Masaharu, Yakusho Kōji, Hirose Suzu / Giappone / 124’

JUSQU’À LA GARDE
di XAVIER LEGRAND
con Denis Ménochet, Léa Drucker, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Saadia Bentaïeb Francia / 90’

AMMORE E MALAVITA
di MANETTI Bros.
con Giampaolo Morelli, Serena Rossi, Claudia Gerini, Carlo Buccirosso / Italia / 133’

FOXTROT
di SAMUEL MAOZ
con Lior Ashkenazi, Sarah Adler, Yonatan Shiray / Israele, Germania, Francia, Svizzera / 113’

THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI
di MARTIN McDONAGH
con Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish, John Hawkes, Peter Dinklage / Gran Bretagna / 110’

HANNAH
di ANDREA PALLAORO
con Charlotte Rampling, André Wilms / Italia, Belgio, Francia / 95’

DOWNSIZING
di ALEXANDER PAYNE
con Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig / Usa / 140’

JIA NIAN HUA (ANGELS WEAR WHITE)
di VIVIAN QU
con Wen Qi, Zhou Meijun, Shi Ke, Geng Le, Liu Weiwei, Peng Jing / Cina, Francia / 107’

UNA FAMIGLIA
di SEBASTIANO RISO
con Micaela Ramazzotti, Patrick Bruel / Italia / 105’

FIRST REFORMED
di PAUL SCHRADER
con Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Cedric Kyles / Usa / 108’

SWEET COUNTRY
di WARWICK THORNTON
con Sam Neill, Bryan Brown, Hamilton Morris, Thomas M. Wright / Australia / 112’

THE LEISURE SEEKER
di PAOLO VIRZÌ
con Helen Mirren, Donald Sutherland / Italia / 112’

EX LIBRIS – THE NEW YORK PUBLIC LIBRARY
di FREDERICK WISEMAN
Usa / 197’

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Ryan Gosling e Emma Stone, Jordan Horowitz,

“Warren, what did you do?!”, ha detto Jimmy Kimmel al malcapitato attore americano. Ma poco importa – verrebbe da dire – a contare è solo il risultato finale. Senza dubbio. Ma ciò non toglie che l’errore (indotto, è giusto sottolinearlo) nell’annuncio del vincitore, da parte dei “vecchi” Bonnie & Clyde, rimarrà a lungo impresso nella mente dei cinefili e non solo. Così, quella che si preannunciava come la cerimonia di Hollywood vs. Trump, è diventata l’edizione della più grande figuraccia della storia degli Academy Awards.

La gaffe finale ha infatti messo in secondo piano le critiche rivolte dalle star del cinema al neo presidente degli Stati Uniti. Critiche espresse con il solito sarcasmo da Jimmy Kimmel, che prima ha ringraziato Trump per aver reso, con la sua politica, meno razzisti gli Oscar (riferendosi ironicamente alla polemica “#OscarSoWhite della passata edizione), e poi lo ha punto con diverse frecciatine: l’ha preso in giro per l’ormai celebre riferimento ad un fantomatico attacco terroristico in Svezia (“siamo così dispiaciuti per quello che è successo”), gli ha destinato dei simpatici tweet in diretta (“Donald, sei sveglio?”) ed infine ha chiesto una standing ovation per la grande Meryl Streep, che il presidente aveva attaccato dopo le sue dichiarazioni ai Golden Globes.

L’iraniano Asghar Fahradi, vincitore del suo secondo Oscar per Il cliente, premiato come miglior film straniero, ha disertato la cerimonia per protesta contro il Muslim Ban: “La mia assenza è un atto di rispetto verso i miei concittadini e quelli di altri sei paesi che hanno subito una mancanza di rispetto per una legge che vieta l’ingresso di immigrati negli Usa” – ha dichiarato il regista, affidando le sue parole ad una astronauta del suo Paese. A rincarare la dose di critiche ci hanno pensato anche l’attore Gael Garcia Bernal (“come Messicano, come immigrato, come essere umano, sono contro ogni forma di muro che ci separa“) e il nostro Alessandro Bertolazzi (“Io sono italiano, questo Oscar è per tutti gli immigrati”), che si è aggiudicato insieme a Giorgio Gregorini e Christopher Nelson la statuetta per il trucco di Suicide Squad.
Un po’ d’Italia c’è dunque stata in questa 89ª edizione degli Academy Awards, nonostante Gianfranco Rosi e il suo acclamato Fuocoammare non siano riusciti a portare a casa l’Oscar come miglior documentario. A “levargli” il premio è stato infatti O.J.: Made in America, film che ripercorre la vita di O.J. Simpson e che era dato come favorito già da settimane. Pronostico rispettato, quindi, come in fondo, a parte la sorpresa finale, è accaduto in tutte le categorie.

I due film annunciati come protagonisti della serata, Moonlight e La La Land, hanno ottenuto rispettivamente tre e sei Oscar. Il primo oltre a quella per miglior pellicola, si è aggiudicato la vittoria per la sceneggiatura non originale e per l’attore non protagonista, Mahershala Ali. Il secondo invece si è aggiudicato i premi per la fotografia, la colonna sonora, la canzone (la bellissima City of Stars), la scenografia, e soprattutto per la regia e l’interpretazione femminile. Sia Damien Chazelle sia Emma Stone si sono aggiudicati il premio alla loro seconda candidatura. Tra l’altro, il regista, dopo la nomination per il suo film d’esordio Whiplash, è riuscito nell’impresa di vincere l’Oscar a soli trentadue anni, risultando il più giovane della storia ad essere premiato in questa categoria. E se il suo discorso, nonostante questo “record”, è apparso abbastanza convenzionale, quello dell’attrice, che ha battuto la notevole Natalie Portman di Jackie, è stato più accorato e ricco di emozioni. La Stone, che aveva rischiato di vincere già due anni fa per la sua interpretazione in Birdman, salita sul palco in lacrime, ha ringraziato Chazelle per averle dato l’opportunità di recitare nel film e Ryan Gosling, “il miglior partner del mondo”, “per avermi fatto ridere e aver sempre alzato l’asticella”.
Come attrice non protagonista ha vinto invece Viola Davis, al secondo Oscar, per la sua performance in Barriere, diretto da Denzel Washington; mentre come miglior attore protagonista è stato premiato Casey Affleck per Manchester by the Sea. L’attore, dopo una vita da outsider all’ombra del più noto fratello Ben, si è finalmente preso la sua rivincita. Con la statuetta in mano, Affleck ha ringraziato i genitori, il regista Kenneth Lonergan, Matt Damon ed infine proprio il fratello maggiore. “Grazie Ben! Ti voglio bene”, ha dichiarato dal palco del Dolby Theatre, zittendo una volta per tutte le voci sulla loro rivalità. Dopo questo Oscar, probabilmente la sua carriera decollerà definitivamente. Sempre che l’epic fail finale non faccia dimenticare a tutti la sua vittoria…
Credits Image: ©GettyImage

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Se i Golden Globe da sempre sono considerati l’anticamera degli Oscar, allora forse quest’anno riusciremo a vedere Leonardo Di Caprio reggere in mano la sua prima soffertissima e meritatissima statuetta. E’ a lui, infatti, che è andato il Golden Globe come miglior attore protagonista per il suo ruolo in Revenant – Redivivo. Revenant ha fatto incetta di premi anche per ciò che riguarda le premiazioni come Miglior film drammatico e miglior regista. Il pluripremiato regista Alejandro González Iñárritu si porta a casa un altro premio. Altra affezionatissima è Jennifer Lawrence che si porta a casa il suo terzo Golden Globe per la sua interpretazione come attrice protagonista in Joy, nella categoria commedia o musical. A Matt Damon il Golden Globe per la stessa categoria per il suo ruolo in The Martian. Per la felicità di tutti a Inside Out va il Golden Globe come miglior film d’animazione. Grande Sorpresa per Kate Winslet che si aggiudica il suo primo Golden Globe come migliore attrice non protagonista – per la sua interpretazione di Joanna Hoffman nel film Steve Jobs di Danny Boyle. Passando alla televisione: segnaliamo il Golden Globe a Taraji P. Henson per il suo ruolo in Empire.

Di seguito tutti i vincitori:

CINEMA
Miglior film drammatico
Revenant – Redivivo di Alejandro González Iñárritu

Miglior regista
Alejandro González Iñárritu per Revenant – Redivivo

Migliore attrice protagonista (in un film drammatico)
Brie Larson – Room

Migliore attore protagonista (in un film drammatico)
Leonardo DiCaprio – Revenant – Redivivo

Miglior film (commedia o musical)
Sopravvissuto – The Martian di Ridley Scott

Migliore attrice protagonista (commedia o musical)
Jennifer Lawrence – Joy

Migliore attore protagonista (commedia o musical)
Matt Damon – Sopravvissuto – The Martian

Miglior film d’animazione
Inside Out di Pete Docter e Ronnie del Carmen

Miglior film in lingua straniera
Il figlio di Saul di László Nemes (Ungheria)

Miglior attrice non protagonista
Kate Winslet – Steve Jobs

Migliore attore non protagonista
Sylvester Stallone – Creed – Nato per combattere

Migliore sceneggiatura
Aaron Sorkin per Steve Jobs

Miglior colonna sonora originale
Ennio Moricone, The Hateful Eight

Migliore canzone
Writing’s on the Wall in Spectre

TELEVISIONE
Migliore serie tv drammatica
Mr. Robot

Migliore attrice in una serie drammatica
Taraji P. Henson per Empire

Migliore attore in una serie drammatica
Jon Hamm per Mad Men

Migliore serie commedia o musical
Mozart in the Jungle

Migliore attrice in una serie commedia o musical
Rachel Bloom – Crazy Ex Girlfriend

Migliore attore in una serie commedia o musical
Gael Garcìa Bernal – Mozart in the Jungle

Migliore miniserie o film tv
Wolf Hall

Migliore attrice in una miniserie o film tv
Lady Gaga – American Horror Story: Hotel

Migliore attore in una miniserie o film tv
Oscar Isaac – Show Me a Hero

Migliore attrice non protagonista in una serie, miniserie o film tv
Maura Tierney – The Affair

Migliore attore non protagonista in una serie, miniserie o film tv
Christian Slater – Mr. Robot

di Emma Mariani

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