Quando la lunga notte polare scende su Ennis, Alaska, gli otto uomini che lavorano all’interno della Tsalal Arctic Research Station svaniscono senza lasciare traccia. Per risolvere il caso, le detective Liz Danvers (Jodie Foster) e Evangeline Navarro (Kali Reis) dovranno prima confrontarsi con il loro lato oscuro, e scavare tra le inquietanti verità che giacciono sepolte sotto i ghiacci perenni. Quando le detective ritroveranno i corpi scomparsi, dovranno decifrare complessi messaggi e rispolverare un vecchio caso, prima che il ghiaccio, sciogliendosi, riporti in superficie gli orrori del passato. Come ama ripetere la detective Danvers: qual è la domanda giusta da porsi?

“When We All Fall Asleep, Where Do We Go?”, canta Billie Eilish in Bury A Friend, la canzone che è la nuova sigla di True Detective: Night Country. “Quando tutti ci addormentiamo, dove andiamo?”. La risposta è nei sogni. O negli incubi. Ed è proprio questo, un incubo, che è sempre stato il racconto di True Detective.  True Detective: Night Country, questa quarta stagione, per portarci nei meandri di un incubo sceglie benissimo luoghi e ambienti. L’azione, infatti, prende il via durante l’ultimo giorno di sole dell’anno in Alaska e procede in una lunghissima notte senza fine. Già questo porta alla storia un’atmosfera cupa, opprimente, con l’idea che qualcosa di pericoloso possa accadere da un istante all’altro. Questa pennellata di nero aggiunge inquietanti strati a un mistero che già di per sé è oscuro.

Ricorderete tutti la prima, storica stagione di True Detective. Al centro c’erano due poliziotti (Matthew McConaughey e Woody Harrelson, qui in veste di produttori insieme a Cary Joji Fukunaga e Nic Pizzolatto, gli altri due artefici di quella prima stagione) che erano prima di tutto due uomini, in carne ed ossa, con i loro dolori, le loro fatiche i loro fantasmi. In questa nuova stagione ci sono al centro due donne, due detective diversissime ma fatte della stessa pasta. Sono due donne toste, dure, due combattenti. E sono accomunate da un doloroso trascorso. Sono Jodie Foster, per la prima volta in una serie tv, e Kali Reis. È emozionante vedere Jodie Foster di nuovo nel ruolo di una poliziotta a oltre trent’anni dal suo ruolo da Oscar ne Il silenzio degli innocenti. Il suo volto di porcellana ora è solcato da rughe, ed è perfetto per portare in scena il personaggio di una donna che sappiamo essere stata provata dalla vita. Una donna stanca, ma caparbia e combattiva. Kali Reis, la sua partner, ha un volto d’ebano, che due piercing d’acciaio sulle guance rendono quello di una guerriera quasi ancestrale. Anche la sua vita è stata dura, e lo è ancora.

Ritorna così anche in questa quarta stagione un classico di True Detective. L’indagine è al di fuori, è sui crimini che avvengono nella storia, ma è anche dentro di sé, nel proprio intimo, nel proprio vissuto, nelle situazioni familiari. È anche questo che intriga in un racconto di questo tipo, e che ci spinge a vedere True Detective. La serie antologica crime della HBO si conferma così un must della serialità televisiva. Questa nuova stagione è avvincente, anche se manca quel senso profondo di sporco – anche visivamente – e di malato che avvolgeva la prima, irripetibile stagione. Ma, in ogni caso, siamo a livelli di eccellenza. E allora non vi resta altro da fare che tuffarvi in questa notte senza fine.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Dopo che un esaurimento nervoso ha fatto deragliare il suo ultimo tour, Jocelyn (Lily-Rose Depp) è decisa a riconquistare lo status che le spetta, quello di più grande e sexy popstar d’America. Lavora duro, ha in uscita un nuovo singolo, e ha in previsione un tour. Ma non è convinta delle sue nuove canzoni, sembra mancarle qualcosa. A riaccendere le sue passioni è Tedros (Abel “The Weeknd” Tesfaye), impresario di nightclub, deejay e produttore, che incontra una sera nel suo locale. Mentre Joss sta facendo quel servizio fotografico, intanto, arriva una foto molto compromettente, un selfie che potrebbe rovinare la sua carriera. O forse no…

The Idol ci mostra quello che di solito non vediamo. Tutto quello che gira intorno alle immagini scintillanti e provocanti delle star che trovavamo (e a tratti troviamo ancora) sulle riviste patinate, e che oggi ci appaiono soprattutto sul web e sui social media. C’è una star, una stella luminosa, al centro. Tutto intorno ruotano pianeti e satelliti: manager, fotografi, coreografi, produttori, discografici, impresari, assistenti, giornalisti, coordinatori dell’intimità. Sì, in una delle prime scene appare anche un “intimacy coordinator”, una di quelle figure che sentiamo nominare perché, sui set, foto e riprese vengano fatte nel modo giusto, in modo che sia rispetto per il corpo e per la persona. Pianeti e satelliti girano intorno alla stella, dicevamo. Ma è davvero così o è il contrario?

“La malattia mentale è sexy”, sentiamo dire all’inizio di The Idol da una scaltra manager, mentre osserva Joss sul set fotografico. Il perché sia da ritenere tale è tutto un programma, che qui non possiamo riportare, e che scoprirete guardando la serie. Ma quella frase, e la storia di Joss, è qui per ricordarci quante stelle cadenti abbiamo visto durare una notte d’estate. Crolli nervosi, dipendenze, comportamenti borderline li abbiamo già visti tante volte. Britney Spears (pare che la storia sia ispirata a lei), Lindsay Lohan, Demi Lovato e tante altre.  Sono storie che abbiamo visto tante volte, nelle notizie di gossip, su giornali e sul web, che abbiamo letto velocemente e siamo passati avanti. The Idol prova a portarci dentro a tutto questo, a mostrarci il prima, il dopo, il mondo in cui tutto questo avviene. E che cos’è che scatena certi comportamenti.

“È la nuova Brigitte Bardot”. “Ha un che di Sharon Tate”. Ogni volta che nasce una stella i paragoni si sprecano, ed è in questi termini che i manager parlano di Jocelyn. Parlando di Lily-Rose Depp viene immediato pensare ai suoi genitori, Johnny Depp e Vanessa Paradis, concentrarci su quel volto dove non possiamo fare a meno di vedere sua madre e suo padre. Lily-Rose Depp ha i capelli biondi e l’ovale perfetto della madre, i lineamenti, gli zigomi alti, e quegli occhi neri, infuocati del padre. Il volto di Lily-Rose Depp, come abbiamo capito da quelle prime immagini, è capace di regalarci le emozioni più sfaccettate. Ma in The Idol, lo avrete capito, Lily-Rose recita soprattutto con il corpo, con tutto il corpo. Il suo corpo minuto, slanciato, acerbo, quasi adolescenziale è quasi sempre scoperto, in vista. È bellissimo, ma anche uguale a tanti altri, i corpi delle popstar di oggi che, a un primo sguardo, sembrano davvero tutti uguali. È proprio così che, probabilmente, dev’essere in una serie come The Idol, perché la figura di Lily-Rose Depp è qui per evocarne tante altre. E, in questo, l’attrice è perfettamente credibile.

A un certo punto, in un club, sentiamo una versione remixata di Like A Prayer di Madonna, la prima popstar dell’era moderna. È lei, il modello della “Blonde Ambition”, che ha dato inizio a un certo tipo di star system che è ancora quello di oggi. Ma nella popstar di origini italiane ci sembrava di vedere tutta un’altra consapevolezza, un voler tenere saldamente in pugno le redini della propria carriera, una personalità e un carisma che abbiamo ritrovato in altre star, ma che a molte altre sembra mancare. A proposito di bionde, c’è anche Sharon Stone, quella di Basic Instinct, nel primo episodio di The Idol. Quasi che i creatori della serie volessero inserire la loro eroina in una galleria di bionde fatali. O che si voglia presagire una svolta più pericolosa nel prosieguo della storia.

“La musica pop è superficiale”. “Credo che Prince non sarebbe d’accordo” recita un dialogo tra Joss e Tedros, che si avvia a diventare il suo mentore, e con il quale il feeling non sembra fermarsi al livello professionale. “Il pop è come un perfetto Cavallo di Troia”, dice lui. “Fai ballare la gente, la fai cantare con te le fai dire quello che vuoi”. The Idol è, o almeno prova ad essere, anche una riflessione sul pop, sulla musica di oggi.

Dietro a tutto questo gioco c’è Sam Levinson, il creatore di Euphoria, serie estrema per forma e contenuti, di cui vi abbiamo parlato spesso. Il gioco, in parte, è lo stesso: il voyeurismo, la scabrosità, il voler spingere gli attori oltre i loro limiti, oltre la loro comfort zone. Le immagini, come in Euphoria, sono allo stesso tempo brutali e patinate, esplicite e scintillanti. Lì c’era il fine di raccontare una generazione di ragazzi perduti, abbandonati a se stessi. Anche qui c’è una ragazza giovane, solo poco più adulta, già realizzata, già molto ricca. Una popstar internazionale dove c’erano studenti e spacciatori. Ma insicurezze, dolori, dipendenze potrebbero essere anche gli stessi. Il gioco funziona, ma funziona di meno. Se quei ragazzi abbandonati ci avevano preso il cuore, la giovane popstar è qualcuno che sentiamo meno vicino. Il gioco è intrigante, anche se molto più freddo e meno empatico. Arrivati alla fine del primo episodio, comunque funziona. Si sta al gioco, e si ha voglia di continuare a guardare per capire dove arriverà quella che si prospetta come una discesa agli inferi. E, dopo questo primo episodio, non ascolterete più Donna Summer e la sua Love To Love You Baby nello stesso modo.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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L’attesissimo, epico, dramma fantasy “House of the Dragon”, prequel della serie fenomeno mondiale della HBO “Game of Thrones”, si è recato negli spettacolari paesaggi di AlUla nell’ambito di una campagna promozionale per il lancio della serie che va in onda oggi in tutto il mondo e nella regione su OSN+.

Il filmato, pubblicato sui social media, è stato girato presso l’area archeologica e presenta, grazie all’uso della CGI, il drago di Daemon Targaryen, Vhagar, che fa strage con le sue fiamme e la sua imponente mole.

Le celebrazioni sono proseguite con il sigillo della Casa del Drago impresso sull’iconica formazione rocciosa naturale di AlUla, l’Elephant Rock, e con un gigantesco teschio di drago Balerion visibile nel Diwan di Jabal Ithlib, uno dei siti più affascinanti di Hegra e nello splendido paesaggio di Wadi Al Fann.

Le sorprendenti attivazioni continueranno per tutta la serie, con ulteriori apparizioni di draghi presso i diversi monumenti naturali e artificiali di AlUla. Le attivazioni di OSN+ sono state create dal produttore e regista Tom Jauncey dello studio di contenuti creativi Beautiful Destinations per coinvolgere i fan e stimolarne di nuovi a scoprire la serie prima del vero ed emozionante viaggio in “House of The Dragon”, una serie destinata a dominare il panorama televisivo.

La serie, basata su “Fire & Blood” di George R.R. Martin e ambientata 200 anni prima degli eventi di Game of Thrones, racconta la storia della Casa Targaryen.

“Grazie alla sua importanza storica e archeologica nella regione, nonché alle suggestive formazioni rocciose nel deserto dell’Arabia Saudita, AlUla era senza dubbio la location ideale per OSN+ per attivare una delle più grandi prime televisive, House of the Dragon, il prequel di Game of Thrones della HBO, sia a livello globale che nella regione”, ha dichiarato Ashley Rite, VP of Marketing & Growth di OSN+. “Siamo lieti di aver collaborato con la Royal Commission for AlUla per una campagna promozionale altamente esperienziale e coinvolgente”.

Phillip Jones, Chief Destination Management and Marketing Officer della Royal Commission for AlUla (RCU) ha spiegato: “Con i paesaggi ultraterreni di AlUla e gli antichi siti realizzati da civiltà che risalgono a 7.000 anni fa, AlUla è il luogo perfetto per presentarsi come la casa dei draghi. Grazie alla lunga storia e il ruolo di crocevia di civiltà, AlUla ha i suoi miti, le sue leggende e le sue storie da raccontare. Siamo molto felici di prestare la nostra destinazione ai team di HBO e OSN e di far parte del fenomeno di Game of Thrones”.

L’Arabia Saudita offre uno sconto del 40% per lungometraggi, serie televisive e documentari internazionali e locali che prevedono di essere girati nel Regno. Film AlUla, l’agenzia cinematografica della Royal Commission for AlUla, istituita per promuovere e sostenere la produzione cinematografica e televisiva internazionale nella regione di AlUla, ha sostenuto le attivazioni con lo scouting e l’autorizzazione delle location.

AlUla offre ai registi una grande varietà di paesaggi in cui girare tra cui paesaggi desertici, interessanti formazioni rocciose, oasi lussureggianti e siti storici. Film AlUla sostiene con incentivi alle riprese e facilitazioni sul campo. Di recente inoltre ha accolto il thriller d’azione statunitense “Kandahar” di Ric Roman Waugh con Gerard Butler e la produzione nazionale “Norah” scritta e diretta da Tawfik Alzaidi.

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Westworld 4, creata Jonathan Nolan & Lisa Joy, basata sul film scritto da Michael Crichton, sembra proseguire sulla falsariga della stagione 3, che aveva operato un notevole cambio di tono e di scenario, ma in qualche modo sembra, a tratti, voler tornare indietro verso quelle prime due stagioni, la prima soprattutto, che poneva profonde riflessioni sulla natura umana e sul libero arbitrio. Vi diciamo la verità. Proviamo parecchia nostalgia per il vecchio Westworld, per quella prima, eccezionale, stagione 1 che, se fosse rimasta un pezzo unico, sarebbe stato un grande film di dieci ore con un raffinato percorso di crescita da parte dei personaggi e un finale perfetto. Come vi avevamo raccontato due anni fa, in occasione della stagione 3, l’azione (o, almeno, gran parte di essa, come vedremo) si svolge ora fuori dal parco, nella realtà, in un futuro prossimo che ricorda molti mondi futuri già visti. Ci è mancato quel tocco retrofuturistico del primo Westworld, nome che non a caso denotava quel parco a tema ambientato nel vecchio West, dove avevamo la sensazione straniante di essere in un futuro dove gli automi del tutto simili agli umani possono esistere ma anche trascinati in un mondo indietro nel tempo, quel “selvaggio” West in cui tutto era concesso, agli umani, e in quell’ambiente potevano dare sfogo ai loro istinti peggiori.

Quando la storia si è spostata nel nostro mondo, anche se tra parecchi anni, tutto è diventato meno particolare, meno originale. È in questo mondo che incontriamo Maeve (Thandie Newton), che sogna ancora la figlia che aveva nel parco a tema Westworld, e che qui vediamo raggiungere Caleb. Vestita in nero, con tanto di ascia da angelo sterminatore, Maeve è “l’Eletto”, tra gli automi, colei ch, non solo è diventata consapevole della propria situazione, ma ha anche il potere di condizionare la mente degli altri automi, comandarli, leggere nelle loro azioni passate. Una sorta di macchina potentissima e di guida per gli altri. Ritroviamo anche Dolores, che però non è più Dolores. Si chiama Christina (Evan Rachel Wood), ha le stesse sembianze di Dolores, ma è un altro essere. Malinconica, pensierosa, dove Dolores era vendicativa e violenta, lavora in un’azienda di intrattenimento per cui costruisce mondi, una sorta di giochi che però hanno luogo nella realtà e condizionano la vita delle persone. È come se fosse una sorta di contrappasso per il personaggio di Dolores, che in un mondo virtuale, dove era una pedina in balia degli altri, era stata concepita ed era costretta a vivere. Ritroviamo anche William (Ed Harris), l’uomo in nero. Sempre più tirato a lucido, magro, sempre più inquietante e padrone della scena. Anche lui sembra nascondere un segreto, e lo scopriremo guardando la quarta stagione.

In questa sua nuova vita, Westworld 4 è grosso modo come la stagione III. Una serie che vira molto sull’azione, dove gli spari, le botte e le uccisioni sono sempre più in primo piano rispetto agli interrogativi e alla filosofia. È un mondo dove tutto può accadere, dove non si può credere ai propri occhi, dove anche chi crediamo umano può essere un automa. Ma, proprio per questa nostalgia del vecchio Westworld, che forse non è solo del pubblico ma anche degli sceneggiatori (o, molto più probabilmente, gli sceneggiatori avranno testato le reazioni del pubblico), la storia ci porterà a fare un nuovo salto nel passato, grazie a una nuova creazione della multinazionale Delos, che non possiamo svelarvi. Non è il vecchio West, ma è un altro momento molto suggestivo ed evocativo della storia americana, che si presta ad essere spettacolare e carico di atmosfera. Per ora è solo una delle tante storyline. Ma ci ridà, per un attimo, quella magia di stare nel passato e nel futuro allo stesso tempo. Certo, una volta svelato il gioco, nella stagione 1, della presa di coscienza di sé degli automi, gli sviluppi dei loro personaggi, che non sono più vittime, ma padroni di sé e del proprio destino, a volte carnefici, fa sì che venga meno la nostra empatia con essi. E che si segua la storia in maniera più fredda e distaccata. Ma Westworld è fatto per stupirci. E forse ci stupirà ancora una volta.

di Maurizio Maurino per DailyMood.it

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Guardare Scene da un matrimonio è un’esperienza immersiva. Perché dentro a quelle quattro mura della casa dei protagonisti ti ci trovi davvero, avvolto, invischiato, turbato. Sei lì, accanto a loro, a vivere i loro tormenti. O forse sei uno di loro, visto che il racconto della vita quotidiana di una coppia sposata è qualcosa di universale, quello che accade loro può accadere a tutti, ognuno ha vissuto, a suo modo, le proprie scene da un matrimonio. La serie di Hagai Levi riprende una coppia in cinque momenti, quasi cinque “atti” teatrali, staccati fra loro ma simbolici del loro percorso. Mira (Jessica Chastain) è un’affermata professionista nell’ambito del tech insoddisfatta del suo matrimonio. Jonathan (Oscar Isaac) è un professore di filosofia che si sforza di salvare la sua relazione con lei. Li conosciamo nel corso di un’intervista, che una studentessa sta conducendo per la sua tesi. Loro ci sembrano affiatati, divertiti, pacificati nei loro ruoli, organizzati nella loro vita, certi del loro lavoro e di tutto quello che li definisce. Eppure lei sembra essere assente, guarda nervosamente il cellulare. Una domanda sulla monogamia ci trasporta in un’altra scena, in cui si confrontano con una coppia di amici che sembra molto meno solida di loro. La sera, a letto, prima di andare a dormire, Mira dirà a Jonathan qualcosa. È il primo colpo di scena. E negli ultimi dieci minuti ce ne sarà un altro.

Ed è solo l’inizio di cinque atti che ci porteranno su un ottovolante, un saliscendi, una continua doccia scozzese dove la tenerezza e la complicità si alterneranno prima ai dubbi, e poi alle frustrazioni, alle recriminazioni, al rancore. Eppure, a quella coppia che stiamo letteralmente spiando nella loro vita, vorresti dire di non mollare, di tenere duro, di provare ad aggiustare le cose. Vorresti dire loro che ce la possono fare, che alla fine andrà tutto bene. Vediamo che, seppur a tratti, tra loro c’è intimità, c’è intesa, c’è, o almeno c’è stato, quell’attimo di eterno di cui parlava quella canzone. Ma nella vita accadono cose che a volte ti fanno prendere una strada dalla quale, poi, è difficile tornare indietro. Certo, dovete avere voglia di assistere a questa storia, dovete avere voglia di fare questa esperienza, un’esperienza dolorosa. Vivere accanto a queste due persone e accompagnarle in un viaggio molto duro. Sapendo che, da quelle parti, potreste esserci anche voi. O forse ci siete già stati.

Ma vale la pena di vivere la loro storia. Scene da un matrimonio è un’esperienza totalizzante, unica. A trascinarvici dentro ci penseranno Jessica Chastain e Oscar Isaac, due attori in stato di grazia e affiatati come pochi altri ci è capitato di vedere su grande e piccolo schermo. Capaci di infinite sfumature e variazioni sul tema, capaci di mettersi (anche letteralmente) a nudo, di farci vivere la loro intimità, di farci credere a quello che vediamo. D’altra parte, all’inizio di ogni puntata Hagai Levi ce li mostra dietro le quinte, prima del ciak o subito dopo, preoccupandosi bene di mostrarci i set. È qualcosa che non vediamo mai nei film o nelle serie tv, ed è molto interessante. Levi sembra quasi volerci dire subito “guardate che comunque è tutta finzione, che siamo a teatro, che quelli che vedete sono solo dei personaggi”, quasi a stemperare la tensione di quelle scene che andremo a vedere, che a tratti è altissima. Ma è anche forse una testimonianza di quello che è stato girare una serie ai tempi del Covid, con le mascherine sul volto della troupe e la massima attenzione per ogni aspetto.

È anche forse un modo per dirci che siamo solo su un set e che quella casa, dove tutto è così intenso, non esiste, è solo un insieme di quinte costruite per la serie. Perché la casa di Mira e Jonathan è un vero e proprio protagonista della storia (attenzione alla, sorprendente, quinta puntata), un personaggio che accompagna marito e moglie nelle loro storie. Dalla camera da letto a quel divano in soggiorno, dalla cucina fino alla stanza sull’attico, ogni luogo si imprimerà nella vostra testa assieme a quello che accade in quei luoghi. La casa di Mira e Jonathan, fin dalle prime scene, è fotografata con dei toni caldi, tra il seppia e il dorato. È qualcosa che sembra volerci dire che siamo a casa, in un luogo familiare, rassicurante e luminoso, caldo e quotidiano. Ma anche nel posto dove ci sentiamo più sicuri, in fondo, non lo siamo. Anche a proposito della luce, fate attenzione all’ultima puntata.

In un prodotto di eccellenza come Scene da un matrimonio anche il montaggio ha il suo ruolo importante. Le scelte sono quelle di lasciare il più possibile le lunghe scene madri senza interromperle, per farci vivere tutta la loro intensità. Alcune idee ci hanno colpito in particolare. Nella prima puntata, quando, alla domanda sulla monogamia dell’intervista, una lunga risata irrompe nella scena, e ci trasporta così alla scena successiva, dove i protagonisti sono a cena con degli amici e stanno proprio parlando di quella domanda e di quell’argomento. E poi c’è lo stacco netto di montaggio alla fine del primo episodio, che ci trasporta di colpo verso una scelta che, nella scena precedente, ci sembrava andare in un’altra direzione. La vita di Mira e Jonathan prenderà più volte direzioni inaspettate. Ma così è la vita. Non perdete l’occasione di assistere alla loro storia.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Siamo a Easttown, nei sobborghi di Philadelphia. Mare Sheehan è una disincantata detective che si ritrova a indagare sull’omicidio di una giovanissima ragazza madre.  Ma c’è un altro caso, vecchio ormai di un anno e mai risolto, la sparizione della figlia di una sua ex compagna di scuola, che la tormenta. Ma la vita privata di Mare non è più semplice. È divorziata, vive con la madre e con la figlia, e si prende anche cura del nipote. È anche una vecchia gloria del basket locale, grazie a un tiro da record durante una partita del liceo 25 anni prima, che le è valso il soprannome di Lady Hawke (le aquile è il nome della squadra).

Mare è una donna in un mondo di uomini. Fa un lavoro da uomini, il poliziotto, che era quello del padre, un lavoro che, insieme alle disgrazie che hanno attraversato la sua vita, l’ha indurita, stancata. Mare a volta zoppica, o ha comunque un’andatura goffa. Veste con camicioni a quadri, maglioni e giacconi da uomo. Il mondo di Easttown è quello del maschilismo tossico, quello che solo oggi abbiamo capito quanto sia pericoloso. Un mondo in cui le donne o decidono di rimanere in silenzio e subire, oppure devono in qualche modo diventare rudi per tenere testa agli uomini. Dove le ragazzine sono costrette a crescere e diventare amanti o madri troppo in fretta, e dove i figli restano spesso senza madri e senza padri. È un mondo dove tutti bevono, dalla mattina alla sera, per annegare i dispiaceri o magari solo per noia o per abitudine. E dove, è l’America, ognuno in qualche modo riesce ad avere, o a procurarsi, una dannata pistola con estrema facilità.

Kate Winslet attraversa questo mondo con la sua Mare, di cui riesce a fare un ritratto eccezionale. Lo avevamo già capito, pochi anni dopo Titanic, con film come Holy Smoke e molti altri, che sarebbe stata un’attrice che non si sarebbe fermata a Rose e ai ruoli romantici, ai boccoli e agli abiti sfarzosi. Come ha fatto molte volte nella sua carriera, Kate Winslet qui è capace di essere bella in modo diverso. Senza paura di mostrare dei chili in più, se servono a rendere reale e umano il suo personaggio. La regia si ferma spesso sui suoi primi piani. Ed è un piacere scrutare il suo volto, a partire dalla bocca, capace di infinite espressioni. Le labbra sono spesso serrate, e gli angoli della bocca increspati. Si aprono appena, in un sorriso timido, quando vede qualcuno che le piace, o in un sorriso più tagliente, quando deve liquidare qualcuno con la sua sottile ironia. Ma i suoi sorrisi sono sempre accennati, mai aperti, segno di una persona che non può mai lasciarsi andare completamente. I suoi occhi a volte sembrano vuoti, ma non lo sono. Dentro c’è tutta la stanchezza di anni faticosi, sul piano del lavoro e ancor di più su quello personale. A volte gli occhi sono lucidi, per le delusioni, le frustrazioni. E sono incorniciati da sottili rughe. Mare è una donna stanca, provata, sfinita. Ma con dentro un’anima ancora viva. È uno dei personaggi femminili più belli che abbiamo visto recentemente sul piccolo schermo.

Omicidio a Easttown è una serie HBO, una sicurezza. È una storia intensa, scritta benissimo prima ancora che recitata alla grande. Il modo in cui le indagini si intersecano alla vita privata della protagonista è perfetto. La piccola comunità fa sì che ogni aspetto dell’indagine porti sempre a qualcuno che è vicino a Mare, un parente, un amico, un conoscente. E l’approfondimento attento dei personaggi non toglie nulla alla trama gialla, che si snoda comunque avvincente e sorprendente. Ognuno potrebbe essere un sospettato, e ovviamente dobbiamo diffidare dalle soluzioni troppo facili. A ogni puntata c’è un colpo di scena, a volte più di uno, e non è mai banale. E il racconto sembra arrivare più volte alla conclusione, ma, anche quando il mistero sembra svelato, c’è ancora molto da scoprire. Vedrete che, anche quando il caso sembra risolto, c’è ancora una puntata intera in cui può accadere qualcosa. E solo vedendo fino all’ultima scena il racconto capiremo completamente il percorso di Mare. Quella di Mare Of Easttown è una sceneggiatura a orologeria che non ci fa staccare per un attimo dalla storia fino a che non siamo arrivati alla fine. La piccola città, la comunità ristretta, poi, è un classico nel mondo del noir e del giallo. Pensiamo a Twin Peaks, o al recente Sharp Objects. È un mondo chiuso, ristretto, dove la vicinanza tra le persone rende tutto altamente infiammabile.

Accanto a Kate Winslet, Omicidio a Easttown ha un grande cast. Guy Pearce (Memento, L.A. Confidential, The Hurt Locker), è Richard Ryan, un professore di scrittura creativa, Julianne Nicholson (vista in Masters Of Sex, The Outsider e Tonya) presta il suo volto enigmatico e diafano a Lori Ross, la migliore amica di una vita della protagonista, e Jean Smart (Watchmen) interpreta la madre di Mare, Helen. Ma è una sorpresa anche la giovane Angourie Rice (Spiderman: Homecoming, L’inganno, The Nice Guys) che è il volto pulito e sagace della figlia di Mare, Siobahn, ed è un piacere ritrovare Evan Peters (WandaVision, Pose, X-Men), nei panni di Colin Zabel, giovane detective che aiuterà Mare nelle indagini. Lo showrunner e produttore esecutivo è Brad Ingelsby (Tornare a vincere, Il fuoco della vendetta – Out of the furnace), e la regia è di Craig Zobel (The Hunt, Manglehorn, The Leftovers). Non vi resta che immergervi nella cittadina di Easttown, e passare qualche ora insieme a Mare e agli altri abitanti.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Parte 2: Jules, come il primo episodio, è ancora una volta un ponte tra la prima e la seconda, stagione di Euphoria. Il primo speciale raccontava di Rue (Zendaya), che in una tavola calda alla vigilia di Natale intratteneva una lunga e rivelatrice conversazione col suo sponsor Ali (Colman Domingo). Se quella era una sorta di seduta psicanalitica virtuale, la puntata dedicata a Jules è una seduta psicanalitica vera e propria. Jules è su un divano, di fronte alla sua terapeuta: è la sua prima volta. Se già quella prima puntata speciale di Euphoria era stata accostata a una serie come In Treatment (serie HBO nata da un format israeliano, che ha avuto anche un adattamento italiano), questo secondo episodio potrebbe davvero essere una puntata di quella serie. Solo che siamo comunque, e completamente, dentro l’universo di Euphoria.

“Voglio smettere di prendere gli ormoni” dice Jules, che è nel mezzo di un percorso di transizione. “Penso di aver basato la mia sessualità totalmente sugli uomini. Ma non mi interessa più quello che vogliono gli uomini”. Euphoria – F* ck Anyone Who’s Not A Sea Blob è un episodio ancora più importante, per lo sviluppo della serie, rispetto al precedente. Perché, se conoscere Rue nella prima stagione di Euphoria era stata una cosa naturale (è lei che è sempre la stata la voce narrante, il narratore onnisciente, e ci aveva aperto il cuore, raccontandoci la sua storia sin dai primi minuti della prima puntata), cosa stesse bruciando dentro l’animo di Jules per noi era ancora un mistero. Certo, sapevamo la sua storia passata. Ma non i suoi sentimenti, le sue paure, le sue sensazioni. Con questa puntata speciale abbiamo finalmente capito chi è, siamo entrati nel suo mondo, e abbiamo capito che è un mondo enorme, vasto e bello come un oceano. Lo dice proprio lei, nella sua confessione a cuore aperto: “Voglio essere bella come l’oceano”.

“Per me essere trans è spirituale, è una cosa mia. Non voglio essere statica. voglio essere viva. Si è sempre trattato di questo. Di restare viva”. Jules, come Rue, è un personaggio vivo, pulsante, disegnato a tutto tondo. In questa sua seduta di autocoscienza capiamo finalmente che l’amore di Rue per lei è corrisposto, capiamo che cos’è quel qualcosa di speciale che unisce le due. “Tutte le ragazze cercano in te dei difetti. Ma non Rue. Nessuna ragazza mi aveva mia guardato come lei. Penso che Rue sia la prima ragazza che non voleva solo guardarmi. Lei riusciva a vedermi. La me che sta sotto un milione di strati di non me”. Queste parole ci lasciano una speranza. In fondo anche Jules ama Rue. E dovrà solo riuscire a ritrovarla, a passare attraverso le distanze fisiche, e quelle che non si vedono, tutti i casini delle loro vite, le loro dipendenze, le loro famiglie. Ma, ora ne siamo certi, ce la faranno.

A proposito di dipendenze, se per Rue hanno sempre avuto a che fare con le droghe, per Jules si tratta di qualcos’altro, più subdolo e sfumato. È quella sorta di scollamento tra la vita reale e quella virtuale, immaginaria, degli incontri sui social media. È qualcosa che può riguardare tutti. “Sento che la vita reale è sempre una delusione. É meglio parlare con le persone on line. Alcune delle mie relazioni più profonde lo ho avute con persone che non ho mai incontrato”. È quello che dice Jules alla sua analista. Ma forse, arrivata la consapevolezza, arriverà anche la forza di cambiare.

Più movimentata a livello visivo rispetto alla puntata su Rue, che, dopo il sogno iniziale, era tutta sui primi piani di Rue e del suo sponsor, Euphoria – F* ck Anyone Who’s Not A Sea Blob, al dialogo tra Jules e la sua terapeuta alterna molte immagini tra Rue e Jules, momenti di intimità (sogni o ricordi?), le immagini dell’oceano, quelle di Jules con i genitori e degli squarci del suo passato.

Questo secondo episodio speciale, come il primo, allo stesso tempo non è l’Euphoria che abbiamo conosciuto, eppure è Euphoria all’ennesima potenza. E, soprattutto, è qui che abbiamo capito finalmente, anche se non ne avevamo bisogno, quale sia la potenza di un racconto come quello di Sam Levinson. Spogliata dalla cornice scintillante, glitterata, da quei colori al neon e dalle grandi scene di insieme, Euphoria riesce a conquistarci ancora. Perché è grande la forza dei personaggi, della scrittura. Anche queste due puntate speciali confermano Euphoria come il punto di non ritorno del teen drama, quello che riscrive completamente i canoni del genere, che va oltre ogni cosa sia stata raccontata finora. Euphoria si conferma un racconto universale, capace di coinvolgere anche chi è molto lontano, per età, genere, identità sessuale e preferenze sessuali, rispetto ai protagonisti. In fondo, è capitato a tutti di cercare, e forse trovare, quel “me” che sta sotto un milione di strati di “non me”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Euphoria – Trouble Don’t Last Always è il primo di due speciali che HBO ha creato per traghettare la prima stagione verso la seconda in un anno dove la produzione, come si può immaginare, è saltata. Euphoria tornerà tra un anno, e la prima di queste due puntate speciali, dedicata a Rue (la seconda, in arrivo in primavera, sarà probabilmente dedicata a Jules) ha il ruolo di collante, di link, di ponte. Serve a tenere alta la nostra attenzione, a riportarci in sintonia con i personaggi principali, a farci riacquistare, qualora ce ne fosse bisogno, la familiarità e la connessione che avevamo con loro. Sono delle puntate prodotte quando non era possibile produrre a pieno regime. E per questo sono produzioni più piccole: solo un paio di attori in scena, una o due location in interni. È insomma una produzione a scala ridotta, quando lo standard di Euphoria prevedeva tanti personaggi principali e tante comparse, molte location, scene di massa. La nuova puntata speciale è allora l’occasione per puntare i riflettori su Rue, la nostra protagonista, e ascoltarla in una profonda confessione, una lunga seduta di autocoscienza. L’incontro, una sera a cena, con il suo sponsor, è l’espediente per far parlare Rue, per farcela conoscere, per farci scoprire qualcosa di lei, per farci sapere a quale punto è della sua vita.

Il risultato è quello di far salire ancora di più l’attesa per la seconda stagione di Euphoria, in arrivo probabilmente tra un anno. Ci fa capire che abbiamo amato quei personaggi, quegli adolescenti così disastrati, così dipendenti da qualcosa, amore, amicizia, sesso, sostanze di tutti i tipi. Nel suo piccolo, questo speciale ci ricorda che cosa rende così speciale Euphoria. È un ritratto a luci al neon della generazione Z. Una serie di immagini patinate e fluorescenti fuori, una serie di storie durissime, scioccanti e senza sconti dentro, per raccontare senza filtri una generazione che sembra essere sconfitta senza nemmeno aver avuto la possibilità di iniziare a partecipare, tanta è la condizione di impotenza in cui l’ha lasciata la generazione precedente, i loro genitori, le loro famiglie. Euphoria è una continua doccia scozzese, è il bastone e la carota. Seduce con i colori accesi, con un’immagine lucidata e risplendente, con corpi bellissimi, ma poi colpisce con il dolore, con il male di vivere, con il continuo senso di inadeguatezza, di insufficienza.

L’adolescenza è una terra di mezzo, è una continua ricerca del proprio posto nel mondo, è essere grandi senza esserlo veramente, è provare a essere adulti senza alcun mezzo per farlo. Tutto questo c’è sempre stato in tutti i teen drama che abbiamo visto in tv. Eppure stavolta tutto è ancora più duro, evidente, sincero. Tutto è più viscerale. E anche empatico, perché questi ragazzi ci trascinano nel loro mondo, si aprono, si mettono a nudo senza alcuna difesa. Euphoria, in qualche modo, è universale: quello che vediamo non sembra mai riguardare solo questi ragazzi, ma tutti. Forse perché in Euphoria, in fondo, niente è futile, niente lezioso, ma tutto è così denso, intenso, importante da essere compreso da tutti. Euphoria è arrivata come un meteorite nel mondo dei teen drama. Non porterà all’estinzione degli altri, ma alla loro evoluzione: tutti i prodotti di questo tipo, in qualche modo, dovranno fare i conti con Euphoria. E i risultati, secondo noi, si stanno già vedendo: in uno degli episodi della terza stagione di Baby, quello diretto dallo sceneggiatore Antonio Le Fosse, esordiente alla regia, abbiamo trovato una sorta di effetto Euphoria, nell’estetica, nei colori, in una certa amara ironia.

Ecco, se c’è qualcosa di Euphoria che ci è mancato in questo speciale è proprio l’ironia, che contraddistingueva la serie, e che serviva da contrappunto ai grandi, dolorosi problemi di questi ragazzi. Il fatto che qui Rue (una Zendaya sempre più brava) sia sempre in scena, in primo piano in un dialogo che è una sorta di monologo, la toglie dal ruolo di narratore onnisciente, dal ruolo di voce narrante. Guardando dall’esterno, riusciva a raccontare se stessa e gli altri con un’ironia e un distacco che ci faceva amare ancora di più lei e i suoi amici. Questo aspetto viene a mancare. E ovviamente, dato il taglio del racconto, manca anche il moto perpetuo tra i personaggi, quel continuo entrare gli uni nelle storie degli altri, i collegamenti, le affinità e le antipatie, la relazione del loro mondo con il mondo dei grandi. Allora questo speciale Euphoria – Trouble Don’t Last Always è Euphoria ma allo stesso tempo non lo è, non è la serie che abbiamo conosciuto. Ma serve a ricordarci quanto ci manca. Aspettiamo allora il prossimo speciale, e l’attesissima seconda stagione. Ormai ci siamo dentro fino al collo.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Euphoria – Trouble Don’t Last Always: Rue e la seduta di autocoscienza. Su Sky Atlantic e NOW TV proviene da Daily Mood.

Ma di cosa parliamo quando parliamo di ucronia? È una storia alternativa, o fantastoria, basata sulla premessa generale che la storia del mondo abbia seguito un corso alternativo rispetto a quello reale. È un genere di racconto molto in voga oggi: l’abbiamo vista di recente in Hollywood, la serie Netflix che immaginava che gli anni Quaranta degli studios della Mecca del cinema fossero diventati molto più aperti nei confronti delle minoranze. Ma sono meravigliose ucronie anche quelle di Quentin Tarantino, Bastardi senza gloria e il recente C’era una volta a… Hollywood, che hanno immaginato che il cinema avesse cambiato la storia, sconfiggendo Hitler e salvando Sharon Tate.

Ne Il complotto contro l’America l’ucronia si fonde con la distopia. Siamo nel 1940, la Seconda Guerra Mondiale sta deflagrando l’Europa, e si immagina che in America Franklin Delano Roosevelt venga sconfitto alle elezioni presidenziali del 1940 da Charles Lindbergh, il famoso aviatore ed eroe nazionale, ma anche noto per le sue posizioni razziste e antisemite e le sue simpatie per Hitler. La storia di Roth prende il via da questo incubo, e lo filtra con una serie di spunti autobiografici. Tutto viene visto dall’ottica dei Levin, una famiglia ebrea di Newark, New Jersey. Con la vittoria di Lindbergh delle elezioni presidenziali, i Levin si troveranno ad affrontare le conseguenze dei violenti e sconvolgenti cambiamenti politici che ne deriveranno: la casalinga Elizabeth “Bess” Levin (interpretata da Zoe Kazan), che teme per il futuro della sua famiglia, cercherà di proteggerla in ogni modo, mentre la sorella maggiore, Evelyn Finkel (Winona Ryder), inizierà a frequentare Lionel Bengelsdorf (John Turturro), un rabbino conservatore che diventerà una figura chiave dell’emergente amministrazione Lindbergh.

Il complotto contro l’America viaggia indietro nel tempo, ma è molto attuale. La figura di Charles Lindbergh che vediamo nella serie anticipa quelli che sarebbero stati i politici del nostro tempo: populisti, persone che parlano per slogan semplici che arrivano alla pancia (“la scelta non è tra Charles Lindberg e Frnaklin Delano Roosvelt, ma è tra Charles Lindberg e la guerra”, che ripete a ogni uscita pubblica), persone che fanno strada più per la loro notorietà, il loro passato che per le reali capacità. Charles Lindberg è un eroe, è elegante, è slanciato, ma non è difficile vedere in lui qualcosa di Donald Trump. Ma l’attualità è anche sul dibattito sulla guerra. Quante volte i presidenti americani si sono trovati, dopo la Seconda Guerra Mondiale, davanti alla scelta tra entrare in guerra e restarne fuori? Vietnam, Guerra del Golfo, Afghanistan, Iraq sono state guerre in cui l’amministrazione americana ha mandato a morire migliaia di giovani, tra mille critiche, in patria e in tutto il mondo. Qui, Lindbergh e il rabbino Bengelsdorf fanno leva proprio su questo, sul non mandare al macello tanti giovani per una guerra che non è la loro. Solo che lo fanno per quella che forse è stata l’ultima guerra giusta combattuta dagli Stati Uniti d’America. E lo fanno per i loro fini.

David Simon ed Ed Burns, per raccontare una storia così attuale, scelgono una confezione orgogliosamente vintage, scelgono una patina d’antan che ricopre tutte le immagini per farci capire chiaramente che stiamo vivendo in quegli anni Quaranta. La fotografia ammanta le immagini di una patina dorata, o seppiata, che, unita a scenografie e costumi, rende il salto indietro nel tempo perfetto. A queste immagini si alternano continuamente, insistentemente, le immagini di repertorio della guerra, in bianco e nero, reali, impietose, per non farci mai scordare che cosa sta accadendo in Europa, il pericolo che sta portando il nazismo. L’espediente è quello di farcele vedere attraverso i cinegiornali che, all’epoca, venivano trasmessi nei cinema e che, per i protagonisti, accanto alla radio sono il modo principale per informarsi. La documentazione di quello che accade in Europa ci mette alcuni giorni per arrivare in America, essere montata e proiettata nei cinema. E anche questa è un’ulteriore riflessione e un confronto con i nostri tempi, dove una notizia, per volare attraverso la rete, impiega a volte alcune frazioni di secondo.

Storia potente, raccontata con un impianto classico e privo di fronzoli, Il complotto conto l’America è anche un film di attori, Winona Ryder (che, dopo Stranger Things, sta vivendo grazie alle serie tv una nuova fase della sua carriera) è perfetta nel ruolo di una donna insicura e propensa agli innamoramenti, per le persone come per le idee politiche, ed è anche incantevole inguainata negli abiti anni Quaranta. Zoe Kazan (che abbiamo ammirato in The Deuce) riesce ad essere una donna fragile e forte allo stesso tempo. John Turturro, che interpreta il rabbino Bengelsdorf, non ha più bisogno di commenti: il suo volto sembra sempre lo stesso, eppure riesce a regalare ogni volta personaggi nuovi, sfaccettati, intensi. Il suo rabbino rappresenta la naturalezza e la semplicità con cui il Male, a volte, entra nelle nostre vite. Il complotto conto l’America è una serie da vedere. È un incubo nel quale sprofondare, per poi svegliarsi e capire che, in fondo, siamo fortunati a vivere nel mondo in cui viviamo.

Images: (courtesy of HBO)

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Il complotto contro l’America. E se gli Usa non avessero combattuto Hitler? Su Sky Atlantic e NOW TV proviene da Daily Mood.

Che tv e cinema si ispirino al mondo del gaming non è però una novità. Anzi, il trend prosegue ormai da parecchi anni e non accenna ad arrestarsi. E allora, in un periodo in cui il tempo libero per stare comodamente davanti alla tv non manca di certo, ne abbiamo approfittato per fare una lista dei più famosi prodotti televisivi e cinematografici ispirati a questo mondo.

Resident Evil (saga di film)

Con ben 6 capitoli, usciti tra il 2002 e il 2016, Resident Evil è probabilmente la saga cinematografica più famosa tra quelle ispirate al mondo del gaming. Forse però solo alcuni sanno che tutto ebbe inizio nel lontano 1996, quando la casa di sviluppo videoludica Capcom diede vita al primo videogioco della serie. 6 anni dopo, sulla scia del successo dei primi quattro episodi, Resident Evil diventò anche un film, raggiungendo il successo planetario. Merito, soprattutto, di un’azione incessante unita ad atmosfere tipicamente horror in grado di alzare magistralmente il livello di adrenalina. Una saga ormai diventata un pezzo di storia di questo genere e che vale assolutamente la pena recuperare.

The Witcher (serie TV)

Sebbene l’opera originale sia di natura letteraria, è innegabile che la realizzazione della serie tv che narra le avventure di Geralt di Rivia sia avvenuta sulla scia del successo planetario raggiunto dalla trasposizione videoludica dell’opera di Sapkowski. The Witcher vede protagonista Geralt, mutante il cui lavoro è combattere i mostri che infestano “il Continente”. Al di là delle tante battaglie e della bellezza di questo mondo fantastico, la serie tv centra in pieno la natura dell’opera originale, in cui il bianco e il nero sono soltanto i colori indossati dalla maga Yennefer. Tutto il resto, soprattutto i personaggi, è una costante sfumatura di grigio e abbandona il classico canovaccio narrativo “del bene e del male”.

21 (film)

Il gaming è un mondo vasto di cui non fanno parte solo i videogiochi. Da questo punto di vista 21 si guadagna un posto speciale tra i migliori film ispirati al gaming con una storia solo all’apparenza finalizzata ad attrarre gli appassionati del genere. Ben Campbell (Jim Sturgess) è un brillante ma timido studente che ha bisogno di pagare le tasse universitarie. Troverà la soluzione in un gruppo di studenti tra i più dotati della scuola che ogni fine settimana si dirige a Las Vegas guidato dal professor Micky Rosa (Kevin Spacey), che ha ideato un sistema infallibile per battere il casinò. Sarà solo l’inizio di un’avventura ricca di sorprese e colpi di scena.

Prince of Persia – Le sabbie del tempo (film)

Trasposizione cinematografica del famoso videogame che ha visto la luce nel 2003 e che ha rivoluzionato l’industria del gaming, Prince of Persia spicca soprattutto per la convincente prova di Jake Gyllenhaal ma è un must assoluto per chi non avesse avuto la fortuna di provare il videogioco omonimo. Ad attenderlo un deserto sconfinato, un mondo accattivante e una storia d’amore tra le più classicheggianti.

Castelvania (serie tv)

Netflix, si sa, è ormai garanzia di qualità. Serie come La Casa di Carta ne sono la prova e in questo senso non sorprende che anche Castelvania, ispirata al famoso videogioco del 1986, abbia conquistato non solo gli amanti del genere action-horror ma anche i fan di Dracula.

Castlevania è pieno di personaggi eccentrici, azione straordinaria ma anche di umorismo ed emozioni. È uno show che spicca per la profondità della trama e dei personaggi e che presenta uno dei villain meglio scritti in circolazione, capace di provocare un’altissima dose di empatia. Le sue azioni sono sì cattive, talvolta crudeli, ma spesso comprensibili.

Il mondo del gaming è ormai parte integrante del cinema e della tv e rappresenta una grande opportunità non solo per i più esperti ma anche per chi si affaccia a questo mondo per la prima volta. Allacciate le cinture e preparatevi a un viaggio virtuale in realtà ed epoche sbalorditive!

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Dimenticate il parco a tema, gli scenari del vecchio west, il Giappone feudale e l’India. Anche se per un attimo siamo stati in un altro parco, ambientato durante la Seconda Guerra Mondiale, ormai siamo fuori. Il campo di battaglia è più ampio, è il nostro mondo. E la battaglia è quella tra automi ed esseri umani. Per la prima volta Westworld ci porta all’esterno (finora avevamo visto i treni e le stazioni per arrivare ai parchi, una villa poco prima che i parchi aprissero) e ci fa capire quando sta avvenendo la storia. Siamo in un futuro lontano ma non troppo. È un futuro distopico, dove ci sono auto a guida autonoma, anche volanti, occhiali che permettono di vedere cosa avverrà in futuro, ma ci sono anche corporation tecnologiche che controllano i nostri dati e quindi le nostre identità. Attraverso quei dati sono in grado di creare degli specchi, delle copie di noi stessi, e forse a farci vivere in eterno. Ma in un eterno inganno. Controllano la realtà, in modo che a volte è difficile capire che cosa è reale e che cosa non lo è. E gli automi allora si troveranno in un mondo che, in fondo, non è tanto diverso da quello dei parchi dove sono sempre vissuti.

Se forse la storia della terza stagione di Westworld è l’evoluzione naturale (l’unica possibile?), una volta esaurita la parabola all’interno del parco, trovarsi all’esterno, nel mondo reale, è allo stesso tempo intrigante e straniante. Come gli uomini nel mito della caverna di Platone, gli automi hanno scoperto che quella dove vivevano non era la realtà, e sono voluti uscire. Da un lato siamo curiosi di scoprire qual è il mondo in cui vanno a vivere, qual è il mondo che ha dato vita a Westworld. Dall’altro, siamo in un universo, visivo e narrativo, per quanto sempre stimolante, molto più simile ad altri universi futuribili e distopici che abbiamo visto. Un po’ ci manca quella visione dei parchi a tema, quell’essere nel futuro ma nel passato, ultramoderni per cercare l’antico, quella distinzione netta tra realtà e finzione, e tra umano e artificiale.

Ma con Westworld III entriamo proprio in un altro genere. La serie creata da Jonathan Nolan e Lisa Joy rimane uno dei migliori prodotti seriali di fantascienza, ma diventa molto più un action, una spy-story. È come se fosse un Terminator all’ennesima potenza, con due terminator potentissime e pericolose destinate, prima o poi, a trovarsi l’una contro l’altra. In questa terza stagione cambia la personalità di Westworld, e perde parte del suo fascino. E cambia anche la personalità delle protagoniste. Se nelle prime due stagioni vi abbiamo raccontato come siamo entrati in empatia con questi automi perché li trovavamo più umani degli umani (a differenza degli uomini, violenti, ingordi, in preda agli istinti più bassi), qui ci troviamo nuovamente spiazzati. Dolores è diventata un angelo sterminatore, un terminator spietato, un killer sulla scia di Nikita, Peppermint o Salt. Maeve, per il momento più profonda, sempre legata al sogno di conoscere la figlia, è una sorta di Neo, che, come il protagonista di Matrix, sa controllare il mondo in cui si muove perché ne ha capito l’inganno: ma qui si trova su un terreno di gioco nuovo. Il risultato è che, almeno dalle prime puntate, ci sembra meno forte l’empatia tra i personaggi e chi guarda, ci sembra venuta a mancare quell’”umanità” degli automi che li rendeva così particolari e vicini al nostro cuore. Ma Westworld è una serie fatta per stupire e spiazzare. Chissà cos’accadrà. Del doman non v’è certezza.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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La Home Box Office (questo il significato dell’acronimo) è la rete televisiva cablata a pagamento più longeva: dal 1972 la sua offerta propone serie televisive, film da poco usciti nelle sale ma anche documentari, spettacoli dal vivo e show di stand-up comedy. Tra i titoli più famosi della sua programmazione ricordiamo I Soprano, Six Feet Under, Boardwalk Empire ma anche Sex & the City, Girls, “l’italiana” The Young Pope scritta e diretta dal nostro Paolo Sorrentino e ultimi ma non meno importanti due dei fenomeni seriali degli ultimi anni, quei Games of Thrones e Westworld di cui tutti nel bene o nel male parlano.

Il successo e i riscontri positivi ottenuti nel corso di quasi cinquant’anni risiedono nella “natura” della HBO. L’essere una tv a pagamento – e di conseguenza un canale di nicchia e non generalista – ha consentito un’instancabile ricerca del nuovo, dell’originale senza mai aver paura di sperimentare, allontanandosi dall’eventualità di ripetersi o di allungare troppo il brodo.
Antesignano della commistione tra cinema e televisione sviluppatasi negli ultimi anni – fanno parte della sua schiera True Detective, Big Little Lies e Sharp Objects, per dire qualche nome – il canale televisivo statunitense non ha certo mancato di fare dei buchi nell’acqua, imbarcandosi in produzioni che sulla carta sembravano successi assicurati rivelandosi poi veri e propri flop. L’ultima sconfitta in ordine cronologico è stata Vinyl, andata in onda nel 2016. Creata nientemeno che da Mick Jagger, Martin Scorsese e Terence Winter (sceneggiatore del già citato I Soprano) la serie con protagonisti tra gli altri Bobby Cannavale e Olivia Wilde doveva raccontare l’ascesa della musica rock e punk negli anni Settanta a New York con un focus sull’industria discografica del periodo. Nonostante il pitch interessante e i nomi coinvolti però, la serie si è trascinata a fatica per 10 episodi per poi essere cancellata.

Un progetto andato male non basta per abbattere un caposaldo come la HBO, la quale disponeva già ai tempi diversi assi nella manica che l’avrebbero fatta ritornare sulla cresta dell’onda. The Deuce è uno fra questi e (neanche a farlo apposta) è ambientato non solo a New York ma proprio negli anni ’70.
Alla guida di The Deuce – in arrivo con la sua seconda stagione su Sky Atlantic dal 15 ottobre – c’è un signore che di scrittura se ne intende. Giornalista prima e sceneggiatore poi, David Simon è una tra le firme più autorevoli nel contesto seriale a stelle e strisce: suo è infatti The Wire, andato in onda per cinque stagioni dal 2002 al 2008 sempre sulla HBO con protagonisti Dominic West (The Affair) e Idris Elba.
Se in Italia questo titolo potrebbe non creare forte richiamo, in madrepatria gli esperti e gli appassionati del settore non mancano mai di citarlo fra le serie tv più belle ed influenti del nuovo millennio, se non addirittura di sempre. Ecco perché allora la nuova creatura di Simon non ha potuto evitare di attirare su di sé l’attenzione del pubblico, allettato anche dalla presenza nel cast di due volti cinematografici di prim’ordine, quali James Franco e Maggie Gyllenhaall.

In The Deuce, la prima vera protagonista è la strada. Negli anni ’70 la Quarantaduesima Strada o, come veniva chiamata ai tempi, la Forty-deuce, è teatro del degrado di una fetta di popolazione relegata al confine della società. Prostituzione, droga e criminalità organizzata dilagano in quella piccola parte di metropoli ormai abbandonata a sé stessa. Lungo quei marciapiedi si svolgono, incrociandosi casualmente e non, le vite di Vincent Martino (James Franco) ed Eileen “Candy” Merrell (Maggie Gyllenhaal); lui è un barista che con il fratello gemello decide di collaborare con il boss locale per evitare grane e lei è una delle prostitute che popolano la Deuce ma, a differenza delle altre, non si è affidata a nessun protettore. Insieme ad altri personaggi più o meno ricorrenti (la studentessa ribelle Abby, la prostituta Darlene, i papponi Larry e Rodney, e tantissimi altri) i due cercheranno il più possibile di condurre una vita dignitosa e mentre Vincent stenterà nell’astenersi alla malavita, Candy proverà a riscattarsi nella nascente industria del porno.

La prima conferma ricevuta con The Deuce – se mai ce ne fosse stato bisogno – è che David Simon è un grande, grandissimo autore. Ritroviamo qui lo stesso schema adottato in The Wire lasciando intendere che si tratti di un vero marchio di fabbrica della creatività dello sceneggiatore. La sua capacità di ricreare mondi focalizzandosi su microcosmi all’apparenza estranei ed isolati ma in realtà radicati profondamente nella cultura statunitense. Non c’è da stupirsi quindi se, dopo aver analizzato e portato a galla la realtà del traffico di droga che coinvolgeva l’intera città di Baltimora nel suo lavoro precedente, con The Deuce Simon decide di concentrarsi sugli albori del settore pornografico: un argomento ancora oggi tabù sia in tv che nella cultura in generale ma che negli Stati Uniti genera un profitto ci circa 10 miliardi di dollari all’anno. Non proprio una robetta da niente insomma.

L’altro grandissimo punto a favore per la scrittura di David Simon riguarda l’incredibile capacità di gestire alla perfezione una storia corale: seppur vero che i due main characters (sia Franco che la Gyllenhaal qui sono in totale stato di grazia) rappresentano le due storyline più “corpose” tutti i personaggi che orbitano attorno a loro, anche quelli più marginali, arricchiscono l’universo di cui fanno parte intervenendo sempre nel modo giusto, al momento giusto e innescando sempre dinamiche e risvolti interessanti.

The Deuce è un modo alternativo (e bellissimo) di fare televisione: non solo perché il livello tecnico non ha nulla da invidiare al cinema – aldilà della lodevole recitazione e ricostruzione dettagliata del contesto storico, qui la regia e la fotografia ricordano tanto quei film appartenenti al filone della New Hollywood che nasceva proprio negli anni ’70 – ma perché vengono messi in un angolo colpi di scena e cliffhanger vari per potersi concentrare dapprima sui contorni e le rifiniture delle circostanze e sull’introduzione dei protagonisti per poi raccontare quello che succede.
Non è una serie per tutti ma non vuole nemmeno esserlo perché vuole portare con sé una dose di un’unicità.
The Deuce è HBO, allo stato puro. E adesso che è in arrivo la seconda stagione, se non l’avete ancora fatto recuperate immediatamente la prima.

di Marta Nozza Bielli per DailyMood.it

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Creata da Marti Noxon e diretta da Jean-Marc Vallée (Big Little Lies in tv, C.R.A.Z.Y. e Dallas Buyers Club al cinema), Sharp Objects è l’adattamento del romanzo Sulla pelle (2006) di Gillian Flynn, l’autrice di Gone Girl, un altro grande successo letterario e cinematografico (è stato adattato per il grande schermo da David Fincher). Ma è, soprattutto, un’alta storia di donne al limite. Al centro di Sharp Objects ci sono un delitto e una scomparsa da risolvere, e da raccontare. Ma c’è soprattutto l’anima tormentata della protagonista, Camille, un vissuto da alcolista e autolesionista, una donna che non ha chiuso i conti con il suo passato, la sua famiglia, la sua casa. L’indagine nei fatti di Wind Gap diventa così soprattutto un’indagine dentro di sé, ed è quella che ci affascina di più.

Ogni angolo di Wind Gap è una suggestione che porta a galla un ricordo, un tassello della vita di Camille che ritorna alla sua mente, e alla nostra vista. Come Lost, e come The Handmaid’s Tale, Sharp Objects è una serie che vive di flashback, e della dialettica tra presente e passato. Ma se in quelle due serie cult tra l’azione del presente e quella del passato c’era una cesura, un contrasto tra due mondi opposti, qui i due momenti si fondono l’uno nell’altro quasi senza soluzione di continuità, in modo sfumato, come in quei momenti in cui passiamo dal sonno alla veglia, dal sogno alla realtà, senza capire se siamo in uno o nell’altro. In fondo siamo in due tempi diversi, ma negli stessi luoghi. E in questo sono eccezionali la regia e il montaggio per come riescono a legare i due momenti: come nella scena del primo episodio, quando la Camille adulta si immerge in una vasca da bagno e la Camille ragazzina riemerge da uno specchio d’acqua.

Questo andirivieni tra passato e presente è riuscito anche per la scelta perfetta delle attrici: Amy Adams mortifica e normalizza la sua bellezza per entrare nei panni anonimi di Camille, regalando una prova intensa che mescola dolore e dolcezza, mentre Sophia Lillis (una che, nel dittico di It, tratto da Stephen King, interpreta Jessica Chastain da giovane) è perfetta per dare il volto alla giovane Camille, curiosa, fiera e ribelle. Nel ruolo di Adora, la madre di Camille, c’è Patricia Clarkson, una di quelle attrici che non deludono mai.

Insieme a loro ci immergiamo nel mondo di Wind Gap, accompagnati dalla musica diegetica (quella che ascoltano i personaggi che vediamo nell’inquadratura) scelta da Vallè. I vinili, sul giradischi, o l’iPod, in cuffia o sugli altoparlanti della macchina. La ascoltano il marito di Adora o la stessa Camille, che la usa per estraniarsi e calmarsi. Tra Twin Peaks e True Detective, ma con una sensibilità tutta al femminile, Sharp Objects è un’opera che ci parla delle nostre cicatrici, quelle del corpo e quelle dell’anima. È una storia sull’impossibilità di lenire il dolore, di lasciarsi alle spalle il proprio passato e le proprie radici. Tra case borghesi del Midwest e roadhuose scalcinati, tra vodke, whisky e inevitabili hangover, attraversiamo con Camille un mondo dove le ragazzine giocano con le case delle bambole (o ci vivono dentro…) e girano agghindate come tali, in casa, e in tutt’altro modo fuori. Attraversiamo gli interni piccolo borghesi con le loro carte da parati verdi e operate, respiriamo davvero quell’aria opprimente e sinistra. Viviamo con Camille, a un passo da lei, ci entriamo subito in empatia. Abbiamo voglia di stringerla, abbracciarla e dirle “andrà tutto bene”. Sì, in questa storia ci siamo dentro fino al collo. Ed è anche da questi particolari che si giudica una grande serie.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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A dominare gli Emmy 2018 è senza dubbio la comedy targata Amazon The Marvelous Mrs. Maisel, già vincitrice alla scorsa edizione dei Golden Globes. Lo show creato dai coniugi Palladino (famosi per essere i creatori di Una mamma per amica) ha collezionato il maggior numero di vittorie della serata (miglior comedy, miglior attrice protagonista in una comedy, miglior attrice non protagonista in una comedy, miglior regia e sceneggiatura per una comedy) lasciando letteralmente – e noi aggiungiamo anche inspiegabilmente – a bocca asciutta il super favorito della serata Atlanta.

Nella categoria drama, il premio più ambito per la miglior serie drammatica è stato assegnato a Game of Thrones (premiato anche per la miglior performance per un attore non protagonista a Peter Dinklage) mentre i restanti premi si sono suddivisi tra Westworld (miglior attrice non protagonista a Thandie Newton) The Crown (miglior attrice protagonista alla splendida Claire Foy e miglior regia) e qualche riconoscimento è spettato anche alla serie più snobbata degli ultimi anni: The Americans vince per la miglior sceneggiatura in una serie drama e – finalmente! – come miglior attore protagonista con Matthew Rhys. Dopo aver fatto man bassa nella scorsa edizione quindi questa volta The Handmaid’s tale torna a casa a mani vuote. Un risultato alquanto discutibile.

Anche sul fronte miniserie le sorprese non sono mancate. Nonostante la vittoria come miglior limited serie e miglior attore protagonista a Darren Chriss, The Assassination of Gianni Versace non riesce a fare piazza pulita ma concede qualche vittoria all’outsider Godless prodotto da Netflix (miglior attore non protagonista a Jeff Daniels e miglior attrice non protagonista a Merrit Wever). Le piattaforme streaming quest’anno hanno nettamente superato la tv tradizionale, sintomo che il cambiamento in atto da qualche anno nel panorama televisivo è più vivo e vincente che mai.

Ad animare la serata aperta un po’ sottotono con un siparietto musicale e un monologo poco brillante dei presentatori Michael Che e Colin Just, ci hanno pensato i vincitori e gli altri artisti che si sono susseguiti sul palco (molto sobrio) per la consegna dei premi, fino al momento più memorabile della serata, ovvero la proposta di matrimonio in diretta del neovincitore Glenn Weiss (miglior regia per uno show di varietà), che ha entusiasmato tutti gli artisti presenti in sala!

Qui sotto la lista completa delle categorie più importanti dei nominati agli Emmy 2018, con il nome del vincitore in grassetto.

Miglior Serie Drammatica
The Americans
The Crown
Game Of Thrones
The Handmaid’s Tale
This Is Us
Westworld
Stranger Things

Miglior Attrice in una Serie Drammatica
Elisabeth Moss, The Handmaid’s Tale
Claire Foy, The Crown
Keri Russell, The Americans
Sandra Oh, Killing Eve
Evan Rachel Wood, Westworld
Tatiana Maslany, Orphan Black

Miglior Attore in una Serie Drammatica
Sterling K. Brown, This Is Us
Matthew Rhys, The Americans
Milo Ventimiglia, This Is Us
Ed Harris, Westworld
Jeffrey Wright, Westworld
Jason Bateman, Ozark

Miglior Attrice Non Protagonista in una Serie Drammatica
Alexis Bledel, The Handmaid’s Tale
Ann Down, The Handmaid’s Tale
Lena Headey, Game Of Thrones
Vanessa Kirby, The Crown
Millie Bobby Brown, Stranger Things
Thandie Newton, Westworld
Yvonne Strahovski, The Handmaid’s Tale

Miglior Attore Non Protagonista in una Serie Drammatica
Nikolaj Coster-Waldau, Game Of Thrones
Peter Dinklage, Game Of Thrones
Mandy Patinkin, Homeland
David Harbour, Stranger Things
Joseph Fiennes, The Handmaid’s Tale
Matt Smith, The Crown

Miglior Serie Comedy
Atlanta
Barry
Black-ish
GLOW
The Marvelous Mrs. Maisel
Silicon Valley
Curb Your Enthusiasm
Unbreakable Kimmy Schmidt

Migliore Attrice in una Serie Comedy
Pamela Adlon, Better Things
Issa Rae, Insecure
Rachel Brosnahan, The Marvelous Mrs. Maisel
Allison Janney, Mom
Tracee Ellis Ross, Black-ish
Lily Tomlin, Grace And Frankie

Miglior Attore in una Serie Comedy
Donald Glover, Atlanta
Bill Hader, Barry
William H. Macy, Shameless
Anthony Anderson, Black-ish
Ted Danson, The Good Place
Larry David, Curb Your Enthusiasm

Miglior Attrice Non Protagonista in una Serie Comedy
Kate McKinnon, Saturday Night Live
Betty Gilpin, GLOW
Zazie Beetz, Atlanta
Alex Borstein, The Marvelous Mrs. Maisel
Laurie Metcalf, Roseanne
Megan Mullally, Will & Grace
Aidy Bryant, Saturday Night Live
Leslie Jones, Saturday Night Live

Miglior Attore Non Protagonista in una Serie Comedy
Tituss Burgess, Unbreakable Kimmy Schmidt
Brian Tyree Henry, Atlanta
Louie Anderson, Baskets
Alec Baldwin, Saturday Night Live
Henry Winkler, Barry
Kenan Thompson, Saturday Night Live
Tony Shalhoub, The Marvelous Mrs. Maisel

Miglior Limited Series
American Crime Story: the Assassination of Gianni Versace
Godless
The Alienist
Patrick Melrose
Genius

Miglior Film Tv
Black Mirror: USS Callister
Fahrenheit 451
Flint
Paterno
The Tale

Miglior Attrice in una Limited Series o in un Film Tv
Edie Falco, Law And Order True Crime: The Menendez Murders
Jessica Biel, The Sinner
Laura Dern, The Tale
Michelle Dockery, Godless
Regina King, Seven Seconds
Sarah Paulson, American Horror Story: Cult

Miglior Attore in una Limited Series o in un Film Tv
Darren Criss, American Crime Story
Benedict Cumberbatch, Patrick Melrose
Jeff Daniels, The Looming Tower
Antonio Banderas, Genius
John Legend, Jesus Christ Superstar
Jesse Plemons, Black Mirror.

Miglior Attrice Non Protagonista in una Limited Series o in un Film Tv
Penelope Cruz, American Crime Story
Judith Light, American Crime Story
Sara Bareilles, Jesus Christ Superstar
Merritt Wever, Godless
Letitia Wright, Black Mirror
Adina Porter, American Horror Story: Cult

Miglior Attore Non Protagonista in una Limited Series o in un Film Tv
Jeff Daniels, Godless
Edgar Ramirez, American Crime Story
Brandon Victor Dixon, Jesus Christ Superstar
Ricky Martin, American Crime Story
Michael Stuhlbarg, The Looming Tower
Finn Wittrock, American Crime Story
John Leguizamo, Waco

di Marta Nozza Bielli per DailyMood.it

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