Lasciata definitivamente alle spalle la pioggia di queste ultime settimane, con il sole arriva la settimana che anticipa la design week milanese in modo accessibile, ricco e molto vivace dal punto di vista artistico. Se Milano da sempre offre un’ampia offerta culturale, con la Milano Art Week che si svolge dal 8 al 14 aprile, la città di apre all’arte, quella contemporanea , sviluppandosi attorno ad una fiera, il MiArt , nota a tutti e non solo agli addetti ai lavori, che quest’anno vanta la presenza di 28 paesi con oltre 180 gallerie. snodo di quel rapporto complesso ma necessario, tra la galleria e l’ artista, un artista che , sempre più, sente il bisogno di creare nuovi modi e mondi per esprimersi e, perchè no, nuove società . La società come mood, appunto.

Per parlare di questo mood, della importanza delle gallerie e del rapporto necessario artista-galleria e l’importanza della “idea mentale” nell’arte, sono un valido esempio le mostre presentate da Prada, nei due spazi milanesi della sua Fondazione: Fondazione Prada in largo Isarco con la mostra “Pino Pascali” e Osservatorio Prada in galleria, con la mostra “”New Society”.

La prima “Pino Pascali”, aperta al pubblico il 27/3 e visitabile sino al 24/9, è dedicata , come si evince anche dal titolo, all’artista pugliese Pino Pascali (la madre Lucia era cugina di Arnaldo e Giò Pomodoro) in un susseguirsi di ambienti strutturati come esempi degli ambienti delle gallerie che hanno consacrato il genio di questo pubblicitario di Carosello che, in soli 3 anni divenne un inedito caso di artista rappresentativo ed unico del fenomeno artistico dell’Arte Povera. Ed è proprio il concetto di “ambiente” ad emergere. Con 49 opere in mostra, l’ampia retrospettiva curata da Mar Godfrey e ricca di eventi collaterali, tra cui talk e proiezioni cinematografiche, è concepita come un percorso emozionale con sezioni anche video e fotografiche. Con opere di musei italiani e non , alcune delle quali, per la prima volta, si ritrovano riunite. Ambiente appunto che esemplifica il lavoro delle gallerie, che non è solo un modo per mettere in mostra il lavoro di un artista, ma anche per creare un ambiente di suggestione dei suoi nuovi lavori. Grazie allo spazio “podium”, questo avviene quasi naturalmente, passando da una “galleria” all’altra, con una serie di stanze appunto, che “simulano ” le dimensioni spaziali originali delle gallerie (o delle istituzioni) in cui l’artista espose a suo tempo in quegli anni. E cosi, se la mostra su Pascali offre la suggestione delle gallerie, nel mood appunto di quanto l’art week milanese, sempre più ricca, vuole mostrare, la mostra ” Miranda July-New Society-” sempre da Prada, ma negli spazi dell’ Osservatorio, con un progetto a cura di Mia Locks, entra nella “pratica”, dell’essere un artista contemporaneo, di come lavora, di come impiega le tecnologie o esplora nuove forme di collaborazione artistica o connessione.

Volendo fare un parallelismo è come se l’entusiasmo artistico di un grande artista riconosciuto come Pascali negli anni 60, provvedesse a suggerire al visitatore l’occhio “affinato” delle gallerie che hanno creduto in lui e nel suo talento che lo trasformò, in soli 3 anni, in un artista di fama mondiale, mentre quello di una performer come la July (questa è la prima mostra “museale” anche se lavora da oltre 30 anni), volesse testimoniare in modo elementare forse ma necessario, che, in fondo, patrimonio di un artista dei giorni nostri, è solo uno spazio vuoto esistenziale che diventa reale ed artistico, sia che si tratti di una galleria che di un teatro, da riempire con il proprio talento. Come suggerisce il titolo della mostra della July (visitabile fino al 14/10), l’arte contemporanea, crea un valido esempio di nuove società possibili, spesso con sconosciuti, con cui si condivide lo spazio scenico, artistico, virtuale o reale che sia (interessante la sezione della mostra dedicata alla tennager anni 80 milanese che ha risposto ad una call online e dei suoi sogni ri-editati dall’artista, attraverso vari oggetti della sua cameretta). Che, come lo spettacolo della July che ha dato il titolo alla mostra a cui è dedicata un’intera sezione degli spazi espositivi, è una nuova società e per questo non ha un unico punto di vista. Ben riflettendo quindi la complessità del mondo di oggi, evocando la vita cosi come è, perchè questo l’unico vero mood. La vita frenetica, entusiastica, dissoluta, banale. Senza un bello possibile o qualche sezione aurea da rappresentare. La vita nuda e cruda, la società come mood, appunto. Ben vengano mostre come queste a ricordarlo. Durante una art week con fiere tanto importanti, ancora di più.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Fondazione Prada è da sempre scrigno prezioso per mostre inedite e con ampie vedute e questa mostra colletiva sotto il segno dei paraventi lo dimostra. In questo caso ampia è anche l’esposizione che propone paraventi per una mostra curata da Nicholas Cullinan che getta sicuramente un ponte tra Oriente ed Occidente che si indagano, si avvicinano in traiettorie inedite, per poi allontanarsi attraverso concetti che diventano una sorta di mood, come quello di “liminalità”,appunto.

Ma non solo, i paraventi presso Fondazione Prada per questa mostra, indagano la storia umana che interpreta e spesso cela i suoi accadimenti e storie dal 17 esimo secolo fino al 21 esimo. Ed ecco cosi, significante e significati dei paraventi appartenuti a Generali del 17 esimo e 18 secolo, con veri capolavori del 19 esimimo secolo, fino a quelli del 21 esimo secolo, dipinti con tematiche Queer. In questo modo e con molto altro sia che si tratti di disegni, scotch, acquarelli, adesivi , pittura o audiovisivi proiettati, ripercorrendo le traiettorie di reciproche contaminazioni su un oggetto che rimane sempre lo stesso e con la stessa identica funzione di sempre (offrire un davanti ed un dietro, un prima ed un dopo, un ora ed un mai) , ecco che gli sguardi si perdono  tra i capolavori dell’ Oriente  che fu e di un Occidente in ascolto di se stesso, ma che parlano anche di processi umani, di ibridazione tra le arti visive, anticipando e usando diverse forme d’arte, come fossero mondi possibili.

Storie di uomini e donne che dipinti sui paraventi, ne offrono interpretazioni e spunti, quegli inediti punti di vista da vedere sia davanti che dietro un paravento, o come vere e proprie intuizioni, che arrivano a collaborazioni tra designer e artisti nel 21 secolo dove il reatro scompare, quasi non interessasse più a nessuno, per fare spazio a un “davanti” sempre più colorato ed evidente. Infine, la creazione di opere inedite. I paraventi che più rappresentano quel concetto di liminalità che si diceva e diventano una sorta di soglia da attraversare. Spesso  soglia solo immaginaria, fra due condizioni, in senso letterale e metaforico, ma che con il circuito del piano terra ideato dallo studio di architettura SANAA, nel  podium  il circuito si diceva , in pexiglass, ricorda al visitatore quanto si sia costretti ad attraversa, a superare barriere, come spesso succede tra discipline, culture e mondi diversi grazie in questo caso a 70 paraventi diversi , 15 ideati dei quali e realizzati appositamente.

Ma quindi, come dice il curatore della mostra, cosa non questi paraventi? “Pittura o scultura? Arte o complemento d’arredo? Elemento utilitaristico oppure ornamentale? Decorativo, funzionale, architettonico o teatrale? Questa mostra esamina con un approccio innovativo gli interrogativi e i paradossi che circondano la storia dei paraventi, una storia di migrazione culturale (da Oriente a Occidente), di ibridazione (tra forme d’arte e funzioni diverse) e di ciò che viene celato e rivelato. La nostra ricerca svelerà come questa storia e il suo manifestarsi nel presente coincidano con la storia di oggetti liminali e della liminalità stessa, in un processo di superamento delle rigide distinzioni e gerarchie tra le diverse discipline dell’arte e dell’architettura, della decorazione d’interni e del design”.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Una vera e propria retrospettiva che Fondazione Prada , nel solco della sua tradizione  (che ha dedicato anche ad artisti del calibro di Edward Kienholz, Leon Golub e William Copley) e che cerca di dare spazio alle condizioni ed alle fasi della evoluzione del lavoro degli artisti, in questo caso appunto, a 50 anni dalla scomparsa, di Domenico Gnoli. Lo fa, in particolare, in senso spaziale offrendo sui muri del primo piano delle sale alla mostra dedicate, molti dei dipinti che l’artista fece in un arco temporale assai breve: soli due anni prima di morire, ma che segnaronoil suo lavoro per sempre.

Nel mood della poetica del frammento insomma, ecco palesarsi l’artista dietro le opere , che diventano testimonianza di frammenti di vita quotidiana stessa, attraverso l’uso dei particolari di mobili, scarpe, abiti e cravatte. Con le prospettive di oggetti così semplici è poi la texture della materia pittorica utilizzata a fare la differenza. A solo titolo di esempio ecco “Sedia” o “Sofa”. E le tante versioni delle cravatte e degli abiti. Quasi una sorta di frammenti di quotidianità tra polsini, colletti e scarpe, la serie sui particolari ,è in particolare quella degli abiti femminili e delle scarpe a colpire. Quasi volendo catturare l’attenzione dello spettatore per arrivare alla totale assenza-presenza degli oggetti in una sorta di ingrandimenti dei dettagli ( per esempio degli abiti femminili e delle scarpe non calzate)  viste in prospettiva quasi voyerista.  Affrontando con la scelta dei soggetti , un prima ed un dopo  di un’azione, l’artista offre una poetica del frammento nelle azioni quotidiane. Grazie ai quadri esposti della serie di “Nodo di Cravatta” poi, come quelle sui capelli femminili acconciati, come”Riccioli”, a trionfare  è la soddisfazione di chili guarda. E’ infatti, in chi vede il soggetto ingrandito , l’esclusività dell’azione, che mira a sodddisfare una certa curiosità sull’oggetto ritratto ma quasi spiandolo, a sua insaputa, in una sorta di zoom sul particolare proposto però in formato “maxi” e quindi, totalmente visibile a tutti. Quasi un approccio di intimità “costretta” che, attraverso azioni, cose di uso quotidiano come coperte, abiti, scarpe, mobili, svelano la propria intimità ma invitano lo spettattore a “curiosare” sempre di più nei particolari, con un uso dei materiali e dei colori sempre più denso. Appagamento e solitudine, sforzo e intimità.

Un modo di concepire l’arte unico  quello di Gnoli e privo di etichette. Documentandone collegamenti culturali con opere di storia dell’arte ed evidenziandone la carica espressiva come un “unicum” espressivo tra arti studiate e conosciute per ambiente culturale: una sorta di discorso tra l’artista e la tela che non si ferma al soggetto ritratto, ma al desiderio di essere nell’arte con l’arte, non solo dal punto di vista della originalità ma dal punto di partenza espressivo, sino al punto di vista storico ed infine, critico.

Concludendo, la mostra,realizzata dallo studio di Design 2X4 di NY , parte da una suggestione di Germano Celant che la ideò,  restituisce alla curiosità del pubblico una sorta di percorso emozionale su Domenico Gnoli, con oltre 100 opere datate dal 1949  al 1969 distribuite tra il piano terra ed il primo piano all’interno del Podium, sviluppando anche, grazie al materiale degli Archivi di Roma e di Maiorca, una interessante sezione cronologica con foto, disegni, materiali personali tra uomo ed artista volutamente a richiamare gli ambienti museali del XX secolo dalle prospettive lineari con lo spazio che crea “unità monografiche”. La mostra, inoltre, segnata da un forte sentimento di identità , offre sicuramente un contributo essenziale ad un eventuale dibattito culturale sull’artista che era già stato avviato dalla mostra organizzata e prodotta dalla Fondazione Marignoli di Montecorona, in collaborazione con l’Archivio Domenico Gnoli di Roma e il Comune di Spoleto, nell’ambito del 60˚ Festival dei Due Mondi, nel 2017.

In quel caso però, vennero esposti i disegni per il teatro dal 1951 al 1955 ma che anche la mostra presso Fondazione Prada, in questo allestimento, ha voluto dare traccia offrendo al pubblico la conoscenza dell’artista anche nella fase antecedente a quella più nota , esponendone alcuni  lavori al primo piano. Anche in quella mostra poi, grazie al catalogo dell’esposizione (della Editoriale Umbra per la Fondazione Marignoli di Montecorona, a cura di Michele Drascek- curatore dei progetti della Fondazione Marignoli di Montecorona e che, con piacere, si possono vedere presso la Fondazione Prada, proprio parte dei disegni per il teatro che catalogò lui stesso ed espose a Spoleto come inediti ormai quattro anni fa e contenente una prefazione del professore Bruno Toscano oltre che vari contributi dello stilista, scenografo e costumista Quirino Conti, Michele Drascek e Duccio K. Marignoli -presidente della Fondazione Marignoli di Montecorona-), si dette ampio spazio all’idea di una pubblicazione scientifica sull’artista .

Per la mostra di Fondazione Prada la pubblicazione sarà edita invece dalla Fondazione stessa e disegnata da Irma Boom con un nuovo saggio critico scritto ad hoc da Salvatore Settis e con ben due cronologie: una della carriera ed una della biografia dell’artista. Bentornato mood del frammento.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Il silenzio, si dice non disturbi nessuno, eppure a Milano in questi mesi, il silenzio è stato quantomai assordante, tanto che tutti cercano ancora adesso di evitarlo, forse perché fa pensare a quanto male sta facendo questo virus.

Chissà come avrebbe commentato Germano Celant, da critico e grande “motore” dell’arte povera e della estetica dell’ordinario. Il silenzio assordante in una città come Milano avrebbe rappresentato per lui la più grande forma d’arte povera. Una Milano anomala, deserta, malata di una malattia che ha investito anche lui. Un comunicato stampa ha voluto rendergli omaggio in modo sincero e sentito riconoscendogli il merito del lavoro svolto per uno spazio culturale che è cresciuto anche grazie alle sue intuizioni, rendendo una zona semi-periferica di Milano (ma vicinissima al centro), una tra le più belle e innovative.

Ora, sul sito della Fondazione Prada è disponibile “Percorsi possibili: avvio di una riflessione sul lavoro di Germano Celant” che mette in risalto il lavoro del noto critico italiano (dal 1995 direttore artistico di Fondazione Prada e dal 2015 sovrintendente scientifico della stessa) partendo proprio dalla prospettiva inedita di racconti e visioni.

Una collaborazione che ha reso possibile linee, idee, percorsi e tantissimi progetti, oltre 40 quelli curati, tra cui la celebre mostra personale di Michael Heizer nel 1996 fino alla retrospettiva dedicata a Jannis Kounellis nel 2019.

Tante le testimonianze, disponibili sul sito (http://www.fondazioneprada.org/project/percorsi-possibili-avvio-di-una-riflessione-sul-lavoro-di-germano-celant/) per un percorso di approfondimento della figura del curatore recentemente scomparso, tra di esse i Presidenti Patrizio Bertelli e Miuccia Prada hanno voluto evidenziare:

“We are deeply saddened for the loss of a friend and travelling companion. Germano Celant was one of the central figures in the learning and research process that art has represented for us since the early times of the foundation. The many experiences and intense exchanges we have shared with him over the years have helped us rethink the meaning of culture in our present. Intellectual curiosity, respect for the work of artists, the seriousness of his curatorial practice are lessons that we consider essential for us and the younger generation”.

“Siamo profondamente rattristati per la perdita di un amico e compagno di viaggio. Germano Celant è stato una delle figure centrali nel processo di apprendimento e ricerca che l’arte ha rappresentato per noi fin dalla nascita della Fondazione. Le molte esperienze e gli intensi scambi che abbiamo condiviso con lui nel corso degli anni ci hanno aiutato a trasformare il significato della cultura nel nostro presente. La curiosità intellettuale, il rispetto per il lavoro degli artisti, la serietà della sua pratica come curatore sono lezioni che consideriamo essenziali per noi e per le giovani generazioni“.

E così, a vederla ora, la Fondazione Prada sembra ergersi con le sue torri composte in un immenso silenzio, statico alle porte della seconda fase della pandemia a Milano, come se fosse un’installazione di arte povera, volta a trasformare quel silenzio in un silenzio nuovo, che si espande sino ai fiori che profumano di menta e finocchio selvatico accanto allo stagno nella piazza: sembra quasi un’energia in continuo divenire, alla ricerca di un po’ di vento, che supera le cancellate chiuse e gli spazi pubblicitari delle mostre che scorrono lente sui led luminosi dell’ingresso.

Chissà come avrebbe commentato Germano Celant.

Crediti Fotografici: ufficio stampa Fondazione Prada

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Si tratta di una mostra che si apre con l’opera di Martin Kippenberger, dal titolo suggestivo The Happy End of Franz Kafka’s “Amerika”: un quadrilatero nello spazio del Podium allestito come se ci si trovasse dentro il libro “America, ovvero il Disperso“, romanzo giovanile dello scrittore, proprio durante il colloquio di lavoro presso il Teatro di Oklahoma, che offre lavoro a tutti. Una serie colorata e vivace di sedute, circondate da un’atmosfera surreale da capo sportivo americano, alla ricerca del colloquio di lavoro perfetto.

In sala Cinema invece, entra in gioco il libro “Il processo” attraverso il celebre film di Orson Welles The Trial con Anthony Perkins ed Elsa Martinelli. In questo concept cinematografico ritroviamo il vero senso del mood degli scrittori, ovvero far propria l’esperienza espositiva ed artistica attraverso un’opera cinematografica che ripropone la suggestione letteraria raccontando la storia mediante la pellicola.

Chiude il percorso, l’ascolto dell’album di musica elettronica The Castle dei Tangerine Dream presso la sala Cisterna. Una sorta di locus amoenus fatto di sedute colorate gonfiabili, sostanzialmente neutre rispetto all’esperienza artistica proposta a chi entra, in cui la musica diventa evento “luminoso” dal grado sostanzialmente dispersivo, grazie alle stanze illuminate solo da finestroni e feritoie. Qui l’infinitamente piccolo di chi entra viene comparato all’infinitamente grande del luogo che lo ospita, esattamente come nel libro “Il Castello” di Kafka perché, come diceva l’autore, “tra i contadini e il castello non c’è nessuna differenza “.

Udo Kittelmann compie un piccolo miracolo: attraverso la scelta di questa trilogia, il curatore indaga la natura della narrativa di Kafka, contemporanea e da sempre nemica di se stessa: “Velenosa” al suo stesso autore e nociva, ma viva e nuda più che mai, come la realtà che si racconta. Esplorare, attraverso l’arte, la musica e il cinema, questo nuovo “mood”, che chi scrive definisce “degli scrittori”, offre un innovativo punto di vista anche in questo contesto. Rende visibili e palpabili le sensazioni dei libri che racconta, non con allusioni fini a se stesse, ma attraverso interpretazioni che da soggettive, diventano universali, note, partecipate.

In particolare, l’installazione di Martin Kippenberger, artista tedesco morto nel 1997, The Happy End of Franz Kafka’s “Amerika” del 1994, riesce a mettere a nudo il mood stesso degli scrittori, tanto utilizzato in questo periodo, rendendolo davvero attuale e partecipato. Proponendo la suggestione del posto fisso nel “grande teatro del mondo”, attraverso una serie immaginaria di scrivanie e sedute per intervistato ed intervistatore del colloquio. È come se l’arte di Kippenberger entrasse nell’arte del mondo contemporaneo e la dilatasse grazie allo spazio del Podium presso Fondazione Prada. Tavoli e sedie diventano “umani”, significante e significato un tutt’uno e gli arredi una sorta di testimonianza diretta della precarietà del mondo di oggi.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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A Milano questa quarta parete si trasforma: a differenza di Shangai, dove le opere del pittore interagivano anche con i colori e l’armonia degli arredi, la Galleria Nord di Milano diventa palcoscenico a tutto tondo, dove immaginare, grazie ai quadri esposti su muri scarni ed essenziali, palco e teatro, pubblico ed opera, attraversando quella “porta immaginaria” su altri mondi.

L’arte drammatica delle opere offre storie a tutto e tutti: una estetica “del proprio pensiero personale” che, come ha dichiarato Udo Kittelmann, si sviluppa sulla percezione: “Percepisco l’opera di Liu Ye come un messaggio pittorico sensibile che passa tra due mondi spesso considerati contraddittori: cultura occidentale e tradizione orientale. La sua pittura ha subito suscitato in me un grande interesse perché esprime una costellazione dialettica. Crea una relazione non solo con i complessi sviluppi della cultura in Cina, ma si fa testimone di una profonda conoscenza della storia culturale e pittorica europea. Le sue immagini affondano le proprie radici nei movimenti artistici ed intellettuali tanto occidentali quanto orientali, facendo convergere le forze del passato e del futuro“.
Una quarta parete quindi, che si dilata e diventa punto immaginario tra questi due mondi, cosi vicini ma allo stesso tempo cosi lontani.

La bellezza dell’allestimento della mostra sta nelle sedute, che richiamano la semplicità del materiale, catturando la direzione dello sguardo, esaltando il principio del bello e della voglia di osservare.
Sia che si tratti di uno spettatore distratto, sia che si tratti di un estimatore del genere, Liu Ye, classe 1964, offre nei suoi lavori esposti in “Storytelling” il suo modo di essere e di sentirsi vivo nell’incontro con persone che “sappiano raccontare qualcosa”, alle quali si ispira nella sua pittura.

Concludendo, la mostra di Liu Ye presso la Fondazione Prada, parla di un incontro, di tante lingue e viaggi in giro per il mondo, dai tratti tipici della cultura cinese contemporanea, ma con quel tocco capace di “svelare” qualcosa in più. Prima di abbandonare lo spazio espositivo, infatti, lo spettatore viene posto di fronte a una scelta: “sbirciare” dietro al sipario allestito accanto all’uscita o lasciarlo li, senza mai scoprire cosa c’è dietro.

L’occasione di uno sguardo “altrove”, come quello del pittore, rappresenta la grande verità dell’uomo universale. Come insegna “L’uomo senza Qualità” di Musil “l’uomo ha due stati di vita, due di coscienza e due di pensiero, e si difende dalla paura morale che ciò dovrebbe incutergli, prendendo gli uni per la vacanza degli altri”. Accessibile, quindi, ma impenetrabile, come appunto la pittura di Liu Ye.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Come recita il comunicato stampa “le Studio d’Orphée (studio di Orpheus) è un atelier, uno studio di registrazione e montaggio, un luogo di vita e di lavoro trasferito al primo piano della galleria Sud. Il cineasta ha deciso di trasferirvi il materiale tecnico, utilizzato nelle riprese dei suoi ultimi film dal 2010, nonché mobili, libri, dipinti e altri oggetti personali dal suo studio a Rolle, in Svizzera“. Un nuovo progetto cinematografico, quindi, per la Fondazione Prada, sempre più all’avanguardia per questo genere di contaminazioni artistiche, dove l’arte viene coinvolta a 360 gradi.

Oltre, quindi, al concetto di installazione, il nuovo progetto va oltre il cinema come mood emozionale, proponendo un vero e proprio cinema artigianale che si veste di particolari, dipinti e oggetti (compreso il Leone d’Oro che diventa fermalibro facendo intravedere un libro di Celine e, forse, non a caso) ricomposti come nella stanza originale: l’atelier – parola scelta per mettere in risalto l’esperimento e lo spunto autobiografico dell’utilizzo dello spazio.
Ecco, così, prendere forma la storia del cinema di Godard, narrata in prima persona quasi a sottolineare, da un momento all’altro, il ritorno dell’alter ego del regista, pronto a riappropriarsi di tutto.

Come anticipato, nel nuovo spazio creato per questa installazione, entrata a far parte del patrimonio permanente della Fondazione, “Le Studio d’Orphée” offre la possibilità di assistere al film Le Livre d’image (The Image Book) del 2018, concepito come miscelazione di suoni, direttamente su un monitor, il monitor del regista, dove solitamente questi lavora e opera. Lo stessa vale per i nove cortometraggi, sintesi di un vero e proprio processo creativo. Insomma, un viaggio nel cinema come catarsi dello spettatore che, piano piano, penetra nel luogo fisico in cui il film è nato.

Non stupisce, pertanto, che questo percorso cinematografico continui e culmini con la possibilità di un ascolto “sonoro” del cinema, proprio nell’ascensore della Torre: una sorta di anabasi ottenuta con “Accent Soeur”, volta a raccontare la storia della settima arte grazie a una particolare installazione sonora. Abbandonate quindi le scale, l’utente della Fondazione Prada diventa pioniere di un nuovo mondo emozionale, protagonista di una spedizione da novello Orfeo alias “spettatore di cinema sonoro“, fruitore, non di immagini, bensì di arte cinematografica: un viaggio a partire dalla “costa” che ha, naturalmente, come punto di partenza la poltrona del regista, il suo monitor, i suoi attrezzi da lavoro, oggetti e film, e che continua verso l’interno, in un territorio cinematografico “allargato”, quasi dilatato, che propone l’esatto contrario nell’ascensore.
Una spedizione dall’interno paragonabile, quindi, a una novella catabasi di “buon ritorno” allo stato di fruitore di arte (e non di festival cinematografici), anche se involontario e, forse, un po’ confuso e inconsapevole, nuovamente, senza la Euridice.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Con la naturalezza che contraddistingue il marchio ecco, quindi, inaugurata per prima la mostra presso l’Osservatorio, intitolata “Training Humans”, ad opera della ricercatrice Katy Crawford e dell’artista visionario Trevor Paglen; l’esposizione si pone come obiettivo quello di presentare l’intelligenza artificiale come atto di classificazione e di sorveglianza, prima con l’avvento delle scansioni della computer vision, per riconoscere i volti ed i gesti, e poi attraverso la fotografia online, diffusasi velocemente attraverso i social, che ha permesso la crescita netta ed esponenziale della portata del pensiero computazionale e delle infrastrutture che se ne occupano.

Lo stesso giorno della passerella milanese e nella stessa location, invece, è stata inaugurata la mostra del regista texano Wes Anderson e di sua moglie, l’illustratrice Juman Malouf, che sarà visibile sino al 13 gennaio. Il titolo della mostra, “il sarcofago di Spitzmaus e altri tesori”, permette una prima considerazione: come per le donne in passerella, il mood di Prada si fonda sull’idea di libertà che deriva dallo spogliarsi dall’eccessivo e dal superfluo. In questo senso, le oltre 500 opere in allestimento sono state scelte scrupolosamente dai curatori, come per una sorta di collezionismo, e provengono da ben 12 collezioni e 11 dipartimenti differenti del museo di Storia Naturhistorisches di Vienna.

L’estetica di Prada come brand di moda si traduce, quindi, in amore per la libertà e voglia di esprimersi, attraverso l’immagine di una donna forte e volitiva che sfila in passerella. Il desiderio di emancipazione dell’arte moderna e contemporanea si sposa a ricerche sempre più complesse, dove i contenuti diventano contenitori e viceversa. Si sceglie di rappresentare, insomma, il mondo fuori e dentro di sé, senza ostentazione ma con pacatezza e determinazione, andando oltre i divieti imposti da ciò che è moda o che può definirsi “opera d’arte”.
Prada si pone, in modo forse un po’ ribelle, in una posizione di continua riflessione sul proprio mondo di riferimento, sulle motivazioni che guidano l’atto di collezionare, in contesti come quelli contemporanei dove l’arte sta diventando sempre più “incollezionabile”.
E questo è quello che intende fare con la mostra del regista di Grand Budapest Hotel, così ricca di capolavori da sembrare quasi caotica ma che nasconde, invece, un ordine meticoloso dei curatori e si traduce in una sorta di cubo per uno storyboard cinematografico e visionario.

Si può affermare, quindi, che Fondazione Prada rispecchi appieno l’idea di brand come mood dell’estetica, e non solo della moda ma anche dell’arte, attraverso una mostra che si propone come “una riflessione sulle motivazioni che guidano l’atto di collezionare e sulle modalità con le quali una raccolta è custodita, presentata e vissuta”, come recita appunto il comunicato stampa.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Se nel Podium e nel Cortile della Fondazione il progetto del 2019 “Neighbor Dub“, segna l’inizio di un viaggio (con una installazione a 15 canali e volumi sonori) nel Deposito della Fondazione Prada, l’unica risposta che viene fornita è nella visione della proiezione di “Plot Front” sempre del 2019, un video di circa un’ora e mezza.
Contenuti narrativi e atmosfere grottesche che segnano anche il punto di arrivo – su delle sedie a dondolo bianche- dei visitatori in una sorta di percorso obbligato.
L’idea, che fa eco allo “sculptural theaters“, si esprime bene ed in maniera più che diretta essendo costretti ad esserne parte costantemente. Inoltre, la scelta di legare immagini tratte dagli ambienti naturali americani dove il progetto è nato, permette di ripercorrere un legame nuovo con gli spazi aperti: obbligando il visitatore a rimanere in un luogo chiuso, ma con la percezione di uno spazio esterno.

Come ben hanno detto gli stessi artisti la caratteristica di questa mostra è che: “Il set di Athens è molto diverso dai [nostri ]precedenti per vari motivi. In primo luogo per il legame con gli spazi aperti, tanto che anche l’interno instaura una forte relazione con ciò che è fuori” (Fitch).
Paura, timore di morte, paura dell’abbandono nel bosco, l’idea di una necessaria ed imminente separazione perchè non è “più il tempo”, avviene attraverso la fruizione della mostra, così come anche nell’ultima parte del percorso, degna di nota, nella sala cinema della Fondazione Prada. Con la proiezione di “The movies” , la Fondazione Prada raccoglie, in una sorta di collezione video enciclopedica (in tre atti scenici) un lasso di tempo artistico dei due creativi di quasi 10 anni di carriera,quasi tutta la produzione di questi insoliti autori americani.

I temi dei video di “Kitchen Girl“, di “I. Be Area” e di “Yo!“, per esempio, si mischiano a molti altri temi di milioni di minuti di girato negli anni, dagli esordi al successo, dove i temi cari agli artisti, come quello del diventare adulti o di provvedere a se stessi, fanno eco o controcanto ad altri tra cui: far parte di una società o meno, dispezzarla o deriderla. Creando ruoli sociali sempre diversi e del tutto nuovi, senza garbo e senza ironia, ma che paiono quasi un viaggio alla ricerca di quelle “briciole”, mangiate chissà da chi e dove, come in una moderna fiaba di Hansel e Gretel e che dovrebbero aiutare il visitatore della mostra ad orientarsi infine , in questo viaggio regressivo dove il meteo diventa anche viaggio mentale tra concetti di territorio e senso di proprietà.

Il viaggio nel mondo di Fitch e Trecartin che, come un tempo variabile reale, verbale e non, hanno fatto dell’immagine della installazione finale la costruzione “icona” di tutto il progetto: una casa ed il brutto tempo. Un vero universo concettuale per chi ama sperimentare, sfidando le convenzioni che, come Ryan Trecartin ha detto: “a causa del brutto tempo i lavori di costruzione sono andati a rilento rispetto ai programmi. Alla fine, per questa parte di riprese abbiamo dovuto girare accanto all’edificio e modificare molte delle idee che avevamo immaginato su come utilizzare il set. Abbiamo avuto anche tanti problemi con i vicini. Da qui sono nati i contenuti che riguardano i concetti di territorio e proprietà e che si sono poi mescolati alle prime idee che stavamo già esplorando.”

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Gli spettatori sono seduti lungo il perimetro della sala e occupano diversi elementi architettonici – terrace, stage, balcony – che delineano lo spazio della sfilata delimitando un’area rettangolare situata al centro. Nell’oscurità della sala risplende una piattaforma punteggiata da un reticolo di forma regolare costellato di lampadine, a metà strada tra un paesaggio performativo e una sorta di esperimento scientifico di Nikola Tesla.

I modelli sfilano a una certa distanza dal pubblico attraversando un terreno artificiale a spuntoni in morbida schiuma, fiocamente illuminato, che evoca un’atmosfera misteriosa e arcana e ricorda la scena di un film di fantascienza. La spettacolarità della performance è accentuata da una serie di riflettori che aggiungono una dimensione di teatralità e al tempo stesso di intimità, in contrasto con la vastità e l’atmosfera industriale del Deposito.

Crediti: OMA/AMO

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Diego Marcon, Diego Perrone,Carla Arocha, Pavel Büchler, Giuseppe Gabellone, Dominik Lejman,Javier Téllez e Pieter Vermeersch.

Il mood è quello della “scìa”, ovvero del “Sanguine” del titolo, del sangue appunto, inteso come “scia esistenziale” di vita e di morte, tra temperamenti violenti e ricchi lavori di grande vitalità,alcuni con effetti prospettici inediti e soluzioni formali a volte ardite altre virtuosistiche, come era appunto lo stile Barocco che richiedeva dai suoi protagonisti di un tempo rigore e forma, genio e sregolatezza. Il mood dell’arte che approda a Milano in veste nuova con un Luc Tuymans in duplice veste di curatore ed artista, dedito a declinare, grazie ad una grande passioen per i suoi colleghi protagonisti della mostra, dei più grandi protagonisti del Barocco. Presenti infatti anche due tele di immenso valore artistico: quelle di Michelangelo Merisi. Tele, che dialogano(o tentano di farlo?) immobili alle pareti e che diventano quasi tratti fisiognomici e grammaticali delle altre opere contemporanee e moderne in mostra così come molte altre di altrettanti maestri del coloro del Barocco. Due opere, quelle di Caravaggio sicuramente da segnalare nel solco del mood dell’arte che anche questo autunno è nuovamente caravaggesco a Milano, con un Merisi protagonista (solo di qualche settimana fa infatti l’inaugurazione della mostra presso la Permamente di Milano a lui dedicata dal titolo “Caravaggio, la mostra immersiva” fino al 10 di Febbraio). Programmaticamente molto lontana dai canoni rinascimentali dell’armonia e delle proporzioni ecco che nella sala del Podium, Caravaggio con Il “Ragazzo morso da un ramarro” del 1596 e “Davide con la testa di Golia” del 1609, propoposto in questo allestimento quasi come “disinnesco” (o innesco?) forzato della rivoluzione del realismo che poi nelle varie sale diventa a tratti surreale. Superamenti di sintesi che trova l’acme, il suo punto massimo, al primo piano con l’opera “Fucking Hell” del 2008 di Jake e Dinos Chapman che si basa sul tema vero e proprio dell’orrore della guerra contenuta in singolari “vivai” dove invece che formiche e scarafaggi tra muschi e licheni, ecco emergere scene di figure di soldati nazisti a forma di spilli che cannibalizzano questo mini mondo artificiale. Tra opere di Antoon Van Dyck e Marlene Dumas, ecco inserirsi le opere di Isa Genzken con la sua “Basic Research” del 1989 che utilizza la tecnica del “frottage”ovvero del disegno “ottenuto mediante lo sfregamento di una matita su un foglio di carta posto su una superficie non liscia“.

Concludendo sono tutti lavori che hanno un forte impatto visivo ed emotivo sul visitatore ad incuriosire la ricerca del curatore con le opere contemporanee e moderne; interessante da segnalare in una delle salette cinema allestite internamente “Nosferatu (The Undead)” del 2018, una videoinstallazione di Javier Téllez “che esplora la memoria cinematografica e la condizione d’isolamento dei malati mentali“. Un video crudo ma mai violento che evoca in modo emozionale le pratiche quotidiane, le letture, la vita, di queste persone. Una mostra che si inserisce nel mood emozionale dell’arte di oggi con garbo ed ironia, proprio grazie a questo dinamismo fatto spesso di espedienti colti e geniali, come le tele del Merisi e definito non a caso prototipo di questo”populismo in espansione” ma che parte dalle grandi (e solide) radici della storia dell’arte che diviene più contemporanea.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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di Cristina T.Chiochia per Dailymood.it

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Theaster Gates, Boli, a Portion of the Team Lives in Heaven, 2014; Theaster Gates, A Portion of the Team Lives in the Heavens, 2016. Foto: Delfino Sisto Legnani Studio

Il lavoro di Theaster Gates, classe 1973 che vive e lavora nella sua città natale, Chicago, a cui è fortemente legato; sta appunto nel messaggio totalizzante di quella che a prima vista, può apparire o pattume o un invito a recarsi in una ferramente di Milano. In Largo Isarco a Milano, a Fondazione Prada, sino al 25 settembre 2016 sarà visitabile nello spazio podium ed in quello cisterna, la mostra “True Value di Theaster Gates”. L’autore, che è un artista dell’arte definita “American Social Practice” rivolge volutamente l’occhio attento vecchi cataloghi, set da trapani elettrici, set di pinze tagliacavi e materiali come legno, metallo e vetro per ricostruire uno studio attendo ed intimo quasi attraverso l’incontro diretto con il pubblico della mostra che, volente o nolente, diventa utente di una vera ferramenta. E così, attraverso legni e rivestimenti per i tetti, attraverso le torce elettriche appese ed il catrame, l’argilla, il legno ed il metallo che si fingono alleati per ricostruire oggetti reali come carrelli e ruote (o sformarli?), ricreare soluzioni urbane non è più importante ma, come recita il comunicato stampa “true value (opera del 2016), l’intallazione che dà il titolo alla mostra, propone un negozio di ferramente abbandonato, realizzando uno spazio poetico ed al tempo stesso pragmatico in cui sono posti offetti appartenenti agli ambiti del commercio e delle relazioni umane, tradizionalmente legati al mondo del lavoro e degli scambi economici”.

Da sinistra a destra: Theaster Gates, Tar Mop and Bucket, Heirloom, 2014; Theaster Gates, Black Occult Practice Form #1, 2016. Theaster Gates, In the Absence of Corrugated Metal, 2015. Foto: Delfino Sisto Legnani Studio

Gate, che è anche il fondatore e il direttore artistico della Fondazione Rebuild, propone nel primo spazio un negozio di ferramenta (nello spazio del podium) come emblema quindi di qualcosa che aspetta solo di essere utilizzato per esistere, se no muore come oggetto (come nella macchina “afferra oggetti” posta nel corridoio). Mentre invece lo sterco che piano piano decompone l’idolo posto nel rituale nel secondo spazio, sempre con calchi di sagome in plurimateriale in colori di bianco e nero e bifronte (nello spazio cisterna)? Un “ethos” da vivere quindi, come il significato originale della parola greca, indicava. Ma che può essere inteso in vari modi. Dal semplice apparire di un oggetto, alla sua disposizione nello spazio o dall’evocarne il temperamento. Se poetico o no, al pubblico della mostra deciderlo.

 di Cristina T.Chiochia per DailyMood.it

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Photo Credit @ www.fondazioneprada.org/

E’ interessante far notare l’enorme differenza infatti, nel vedere la mostra di giorno e poi di sera, con le vetrate multicolor illuminate che diventano da un puro “set” a un raccontarne la storia riprodotta attraverso la luce e le sedute, dove è possibile approcciarsi con il movimento (sedendosi, stando in piedi, saltando dentro la struttura), quasi a se stessi come in un tempio ateo urbano, ma mai blasfemo. Cosi, come un giudizio sospeso sulla propria umanità, il pubblico può aggirarsi tra le lunghe sedute, nere, ascoltare musica, scarabocchiare quaderni, appropinquarsi ad un palco per arringare invece che una folla inesistente, se stesso. Nella seconda sala, la sala cinema, la novità più cruda invece del progetto introdotta nel mese di settembre: il video “Synchronicity is my bitch”.

Photo Credit @ www.fondazioneprada.org/

Come in un sogno in bianco e nero che viva via anche qui diventa più opaco o luminoso, quasi seguendo il ritmo di un ipotetico tempo di cronobiologia e cronopsicologia, ecco, come recita il comunicato stampa “un’opera composita, nella quale l’artista ha dato forma a un immaginario visuale assemblando frammenti di film, video, varie forme di programmi televisivi vernacolari africani accompagnandolo con suoni e ritmi del suo nuovo album inedito […]”.

Scavando profondamente nella propria identità, questo giovane artista angolano, calandosi quasi in una nuova identità collettiva, avvicina lo spettatore che avrà poi modo di decidere se“assaporare” con empatia o alienazione quasi, questo “modello di tempio di tenacia”. Completa la mostra il nuovo ciclo di performance live di I Make Love To You. You Make Love To Me. Let Love Have Sex With The Both Of Us (Part 1 – The Gregorian Gospel Vomit) che si svolgeranno venerdì 23 settembre (ore 18.30 e 19.15), sabato 24 settembre (ore 18.30 e 19.15) e domenica 25 settembre ore (ore 16.30, 17.30, 18.30 e 19.15).

di Cristina T.Chiochia per DailyMood.it

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Definita una mostra “antologica” è curata da Elvira Dyangani Ose e propone per la prima volta in Italia il lavoro dell’artista americana in ben 80 opere tra cui assemblage, collage, installazioni e sculture, tutti realizzati tra il 1966 ed il 2016. Betye Irene Saar nata a Los Angeles, California, è un’artista americana molto nota dagli anni ’70 in poi, in modo particolare per la tecnica dell’assemblaggio di vari materiali. Proprio in quegli anni, fece parte del movimento Black Arts Movement che cercava di abbattere muri, sfidare la società americana nei suoi miti e nei suoi stereotipi più profondi, dall’interno. Forse per questo venne frainteso o manipolato il suo lavoro più noto “la liberazione di Zia Jemina” (l’archetipo della famosa Mammy del film Via col vento), chissà.

Photo Credit @ www.fondazioneprada.org

E cosi, nelle sale messe a disposizione dalla Fondazione Prada milanese, ecco gli oggetti (anche le famose Zie Jemine e Zio Tom) disposti in scatole o finestre, orologi, bilance, gabbie e vecchie porte tutte decorate con collage, oggetti e chincaglieria, varia ma che segue sempre un pensiero, un principio, che si tratti di barche, di pesci, di uccellini, occhi, spille o piramidi egizie. Ma è il movimento a spirare della disposizione degli oggetti di questa non più giovane artista a permettere all’attenzione di essere catturata non solo dai tanti elementi di riflessione sul tema della “razza” e del “genere”nativo americano, ma in quelli , sicuramente più universali e cari all’artista della vita e di morte. Come nei piccoli corredi (funebri?) di bimbe, ciocche di capelli della nascita, vestitini esposti, quasi con innocente candore che in un solo colpo d’occhio racchiudono il senso della morte e della vita in quello della “pace”. Oggetti ordinari vecchi, riciclati che diventano straordinari come polaroid di un tempo oramai trascorso dove l’identità afroamericana supera il concetto di razza e di etnia (e di “black art”), per far emergere quello di “black artis moviment”, ovvero quello universale di appartenenza ad una sfumatura del genere umano in quanto tale, come anche la scienza, ora, ha dimostrato.

di Cristina T.Chiochia per DailyMood.it

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Si è inaugurata, con un enorme successo (e volti noti del teatro, arte, spettacolo e della moda), la nuova mostra in Fondazione Prada a Milano che dal 4 Febbraio al 19 giugno esporrà un allestimento di Goshka Macuga, artista polacca.

Goshka Macuga, International Institute of Intellectual Co-operation, 2015. Foto: Delfino Sisto Legnani Studio

Chi la conosce sa che è quasi impossibile catalogare il suo lavoro per quel gioco delle parti che la rendono a volte curatrice, a volte artista, a volte semplice voce di un coro di “incipit” con performer ed arstisti di tutta Europa. Sicuramente anche il lavoro che presenta a Milano presso la Fondazione Prada “To the Son of Man Who Ate the Scroll” che si rifà ad un versetto della Bibbia ebraica e che potrebbe essere tradotto forse anche come al figlio dell’uomo che non ha “mangiato la foglia”, chissà e che ripercorre idealmente già dal nome, tutto il senso di questo viaggio che si snoda in differenti ambienti, il podio, la cisterna e la galleria sud della ex-distilleria vicino allo scalo romano di zona sud a Milano. Un vero e proprio “circuito magnetico” al quale il visitatore “si induce”, entrando nel primo spazio ed assistendo alla performance dell’androide molto somigliante al fidanzato della Macuga, che parla dell’origine, del tempo, della fine e della rinascita dell’uomo attraverso frasi fatte in inglese dei suoi protagonisti storici e la celebre frase del film blade runner. Un androide, dai tessuti sintetici che muove come un uomo, gli occhi apre, come un uomo, la bocca e muove le mani (perfette) ma che annulla, con il solo essere lì tra dei capolavori della scultura moderna e contemporanea, il fattore umano sparso per la sala in opere per lo più celebri ed immortali di Phyllida Barlow, Robert Breer, James Lee Byars, Ettore Colla, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, Thomas Heatherwick ed Eliseo Mattiacci e molti altri.

Goshka Macuga, To the Son of Man Who Ate the Scroll, 2016. Foto: Delfino Sisto Legnani Studio

Quasi una introduzione alla seconda sala che pare domandarsi dove finisce il fattore umano e ne nasce la sua sintesi “cibernetica”, con l’installazione Before the Beginning and After the End di Macuga in collaborazione con Patrick Tresset che ha realizzato il sistema “Paul-n” per tracciare gli schizzi sui rotoli. Lungo infatti cinque tavoli, vengono presentati questi rotoli di carta (a cui forse il titolo della mostra si riferisce) e che sono lunghi 9,5 metri. Interessante la scelta di suddividere i tavoli per colore: quello verde, giallo,blu, ecc., quasi fossero i colori del mondo che, con l’interazione del bianco della carta e gli scarabocchi in penna nera rossa o blu; cambiasse la luce e diventasse materia luminosa anch’essa che si spegne solo attraverso “la memoria” del colore, spogliandosi così di tutti i suoi significati polisemantici attraverso il continuo disegnare sulla carta dell’ultimo tavolo, di due mini-robot della serie “Paul-A” appunto e che continuano a disegnare in tempo reale per tutta la durata della mostra. Il culmine di questa metafora è nella percezione dell’insieme, che riprende alcuni protagonisti degli oggetti artistici messi sui fogli di carta dei tavoli o accanto o sulle pareti, che costringono a “girare l’angolo” lungo una colonna e compiere questa rotazione su se stessi per riassaporarne l’insieme. Piccole sculture di De Chirico, opere di Hanne Darboven, Lucio Fontana, Sherrie Levine, Piero Manzoni e Dieter Roth ed il famoso carteggio tra Freud e Einstein sul perche’ della guerra con la lettera originale in bella mostra e la possibilità di sfogliarne il libro, mentre spicca, su di un angolo del penultimo tavolo, anche la catena del DNA umana disegnata in modo perfetto, ma meccanicamente.

E cosi, concludendo il percorso nelle tre sale del cisterna, ecco si completa questo viaggio: quasi che fosse il cosmo a realizzare non dei modellini con sfere d’acciaio e barrette di plastica come fanno i bambini di tutto il mondo, ma 73 teste di bronzo che rappresentano 61 figure storiche e contemporanee tra cui quella di Albert Einstein e di Sigmund Freud, Martin Luther King, Karl Marx, Mary Shelley e Aaron Swartz, collegate tra loro da lunghe barre metalliche che si infilzano nelle teste di cotanti esseri umani illustri. E come nel circuito magnetico che induce un campo magnetico per mezzo degli opportuni “avvolgimenti” , come un magnete il cervello e la mente umana restano per chi si aggira per le sale cisterna, l’unica ed inscindibile risposta per quel destino dell’uomo cosi segnato dalla ricerca di sviluppo che mette “in rete” competenze e mondi virtuali in nome del progresso umano. E chissà, se come nel gioco dei bambini, basterà avvicinare la sfera alla estremità della barretta e l’altra l’attirerà magneticamente.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

Photo Credit: http://www.fondazioneprada.org/projects/to-the-son-of-man-who-ate-the-scroll/

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di Emma Mariani

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“Recto Verso”, così come la precedente mostra “In Part” curata da Nicholas Cullinan negli stessi spazi, individua in un nucleo di opere della Collezione Prada un tema potenziale che viene in seguito ampliato e approfondito attraverso prestiti provenienti da istituzioni italiane e internazionali. In questo modo la Collezione Prada è intesa come un archivio aperto la cui vitalità consiste nell’offrire nuove interpretazioni del contemporaneo.

La tradizione occidentale concepisce il dipinto principalmente come un artefatto frontale (“recto”). Il retro (“verso”) sembra trasmettere un significato culturale trascurabile, non essendo destinato allo sguardo del pubblico, perché visibile solo dall’artista e dagli addetti ai lavori.
In questa mostra artisti attivi nel corso degli ultimi due secoli si oppongono a questa convenzione portando in primo piano il retro della tela.
Ad esempio, in alcuni lavori esposti, la tecnica del trompe-l’oeil, resa celebre dai pittori fiamminghi del Settecento, è impiegata per focalizzare l’attenzione sul telaio piuttosto che sull’immagine dipinta. Si tratta di opere che rappresentano il retro di un’opera sia attraverso la pittura, come nei lavori di Louis-Léopold Boilly, Roy Lichtenstein e Luca Bertolo, sia tramite la fotografia, come nelle opere di Gerard Byrne, Thomas Demand, Philippe Gronon, Matts Leiderstam e Ian Wallace.

Le tracce che gli artisti lasciano sul retro del quadro possono essere di varia natura e contenere un livello di intenzionalità variabile nello svelare un contenuto non visibile: dal messaggio esplicito, che durante la contestazione della Biennale di Venezia nel 1968 Gastone Novelli decise di mostrare esponendo un suo quadro al contrario, come un muro su cui scrivere slogan politici, fino alla presenza di vere e proprie immagini riportate sul retro della tela, come nei lavori di Llyn Foulkes e di Giulio Paolini, che diventano visibili solo se mostrati al contrario, mettendo così in discussione la prevalenza del recto sul verso.

Nel processo in cui il retro inizia a diventare un vero e proprio soggetto d’indagine, la confusione dei due piani si avvicina sempre più a una vera e propria fusione, come nelle combustioni operate da Alberto Burri. Anche la struttura del quadro può passare in primo piano: con l’uso della doppia esposizione, Sarah Charlesworth guarda attraverso l’opera per dare visibilità agli elementi fisici e strutturali dell’oggetto rappresentato. E se Carla Accardi sostituisce la tela con la plastica trasparente, esponendo così la struttura altrimenti nascosta e il muro retrostante, in anni più recenti Pierre Toby utilizza con la stessa finalità il vetro. Nei lavori di Pierre Buraglio e Daniel Dezeuze, vicini al movimento artistico Supports/Surfaces, nato in Francia verso la fine degli anni Sessanta, il piano pittorico svanisce completamente, lasciando affiorare solo il supporto materiale.

L’allestimento della mostra nella galleria Nord illustra il gesto del capovolgere e rivelare. Alcune opere sono sospese tra le pareti che dividono lo spazio espositivo. Grazie a questo procedimento i quadri, che normalmente sono presentati come entità piane e bidimensionali, diventano oggetti scultorei e tridimensionali attorno ai quali il visitatore può muoversi liberamente.
Images Courtesy Fondazione Prada

Fondazione Prada dal 3 dicembre 2015 al 14 febbraio 2016

da Comunicato Stampa Fondazione Prada

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La zona è una di quelle dove il passato di Milano si rigenera, una periferia costellata di binari, fabbriche e torri dell’acqua che mostra un fascino potente e qualche rimpianto. Qui, in largo Isarco, si inaugura un nuovo punto di riferimento dell’offerta culturale milanese progettata dallo studio di architettura OMA, guidato da Rem Koolhaas, settantenne architetto e urbanista olandese di grande importanza internazionale e già autore dello store di Prada su Rodeo Drive a Los Angeles. La nuova sede della Fondazione Prada è nata dalla trasformazione di una distilleria (la Sis) che risale agli anni ’10 del Novecento, dove si produceva il brandy Cavallino Rosso. La caratteristica della location è di avere ambienti diversissimi che coabitano: vecchio e nuovo, largo e stretto, aperto e chiuso, orizzontale e verticale. Non un solo grande fabbricone, ma una complessità da tenere insieme. I colori sono il grigio del vecchio intonaco industriale, il nero, il bianco, e poi l’oro della palazzina chiamata Haunted House, casa degli spiriti. Subito dentro al cortile, a sinistra, un’altra piccola oasi bizzarra e colorata è il Bar Luce, progettato dal visionario regista americano Wes Anderson rispolverando i vecchi bar milanesi degli anni Cinquanta: pavimento di graniglia, bancone di legno e formica verde, sedie in finta pelle a tinte vivaci, due flipper e un jukebox, e sui muri una tappezzeria che riproduce le decorazioni della Galleria Vittorio Emanuele. Ovviamente non mancano file di sifoni del selz e bottiglie di liquori d’epoca.

Ad aprire le danze è stata una doppia mostra dedicata al mondo classico e curata dal celebre archeologo Salvatore Settis (con Anna Anguissola e Davide Gasparotto) che farà da trait d ‘union tra la sede milanese di Largo Isarco e quella veneziana. Questo è già un motivo valido per cui fare una visita alla nuova Fondazione Prada. Da non perdere il Podium, il piccolo gioiello di Koolhaas, un parallelepipedo costruito con la luminosissima schiuma di alluminio, in cui saranno ospitate le mostre temporanee, tra cui quella curata da Nicholas Cullinan, che riflette sul tema del corpo come frammento. E poi, la Haunted House, palazzina di quattro piani ricoperta in foglia d’oro, contenente la meravigliosa collezione di Madame Prada. Val bene una messa, la visita al cinema, che ospita un progetto dal titolo Roman Polanski: My Inspirations. Nel documentario concepito da Polanski per la Fondazione Prada e diretto da Laurent Bouzereau, si ripercorrono le fonti d’ispirazione della sua opera cinematografica, analizzando i film che lo hanno influenzato. Infine, dopo esservi persi in questo labirinto di meraviglie, non potete non prendervi un caffè al Bar Luce, progettato da Wes Anderson. E’ la ricostruzione di un vecchio caffè milanese pieno di riferimenti sia al neorealismo italiano oltre al cinema di Anderson stesso. La chicca? Il flipper, ancora funzionante, de “Le avventure acquatiche di Steve Zissou”.

di Valeria Ventrella per DailyMood.it

Crediti photos Fondazione Prada: http://www.fondazioneprada.org/

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