C’è sempre un che di anarchico nei film di Sydney Sibilia, che arriva a L’incredibile storia dell’Isola delle Rose dopo il grande successo della trilogia di Smetto quando voglio. I suoi sono sempre degli eroi (o antieroi, se preferite) contro il sistema, pronti a prendersi, in ogni modo, quello che è loro o che credono di meritare. Come un posto di lavoro, una sicurezza economica, in qualche modo una “posizione”, per i laureati precari di Smetto quando voglio, una libertà da leggi e costrizioni per i protagonisti di questo film. Gli eroi di Sibilia sono un po’ cialtroni, dei ragazzi mai cresciuti, delle simpatiche canaglie. Ma, attenzione, sono anche e soprattutto dei sognatori, dei puri, degli utopisti. E allora è naturale immedesimarsi, empatizzare, fare il tifo per loro. I personaggi di Sibilia ci conquistano già dai primi minuti della visione. Per questo ci piace questa isola, un posto per naufraghi, disertori e reietti. Perché è uno stato libero, perché, come cantava Gianni Morandi, è un mondo d’amore. Senza il prato verde, ma con una piattaforma di legno e acciaio in mezzo al mare.

Il cinema di Sydney Sibilia è, al solito, esplosivo. Ci piace perché, pur raccontando storie e personaggi tipicamente italiani, si allontana da un certo cinema italiano, da una commedia più facile e immediata, per raccontare con un certo humour di tipo anglosassone, più leggero, più sospeso (guardate la sequenza dell’incidente automobilistico dovuto all’errore di Giorgio, in secondo piano, mentre il primo piano è su di lui, e vedrete un modo molto particolare di stemperare una gag, lasciandola sullo sfondo, facendo sorridere ma senza sovrastare quello che è il vero cuore del film). Che in tutta la prima parte funziona quasi come una commedia romantica, raccontando l’amore tra Giorgio e Gabriella (Matilda De Angelis), che avrà poi una parte importante verso la fine del film. Per poi entrare nel cuore della storia, che parla di leggi giuste e leggi vigenti, di anelito di libertà, del bisogno di trovare, come in Smetto quando voglio, ma stavolta proprio letteralmente, il proprio posto nel mondo.

Sibilia passa dai più pesanti e marcati accenti romani – ormai un classico della nostra commedia – di Smetto quando voglio al più insolito bolognese del Giorgio di Elio Germano e di altri personaggi. In questo modo il ritmo dei suoi dialoghi si fa più leggero, quasi sincopato. Dai colori acidi e supersaturi, quelli di un viaggio di Lsd, della sua trilogia precedente vira su toni più tenui, seppiati, quelli che associamo alle vecchie foto degli anni Settanta, quelle di quando eravamo bambini. Il cinema di Sibilia non assomiglia a nessun cinema in particolare, si possono trovare giusto alcuni echi di altre opere. Se Smetto quando voglio era una sorta di Breaking Bad mescolato a Santa Maradona, con Quentin Tarantino come nume tutelare, qui siamo dalle parti di I Love Radio Rock, brillante film inglese di qualche anno fa sulle radio libere, un’altra storia fuori dalle acque territoriali. Ma in entrambi i film di Sibilia i personaggi sembrano essere forti della loro cultura e della loro capacità, i mondi che costruiscono si basano sulle leggi della chimica (Smetto quando voglio) o sulle leggi della fisica e dell’ingegneria (L’incredibile storia dell’Isola delle Rose)

Quello di Sibilia è un cinema che valorizza al massimo gli attori. Elio Germano è perfetto per dare vita a questo personaggio, e come al solito fa un lavoro perfetto sui dialetti. Matilda De Angelis fa un lavoro eccezionale sulla voce, che acquista toni bassi, si fa roca, pacata e fa da contraltare a quella di Germano. Tra gli antagonisti, i politici del governo Leone, spiccano Luca Zingaretti nel ruolo del Presidente del Consiglio, e un eccezionale Fabrizio Bentivoglio nei panni del ministro Franco Restivo. Qualche anno fa abbiamo imparato a conoscere e ad amare una nuova generazione di registi come Gabriele Mainetti, Matteo Rovere, Fabio Guaglione e Fabio Resinaro, e i cui c’è anche, a pieno titolo, Sydney Sibilia. Una generazione di autori che fa cinema in Italia senza che sia il classico cinema italiano, ma riscoprendo i generi e puntando a un respiro internazionale. Era una generazione di promesse, che promesse non lo sono più. Perché la hanno mantenute.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Tra i tanti commenti che abbiamo letto, sui social media e negli articoli, su Loro 1, ci sono stati anche quelli di chi avrebbe avuto un film più politico, più schierato, che raccontasse i fatti contestati al leader. Detto che un film politico è già stato fatto, e che non è questo l’intento di Paolo Sorrentino, in Loro 2 c’è anche tutto questo. C’è, come detto, la compravendita dei senatori. E dal dialogo con uno di questi viene sciorinato tutto il buio che gli affari di Berlusconi hanno significato: processi, leggi ad personam, conflitto di interessi, scontro con la magistratura, populismo scorrono in un dialogo veloce che non appesantisce così un film altamente simbolico e intimista con la cronaca, ma ci fa tenere tutto ben presente. Da qui, in split screen, arriva lo scandalo delle intercettazioni sulle raccomandazioni delle attrici per le fiction, un momento in cui, alle immagini dei direttori di rete vengono, alternate quelle di attrici improbabili in ruoli che lo sono ancor di più, sublimato da un altro colpo di grande cinema, un finto trailer (alla Tarantino) di una fiction su Lady Diana, interpretata da Kira (la cortigiana impersonata da Kasia Smutniak), attrice improvvisata che definire non in parte sarebbe un eufemismo.

È il momento più esilarante di un film che si fa subito amaro. È l’ora in cui il protagonista viene lasciato dalla sua donna, e Loro arrivano finalmente a Lui. Malafemmina, che Berlusconi/Servillo aveva cantato poco prima, a una festa ancora casta, è un presagio. Arrivano le feste, le donne di Sergio Morra (Riccardo Scamarcio) entrano finalmente nella villa di Silvio, e inizia il tourbillon salito tristemente agli onori della cronaca. Ma è qui che capiamo cosa abbia animato Silvio. O almeno, così lo immagina, nella sua ricerca di umanità, Paolo Sorrentino. La sua è una ricerca della giovinezza, quella che per Jep Gambardella ne La grande bellezza era rappresentata dall’amore di gioventù. È la paura di morire, quella che i protagonisti di Youth avvertivano chiaramente. È una delle grandi paure di Sorrentino stesso, uno dei grandi temi del suo cinema. E, in fondo, è la paura di tutti noi. Anche quella pecora, che sfidava il climatizzatore nell’incipit di Loro 1, ha spiegato Sorrentino, era questo: la paura di morire. Sentire Stella (l’affascinante Alice Pagani, una Natalie Portman di casa nostra), la più giovane, la più irraggiungibile delle donne che frequentano la villa del Capo, dire che ha “l’alito di mio nonno”, quello di un vecchio, sentirgli dire che è “patetico” nella sua rincorsa della giovinezza è una chiave di lettura per cercare di capire cosa sia successo in quegli anni a uno degli uomini più potenti d’Italia. E renderlo come tutti noi, un uomo mortale e fallibile. È la “tenerezza” dello sguardo, la chiave con cui Sorrentino ha dichiarato di avvicinarsi al fenomeno Berlusconi.

Sia chiaro, è una tenerezza che avvicina a noi un uomo che è lontanissimo. Ma non risparmia nulla al leader che vuole raccontare. Dopo che il terremoto de L’Aquila ci ha fatto vedere il Berlusconi showman, in fondo ancora il venditore di cui sopra, fare il suo show mediatico sulla pelle della gente, il dramma di quella che, in fondo, è anche una storia d’amore, esplode nel privato di una camera, in una scena toccante in cui Veronica Lario (Elena Sofia Ricci) chiede il divorzio a Silvio. È una gara di bravura e intensità con Toni Servillo, che smette, se mai lo sia stato in questo film, di essere imitazione, o citazione, per diventare un personaggio tragico. “Volevi essere uno statista, sei rimasto un piazzista”. “Siete un film di Totò e Peppino. Una versione antica, che credete moderna, di un film comico. Una lunghissima, ininterrotta, messinscena”. È la dichiarazione di un amore finito. È la lettera d’addio. Non è solo quella di Veronica, ma quella di tutta una parte di italiani che, come lei, si sono innamorati di lui. E, alla domanda, “perché allora sei stata con me tutto questo tempo’”, rispondono che lo hanno fatto perché li aveva fatti innamorare. È un momento doloroso, non solo per i due personaggi in scena, ma per tutti noi, perché sappiamo quanto abbia significato questa storia per l’Italia intera. È qui che capiamo che Loro è un film visionario, ma vero. E terribilmente malinconico.

Paolo Sorrentino è riuscito a entrare nel Mistero Berlusconi, a leggere dentro un uomo pubblico eppure impenetrabile, a dipingerlo con la sua poetica e la sua sensibilità. Loro è puro cinema Sorrentino, eppure è qualcosa di nuovo nella sua filmografia. Sono due, dieci, cento film in uno, ma si fondono in un corpo coeso e coerente. E, mentre un uomo che ha avuto tutto – e a cui è stato detto sempre di sì – si chiede, davvero stupito, a quanto pare (e non è facile immaginare sia stato così), perché non gli lascino fare quello che vuole con l’Italia come ha fatto con le sue aziende, e perché davvero non tutti lo amino, Loro si chiude ancora con il grande buco nero della sua storia politica. Si chiude con L’Aquila, con la metafora – ovvia ma imprescindibile – di un paese in macerie (ma con la speranza che gli atti di eroismo ci siano), con l’immagine (che richiama Le conseguenze dell’amore ma anche La dolce vita) di una Pietà. Sì, Paolo Sorrentino è anche Pietà. È anche sentimento.
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di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Ritorna così, in Loro 1, lo schema de Il Divo: il leader come un sole, centrale e immobile, e i personaggi che vi ruotano intorno come i pianeti del sistema solare. Solo che, se ne Il Divo il sistema era costituito, e l’attenzione era tutta sul ruotare e ricevere la luce dal sole, Loro 1 ci racconta la forza di gravità, cioè l’attrazione, irresistibile, che tutta una serie di personaggi hanno per Lui. Che viene sempre nominato così, “salvato” in questo modo anche sulle memorie dei cellulari. E, per un’ora abbondante di film non si vede, facendo crescere spasmodicamente l’attesa per la sua discesa in campo… pardon, ingresso in scena. Intanto c’è un primo film velocissimo, montato meravigliosamente a ritmo di rock, funk e techno, caleidoscopico e stordente. È Scorsese, è Harmony Korine, ma è soprattutto Sorrentino al suo meglio: le scene delle feste sono un suo marchio di fabbrica, è cinema conosciuto ma sempre nuovo. Il protagonista assoluto di questa prima parte è Riccardo Scamarcio, sfrenato, amorale, nel miglior ruolo della sua carriera. Accanto a lui c’è Euridice Axen (la moglie Tamara), altra rivelazione del film, e una bellissima Kasia Smutniak, nel ruolo di Kira, una donna irraggiungibile. Si parla di Lui, e poi si parla di Dio, altro personaggio irraggiungibile (“perché lo chiamano Dio? Perché sa perdonare”), tra scene cult come un favore sessuale di 4 secondi a un uomo dal volto coperto sotto una luce blu, o come un party sfrenato a base di MDMA, una droga i cui effetti ci vengono enunciati in un linguaggio scientifico.

E poi arriva Lui. Il Berlusconi di Tony Servillo entra in scena a sorpresa, travestito, e il film prende subito un’altra piega. Il Silvio di Sorrentino diventa un altro uomo solo, che si muove in spazi vuoti, come il Titta de Le conseguenze dell’amore. Un uomo che ha un fuori – un’immagine riconoscibilissima e iconica, accurata negli abiti, al limite del caricaturale nel trucco – e che ha un dentro – un’anima, dei sentimenti – che conosciamo meno. Sorrentino, lo scrive nelle note di regia, vuole provare a scavare, a tentoni, nella coscienza dell’uomo. Anche la seconda parte del film è puro Sorrentino. È un film grottesco, malin-comico, tragicomico. Tony Servillo la vive con un trucco molto evidente, e con una parlata che però non è mai caricaturale, figlia del suo lavoro a teatro sulla Trilogia della Villeggiatura di Goldoni e un po’, forse, di Guido Nicheli. Il suo Berlusconi è un uomo annoiato, che cerca di conquistare la sua Veronica, disamorata e bisognosa di cultura, che legge Saramago (“con tutte quelle tv, perché non hai mai fatto un programma culturale? “l’ho fatto, avevamo Mike”), ed è più vicina al calciatore che lui vuole ingaggiare per il Milan che al marito. Tra battute vere, o verosimili, alcune fulminanti (“una verità è frutto del tono e della convinzione con cui la afffermiamo”), il Berlusconi di Loro è ancora una volta il brutto che diventa bello, altro tipico tratto della poetica di Sorrentino: bello perché riesce a farcelo trovare interessante.

Lui e Loro, in questa prima parte, restano due mondi separati. Destinati a incontrarsi, complice la vicinanza di due residenze estive in Sardegna. Immaginare come è facile, e anche quello che ne scaturirà, ma lo capiremo compiutamente in Loro 2. Immaginare è facile, da un lato, impossibile dall’altro. Paolo Sorrentino è infatti, allo stesso tempo, un autore assolutamente prevedibile e incredibilmente imprevedibile. Perché sì, il suo cinema è quello, estetico, visionario, e continua su quei binari. Ma, d’altra parte, Sorrentino vede cose che noi non vediamo, immagina cose che non immaginiamo, e ogni suo racconto è qualcosa di completamente nuovo. Loro 1, ad esempio, è costellato di animali (pecore, rinoceronti, topi), che sembrano quasi osservare dall’esterno un genere umano evolutosi in modo impazzito e stupefacente (in tutti i sensi). Se il topo è un deus ex machina che ci spinge verso la scena più significativa, a livello metaforico, dell’Italia attuale (una pioggia di spazzatura sui resti dell’Antica Roma), gli altri popolano il film in modo surreale e spiazzante. La fauna umana che popola il film è fatta di personaggi di fantasia, ma ispirati al mondo reale: il Sergio Morra di Scamarcio è ispirato a Tarantini, il Riccardo Pasta di Ricky Memphis è un simil Ricucci, mentre il meraviglioso Santino Recchia di Fabrizio Bentivoglio potrebbe essere un po’ Bondi, un po’ Urbani, un tocco di Formigoni. L’unica che ha nome e cognome è Noemi Letizia.

Loro non racconta solo un uomo, ma una cultura, un costume, un modo di pensare. Un cambiamento culturale profondo, frutto di un ventennio di egemonia iniziato, prima che con la discesa in campo, con le tv commerciali e il Drive In, e che ha trasformato in maniera profonda una parte di questo Paese. È un cambiamento da cui, forse, non si tornerà più indietro. Loro, scrive Sorrentino nelle note di regia, racconta questi italiani, allo stesso tempo “prevedibili ma indecifrabili”, italiani “nuovi e antichi al contempo”. “Anime di un purgatorio immaginario e moderno che stabiliscono di provare a ruotare intorno a una sorta di paradiso in carne ed ossa: un uomo di nome Silvio Berlusconi”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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