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Couture: Angelina Jolie ci fa entrare nella maison Chanel, dove moda e vita reale si incrociano

Ermisino Maurizio — Tue, 28 Jul 2026 13:16:58 +0000

Come si sfila per le varie maison di moda? Per Chanel si sfila in modo più rilassato, professionale. Per Louis Vuitton si sfila in modo più aggressivo, veloce, muovendo con forza i fianchi. È un dialogo tra alcune modelle che vediamo in scena in Couture, il nuovo film di Alice Winocour con Angelina Jolie, Louis Garrel, Vincent Lindon, Ella Rumpf e la rivelazione Anyier Anei, modella e attivista qui al suo debutto cinematografico. Vedremo il film al cinema dal 26 agosto, distribuito da Plaion Pictures.

Angelina Joline è Maxine, regista, arrivata al success con un film di vampiri. Anzi, un film su una donna vampiro che si vendica in questo modo di tutte le donne che sono state vittime nei film horror. Arriva a Parigi, chiamata dalla maison Chanel per girare il film che aprirà la sua sfilata. La moda è inutile e necessaria per lei, che si presenta vestita di nero, poco curata. Ma accetta di girare quel film. Ne ha bisogno e lo trova stimolante. Nel frattempo, però, scopre di essere malata. E la sua vita cambia. Anche la sua esperienza a Parigi acquista un altro senso. La sua storia si intreccia con quella di Ada, una modella esordiente sudanese (Anyier Anei). La maison vuole farne suo volto, ma lei non è convinta di voler fare questo nella vita. Ad aiutarla c’è una giovane truccatrice (Ella Rumpf), con il sogno di fare la scrittrice.

Couture è stato girato durante la Settimana della Moda a Parigi, nella maison Chanel, nelle sartorie dai ritmi febbrili, sui set fotografici, negli appartamenti delle modelle. I marchi e nomi sono presenti con parsimonia, ma la frenesia di quel mondo ci arriva tutta. Ci sono gli abiti e le sfilate, gli stilisti e i fotografi, le sarte e le truccatrici. Ma quello che esce è un ritratto in fondo poco glamour. Alice Winocour punta piuttosto a farci vedere il duro lavoro, i retroscena, i dubbi e le contraddizioni. Vediamo soprattutto il mondo che c’è dietro le passerelle, il ritmo di tutti i giorni. È un film che intreccia pubblico e privato. Perché mentre vediamo la grande macchina andare avanti, assistiamo a tre storie private, a loro modo drammatiche. Ci sono le paure, ci sono i dubbi, ci sono i sogni. C’è la stanchezza psicologica. E c’è quella fisica, con i pedi delle modelle che a fine giornata vanno messi nel ghiaccio.

Couture è dominato dai toni del bianco. Sono quelli degli abiti scelti per la collezione, sono quelli delle luci chiare delle sartorie, ma anche degli ambulatori dei medici e degli scarni appartamenti in cui vivono le modelle. Quello che ci arriva da Couture è un mondo della moda che non è più distante e distaccato, ma più vicino a noi. È un mondo che è allo stesso tempo incantato, ma anche molto concreto. È una delle rare volte che si ha la possibilità di viaggiare dietro le quinte, di andare oltre la passerella e le foto. Per questo Couture è una visione da non perdere. Con un finale e un sottofinale catartici e carichi di simbolismi.

In quella che è una messa in scena naturalista, in qualche modo, ma non completamente, vicina al documentario, a colpire sono le interpretazioni femminili. Angelina Jolie (qui anche produttrice) nel ruolo di Maxine è empatica, emotiva, luminosa, magnetica come non la vedevamo da tempo. Quello dell’attrice americana è un gradito ritorno. Ma brillano anche la bellezza dell’attrice africana Anyier Anei e l’intensità e l’umanità di quello di Ella Rumpf, la sognatrice del gruppo. Couture è un film da vedere. Per guardare poi la moda con altri occhi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Armani Privé, il nuovo capitolo della leggenda

Elena Parmegiani — Thu, 09 Jul 2026 13:52:23 +0000

La passerella di Armani Privé non è mai stata soltanto una sfilata: è un manifesto di eleganza, misura e perfezione sartoriale. L’edizione Haute Couture Autunno/Inverno 2026-2027, presentata a Parigi, assume però un valore ancora più profondo: è la prima stagione in cui la maison conferma la propria continuità creativa sotto la guida di Silvana Armani, nipote dello stilista e da anni figura chiave all’interno dell’atelier. Il debutto della nuova collezione non rappresenta una rivoluzione, bensì una raffinata evoluzione. La scelta è chiara fin dai primi look: preservare il linguaggio estetico costruito in oltre quarant’anni da Giorgio Armani, introducendo con discrezione una sensibilità più contemporanea e femminile. La sfilata, ospitata nel Palazzo Armani di Parigi, si apre con completi sartoriali impeccabili. Le giacche destrutturate, firma storica della maison, vengono reinterpretate con tagli leggermente più morbidi e proporzioni allungate. I pantaloni fluidi accompagnano il movimento del corpo senza costringerlo, mentre il velluto, il satin e la seta dialogano con ricami di microcristalli e perline applicati interamente a mano. La palette cromatica evita volutamente gli eccessi. Blu notte, bordeaux, verde bosco, nero profondo e sfumature fumé costruiscono un guardaroba sofisticato che riflette una femminilità adulta, sicura di sé e lontana da qualsiasi ricerca di spettacolarizzazione. Anche le stampe animalier, presenti in alcune uscite, vengono reinterpretate in tonalità smorzate, quasi polverose, mantenendo quell’equilibrio estetico che da sempre distingue Armani Privé. Il filo conduttore della collezione è il boudoir, inteso non come luogo di ostentazione della sensualità, ma come spazio privato dell’intimità femminile.

L’idea viene tradotta attraverso vestaglie couture, cappotti morbidi, blazer ricamati, pantaloni in seta e lunghi abiti impreziositi da lavorazioni luminose che ricordano la luce soffusa di una stanza privata. Le silhouette rimangono pulite, prive di costruzioni eccessive, mentre il lusso emerge esclusivamente attraverso la qualità dei materiali e l’altissima manifattura. La couture Armani continua così a parlare sottovoce, in netto contrasto con una parte della moda contemporanea che privilegia l’effetto scenografico. È una scelta stilistica che riafferma il valore della sobrietà come forma di lusso assoluto. La responsabilità di raccogliere l’eredità di uno dei più importanti designer del Novecento avrebbe potuto spingere verso cambiamenti radicali. Silvana Armani ha invece scelto la strada della continuità. Per oltre quarant’anni ha lavorato accanto allo zio seguendo da vicino lo sviluppo delle collezioni Privé. In una delle rare interviste ha ricordato di aver iniziato la propria carriera nell’azienda di famiglia come modella e successivamente in Emporio Armani, diventando progressivamente il braccio destro di Giorgio Armani nella couture. Questo lungo percorso le ha consentito di assorbire completamente il metodo creativo della maison, fatto di disciplina, ricerca dei tessuti e attenzione quasi maniacale alla costruzione del capo. Durante la presentazione della collezione, la stilista ha ribadito che il suo obiettivo non è reinterpretare Armani in chiave nostalgica, bensì preservarne i valori fondamentali adattandoli alle esigenze della donna contemporanea. Tra gli elementi più riusciti della collezione figurano i blazer ricamati con cristalli tono su tono, le giacche bomber in satin, gli smoking femminili in velluto e gli abiti da sera impreziositi da lunghissimi ricami realizzati a mano. Le trasparenze vengono utilizzate con estrema moderazione, mentre la costruzione sartoriale rimane il vero fulcro creativo. Ogni capo appare pensato per accompagnare il movimento naturale del corpo, evitando qualsiasi rigidità. L’impressione generale è quella di una couture destinata a durare nel tempo piuttosto che a inseguire le tendenze della stagione. Una filosofia che Giorgio Armani ha sempre difeso e che oggi continua a caratterizzare la maison. In un panorama della moda spesso dominato dalla ricerca dell’effetto immediato, Armani Privé continua a distinguersi per una scelta opposta: parlare attraverso la qualità, la misura e la perfezione del dettaglio. Silvana Armani dimostra che raccogliere l’eredità di uno dei più grandi couturier della storia non significa copiarne il linguaggio, ma comprenderne profondamente i principi. La sua prima fase creativa racconta una maison che continua a evolversi senza rinunciare alla propria identità. La collezione Autunno/Inverno 2026-2027 conferma così che il vero lusso non risiede nell’eccesso, ma nella capacità di trasformare la semplicità in eccellenza, una lezione che Giorgio Armani ha insegnato per oltre mezzo secolo e che oggi continua a vivere attraverso una nuova generazione della famiglia, pronta a guidare Armani Privé nel futuro senza dimenticare le proprie radici.

Courtesy photo of Armani Privè

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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McQueen torna a Londra: il ritorno più atteso alla London Fashion Week

DailyMood.it — Mon, 22 Jun 2026 12:30:49 +0000

La maison annuncia la sfilata Primavera/Estate 2027 nella capitale britannica. Per Seán McGirr sarà il primo show londinese da Direttore Creativo: un ritorno alle origini, tra sartorialità, identità e nuova energia.

McQueen torna a casa. E non è solo una notizia di calendario, ma un gesto carico di significato, quasi una dichiarazione d’identità. La maison ha annunciato il suo ritorno alla London Fashion Week con la sfilata Primavera/Estate 2027, in programma domenica 20 settembre, segnando un momento importante nella nuova fase creativa del brand.

Sarà infatti la prima sfilata londinese di Seán McGirr nel ruolo di Direttore Creativo, un passaggio che assume un valore speciale proprio perché Londra non è, per McQueen, una città qualsiasi. È il luogo delle origini, della formazione, della tensione creativa, dell’irriverenza e di quella bellezza inquieta che ha reso il nome McQueen uno dei più potenti e riconoscibili della moda contemporanea.

Fondata da Lee Alexander McQueen nel 1992, la maison ha sempre avuto con Londra un rapporto profondo, quasi fisico. La città è stata laboratorio, palcoscenico, ferita e ispirazione: un territorio creativo dove tradizione sartoriale britannica e ribellione culturale hanno saputo incontrarsi in modo radicale. Tornare alla London Fashion Week significa quindi riaprire un dialogo con quella memoria, ma anche spingerla avanti, dentro una visione nuova.

La collezione Primavera/Estate 2027 continuerà l’esplorazione dell’eredità McQueen, concentrandosi su due codici fondamentali della maison: la sartorialità affilata e l’occasionwear distintivo, con una proposta che comprenderà sia womenswear sia menswear. Una direzione che sembra voler tenere insieme rigore e teatralità, struttura e tensione emotiva, passato e futuro.

«Londra è sempre stata al cuore di McQueen», ha dichiarato Seán McGirr, sottolineando quell’energia viscerale che attraversa la storia della maison e continua a ispirarne il presente. Un ritorno che, nelle sue parole, non è nostalgia, ma immersione viva nello spirito creativo della città.

Anche per Gianfranco D’Attis, CEO di McQueen, il ritorno nella capitale britannica rappresenta un momento profondamente simbolico: Londra resta centrale nell’identità del brand, non solo come luogo d’origine, ma come ecosistema creativo da sostenere e valorizzare. Una scelta che riafferma il legame con il British Fashion Council e con una comunità culturale che ha sempre fatto dell’audacia una forma di linguaggio.

Particolarmente significativo anche il commento di Laura Weir, CEO del British Fashion Council, che ha definito il ritorno di McQueen una delle sue prime ambizioni alla guida dell’istituzione. Il rientro della maison nel calendario ufficiale viene letto come una dichiarazione di fiducia nella creatività britannica più libera, feroce e distintiva.

In un momento in cui la moda cerca continuamente nuovi equilibri tra heritage e contemporaneità, McQueen sceglie di ripartire da Londra. Non per guardarsi indietro, ma per ricordare da dove nasce la sua forza: da una città capace di essere elegante e brutale, colta e istintiva, classica e sovversiva nello stesso respiro.

Il 20 settembre, dunque, non sarà soltanto una sfilata. Sarà un ritorno alle radici. Ma, come sempre accade quando si parla di McQueen, le radici non servono a restare fermi: servono a spingere più lontano.

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Gucci tra memoria e rivoluzione, il nuovo capitolo di Demna

Elena Parmegiani — Wed, 20 May 2026 08:43:32 +0000

C’è un filo rosso che unisce le stanze rinascimentali di Palazzo Gucci a Firenze e le luci ipnotiche di Times Square a New York: è il desiderio di Gucci di raccontarsi ancora una volta, trasformando il proprio archivio in un laboratorio di futuro. Da una parte “Gucci Storia”, la nuova mostra inaugurata nel cuore della città fiorentina dove tutto ebbe inizio; dall’altra la prima sfilata Cruise firmata da Demna, che ha conquistato Manhattan trasformando la moda in spettacolo urbano globale. Due eventi apparentemente opposti, uno introspettivo, l’altro monumentale, ma legati dalla stessa domanda: che cosa significa oggi essere Gucci? A Firenze, nella sede storica di Palazzo Gucci in Piazza della Signoria, la Maison ha aperto “Gucci Storia”, un progetto espositivo che attraversa oltre un secolo di identità visiva, artigianato e immaginario culturale. La mostra è stata concepita come un “museo di musei”: un percorso immersivo che mescola archivio, installazioni, pezzi iconici e riferimenti contemporanei, non una semplice retrospettiva celebrativa. “Gucci Storia” sembra piuttosto voler decostruire il DNA della Maison per comprenderne l’evoluzione. Le sale dialogano tra epoche diverse: le valigie degli Anni Venti convivono con le campagne digitali, il mocassino Horsebit incontra silhouette futuristiche, mentre le borse Bamboo e Jackie diventano simboli di una continuità estetica che resiste alle trasformazioni della moda. Il cuore della mostra è proprio questa tensione tra memoria e reinvenzione. Al centro c’è l’idea di una successione di spazi espositivi in cui convergono mondi distinti: una galleria di ritratti richiama il tema della discendenza e dell’identità; la sala degli arazzi mette in luce un’arte fiorentina con profondi legami con la griffe; una camera delle meraviglie espone manufatti provenienti dagli archivi; mentre il savoir-faire e l’innovazione del brand vengono raccontati in due sale dedicate, accanto a spazi cinematografici e installazioni interattive. Ogni ambiente è definito da un’atmosfera e un ritmo distintivi, per guidare i visitatori attraverso una sequenza di cambiamenti spaziali e narrativi che incarnano le molteplici identità della Casa. Firenze non viene raccontata come luogo nostalgico, ma come origine viva di una grammatica ancora contemporanea. In un momento in cui molte griffe sembrano inseguire il presente compulsivamente, Gucci sceglie invece di rallentare e guardarsi dentro. Una scelta significativa soprattutto ora che il brand sta attraversando una nuova fase creativa. Questa nuova fase ha il volto di Demna. Lo stilista georgiano, nominato direttore creativo di Gucci dopo gli anni da protagonista assoluto di Balenciaga, è arrivato con una reputazione divisiva, ma potentissima: quella di designer capace di trasformare il disagio contemporaneo in linguaggio estetico. Cresciuto tra guerra, migrazione e cultura post-sovietica, Demna ha sempre usato la moda come mezzo per raccontare identità instabili, ironia sociale e ossessione per il consumo.

La sua prima grande dichiarazione per Gucci non poteva che essere teatrale. A New York, il 17 maggio 2026, Times Square si è trasformata in una gigantesca passerella a cielo aperto per la Cruise 2027. Schermi pubblicitari, maxi billboard e insegne luminose hanno trasmesso in simultanea la sfilata, mentre modelli e celebrity attraversavano Manhattan come personaggi di un film distopico sul lusso contemporaneo. Demna ha chiamato questa visione “Gucci Core”: un guardaroba che mescola tailoring rigoroso, pellicce esagerate, sensualità Anni Novanta, streetwear e riferimenti alla vita quotidiana americana. In passerella si sono visti trench destrutturati, completi gessati, stole leopardate e abiti satinati, mentre tra il pubblico sedevano Kim Kardashian, Anna Wintour, Mariah Carey e Paris Hilton. A rendere ancora più potente la visione di Demna è stata la presenza in passerella di Cindy Crawford, icona assoluta degli Anni Novanta, che ha chiuso la sfilata in un teatrale abito nero di piume: non un semplice cameo nostalgico, ma il simbolo di una moda capace di attraversare il tempo senza perdere la propria forza. Il vero protagonista del fashion show era comunque il luogo stesso, nessuna maison aveva mai occupato Times Square in questo modo. Gucci ha trasformato il centro simbolico del capitalismo visivo in un manifesto di moda totale. Gli schermi mostravano campagne vere e false, spot immaginari e prodotti Gucci inventati, in un gioco ambiguo tra pubblicità e parodia. Ed è qui che il dialogo con “Gucci Storia” diventa evidente. Se a Firenze Gucci guarda al proprio archivio per ritrovare autenticità, a New York Demna porta quel patrimonio dentro il rumore del presente. La storia diventa materiale da remixare, l’heritage non è più qualcosa da proteggere sotto vetro, ma un codice da manipolare, amplificare e persino contraddire. In fondo, Gucci ha sempre funzionato così: oscillando tra eleganza aristocratica e cultura pop, tra artigianato italiano e desiderio globale. Negli Anni Novanta Tom Ford trasformò il marchio in simbolo di erotismo sofisticato; Alessandro Michele lo rese un universo massimalista e romantico; oggi Demna sembra volerlo spingere verso una dimensione più cinica, urbana e concettuale. Eppure, nonostante il cambio di linguaggio, Firenze resta il centro simbolico della narrazione. La mostra “Gucci Storia” ricorda che ogni rivoluzione, per essere credibile, ha bisogno di radici. Times Square, invece, dimostra che quelle radici possono ancora parlare al mondo contemporaneo, purché abbiano il coraggio di cambiare forma. Forse è proprio questa la nuova intuizione di Gucci: usare la memoria non come rifugio, ma come provocazione.

Photo Courtesy of Gucci

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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CHANEL Collezione Cruise 2026/27 Biarritz – Sous le salon la plage

DailyMood.it — Wed, 06 May 2026 13:06:35 +0000

«Lontano dal salon parigino, Chanel trovò a Biarritz nuovi modi di essere e di guardare, di muoversi e di vivere la libertà. Ne fece il proprio piedistallo della moda. È un luogo che offre il perfetto equilibrio tra funzione e finzione. Tra artisti, lavoratori, nobiltà, marinai e natura, tutti e tutto condividevano lo stesso palcoscenico, convivendo come una consuetudine. Ognuno aveva un ruolo da interpretare.»

Matthieu Blazy

Sous le salon la plage: a Biarritz, Gabrielle Chanel aprì la sua maison di couture e presentò le sue prime collezioni. Qui mise in dialogo il mondo naturale, senza tempo, con quello moderno, contingente, cambiando così definitivamente l’ordine esistente della moda.

Contribuendo a liberare le donne dai vincoli letterali delle convenzioni imposte da un’esistenza confinata nei salon, fu il mondo all’aperto — gli elementi, il mare, la spiaggia, il sole e il vento — a richiedere praticità e comfort nel movimento. Gabrielle Chanel rispose con il suo nuovo jersey e con lo sportswear.

Nella sua prima collezione Cruise per CHANEL, Matthieu Blazy, Direttore Artistico delle Attività Moda, celebra la costa basca con intenzione e spirito giocoso. Sperimentando modi disinvolti di essere e di guardare, dalla funzionalità dell’abito nero alla dimensione fantastica della sirena, prende forma un nuovo folklore CHANEL.

Unendo abiti da lavoro francesi, capi per il tempo libero e grandeur, l’effervescente e il rigoroso, dalle uniformi dei marinai allo slancio degli abiti da sera, vengono superati i codici gerarchici dell’abbigliamento. Il salon scivola sulla spiaggia, il comfort si allea con la sofisticazione, e la riga basca diventa un filo conduttore dell’intera collezione.

Perennemente in movimento, dagli ensemble in foulard di seta svolazzante alle gonne in rafia frusciante, fino ai completi in canvas di cotone lavato, la collezione è guidata dal piacere essenziale del vestirsi e dello svestirsi — anche il costume da bagno assume un ruolo centrale. Sensorialmente piacevoli e sperimentali, lavorazioni tessili impareggiabili richiamano l’abbondanza del mondo naturale circostante attraverso sete fluide, tweed elastici, flock compatti, morbide maglie ricamate con perline e paillettes scintillanti a effetto squame di pesce.

Qui, la doppia C è l’altro filo conduttore, rappresentata non come esercizio di branding, ma come parte di un’architettura elementare degli abiti. Introdotta radicalmente nell’abbigliamento negli anni Trenta, con i suoi contorni sinuosi esprime la firma rigorosa di Gabrielle Chanel e il senso del suo manifesto e della sua autobiografia attraverso l’abito. Ora spetta a chi lo indossa aggiungere la propria.

Gli accessori della collezione rafforzano l’idea del viaggio, muovendosi tra praticità e gioco attraverso una grande varietà di stili. Da una piccola borsa-valigia a un grande borsone; da una flap bag impermeabile a un enorme panier da spiaggia a righe. Fa la sua comparsa persino una custodia per pala. Le scarpe attraversano salon e spiaggia, accompagnando chi le indossa ovunque desideri andare: dagli eleganti tacchi Art Déco ai “copritalloni” da indossare a piedi nudi. Anche i gioielli richiamano l’architettura Art Déco di Biarritz e la sua vita acquatica, con orecchini a forma di conchiglia accostati all’orecchio e la perla CHANEL che trova qui la sua casa spirituale.

«Non esiste bellezza senza libertà del corpo.»

Gabrielle Chanel

L’abito nero di CHANEL

«Ho imposto il nero; ancora oggi resiste, perché il nero cancella tutto ciò che gli sta intorno.»
Gabrielle Chanel

«Si parla molto del “revenge dress”: questo potrebbe essere considerato l’originale.»
Matthieu Blazy

Un classico non è mai un classico all’inizio: spesso è una rivoluzione. È il caso dell’abito nero di Gabrielle Chanel. Funzionale, preciso e seducente nella sua semplicità, fu un’innovazione audace nel 1926, nel pieno di un’haute couture grandiosa e ricercata. Quell’anno, Vogue lo definì la “Ford” di Chanel. Eppure non era qualcosa di sconosciuto. Furono piuttosto la fattura, il contesto — senza dimenticare la risonanza mediatica — a trasformare l’abito e il suo pubblico.

L’abito e il suo colore erano da tempo familiari alle donne che lavoravano, comprese domestiche, commesse e suore nei conventi. L’innovazione di Gabrielle Chanel — lei stessa, dopotutto, era stata una commessa cresciuta tra le suore — fu quella di far desiderare alle gran dame di assomigliare alle donne che le servivano, con intenzione e precisione. Fece loro desiderare di assomigliare a lei. A quel punto, dovevano trovare un significato personale nell’indossare un abito simile. Questo poteva essere letto come una forma di rivalsa.

L’abito nero di Chanel segnò un cambio di paradigma. Ciò che poteva essere considerato “alla moda” sarebbe diventato “archetipico”. Qui, chi indossa l’abito diventa finalmente visibile: essenziale, fiera, senza ornamenti e senza chiedere scusa di essere se stessa. L’abito nero, come “workwear” capace di sfumare le gerarchie perché indossato da diversi strati della società, avrebbe trovato un’eco nella seconda metà del secolo scorso nei jeans in denim. Lo stesso denim si ritiene abbia origine nel Sud della Francia, a Nîmes: “de Nîmes”.

In questa collezione Cruise, Matthieu Blazy presenta l’abito nero del 1926 di Gabrielle Chanel come primo look. Tornando al bozzetto d’archivio originale, il disegno dell’abito ampiamente diffuso nel 1926 non mostrava un grande fiocco visibile sul retro. Oggi, quel dettaglio viene trasposto in una clutch. La collezione abbraccia inoltre le tradizioni di molte forme di abbigliamento da lavoro francese, dalla marinière del marinaio al bleu de travail, valorizzandone sia lo status funzionale sia quello immaginifico e ribelle. Tutti hanno raggiunto una statura classica, ulteriormente confermata dalla loro presenza nel repertorio CHANEL.

Copyright CHANEL

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Chanel – FALL WINTER 2026 SHOW La Conversation

DailyMood.it — Mon, 16 Mar 2026 10:46:06 +0000

«La moda è al tempo stesso bruco e farfalla. Siate bruco di giorno e farfalla di notte. Non c’è nulla di più comodo di un bruco e nulla di più fatto per l’amore di una farfalla. Abbiamo bisogno di abiti che strisciano e di abiti che volano. La farfalla non va al mercato, e il bruco non va al ballo.»
Gabrielle Chanel

«Chanel è un paradosso. Chanel è funzione, Chanel è finzione. Chanel è razionalità, Chanel è seduzione. Chanel è giorno, Chanel è notte. Rappresenta la libertà di scegliere tra il bruco e la farfalla ogni volta che lo si desidera. Io voglio creare una tela su cui le donne possano essere, senza scusarsi, ciò che sono e ciò che vogliono essere.»
Matthieu Blazy

Dall’essere ancorati alla terra alla trasformazione, fino alla possibilità di prendere il volo. Gabrielle Chanel ha elevato il funzionale all’alta moda, cambiandone il contesto. Ha dato avvio alla rivoluzione della realtà nell’abbigliamento femminile, prendendo in prestito dal guardaroba maschile e da quello di chi, come lei, aveva sempre lavorato. Così facendo, ha cambiato la moda per sempre. Allo stesso tempo, non ha mai dimenticato il piacere seduttivo, elevato e immaginifico della finzione, del momento di moda trasformativo. A sua volta, Matthieu Blazy, in qualità di Direttore Artistico delle Attività Moda, rende omaggio a entrambe queste dimensioni nel suo dialogo continuo con Gabrielle Chanel.

Il mondo naturale trasformato fa parte dell’essenza di Chanel: dall’amore di Gabrielle Chanel per la semplicità e la ricchezza dei colori e dei materiali naturali, insieme a un’essenzialità nel taglio, fino all’iper-naturale, alla stravaganza iridescente dell’apparire, dell’ornamento, del capriccio e del volo. Entrambe queste dimensioni sono punti di riferimento, così come lo sono le donne che indossano questi abiti in una forma di espressione di sé libera e senza compromessi.

La collezione attraversa il tempo, con una stratificazione di silhouette: sovrapposte ma leggere, sciolte e disinvolte, dagli anni Venti agli anni Trenta, dai Cinquanta ai Sessanta, per poi tornare ancora agli anni Venti, cioè al presente. Al centro di questi slittamenti temporali c’è l’archetipo del tailleur Chanel.

Il tailleur funge da tela centrale, pronta a riflettere chiunque lo indossi. Reinterpretato con audacia, comprende maglie a coste, tweed classici e tessuti complessi intrecciati con fibre artificiali, lurex e silicone accanto a garze naturali. Dalla caratteristica “camicia da lavoro” in bouclé-tweed al blouson maschile in tweed pressato, entrambi ormai parte integrante del nuovo linguaggio del tailoring. Attraverso fluidità, leggerezza e agio del jersey di seta in stile anni Venti, intrecciato con il tweed. Fino a nuove tecniche introdotte nei tailleur lavorati a maglia e ricamati di perline, che dimostrano una straordinaria leggerezza e mobilità.

Un crescente senso di iridescenza, unito a elementi setosi, sinuosi e fluidi, viene ulteriormente accolto mentre il giorno si trasforma nel mondo notturno del volo. Qui emerge il papillon de nuit. Cappotti e abiti affusolati in stili silfidi, tagliati, scivolati, austeri oppure ornati, assumono ora il ruolo principale, mantenendo però al centro un senso di dinamismo. Pensati per il movimento, spingono chi li indossa dentro la notte.

Il dialogo tra reale e artificiale che percorre l’intera collezione culmina negli accessori. Come in un dipinto impressionista iridescente, la scenografia opalescente si riflette in gioielli smaltati e in resina dai colori saturi, così come in pezzi di vera madreperla artificialmente tinta. Stivali a seconda pelle con punta rinforzata sottolineano, in pelli pastello morbide, una sensazione d’irrealtà. Intanto, una moltitudine di borse spazia dal pratico al giocoso: dalla ormai familiare ed essenziale borsa con patta in suede, destinata a diventare un classico nella sua versione beige, con il suo divan matelassé ripreso direttamente dal divano dell’appartamento di Gabrielle Chanel, fino alla nuova borsa con chiusura “cinetica” e alla stravagante minaudière a forma di melograno, con la sua iridescenza smaltata e velenosa.

Copyright CHANEL

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Gucci, il nuovo capitolo di Demna tra desiderio ed inquietudine

Elena Parmegiani — Wed, 04 Mar 2026 10:51:21 +0000

L’attesa era tanta, così come le aspettative: la prima sfilata di Demna Gvasalia per Gucci, presentata alla Milano Fashion Week, segna un capitolo importante per la maison fiorentina. In verità negli scorsi mesi la narrazione dello stilista georgiano aveva già catturato l’attenzione per il corto diretto da Spike Lee “The Tiger” con i look della collezione Pre/Fall “La Famiglia”. “Gucci è un marchio, ma è soprattutto un luogo culturale condiviso, capace di parlare a persone diverse per sensibilità, identità e codici espressivi. Questa pluralità si riflette in Primavera: una costellazione di archetipi, gusti e attitudini, una gamma di proposte stilistiche pensate per chi la Maison già abbraccia e per chi desidero possa riconoscervisi“, si legge in una nota del brand. Il nuovo corso di Gucci by Demna non è una mera presentazione della collezione Autunno/Inverno 2026-27, ma una vera e propria dichiarazione di ciò che sarà del nuovo iter della griffe. La sfilata a Milano, a Palazzo delle Scintille, trasformato in un teatro con finte statue romane, che richiamava gli Uffizi di Firenze, porta in scena modelle che sembrano reduci da una notte di eccessi, con il trucco colato e l’andatura traballante. L’ex direttore creativo di Balenciaga celebra un lusso destabilizzante e poco rassicurante, un glamour che non cerca rassicurazione, ma piuttosto si interroga sulla società attuale, ed è così che l’imperfezione marcata diventa status e gli archetipi della maison sono gli unici punti fermi sulla catwalk. Sul finale incede Kate Moss, sulle note di “Tu Sì Na Cosa Grande” cantata da Ornella Vanoni. La top model interpreta un abito lungo nero con schiena nuda da cui si vede l’iconico G-string con logo, tempestato di dieci carati di diamanti, un accessorio preso dall’archivio Anni Novanta di Tom Ford. La sfilata segna inoltre il nuovo corso del “See Now, Buy Now”, sarà infatti possibile acquistare i capi in boutique selezionate e online anticipando così il lancio ufficiale di luglio 2026. Lungi dall’essere un esercizio intellettuale, la collezione punta sulla sensualità, sulla figura umana e sulle silhouette aderenti che evocano una nuova idea di eleganza priva di sovrastrutture teoriche. La passerella alterna capi aderenti a silhouette più rilassate, giocando con contrasti di tessuti, pattern e texture. I capi, pur richiamando i codici classici, sono reinterpretati con un linguaggio audace e senza timori reverenziali verso l’eredità della casa. Tra gli accessori sublimi si distingue l’iconica borsa Gucci Bambo 1947, proposta con un volume più slanciato e con il manico in pelle. Lo show non è solo un momento di moda, ma un evento culturale con un fronte ampio di ospiti vip. Tra i nomi più quotati presenti in prima fila quelli di Donatella Versace, seduta accanto all’ex direttore creativo di Gucci Alessandro Michele, ora al timone di Valentino, Demi Moore, Steve Lacy, Romeo Beckham, Nicky Hilton, Isabella Ferrari, Ghali ed altri esponenti dell’intrattenimento globale. L’interpretazione di Gucci offerta da Demna ha acceso un dibattito immediato tra gli addetti ai lavori e gli appassionati. Mentre alcuni osservatori hanno celebrato la capacità del direttore creativo di infondere una nuova energia sensuale e di giocare con l’heritage del marchio senza tradirlo, altri critici hanno evidenziato come la forte carica estetica e sessuale della collezione possa risultare polarizzante nel contesto attuale della moda. Quella di Demna non è stata una sfilata nostalgica, ma una dichiarazione d’intenti: Gucci sta ridefinendo la sua identità, guardando al futuro con uno sguardo vivido e provocatorio, lontano da ogni approccio puramente intellettuale e più vicino a una ridefinizione del rapporto tra moda e corpo. L’evento Gucci alla Milano Fashion Week 2026 si propone quindi come un momento chiave per la maison e per l’industria della moda. Demna, con la sua visione audace, ha alzato il livello della conversazione stilistica e culturale, offrendo un capitolo che mescola storia, sensualità e modernità in un modo inedito. Tra ospiti iconici, immagini forti e un’estetica che non accetta compromessi, questa sfilata entrerà sicuramente nei racconti di moda della stagione come una delle più significative dell’anno.

Photo Courtesy of Gucci

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Saint Laurent, il brand più desiderato al mondo e l’eredità di un’icona senza tempo

Elena Parmegiani — Mon, 23 Feb 2026 10:40:07 +0000

Nel terzo trimestre del 2025 Saint Laurent ha raggiunto un primato senza precedenti: è stato eletto il marchio di lusso più desiderato a livello globale secondo la Lyst Index, la classifica trimestrale che misura le preferenze dei consumatori basandosi su ricerche, interazioni social e vendite online. Una conquista che racconta non solo la forza del brand, ma anche la persistenza di un’estetica che continua a parlare alle generazioni di oggi. A differenza di molti competitor, la forza di Saint Laurent non risiede semplicemente in un marketing aggressivo o in campagne virali. La maison ha costruito negli anni un codice stilistico riconoscibile e coerente, che unisce eleganza sobria e audacia sofisticata. Il direttore creativo Anthony Vaccarello ha saputo reinterpretare la visione originale di Yves Saint Laurent, mantenendo l’equilibrio tra modernità e classicità: le silhouette pulite, le linee essenziali e i dettagli iconici rendono ogni pezzo immediatamente riconoscibile. In termini pratici, questo si traduce in prodotti che diventano veri e propri “oggetti del desiderio”: dai mocassini Le Loafer alle borse iconiche, in primis la Loulou o la Mombasa, quest’ultima lanciata nei primi anni del Duemila da Tom Ford, allora direttore creativo del brand ed ora riportata in auge, passando per capi prêt-à-porter che combinano lusso e portabilità quotidiana. La strategia della griffe ha inoltre saputo intercettare il pubblico giovane, sempre più influenzato da contenuti digitali e social, senza tradire l’eleganza storica del marchio. Il riconoscimento di Saint Laurent come brand più desiderato non è frutto del caso. La Lyst Index analizza milioni di interazioni di consumatori in tutto il mondo, dalla ricerca online all’acquisto effettivo, fino al passaparola digitale sui social media. Questo rende la classifica una fotografia affidabile del desiderio reale dei clienti, più che delle tendenze imposte dai media o dagli influencer. In altre parole, Saint Laurent non è solo popolare: è percepito come riferimento stilistico imprescindibile, un marchio capace di incarnare l’idea stessa di lusso contemporaneo, senza risultare ostentato o eccessivamente distante dalla quotidianità.

L’attuale successo della maison affonda le radici nella visione pionieristica del suo fondatore, Yves Saint Laurent (1936‑2008). Giovane talento scoperto da Christian Dior, Yves prese le redini della maison Dior a soli ventun anni, ma fu con la creazione della sua casa di moda a Parigi nel 1961 che rivoluzionò la moda femminile. Yves Saint Laurent introdusse innovazioni che oggi appaiono iconiche: il celebre Le Smoking per donna, la linea prêt-à-porter Rive Gauche e l’uso audace di tessuti e colori ispirati all’arte contemporanea. Più che abiti, Yves creava emozioni e libertà, ridefinendo il concetto di eleganza femminile come sintesi di potere, stile e indipendenza. Il celebre atelier al civico 5 di Avenue Marceau, il palazzo del Secondo Impero entrato nel mito, ora sede del Musée Yves Saint Laurent, visitato dagli appassionati del mondo fashion di tutto il mondo, è diventato leggenda. Proprio qui venivano accolte le facoltose clienti, mentre il resto dell’edificio ospitava i laboratori di cucito e lo studio dello stilista con le sue librerie, la sua scrivania e i mobili d’epoca. Oggi Saint Laurent non solo rende omaggio al suo passato, ma riesce a tradurre la sua eredità in desiderio contemporaneo. La vetta del Lyst Index è la conferma che coerenza, innovazione e autenticità stilistica continuano a fare la differenza nel panorama globale. Il marchio rimane un simbolo di lusso moderno, in cui la storia incontra le esigenze del presente e ogni pezzo racconta una storia di eleganza senza tempo. In un mondo della moda spesso dominato da novità effimere, Saint Laurent dimostra che la vera desiderabilità nasce dall’equilibrio tra tradizione e modernità, tra stile iconico e capacità di reinventarsi. Un esempio che ogni marchio di lusso, oggi, può solo ammirare e imparare.

Photo Courtesy of Saint Laurent

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Schiaparelli: l’arte dell’impossibile conquista Londra

Elena Parmegiani — Tue, 17 Feb 2026 08:28:28 +0000

Quando la moda supera se stessa e diventa arte pura: così si presenta Schiaparelli: Fashion Becomes Art, la prima grande retrospettiva mai dedicata nel Regno Unito alla leggendaria stilista Elsa Schiaparelli. Dal 28 marzo al 1° novembre 2026, il Victoria and Albert Museum espone un patrimonio di oltre duecento opere tra abiti, accessori, documenti d’archivio, fotografie, opere d’arte e profumi che raccontano oltre un secolo di visione creativa e rivoluzione estetica. Nata nel 1890, Elsa Schiaparelli incarna un capitolo irripetibile nella storia della moda del Novecento. La sua cifra stilistica fu sin dal principio una fusione audace di sartoria e immaginario artistico: il vestito non è più semplice abito, ma medium evocativo, un surrogato poetico capace di dialogare con la scultura, la pittura, la performance. La mostra londinese esplora questo universo plastico e visionario attraverso pezzi iconici come il celebre “Skeleton Dress” e il raffinato “Tears Dress”, entrambi frutti della collaborazione con il surrealista Salvador Dalí, insieme ad opere di Pablo Picasso, Jean Cocteau e Man Ray. Questa commistione di moda e arte attesta come Schiaparelli abbia contribuito a riscrivere il linguaggio dell’eleganza, trasformando l’abito in un’opera d’arte a pieno titolo. “Schiaparelli: Fashion Becomes Art” non si limita a una celebrazione antiquaria, ma offre una narrativa dinamica e stratificata: dalle prime creazioni degli Anni Venti, allo spirito creativo dell’attuale direttore artistico Daniel Roseberry. Quest’ultimo, noto per capi di couture che macinano viral engagement e attraggono superstar internazionali, rappresenta la naturale trasposizione contemporanea del surrealismo sartoriale di Elsa. Non è solo la storia di una stilista, ma anche di un’impresa culturale: Schiaparelli fu un’imprenditrice capace di muoversi tra Parigi, Londra e New York, intrecciando moda, performance e teatro in una visione antitetica alle regole dell’epoca. In un’epoca in cui il gusto tende alla sobrietà, l’estetica di Schiaparelli appare oggi più attuale che mai: capace di spingere oltre i confini del convenzionale, di mescolare serietà e gioco, di trasformare l’abito stesso in metafora e provocazione. La sua eredità è esposta attraverso fotografie d’epoca, schizzi originali, oggetti di scena e creazioni che hanno segnato tappe fondamentali nel dialogo tra moda e cultura visuale globale. La grandezza di Elsa sta in questo: aver definito la moda come forma d’arte, non semplice ornamento sociale. In un mondo in cui la cultura alta e quella pop si incrociano con sempre maggiore frequenza, il percorso curatoriale della mostra invita a riscoprire una pioniera che guardava oltre la superficie del tessuto, intuendo un linguaggio creativo ancora oggi fonte di ispirazione per stilisti, artisti e creativi di tutto il pianeta. La scelta di Londra e del V&A come sede di questa retrospettiva ha un valore simbolico: posizionare la moda di Schiaparelli nell’arena internazionale di dialogo tra arte, design e cultura materiale conferma la sua influenza oltre ogni categoria estetica. Significa reinterpretare un’eredità senza tempo, dove la moda non è mai stata, e non è, semplicemente moda.

Photo Courtesy of Victoria and Albert Museum

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Valentino, la bellezza prende forma: VENUS tra mito e couture

Elena Parmegiani — Mon, 19 Jan 2026 14:05:33 +0000

Una mostra che ha già catturato l’attenzione del mondo della moda e dell’arte: “VENUS – Valentino Garavani through the eyes of Joana Vasconcelos” inaugura un nuovo capitolo nel dialogo tra haute couture e contemporaneità. Nel cuore di Roma, a Piazza Mignanelli, nello spazio espositivo PM23 — inaugurato dalla Fondazione Valentino Garavani e Giancarlo Giammetti — la mostra, visitabile fino al 31 maggio 2026, offre un percorso che supera la mera esposizione di abiti, spingendosi verso un’interpretazione culturale e simbolica dell’universo estetico di Valentino. A differenza di molte retrospettive moda tradizionali, VENUS non si limita ad allineare abiti storici lungo una linea temporale: qui l’arte e la moda dialogano come pari. Joana Vasconcelos, artista portoghese riconosciuta per le sue installazioni monumentali e per il profondo contenuto simbolico dei suoi lavori, reinterpreta i codici formali di Valentino Garavani, accostando le sue opere a trentatré creazioni selezionate dagli archivi della maison. Il progetto nasce da una libertà creativa totale concessa all’artista, che ha costruito un percorso espositivo nel quale materiali, forme e significati si intrecciano in un linguaggio visivo contemporaneo. Non è una citazione della moda, ma una sua risignificazione: tessuti haute couture, organze, taffetas e paillettes si confrontano con strutture in crochet, metallo e oggetti quotidiani trasformati in arte scultorea. Al centro dell’esposizione, una scultura imponente, la Valchiria VENUS, diventa simbolo e protagonista. Ispirata alla figura mitologica, è un’opera site-specific che si estende nello spazio come sintesi del dialogo tra moda e arte e come celebrazione delle molteplici identità femminili contemporanee. Ma VENUS non è solo contemplazione estetica. Il progetto si radica nella partecipazione sociale: centinaia di mani, da studenti di moda a pazienti, da artigiani a detenute, hanno contribuito alla realizzazione di moduli all’uncinetto e componenti dell’opera, trasformando la mostra in un’esperienza di empowerment collettivo. Il percorso si sviluppa come un racconto in più atti: Crochet Paintings: tele di tessuto che ricordano motivi dell’haute couture e dialogano con abiti iconici, Full Steam Ahead (Red) #1: un’opera meccanica che evoca resilienza, accostata ad abiti storici della collezione autunno-inverno 2007-2008, Marilyn: oggetti domestici reinventati come scarpe monumentali, accostati ad abiti degli Anni Novanta, Garden of Eden: un ambiente immersivo dove otto abiti total black raccontano un mito condiviso. Queste sequenze non seguono una cronologia tradizionale: sono piuttosto capitoli di una narrazione visiva che esplora temi come identità, trasformazione dei materiali, lavoro artigianale e stereotipi culturali. Il curatore della selezione degli abiti storici, Pamela Golbin, ha selezionato capi che non sono semplici vestiti da museo, ma vere pietre miliari di un’estetica che ha definito la femminilità nel XX e XXI secolo. Accostati alle opere di Vasconcelos, gli abiti rivelano nuove possibilità di significato: la bellezza non come icona fissa, ma come spazio di negoziazione culturale. La mostra VENUS testimonia l’ambizione di PM23 di trasformarsi in un centro vivente di cultura e creatività, dove l’arte e la moda interagiscono per creare non un pubblico spettatore, ma un pubblico partecipe. Questo progetto conferma il ruolo della Fondazione Valentino non solo come custode di un patrimonio storico, ma come promotore di conversazioni critiche e collettive sulla bellezza, l’identità e il fare creativo.

Photo Courtesy of Fondazione Valentino Garavani e Giancarlo Giammetti

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Valentino Notturno, il sogno oscuro di Alessandro Michele

Elena Parmegiani — Mon, 15 Dec 2025 11:01:22 +0000

La notte non è mai stata così luminosa. Eppure, a guardarla da vicino, la notte di Valentino Notturno, la nuova campagna Cruise 2026 con cui Alessandro Michele inaugura il suo percorso creativo alla guida della maison, è densa di chiaroscuri, di bagliori soffusi e di una dolcezza che si rivela solo a chi accetta di restare a guardare. È un esordio che non urla, ma ipnotizza. Un debutto che avvolge, più che sedurre. E un manifesto estetico che ridefinisce l’immaginario Valentino senza tradirne l’essenza. Il punto di rottura è silenzioso, ma evidente: Michele abbandona la celebrazione dichiarata del glamour hollywoodiano a cui la maison ci aveva abituati e ci porta in un paesaggio intimo, quasi segreto. Le figure di Marisa Berenson, Dakota Johnson, nuova Global Ambassador Valentino, Tate McRae attraversano lo spazio come anime di passaggio. Notturno è un poema visivo costruito sul pudore, sul mistero, sulla delicatezza malinconica del nero, colore che da non-colore diventa universo. Nel linguaggio di Michele la notte non è un luogo di minaccia, ma uno spazio di immaginazione, dove i contorni si sciolgono e le identità fioriscono libere, irregolari, poetiche. “C’è un momento, che precede immediatamente la notte, in cui la coscienza si prepara alla resa. È un tempo di passaggio, in cui il confine tra la veglia e il sonno si fa poroso: le cose diventano morbide, le parole perdono peso, la luce smette di giudicare. In quella soglia sospesa, tutto si dispone a un lento abbandono”, spiega il designer romano in una nota. Le immagini si articolano come fotogrammi di un film mai girato: si percepisce un prima e un dopo, una narrazione sospesa che vive nelle pieghe dei tessuti e nelle espressioni trattenute dei protagonisti. Il regista è uno stilista che non disegna solo vestiti, ma mondi. La domanda era inevitabile: come si sarebbero incontrati l’immaginario riccamente ornamentale di Michele e l’eleganza scolpita e sofisticata di Valentino? Notturno offre la prima risposta ed è sorprendentemente armoniosa. I codici della maison si trasformano senza dissolversi: il romanticismo, cifra eterna del brand, rimane, ma assume una nuova densità emotiva. Le silhouette mantengono la loro aura aristocratica, ma vengono contaminate da una fragilità volutamente imperfetta, da una libertà quasi bohemien. La couture resta centrale: ricami, plissé, velluti e organze vengono immersi in un’atmosfera che li rende più narrativi che decorativi. Non sono più ornamenti, ma caratteri. In questo nuovo diktat estetico, ogni dettaglio è una virgola in un racconto più ampio. Il cast scelto da Michele non è un insieme di volti, ma una costellazione: personaggi prima che modelli, ciascuno portatore di una propria storia implicita. La bellezza non è mai uniforme, mai gridata: è una bellezza che si scopre rimanendo a distanza, poi avvicinandosi, lasciando agli occhi il tempo di aggiustarsi al buio. La fotografia privilegia il gesto più che la posa, la pelle più che l’abito, la presenza più che l’ostentazione. I modelli sembrano colti in un momento privato, come se la campagna fosse un frammento rubato a una loro notte personale. È il trionfo di un’estetica intima, in cui il pubblico non è spettatore ma confidente. Il vero protagonista, però, è il colore: quel nero drammatico e al tempo stesso morbido che attraversa la campagna come un’unica nota musicale. Non è un nero da lutto, né da rigore, ma un nero che accoglie, che protegge, che permette ai dettagli di brillare sottotraccia. Michele lo usa come un maestro usa il silenzio: per mettere in risalto tutto ciò che vive nelle pause, nei margini, nei vuoti. E, in questa notte, Valentino riscopre anche la potenza del contrasto: un rosso che non domina ma fa incursione, un bianco che sembra un sussurro, un oro che appare come l’ultimo raggio prima dell’alba. Con Notturno, la trasformazione di Valentino non si presenta come una rivoluzione, ma come un incantesimo. Michele non forza nulla: apre porte, solleva veli, aggiunge profondità. Il risultato è una campagna che parla tanto al presente quanto al futuro, un manifesto poetico che suggerisce ciò che sarà la Valentino di domani. Se questo è l’inizio, allora la notte è appena cominciata e promette di essere lunga, sensuale, stratificata. Una notte firmata Valentino, ma sognata da Alessandro Michele.

Photo Courtesy of Valentino

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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A Kind of Language: quando la moda diventa un alfabeto nuovo negli spazi Prada di Shanghai

Elena Parmegiani — Tue, 09 Dec 2025 10:37:31 +0000

C’è un attimo in cui entrando negli spazi Prada di Shanghai la percezione cambia: non si sta più solo visitando una mostra, ma si sta attraversando un sistema di segni, un codice in movimento, una grammatica che riguarda il corpo, gli oggetti, il quotidiano. A Kind of Language fa esattamente questo: traduce il mondo in un linguaggio visivo nuovo, dove moda, arte contemporanea e percezione sensoriale si intrecciano in un discorso che supera i confini delle discipline. Non potrebbe esistere cornice più naturale di Prada, un marchio che da sempre gioca con l’ambiguità tra moda e pensiero, tra estetica e intelletto. a mostra, allestita negli spazi di Prada Rong Zhai, porta a Shanghai un corpus eccezionale di storyboard, bozzetti e materiali preparatori del cinema internazionale: oltre trenta registi — da Anderson ad Almodóvar, da Miyazaki a Jodorowsky — compongono un ritratto visivo del processo creativo filmico, trasformato qui in un vero e proprio linguaggio estetico. A Shanghai questa vocazione si amplifica: lo spazio stesso, rigoroso e architettonico, diventa pagina bianca su cui scrivere un racconto fatto di segni, materiali e tensioni. A Kind of Language non impone una narrazione lineare. È piuttosto un dizionario aperto, un glossario di forme che ognuno è libero di interpretare. Gli artisti coinvolti: Wes Anderson, Pedro Almodóvar, Ingmar Bergman, Charlie Chaplin, Hayao Miyazaki, Christopher Nolan, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Alejandro Jodorowsky e Matthew Barney, compongono un paesaggio visivo che si muove tra installazioni, oggetti scultorei e interventi immersivi. Le opere sembrano parlare tra loro attraverso sottili rimandi: un gesto catturato in un materiale, una trama che richiama un pattern tessile, la ripetizione come figura linguistica. Il visitatore è chiamato a “leggere” la mostra, ma anche a “scriverla” con il proprio sguardo. Le opere non impongono, suggeriscono. Non definiscono, evocano. È in questo spazio di sospensione che l’estetica Prada trova il significato più profondo: quello che indaga, problematizza, si diverte a destabilizzare. Negli ultimi anni la moda ha abbandonato la semplice funzione decorativa e ha acquisito una voce sempre più articolata: politica, culturale, sociale. Prada è stata una delle prime case di moda a trattare l’abito come un testo da leggere. A Kind of Language è, in questo senso, un’estensione naturale: un laboratorio in cui il linguaggio della moda incontra quello dell’arte e si contamina. Si ritrovano i codici tipici del brand: il gusto per l’ambivalenza, la tensione tra minimalismo e complessità, la forza dell’imprevisto. Tessuti, oggetti, superfici sembrano dialogare con le opere esposte come se facessero parte di un’unica frase, di un’unica sintassi. In alcune installazioni, l’uso del colore e dei materiali rievoca proprio il gesto sartoriale: strati sovrapposti come pieghe di un abito, superfici laminate che ricordano l’impalpabilità dei tessuti tecnici, elementi geometrici che evocano la razionalità della costruzione di una silhouette. Non è un caso che Prada abbia scelto Shanghai per un progetto così concettuale. La città – caleidoscopica, in costante ridefinizione – è una grammatica vivente. Il suo paesaggio urbano, con la sua mescolanza continua di tradizione e iper-modernità, rispecchia in modo quasi speculare l’identità della mostra. Entrare nello spazio espositivo significa osservare questo dialogo attraverso una lente preziosa: la cultura visiva cinese contemporanea, sospesa tra memoria e accelerazione, si fonde con il linguaggio internazionale dell’arte e della moda. La mostra diventa così una piattaforma di scambio, un luogo dove si sperimentano nuovi alfabeti estetici, dove il pubblico locale e globale trova un punto d’incontro inatteso. La struttura della mostra è pensata come un testo aperto: non ci sono capitoli obbligati, ma stanze concettuali. Ogni ambiente introduce una parola, un’idea, un gesto. Alcune opere sono intense come verbi, altre poetiche come aggettivi, altre ancora si avvicinano alla punteggiatura: pause, sospensioni, accelerazioni. Il ritmo è fondamentale. Gli elementi architettonici degli spazi Prada contribuiscono a questa narrazione: superfici levigate, linee nette, geometrie essenziali dialogano con le opere per amplificarne il senso. È una scrittura che si fa tridimensionale, un linguaggio in cui il corpo del visitatore è parte della frase, perché la moda, come l’arte, è un sistema semiotico. Comunica attraverso codici, segni, simboli. A Kind of Language eleva questa consapevolezza a principio curatoriale: rende visibile l’atto comunicativo, lo espone, lo analizza, lo sovverte. Per chi vede la moda non solo come industria, ma come fenomeno culturale, la mostra è un manifesto. E allo stesso tempo un invito: leggere il mondo come un insieme di linguaggi da decodificare. Con A Kind of Language, Prada riafferma il suo ruolo di piattaforma culturale, non solo di casa di moda. A Shanghai costruisce uno spazio in cui la creatività diventa conversazione, dove ogni opera è una parola e ogni gesto una possibilità di significato. In un’epoca in cui i linguaggi si sovrappongono, digitali, visivi, materiali, la mostra apre una strada: invita a cercare nuove forme di lettura e, soprattutto, nuove forme di espressione. È un luogo in cui moda e arte non si limitano a dialogare: inventano, insieme, una nuova lingua.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Maria Antonietta super style, il fascino della Regina più glamour della storia in mostra a Londra

Elena Parmegiani — Mon, 10 Nov 2025 08:15:50 +0000

Icona di stile complessa, il fascino senza tempo di Maria Antonietta ha definito un’estetica unica fin dalla giovinezza e l’ha portata alla notorietà. La mostra al Victoria and Albert Museum di Londra, visitabile fino al 22 marzo 2026, è un’indagine sull’estetica trasversale della regina più alla moda di tutti i tempi. L’esposizione esplora la “celebrità” della prima età moderna, attraverso abiti e interni adottati dalla sfortunata regina di Francia negli ultimi decenni del XVIII secolo, che hanno esercitato un’influenza duratura su oltre duecentocinquant’anni di design, moda, cinema e arti decorative. La mostra ripercorre l’impatto culturale dello stile di Maria Antonietta e la sua continua ispirazione per stilisti e creativi contemporanei, da Sofia Coppola e Manolo Blahnik a Moschino e Vivienne Westwood. Sono esposti oggetti personali eccezionalmente rari appartenuti e indossati dalla regina, tra cui frammenti riccamente decorati di abiti di corte, pantofole di seta e gioielli della collezione privata. Il servizio da tavola del Petit Trianon, insieme ad accessori e oggetti intimi della trousse da toilette, è presentato per la prima volta al di fuori di Versailles e della Francia. Una vera e propria indagine di stile dedicata a una figura passata alla storia anche per la celebre e controversa frase “qu’ils mangent de la brioche” (“che mangino brioche”), simbolo di un distacco percepito tra la corte e il popolo. In Marie Antoinette Style, la curatrice Sarah Grant ha ricreato l’universo visivo e sensoriale della regina, includendo oggetti mai usciti dalla Reggia di Versailles. Il percorso, tematico e non cronologico, è arricchito da installazioni audiovisive e da un’esperienza olfattiva che permette di percepire le fragranze che hanno accompagnato le diverse fasi della sua vita. «L’arciduchessa austriaca, divenuta regina di Francia, ebbe un enorme impatto sul gusto e sulla moda europea del suo tempo, creando uno stile distintivo che oggi ha un fascino universale. La storia di Maria Antonietta è stata reinterpretata da ogni generazione per adattarla ai propri scopi. La rara combinazione di glamour, spettacolo e tragedia che la contraddistingue rimane inebriante oggi come nel XVIII secolo», afferma Grant. Tra i pezzi esposti figurano creazioni di alta moda contemporanea firmate Moschino, Dior, Chanel, Erdem, Vivienne Westwood e Valentino, oltre ai costumi realizzati per il film Marie Antoinette di Sofia Coppola con Kirsten Dunst, di cui era costumista Milena Canonero, incluso il celebre paio di scarpe in raso rosa disegnate da Manolo Blahnik, sponsor della mostra. Maria Antonietta non ha influenzato solo la moda, il design, gli interni e le arti decorative del suo tempo: il suo stile ha continuato a ispirare oltre due secoli e mezzo di arti visive, cultura e immaginario collettivo.

Le sezioni della mostra

Le origini del “look” (1770-1793)
La prima sezione introduce la giovane Maria Antonietta e il contesto di corte, con abiti, gioielli, porcellane e mobili provenienti da Versailles. Il suo gusto personale – fatto di tessuti ricchi, volumi spettacolari e accessori teatrali – la impone fin da subito come una pioniera del gusto e del ruolo pubblico dell’immagine.
Il culto dello stile (XIX secolo)
La seconda parte mostra come l’immagine della regina sia stata riscoperta e reinventata nel XIX secolo, tra revival rococò e collezionismo. Il mito di Maria Antonietta diventa ispirazione per la moda e la cultura visiva vittoriana.
Incanto e illusione
Questa sezione indaga la metamorfosi iconografica della sovrana: da figura storica a simbolo estetico. L’attenzione si concentra sul modo in cui i suoi ambienti e i suoi ornamenti hanno alimentato una narrativa che trascende la storia politica, anticipando la cultura del consumo dell’immagine.
Re-styling contemporaneo
L’ultima parte proietta l’eredità della regina nella moda e nel cinema contemporanei: dalle passerelle di Dior e Chanel ai costumi del film di Sofia Coppola, fino alle fotografie che reinterpretano la sua figura come “regina di stile” eterna.

La mostra al V&A ha il merito di spostare l’attenzione dalla dimensione storica e biografica a una lettura estetica e culturale della figura di Maria Antonietta. Non più solo simbolo di decadenza, ma pioniera del look come linguaggio e della celebrità visiva. Tuttavia, la spettacolarità della sezione finale rischia di prevalere sulla profondità storica delle prime sale, trasformando la regina in un’icona puramente estetica. Resta, però, un’occasione preziosa per riflettere su come la moda possa raccontare il potere, l’identità e la rappresentazione femminile. È in questo equilibrio, tra fascino e analisi, immaginario e storia, che la mostra trova la sua vera forza, restituendo Maria Antonietta come una figura viva, ancora capace di parlare al gusto e alla sensibilità contemporanea.

Ph. Courtesy of © Victoria and Albert Museum, Londra

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Armani, la sfilata a Milano nel ricordo di Re Giorgio

Elena Parmegiani — Tue, 07 Oct 2025 08:58:16 +0000

A Milano settecento ospiti in black tie, come richiesto dal dress code, hanno reso omaggio a Giorgio Armani ed ai suoi strabilianti cinquant’anni di indomita carriera nella moda. La sfilata, andata in scena il 28 settembre 2025 in occasione della chiusura della Milano Fashion Week, dedicata all’indimenticabile creativo, è stata illuminata magicamente da suggestive lanterne ed impreziosita dalle note di Ludovico Einaudi al pianoforte che hanno dato vita ad una serata magica e ad una mostra unica ospitata alla Pinacoteca di Brera, nel ricordo di Re Giorgio, che ci ha lasciato lo scorso mese all’età di novantuno anni. Il defilè Giorgio Armani primavera/estate 2026, il primo senza il Signor Armani, dopo la sfilata di Emporio Armani andata in scena qualche giorno prima, non poteva che essere una dedica non solo ad uno stile eterno e unico, ma anche a due luoghi fondamentali per il compianto stilista: Pantelleria e Milano, location uniche da cui prende il nome la nuova collezione. Non solo uno show, ma un commiato: l’ultima collezione disegnata personalmente da Armani, è un addio che riverbera tra le colonne, sotto il cielo limpido di fine settembre. Una passerella che coniuga memoria e stile, ieri e oggi, la maestria sartoriale e il respiro lirico. Perché quando Agnese Zogla – volto storico ormai inseparabile dal marchio – è uscita sola, in un abito blu notte, con il volto di Giorgio Armani impresso sul tessuto, nulla è restato come prima: in quell’istante la moda è diventata racconto vivo, testimonianza estetica e, in un modo che solo la grande moda sa fare, poesia vestita. Armani ha avuto il merito di introdurre un’estetica nuova, sobria, ma sensuale, che stempera le rigidità del tailoring tradizionale, prende ispirazione dal cinema, da Hollywood, (pensiamo a American Gigolo e al potere dell’abito su Richard Gere, in prima fila ad applaudire lo show insieme alla moglie Alejandra Silva), e dal corpo femminile che non vuole più essere costretto in modelli ostentati, ma esaltato nella struttura interna e nella caduta del tessuto. Negli anni, la Maison è cresciuta non solo come firma estetica, ma come sistema: linee uomo, donna, accessori, profumi, credibilità internazionale. Armani è diventato sinonimo di eleganza che non urla, che non cerca lo shock, ma impone rispetto, rigore, coerenza, presenza. È questa la lezione che molti brand hanno tentato di imitare, ma pochi veramente compreso.

Il titolo della nuova collezione: Pantelleria, Milano scandisce il racconto della sfilata. Pantelleria, l’isola cara allo stilista, luogo di libertà, luce mediterranea, vento che modella tessuti; Milano, città di rigore sartoriale, vie antiche, facciate di pietra, ritmi metropolitani. Un’osmosi tra effimero e struttura. La collezione si compone da centoventisette look: ottantadue da donna e quarantacinque da uomo. Le linee femminili oscillano fra abiti eterei, trasparenze, drappeggi leggeri, e abiti da sera che scintillano come superfici d’acqua al crepuscolo. Nei completi maschili, la destrutturazione tipica di Armani si fa più sottile: giacche senza revers troppo marcati, pantaloni che si adagiano sul corpo con naturalezza, materiali che dialogano con il movimento. I tessuti—seta, georgette, tessuti fluidi—sembrano respirare il vento che si porta via ogni rigidità. Il gioco cromatico è calibrato: grigi che ricordano le facciate meneghine, travertini, verdi e blu di Pantelleria, tocchi di cobalto e viola in momenti sorprendenti, seguiti dal buio – velluti scuri, profili di luce minima che evidenziano dettagli ricamati e finiture luminose. Un crescendo emotivo e cromatico. Sul finale il pubblico trattiene il fiato, poi un lungo applauso, in piedi. Leo Dell’Orco e Silvana Armani, mano nella mano, salgono sulla passerella: eredità affidata e un silenzio rotto da gratitudine. Ed una rappresentanza del jet set del grande schermo applaude estasiata: Kate Blanchett, musa di Armani e Global Ambassador beauty, Glenn Close, Lauren Hutton, Margherita Buy, Toni Servillo, Isabella Ferrari, Kasia Smutniak, Giuseppe Tornatore, Marco Bellocchio. Questo show non è stato solo una celebrazione, ma è un testamento estetico. Armani ha lavorato fino all’ultimo su questa collezione, sui dettagli, sulla mostra celebrativa aperta alla Pinacoteca, sulla continuità: Emporio Armani e Giorgio Armani sfilano come previsto, così come la grande retrospettiva. L’identità della Maison non viene delegata a interessi esterni, ma custodita dai suoi più stretti collaboratori, dalla nipote Silvana e da Leo Dell’Orco. Il messaggio è forte: lo stile non si interrompe, non si dissolve, ma si trasforma. Il fatto che la sfilata sia avvenuta proprio a Brera non è solo scelta scenografica, ma simbolica: Brera è quartiere che rappresenta la storia, la cultura, l’arte, ha accolto Armani sulla mappa della moda milanese; Brera ora ospita anche la sua memoria estetica. È un ritorno alle radici, ma anche un punto di svolta. Da qui la Maison dovrà misurarsi con il dopo: come mantenere la leggibilità del marchio, come proseguire il gesto creativo senza che diventi reiterazione, come far sì che quel volto impresso nell’abito continui a parlare senza scoraggiarsi nell’eco del suo nome.

Photo Courtesy of Giorgio Armani

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Dolce&Gabbana, il tributo a Roma tra mito, moda e cinema

Elena Parmegiani — Mon, 01 Sep 2025 15:21:36 +0000

Roma ha incarnato quest’estate, per la prima volta, il cuore pulsante del Grand Tour sartoriale firmato Dolce&Gabbana in una tre giorni che ha trasformato luoghi carichi di storia in palcoscenici viventi. La maison ha presentato infatti l’Alta Moda, l’Alta Sartoria ed ha dato vita ad un party di chiusura glamour e ricercato. Un evento che ha messo in risalto la maestria dell’artigianato, il mito e il cinema, che parla direttamente ai professionisti della moda attraverso simbologie profonde e maestria sovrana. Nella prima giornata del 13 luglio il mito della Dolce Vita rivive a Via Veneto grazie ai flash vintage, alla danza e alla musica che si sono intrecciati in una mostra fotografica open air “Secret Dolce Vita”, una celebrazione del glamour Anni Cinquanta e Sessanta. Ad impreziosire la scena è stata l’iconica Cher che, tra corsetti scintillanti, tute in glitter ed evoluzioni, è riuscita ad elevare la serata ad evento di culto. La notte del 14 luglio, la Via Sacra nel cuore del Foro Romano si è animata di figure mitiche: abiti drappeggiati come toghe, bustier scolpiti in stile colonnato, stole che echeggiavano statue classiche – una passerella dove la moda diventa mito. Il contesto storico non è stato scelto a caso: al Foro si è realizzato un atto culturale e politico-narrativo, una dichiarazione estetica che amalgama potere, memoria e bellezza. La collezione ha unito la magnificenza imperiale al glamour del cinema italiano degli Anni Cinquanta e Sessanta – la cosiddetta “Hollywood sul Tevere” – tra armature dorate e drappeggi cinematografici. Uno show teatrale a cielo aperto per circa quattrocentocinquanta ospiti d’élite, tra attori in costume, figuranti, celebrity internazionali, (tra cui Christian Bale, Isabelle Rossellini e Kitty Spencer, nipote di Lady Diana, ormai testimonial del brand), che ha trasformato la moda in mito in movimento. In passerella avviene l’omaggio agli anni della Hollywood sul Tevere e dei paparazzi, ma anche degli atelier frequentati dalle dive del cinema, che scoprivano nella Città Eterna un’eccellenza sartoriale. Lo show è stato un tripudio dei cavalli di battaglia di Dolce&Gabbana: il pizzo nero, i giochi di trasparenze, le stampe maculate, gli abiti bustier incastonati di pietre preziose e colorate. Il 15 luglio, la passerella si è spostata a Castel Sant’Angelo, precisamente su Ponte Sant’Angelo, sotto lo sguardo austero ed attento degli angeli del Bernini. Qui l’Alta Sartoria ha celebrato l’iconografia ecclesiastica: giacche, cappotti, mantelli reinterpretano mozzette, stendardi e abiti liturgici con ricami in oro, croci, dettagli preziosi – una fusione tra sacro, barocco e alta moda maschile. La teatralità della liturgia sartoriale maschile ha scolpito il corpo in tempio, un reliquiario vivente tra storia e spettacolo. L’ultima sera la Maison ha portato l’Alta Moda nei mitici studi di Cinecittà, trasformati in set cinematografico: un omaggio al grande cinema italiano e alla Roma che ha reso celebre il mito della Dolce Vita. Tra scenografie monumentali, atmosfera da set e miti dell’antica Roma, è sceso il sipario su una celebrazione della bellezza come racconto stratificato, tra memoria storica, artigianato e visione contemporanea. Parallelamente alle sfilate, il percorso espositivo Dal Cuore alle Mani al Palazzo delle Esposizioni ha accolto il pubblico con una narrazione immersiva sull’universo Dolce&Gabbana: tra schizzi, materiali, artigiani e identità, con contenuti inediti su Roma. In queste tre giornate, i talentuosi stilisti siciliani non hanno solo presentato l’alta moda: hanno scritto liriche di stile incarnato, architettura vivente, memoria rivissuta. Roma è stata protagonista – impero, chiesa, cinema, artigianato – e la griffe internazionale l’ha raccontata con eleganza severa e drammatica. Un evento di culto per addetti ai lavori, dove l’eccesso diventa raffinato, la lentezza diventa lusso e la bellezza un mandato da perseguire.

Ph. Courtesy of Dolce&Gabbana

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Giorgio Armani, cinquant’anni di eleganza: la mostra e la sfilata a settembre

Elena Parmegiani — Wed, 06 Aug 2025 07:38:33 +0000

C’è un’eleganza che sfugge al tempo, che non rincorre la tendenza, ma si fa essa stessa linguaggio. Da mezzo secolo Giorgio Armani incarna questa idea radicale e silenziosa di stile. È una voce sommessa, ma inconfondibile, fuori dal coro, che ha ridefinito l’abito contemporaneo come spazio di libertà, misura e identità. “L’eleganza non è farsi notare, ma farsi ricordare”, tra i famosi diktat del Re della Moda. Cinquant’anni dopo il debutto della sua prima collezione, la Maison celebra questo straordinario traguardo con un progetto senza precedenti che unisce moda, arte e pensiero progettuale. Dal 24 settembre al 24 ottobre 2025 la Pinacoteca di Brera, per la prima volta nella sua storia, apre le proprie sale ad una mostra interamente dedicata alla moda: Giorgio Armani – 50 anni. Un evento di portata culturale, che rende omaggio non solo al percorso creativo dello stilista piacentino, ma al modo in cui la moda può farsi patrimonio collettivo, gesto estetico e riflessione antropologica. Il percorso espositivo sarà accompagnato, il prossimo 28 settembre, da una sfilata evento nel Cortile d’Onore di Palazzo Brera, durante la Milano Fashion Week.

L’esposizione alla Pinacoteca – curata in collaborazione con il Ministero della Cultura – raccoglie ben centocinquanta capi d’archivio selezionati personalmente da Giorgio Armani. Non è un’antologia celebrativa, ma un racconto per immagini e silhouette, in cui ogni creazione diventa traccia visibile di una rivoluzione estetica che ha attraversato il mezzo secolo. I capi – iconici, spesso epocali – sono esposti in dialogo con le opere della collezione permanente del museo, stabilendo un gioco raffinato di corrispondenze visive, materiche e simboliche. In questa sovrapposizione di epoche e linguaggi, l’eleganza si rivela nella sua forma più profonda: non ornamento, ma struttura; non ornato, ma pensiero.

La mostra si articola in una sequenza di stanze tematiche, ciascuna dedicata a uno dei pilastri della grammatica armaniana: sobrietà, tempo, identità, luce. Dall’innovazione concettuale del completo destrutturato maschile – gesto fondativo della moda moderna – alla sensualità rarefatta della donna Armani, costruita per sottrazione, mai per accumulo. Una femminilità rigorosa, asciutta, che non cerca conferme nello sguardo altrui, ma si fonda sulla consapevolezza interiore. “Voglio che l’abito accompagni il corpo, non che lo imprigioni.”, tra i più suggestivi mantra del designer. I toni – grigio perla, beige, blu notte – tessono il filo narrativo dell’intera esposizione. Cromie diventate firma stilistica, capaci di evocare un’eleganza rarefatta, intima, quasi spirituale, in opposizione alla spettacolarizzazione del lusso, Armani ha da sempre scelto la via della discrezione come forma di potere. “Credo nella sobrietà. È la forma più sofisticata di eleganza.”, una filosofia di vita che ha accompagnato il noto creativo fin dall’inizio della sua carriera. Un’estetica che ha saputo liberare il corpo dagli eccessi e restituirgli dignità, libertà, essenzialità.

Una delle sezioni più intense della mostra è dedicata alla sperimentazione tessile. Qui si rivela tutta la maestria sartoriale della Maison: organze impalpabili, geometrie liquide, tessuti iridescenti che mutano con la luce e il movimento. L’abito diventa così organismo vivo, superficie mobile in dialogo costante con lo spazio e il corpo. Accanto alle creazioni, il visitatore troverà materiali d’archivio raramente esposti: schizzi, fotografie, bozzetti preparatori, campagne storiche. Questi documenti, lungi dall’essere meri “complementi”, restituiscono la profondità intellettuale del lavoro di Armani, la coerenza con cui ha saputo costruire – collezione dopo collezione – un’estetica solida, riconoscibile, capace di attraversare epoche senza cedere al decorativismo o all’effimero. “Non disegno abiti, disegno un’idea di vita”, dichiara Armani. Il percorso di celebrazione prosegue oltre le sale museali, con il lancio ufficiale di Armani/Archivio, il 30 agosto 2025 a Venezia, in concomitanza con il Festival del Cinema. Si tratta di una piattaforma digitale immersiva che raccoglierà cinquant’anni di creazione stilistica: sfilate, immagini, campagne pubblicitarie, interviste e materiali rari. Pensato come un museo diffuso – accessibile da remoto, ma con una sede fisica alle porte di Milano – Armani/Archivio rappresenta un investimento culturale per le generazioni future. Non solo uno strumento di conservazione, ma un laboratorio di ricerca, un atlante stilistico, una risorsa per studiosi e creativi. “La moda è il primo passo per affermare la propria identità”, afferma il talentuoso stilista. È la moda che si fa progetto, che accetta la sfida della memoria per alimentare il futuro. Culmine delle celebrazioni sarà la sfilata evento nel Cortile d’Onore di Palazzo Brera. La collezione Giorgio Armani Donna primavera/estate 2026, affiancata da una selezione di look Uomo, sarà presentata davanti a un pubblico selezionato di ospiti internazionali, stampa specializzata, curatori e figure del mondo dell’arte. In uno dei luoghi più iconici della Milano culturale, moda, architettura e musica si fonderanno in una performance immersiva, pensata per raccontare non solo l’abito, ma la visione che lo genera. Ogni elemento – dalla scenografia all’illuminazione – sarà parte di una narrazione più ampia, in cui lo spazio si fa racconto e l’eleganza diventa esperienza. “Un uomo non dovrebbe mai sembrare come se avesse cercato troppo di apparire elegante”, spiega il designer. Questa sfilata non è soltanto un evento di calendario, è un rito laico, un atto simbolico che riafferma il legame profondo tra Armani e la città che ne ha accompagnato l’ascesa. Milano – con la sua densità intellettuale, il suo rigore progettuale, la sua vocazione alla modernità – è il luogo naturale per celebrare una sfolgorante ed inarrestabile carriera che ha sempre coniugato intuizione estetica e disciplina etica. Giorgio Armani – 50 anni non è una semplice retrospettiva, ma una dichiarazione di poetica. È la dimostrazione che la moda, quando è pensata con coerenza e profondità, può essere letta come linguaggio della cultura materiale. Che l’abito può farsi specchio dell’identità, traccia del tempo, strumento di affermazione personale e collettiva. Nell’epoca dominata dalla velocità e dalla bulimia visuale, Armani continua a proporre un’altra idea di lusso: quella che non ostenta, ma sussurra; che non insegue, ma guida. A cinquant’anni dalla nascita della Maison, il suo stile resta fedele a se stesso, in continua evoluzione, ma impermeabile all’effimero. “Lo stile è avere il coraggio delle proprie scelte, e anche il coraggio di dire no. È trovare la semplicità nella complessità”, tra i motti più celebri del designer che condividiamo. È la rivoluzione silenziosa di Armani ed è forse proprio questa la più duratura.

Photo Courtesy of Giorgio Armani

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Alaïa e Mugler in dialogo alla Fondazione di Parigi

Elena Parmegiani — Tue, 05 Aug 2025 07:54:13 +0000

Un confronto creativo e stimolante tra due titani della moda: Azzedine Alaïa e Thierry Mugler. I due stilisti hanno reinventato il corpo come architettura e teatro. Nel cuore del Marais, la Fondazione Azzedine Alaïa ospita una mostra che è più di una retrospettiva: è uno scambio visivo tra due figure che hanno riscritto i codici della silhouette femminile nel ventesimo secolo. L’esposizione intitolata Azzedine Alaïa – Thierry Mugler / 1980-1990, due decenni di complicità artistiche, visitabile fino al 31 agosto 2025, non è soltanto un omaggio a due couturier geniali, ma un’indagine sul potere della forma, della pelle, della costruzione, ci parla non solo di couture, ma di affinità elettive, di una solida amicizia e di una forte complicità artistica, ma anche umana. In un momento in cui la moda si interroga sul corpo, sulla sensualità e sull’identità, la mostra si rivela straordinariamente attuale. “Ci siamo profondamente influenzati a vicenda.”, ha affermato Thierry Mugler, in più occasioni, confermando il legame creativo ed umano con Alaïa.

“Da quando ci siamo conosciuti, i miei abiti sono diventati meno astratti e più in sintonia con la realtà; il corpo si muove con più agio. I suoi, invece, sono diventati più audaci. Credo che, grazie a me, Azzedine si sia sentito libero di avvicinarsi a tagli più ergonomici, più sinuosi.”, così parlava Mugler di Alaïa. Ed ancora: “Ho avuto un ruolo nel supportarlo all’inizio, anche amministrativamente, per aiutarlo a fondare ufficialmente la sua maison.” (Mugler, sul sostegno dato ad Alaïa nei primi anni dell’attività). Alaïa e Mugler si conoscono a Parigi negli Anni Settanta, in un contesto in cui la couture sembrava cedere il passo al ready-to-wear, ma entrambi resistono al tempo e alle mode effimere creando universi assolutamente personali. Da un lato Alaïa, il “sarto scultore”, devoto alla purezza della forma, alla modellatura sartoriale ottenuta quasi senza tagli visibili, alla sensualità del corpo rivelato e protetto. Dall’altro Mugler, il “regista della moda”, visionario e teatrale, capace di trasformare le passerelle in veri e propri palcoscenici in technicolor, dove il corpo femminile diventa un’eroina postmoderna tra fetish, glamour e fantascienza. Questa mostra non si limita ad accostare due nomi celebri. È un atto curatoriale preciso: mettere in dialogo due approcci opposti, ma complementari alla femminilità, alla costruzione del capo, alla relazione tra abito e identità. Curata da Olivier Saillard, la retrospettiva si sviluppa nei saloni della Fondazione con uno storytelling raffinato. I capi esposti – oltre sessanta, provenienti dagli archivi di entrambi gli stilisti – sono stati scelti per rispecchiare i punti di contatto e le divergenze più radicali tra i due. Non ci sono solo gli iconici bustier in maglia stretch di Alaïa o le tute in lattice e metallo di Mugler: compaiono creazioni sublimi che mostrano le sfumature, le fasi intermedie, gli esperimenti comuni. Mugler disse una volta che, dopo aver incontrato Alaïa, le sue creazioni divennero meno astratte e più concrete. Alaïa, a sua volta, osò linee più audaci, più sensuali. L’influenza era reciproca e magnetica, come afferma Saillard.

Entrando nella Fondazione ci si imbatte in un allestimento minimale, rispettoso della materia: manichini bianchi, luce diffusa, e un senso di intimità che permette di ammirare da vicino cuciture, pieghe, pesi, volumi. Non c’è sovrastruttura scenica: sono solo gli abiti a parlare. Ed è qui che l’occhio dell’addetto ai lavori coglie la portata dell’opera. Percorrere fisicamente lo spazio della mostra è stato essenziale per cogliere la stratificazione concettuale del progetto espositivo: un confronto tra estetiche che, pur divergendo nei codici formali, si rivelano sorprendentemente affini nella volontà di sublimare la materia in visione. Per chi vive la moda e ne ha fatto come noi una vocazione, una passione e un mestiere questa mostra è un manuale tridimensionale di tecnica sartoriale avanzata. Alaïa modellava direttamente sul corpo, come uno scultore con l’argilla: i suoi abiti non nascono su carta, ma in atelier, sulla pelle. I suoi jersey sono ingegneria tessile: si adattano, avvolgono, modellano senza costringere. I tagli sono invisibili, le cuciture minime, la perfezione sta nel togliere più che nell’aggiungere. Mugler, al contrario, esaspera la costruzione fino al parossismo. Le sue giacche sono armature sensuali, con spalle volutamente esagerate, pinces chirurgiche, tessuti sintetici, inserti in plastica o metallo. L’approccio è quasi ingegneristico, ma sempre con un occhio allo spettacolo. Un abito Mugler non si limita a vestire: trasforma chi lo indossa in un personaggio. L’accostamento dei due svela in maniera plastica due strade della costruzione sartoriale contemporanea: una organica, l’altra meccanica, ma entrambe straordinariamente umane, perché profondamente connesse all’idea di corpo, potere, espressione. Se Alaïa è stato il paladino di una sensualità materica e intellettuale, Mugler è stato il profeta del glamour estremo. Eppure, la mostra sottolinea quanto entrambi abbiano anticipato temi oggi centrali: body positivity, gender fluidity, ibridazione tra arte e moda, artigianato come resistenza culturale. Nelle nuove generazioni di designer – da Iris van Herpen a Casey Cadwallader, da Ludovic de Saint Sernin a Nensi Dojaka – si avverte l’eredità doppia di questi maestri: il rigore artigianale di Alaïa e la potenza visionaria di Mugler. La Fondazione Alaïa, con questa mostra, non solo custodisce un archivio, ma rilancia una visione: quella di una moda che non si limita a vestire, ma che pensa, scolpisce, plasma, racconta.

Esclusiva fotografica Daily Mood

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Rick Owens, la mostra dello stilista ribelle al Palais Galliera

Elena Parmegiani — Mon, 04 Aug 2025 09:17:35 +0000

Il Palais Galliera ospita la prima mostra a Parigi dedicata all’opera dello stilista d’avanguardia Rick Owens. La monumentale retrospettiva dal titolo Temple of Love, visitabile fino al 6 gennaio 2026 presso l’iconico museo della moda e del costume francese, offre al pubblico la visione innovativa del creativo caratterizzata da una moda post- apocalittica, ma al contempo minimalista e presenta collezioni che spaziano dagli esordi del designer a Los Angeles fino alle più recenti creazioni. Con un fascino per il rituale spirituale, le opere di Owens attingono ad una vasta gamma di riferimenti; da Joris-Karl Huysmans, all’arte moderna e contemporanea, passando per i grandi film hollywoodiani di inizio Novecento. Rick Owens stesso è il direttore artistico della mostra con il contributo curatoriale di Miren Arzalluz, direttrice del Palais Galliera e Alexandre Samson, responsabile delle collezioni moda dal 1947 alle creazioni contemporanee, per creare un percorso espositivo che si estende fino alla facciata del museo e al suo giardino. L’esposizione è la terza retrospettiva mai concessa a un designer vivente, dopo Margiela e Alaïa. L’allestimento trasforma il museo in un vero e proprio “tempio”: appena si entra si nota immediatamente la facciata drappeggiata dai tessuti ricamati con paillettes, le statue esterne si coprono di simbolismo visivo; nel giardino troneggiano trenta sculture brutaliste in cemento, integrate nello spazio esterno ispirato alle radici californiane dello stilista. Veniamo inoltre colpiti dal fatto che per la prima volta dagli Anni Settanta le tende delle finestre della sala principale del Palais Galliera sono aperte rivelando le silhouette in pieno giorno. Owens accetta e non si preoccupa del possibile deterioramento che la luce potrebbe creare alle sue incredibili creazioni. Nato nel 1961 lo stilista inizia la sua sfavillante carriera come modellista a Los Angeles prima di lanciare il suo marchio nel 1992. I suoi outfit, ispirati alla cultura underground e al glamour della moda Anni Trenta, si distinguono per le loro strutture sofisticate. Le risorse limitate spingono inizialmente il designer americano a utilizzare materiali di recupero: riutilizza borse militari, coperte militari e pelle lavata, trasformandole in abiti e giacche; ha una predilezione per il nero e le tonalità tenui, tra cui un grigio speciale che chiama “polvere”, che diventa uno dei suoi colori e tratti distintivi.

Nel 2003 Rick Owens lascia Los Angeles per Parigi. Indipendente e provocatorio per natura, le sue sfilate di moda espressive riflettono una posizione politica che condanna la discriminazione e il predominio maschile. Per una sfilata assume un team di ballerine di step composto esclusivamente da donne, prevalentemente nere, al posto delle modelle; in un altro show i genitali dei suoi modelli maschili vengono esposti; in tutte le performance si celebra la forza delle donne. In risposta a un mondo in crisi, l’impegno dello stilista si concretizza in creazioni più scultoree e nell’uso di una palette cromatica espressiva.

Con oltre cento silhouette, la retrospettiva ci lascia meravigliati per la selezione precisa per momenti storici e suggestioni artistico-sociali e per la divulgazione di documenti personali di Owens, oltre che dai video e da alcune installazioni inedite. Opere di Gustave Moreau, Joseph Beuys e Steven Parrino offrono uno spaccato delle fonti di ispirazione del designer e ne mostrano il lavoro sotto una nuova veste. La mostra si concentra anche sul ruolo centrale svolto dalla moglie Michèle Lamy, la cui presenza è percepibile in tutto il percorso espositivo, persino nella ricostruzione della loro camera da letto californiana. La scala e la portata della mostra “Rick Owens, Temple Of Love” sono senza precedenti. È una meditazione sull’amore, la bellezza e la diversità, presentata in un ambiente monumentale. Le silhouette, la maggior parte delle quali provengono dagli archivi di uno dei principali stilisti contemporanei, trasformano il museo in un tempio dedicato alla creazione. In un ambito in cui l’immediatezza visiva domina, questa mostra invita a un’esperienza tattile e mentale: analisi storica, allusione poetica, estetismo politico. Il tempo dilatato della visita ricorda che Owens non crea per piacere, ma per interrogare lo spettatore- la moda come forma di pensiero. Temple of Love non è quindi solo una retrospettiva, ma un manifesto multi-sensoriale, un invito a scoprire la couture come filosofia, rituale e rito collettivo, un’occasione imperdibile per chi cerca la convergenza tra arte, memoria, e radicalità stilistica.

Esclusiva fotografica Daily Mood

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Chanel – The Fall-Winter 2025/26 pre-collection campaign

DailyMood.it — Mon, 21 Jul 2025 09:39:34 +0000

Icona della sua generazione e ambasciatrice della Maison, la cantante JENNIE incarna la pre-collezione CHANEL Autunno-Inverno 2025/26, immortalata dal fotografo Craig McDean nei giardini del Palais-Royal a Parigi. A pochi passi dal Ritz e da Rue Cambon, questa location era particolarmente cara a Gabrielle Chanel e ai suoi amici Colette e Jean Cocteau. Un luogo del cuore per la couturière, dove amava passeggiare e cenare in uno dei ristoranti iconici della zona.

Delicata, sofisticata, in costante gioco di contrasti e opposti, la collezione trae ispirazione dallo stile maschile-femminile delle protagoniste delle commedie romantiche anni ’90. Le spalle ampie dominano un cappotto avvolgente in tweed di lana e cashmere, indossato sopra un top e un paio di jeans. “Gli anni ’90 mi hanno sempre parlato,” confida JENNIE. “Non solo la moda, ma anche l’atmosfera e lo spirito. Amo il modo in cui le donne delle rom-com di quell’epoca erano forti e vulnerabili allo stesso tempo. C’era un’ironia nel loro modo di vestirsi e un equilibrio perfetto tra femminile e androgino: era romantico ma anche preppy, ed è qualcosa che adoro portare nel mio stile.”

Un corsetto nero in doppio crêpe, simile a un gilet maschile, con spalline ricamate e un cappotto in pelle nera decorato con bottoni dorati arricchiscono il repertorio, completati dalla borsa CHANEL 25 o da baschi in pendant. “Lo stile maschile-femminile mi fa sentire radicata e potente,” continua. “Mi piace come questa collezione giochi con le forme, come il cappotto nero dalle spalle strutturate o il corsetto in doppio crêpe ispirato al guardaroba maschile. Sono capi forti, ma con un’eleganza innata. Indossare silhouette maschili con dettagli femminili mi ricorda che non devi scegliere: puoi essere entrambe le cose, ed è questo che ti dà forza.”

Affacciata alla finestra o distesa sul letto di un appartamento con vista sui giardini, JENNIE indossa un tailleur con minigonna in tweed di lana e un completo in maglia di cashmere ornato da rouche azzurro cielo. Sotto i portici del Palais-Royal, l’artista passeggia avvolta in un outfit in morbida pelle beige, intriso di un’eleganza disinvolta.

La morbidezza e il comfort dei materiali si riflette anche negli accessori in tonalità pastello: una borsa trapuntata a forma di cuore nei toni del rosa pallido o dell’azzurro baby e una minaudière ispirata alle iconiche palette trucco della Maison.

La pre-collezione Autunno-Inverno 2025/26 è ora disponibile nelle boutique CHANEL.
Credit Image: Copyright CHANEL

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Balenciaga, la mostra a Parigi celebra dieci anni della direzione creativa di Demna

Elena Parmegiani — Fri, 11 Jul 2025 07:58:44 +0000

Balenciaga apre le porte del quartier generale parigino in rue de Sèvres per celebrare una delle figure più influenti della moda contemporanea: Demna Gvasalia. Una mostra riassuntiva curata dallo stesso Demna che sintetizza il suo decennio da direttore creativo nella griffe, dal 2015 al 2025. L’esposizione è allestita presso la sede centrale di Kering, l’antico Ospedale Laennec, nel 7° arrondissement di Parigi, uno storico edificio del XVII secolo, detto anche l’ospedale delle donne incurabili, restaurato dal gruppo nel 2010. La costruzione dell’ex casa di cura era iniziata nel 1634. Metà dello spazio era dedicato ai giardini, nello stile dei grandiosi ospedali parigini. Attratto dalla particolare architettura del sito e dal suo ricco patrimonio storico, oltre che da altre caratteristiche, il Gruppo Kering ha intrapreso un ambizioso progetto di ristrutturazione ed oggi l’edificio rappresenta un importante riferimento culturale. Approfondendo “Balenciaga by Demna”, “Exactitudes”, la collezione Primavera/Estate 2026 e l’ultima collezione prêt-à-porter per la maison, la mostra incarna i codici stilistici, i volumi, le silhouette e gli atteggiamenti che hanno definito il lavoro del talentuoso stilista georgiano. L’esposizione Balenciaga by Demna si presenta come un tributo visivo alla rivoluzione estetica e concettuale operata dal designer nei suoi dieci anni alla direzione creativa della maison. Ci siamo recati a visitarla e di colpo siamo stati immersi in un’atmosfera quasi ovattata, protetta dalle pareti chiare, in sottofondo la voce di Demna – ricreata con l’intelligenza artificiale – ci ha condotto verso l’intimità di un lavoro minuzioso e potente. È stato il designer a curare in ogni dettaglio questa retrospettiva, ed è stato lui a mettere in fila le parole per descrivere ogni opera in mostra. Nella cappella dissacrata antistante l’ala dell’edificio dedicata alla mostra c’è una teca che contiene alcuni degli inviti dei suoi show, mentre abiti, accessori e calzature appartengono a trenta collezioni diverse presentate dal 2015 a oggi. Questa mostra rappresenta il continuo processo di Demna di ripensare il modo in cui i capi vengono creati. Il suo processo creativo spesso parte dall’osservazione di qualcosa di ordinario, familiare, che viene poi ricontestualizzato attraverso il modo in cui è realizzato, i materiali utilizzati e le tecniche impiegate. Questo approccio si collega alla fascinazione del couturier per l’eredità artistica di Marcel Duchamp e i suoi ready made, così come all’influenza di Andy Warhol e della pop art sulla sua opera. La mostra inizia con una selezione di oggetti che sono stati utilizzati come inviti per le collezioni Balenciaga, seguita da centouno pezzi scelti da Demna, tra cui due prestati dal museo della moda Palais Galliera. L’esposizione comprende completi, singoli capi, accessori e calzature provenienti da trenta diverse collezioni che coprono un decennio. Esplorando i principali elementi concettuali e tematici del mandato di Demna alla maison, si evince la reinterpretazione del designer dei codici di Cristóbal Balenciaga, esercizi di proporzione, studi sul “readymade”, trompe-l’oeil, upcycling, una rivisitazione delle regole prestabilite della moda e la sua continua analisi del guardaroba contemporaneo: cosa indossano le persone, come lo indossano e dove si trova il sottile confine tra moda e lusso. Un sistema audio accompagna il visitatore offrendo una panoramica sul significato e sul processo creativo dietro ogni capo attraverso la narrazione specializzata di Demna. Le creazioni sono presentate su supporti personalizzati o in espositori dedicati, che includono manichini speciali, sculture iperrealistiche delle modelle che indossavano originariamente i completi, grucce in stile lavanderia a secco e supporti bifacciali che presentano i capi accanto agli stili d’archivio che li hanno ispirati. Alcuni abiti sono anche installati come opere d’arte, creati in collaborazione con artisti che hanno contribuito al progetto Balenciaga Art in Stores. Il look di chiusura della presentazione della collezione Balenciaga Estate 2022 “Red Carpet”, indossato da Demna, è reinterpretato dall’artista americano Mark Jenkins come una delle sue sculture umanoidi distintive. Inoltre, una selezione di sei modelli di scarpe e accessori è integrata in opere della serie Timeless Symbols di Andrew J. Greene, adagiate su supporti in acciaio inossidabile e ruotate da motori nascosti. Il catalogo gratuito presenta immagini delle opere in mostra insieme a visual creati appositamente per la pubblicazione. Demna è uno stilista che ha lasciato un profondo segno in Balenciaga, non a caso la sua ultima sfilata a Parigi si è chiusa con una standing ovation per il suo lavoro di dieci anni nel brand ed il finale scandito dalla canzone preferita dello stilista “No ordinary love” di Sade. Ora Demna è atteso da Gucci e da Balenciaga arriva Pierpaolo Piccioli, un nuovo corso di rinnovazione è già in atto.

Foto: esclusiva fotografica Daily Mood

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Chau Rising collabora con Maldito per la Paris Couture Fashion Week 2025

DailyMood.it — Thu, 10 Jul 2025 12:28:53 +0000

In occasione della Paris Couture Fashion Week, Chau Rising presenta una collaborazione speciale con Maldito per la nuova collezione di Francisco Terra: un progetto onirico e autobiografico che celebra i 15 anni della sua carriera attraverso una visione gotica sospesa tra sogno, memoria e identità.
Abbiamo contribuito con tre pezzi artigianali in angora, pensati come estensioni emotive dei personaggi in passerella. Un cappello a forma di topo, con borchie patchwork e un grande fiocco in filo metallico, incarna la dolcezza tenace dell’adolescenza ribelle. Un top che unisce spalle in jersey sportivo e vita stretta riflette la tensione tra forza e vulnerabilità femminile. Infine, una sciarpa oversize nei toni del grigio e del rosa simboleggia la visione parigina provocatoria e contrastante di Francisco.
Condividiamo con Maldito un linguaggio sensibile e radicale: questa collaborazione segna una tappa importante nel percorso creativo di Chau Rising.

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Ensemle Atelier, Roma celebra la moda a Villa Borghese tra talento, eleganza e sartorialità

Elena Parmegiani — Wed, 09 Jul 2025 08:16:54 +0000

La storica ed affascinante Villa Borghese, immersa tra l’arte e la natura, è diventata, nel primo weekend di luglio, il palcoscenico della grande moda capitolina. L’evento nel Parco stile inglese di Villa Pinciana ha celebrato il talento, la creatività e l’identità sartoriale della Città Eterna in due giornate dense di emozioni e bellezza. Sabato 5 e domenica 6 luglio 2025, l’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, Alessandro Onorato, in collaborazione con la Regione Lazio, ha organizzato due appuntamenti di moda d’eccezione, riportando l’haute couture sotto i riflettori. Il weekend si è aperto con il Forma Fashion Show, una sfilata che ha visto protagonisti centinaia di studenti provenienti da cinque tra le principali cinque accademie di moda romane: Accademia di Belle Arti di Roma, Accademia Koefia, Accademia Italiana, Accademia del Lusso, MAM – Maiani Accademia Moda. Nella serata di domenica il viale delle Magnolie di Villa Borghese ha accolto un evento dal respiro più maturo e sofisticato: Ensemble Atelier. Sette maison di alta moda, tutte profondamente legate alla città di Roma, hanno portato in passerella creazioni inedite, concepite appositamente per l’occasione. Abbiamo ammirato una celebrazione della sartorialità artigianale, autentica, che affonda le sue radici nella tradizione, ma che si proietta con audacia verso l’innovazione. Protagonisti in passerella atelier storici e stilisti talentuosi: Camillo Bona, Luigi Borbone, Franco Ciambella, Nino Lettieri, Antonio Martino, Sabrina Persechino e Jamal Taslaq. Ognuno ha presentato una capsule collection unica, capace di interpretare a modo proprio la bellezza, l’eleganza e la forza espressiva del Made in Italy. Camillo Bona ha celebrato i suoi trent’anni nell’Alta Moda con una collezione che è un vero inno alla femminilità cangiante. Chiffon, velluti e sete si fondono in silhouette fluide e poetiche, dove convivono suggestioni rétro Anni Trenta e accenti sofisticati boho. Proposte concepite per una donna che cambia, si evolve, ma resta autentica e consapevole della propria femminilità e grazia. Luigi Borbone ha trasformato Paolina Borghese in musa ispiratrice. Sei abiti raccontano una metamorfosi al femminile, tra feste aristocratiche e gelosie, fino all’apoteosi finale: la donna che diventa Venere Vincitrice. Una narrazione in tessuto che coniuga storia, mito e modernità. Franco Ciambella ha portato in scena l’Essenza della couture. Dodici abiti da sogno in dialogo tra leggerezza e struttura, tra ricami 3D e pizzi ricercati, danno forma a una nuova estetica, rigorosa e luminosa, che rifugge l’eccesso per abbracciare la purezza della forma. Un linguaggio nuovo, moderno ed eloquente. “Ho voluto portare in scena un ritorno alla sartorialità e ai suoi fondamenti: taglio, colore e tessuti.”- dichiara in esclusiva al Daily Mood Ciambella- “Il mio è stato uno studio del saio che ho tramutato in una capsule, mi sono ispirato al libro di Enzo Fortunato “La tunica e la tonica” che tratta proprio lo studio sulla tunica di San Francesco”. Nino Lettieri, con la collezione NINOIR, ha omaggiato il nero, non come assenza di colore, ma come dichiarazione di stile. Le sue raffinate creazioni definiscono una femminilità elegante, misteriosa e senza tempo. Uno splendido e suggestivo tributo sofisticato, magistralmente riuscito, iper chic che omaggia la classe assoluta del non-colore. Antonio Martino ha osato con Black Versailles, una rilettura sensuale e ribelle della corte di Luigi XIV. In dieci look visionari, la femminilità si carica di potere e desiderio, trasformando l’opulenza del barocco in un linguaggio contemporaneo e seducente. “L’idea di Black Versailles nasce dal mio desiderio di raccontare in versione più oscura e segreta la vita di corte francese, quella piena di intrighi, amori e complotti, la più omertosa che nessuno conosce perché nascosta dall’opulenza di Versailles stessa.”– chiosa in esclusiva al Daily Mood Martino- “ Per rendere questo contrasto ancora più evidente ed accentuato ho pensato di utilizzare la pelle, mia grande passione da sempre, per ricreare forme e volumi tipici dell’epoca, ma con una visione più contemporanea e più dark utilizzando finiture in metallo dorato, solitamente usate per gli accessori.” Sabrina Persechino ha disegnato un vero percorso geometrico con Quadra, ispirandosi al quadrato come forma perfetta e simbolo di razionalità. La collezione si sviluppa come un labirinto architettonico, in cui l’equilibrio tra moda e design costruisce un omaggio raffinato ai giardini e alle ville di Roma. Jamal Taslaq ha chiuso il defilè con Occirientale, una collezione di dodici ricercate creazioni che è un ponte tra i mondi. Tagli essenziali, ricami delicati e una palette in colori pastello raccontano l’incontro tra l’estetica italiana e l’anima araba con modelle che incedono nell’uscita finale con una delicata rosa bianca in mano che il talentuoso stilista italo palestinese, ma romano d’adozione, elegge come simbolo di pace e di bellezza universale. Una sfilata che diventa manifesto culturale, dove arte, identità e bellezza si intrecciano senza confini. In queste due giornate, Villa Borghese non è stata soltanto uno sfondo scenografico, ma è diventata protagonista silenziosa e complice della narrazione estetica. I suoi viali alberati, le architetture neoclassiche e la sua aura sospesa tra arte e natura hanno restituito alla Capitale la magia di un tempo in cui la moda era anche rito, spettacolo, celebrazione dell’ingegno umano. Roma torna così al centro della mappa dell’haute couture, riaccendendo i riflettori su un patrimonio di creatività e sartorialità che le appartiene da sempre. Un ritorno che sa di rinascita, di orgoglio e, soprattutto, di bellezza. Il trucco è stato curato dal team di Simone Belli, mentre l’hairstyle dal maestro Sergio Valente, con il team del Premio Sergio Valente, Gerry Santoro con il team ICD Intercoffure Italia e con la partecipazione delle 505 Alberta Balestra, Giusy Bassanie e Susy Sperletti. Alessandro Onorato, Assessore ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale ha affermato: “Valorizzare i nuovi talenti e sostenere le piccole-medie imprese sono gli obiettivi di questa Amministrazione. Con ‘Forma Fashion Show’ diamo l’opportunità a centinaia di ragazzi che da anni studiano moda a Roma, in istituti pubblici e accademie private, di esibirsi gratuitamente in luoghi iconici. Per questo, dopo due anni a Piazza del Campidoglio, abbiamo scelto Villa Borghese: è un’occasione unica, indimenticabile, ed è la dimostrazione di quanto Roma creda nella formazione e quanto voglia investire nei giovani. Abbiamo poi la volontà di valorizzare le piccole-medie aziende che, in un mondo dominato da grandi marchi mondiali, operano in città nel mondo dell’artigianato e del design, generando ricadute economiche e posti di lavoro: questo è lo scopo di ‘Ensemble Atelier’ che ha visto sfilare, sempre a Villa Borghese, sette stilisti con abiti in esclusiva. Roma è tornata centrale nel mondo della moda e ne siamo fieri. Non è stato un caso, ma frutto di un lungo e intenso lavoro, ma siamo felici: gli investimenti aumentano, i numeri degli iscritti alle accademie crescono e le grandi sfilate sono tornate in città, da Valentino a Pucci, da Dior a Dolce&Gabbana, che dal 12 al 16 luglio per la prima volta nella propria storia porterà qui il ‘Grand Tour’“.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Sartoria Litrico: la Storia della Sartoria Italiana

DailyMood.it — Wed, 02 Jul 2025 08:32:10 +0000

Quando ci si appresta a parlare di Litrico, e della Sartoria Litrico, non si può che metter in riga tutti gli aneddoti e le storie che questa sartoria leggendaria ha tutt’oggi al suo occhiello, per usare una metafora sartoriale. La storia comincia con Angelo Litrico, primo di 12 fratelli di una umile famiglia di pescatori siciliani, che nel 1945 lascia la sua città nativa Catania per recarsi a Roma, che ormai alla fine della 2a grande guerra era una città in pieno fermento economico, capitale d’Italia e, di li a poco, patria della Dolce Vita, edinizia a lavorare presso l’Atelier Marinelli con un posto di banco. Dopo soli 6 anni, lo stesso Angelo rileva la sartoriache lo aveva preso a lavoro, e la rinomina Sartoria Litrico: qui inizia la vera e propria leggenda. Nel lontano 1951 Infatti la sede della sartoria situata a Via Sicilia, a due passi da Via Veneto, risente del fiorire della Dolce Vita italiana.
Infatti la Sartoria Litrico sarà tra le prime ad effettuare sfilate di Moda Maschile insieme alle case di moda femminili, e sarà tra i Soci fondatori della Camera Nazionale della Moda Italiana.Da qui in poi gli aneddoti e le storie di bellezza si susseguono, partendo dal 1956 in cui Angelo Litrico va ad una prima del teatro dell’Opera di Roma, assemblando con degli scampoli uno smoking, che non possedeva.
Da lì, Gassman e Rossano Brazzi diventano i suoi clienti affezionati per svariato tempo, attirati dall’abito fuori dal comune appunto. Ciò lo racconta anche la tribuna del mezzogiorno nel 1966. Nel 1957 un altro episodio, che determina poi l’internazionalizzazione di Litrico, avviene con Kruscev, al quale Angelo confeziona un cappotto, basandosi solo su delle foto.
Kruscev si innamora e commissiona a Litrico un intero guardaroba. La sartoria infatti, sarà la prima maison maschile al mondo a sfilare in Russia, insieme ad Emilio Pucci e Roberto Capucci, seguì poi Dior subito dopo, nel 1959. Alle Nazioni Unite di New York, il 12 Ottobre 1960, Nikita Kruscev vestito Litrico, batté violentemente e ripetutamente la scarpa di Litrico sul suo tavolo, durante un discorso, attirando su di sé l’attenzione di tutti, media e non, e divenne un simbolo di stile. Alla fine della riunione, i giornalisti intervistano il Premier Sovietico chiedendogli come mai egli vestisse così bene, in stile “occidentale”, ed egli rispose che, ai fini del “disgelo dalla guerra fredda”, aveva scelto l’italiana Sartoria Litrico.
Il giorno dopo i giornali di tutto il mondo, in 37 diverse lingue, titolano che la Sartoria Litrico con le proprie forbici avevatagliato la cortina di ferro tra USA ed URSS. Su “Il Messaggero” (1960) si legge che Angelo Litrico aveva creato altri tre abiti per gli altri tre esponenti che sarebbero stati presenti al consiglio dell’ONU: Eisenhower, Macmillan e De Gaulle.
L’intento del sarto era unire i Grandi di un mondo ancora diviso, e iniziare a intessere contatti duraturi con gli esponenti più in vista a livello internazionale.
L’anno dopo Le Maison romane, Litrico per la moda maschile e Valentino perquella femminile, riscuotono un successo enorme sfilando insieme in giro per il mondo. Nel 1960 Litrico aveva firmato uno storico accordo con l’azienda toscana Lebole, che dava il via
al primo contratto di prêt-à-porter maschile della storia, un passaggio storico che avvicinava per la prima volta un sarto d’alta moda all’industria della confezione, portando i modelli Litrico su scala industriale.
Lo chiamarono il “contratto della doppia “L” – Litrico /Lebole”. Litrico sarà anche la prima Maison italiana a firmare un contratto di “Licenza di Marchio” con il Giappone, con l’azienda nipponica “Toyo Rayon”, nel 1964. Chiaramente, dopo una serie così importante di successi, inizia ad essere definito “il Dior della moda maschile europea”. Angelo Litrico viene nominato dalla Presidenza della Repubblica italiana: Cavaliere del lavoro nel ’62, Ufficiale nel ’65, Commendatore nel ’68 e Grande Ufficiale nel ’72. Tra i personaggi
più importanti possiamo trovare poi Christian Barnard, il mitico cardiochirurgo sudafricano primo al mondo ad effettuare un trapianto di cuore, atterra a Roma, ha due richieste: incontrare Angelo Litrico e Gina Lollobrigida. Il medico avrebbe dovuto incontrare il papa due giorni dopo, ed Angelo Litrico gli confeziona gli abiti in una sola notte. Nel 2004 l’azienda passa al timone di Luca Litrico, figlio primogenito di Franco, fratello più giovane di Angelo, che a sua volta aveva preso il timone nel 1986 alla morte del fratello Angelo.
Luca decide di puntare tutto sul “su misura” esclusivo e ricercato,portando il brand a domicilio in tutto il mondo. L’ArchivioStorico Sartoria Litrico, che racchiude il lavoro di tutta la vitadi Angelo Litrico, viene riconosciuto, dal Ministero della Cultura Italiano, di Interesse Storico Nazionale particolarmente importante, e diventa a tutti gli effetti un “Bene Culturale” nel 2008. Migliaia di articoli di rassegna stampa, migliaia di fotografie di viaggi di lavoro, testimonianze storiche importanti della nascita del Made in Italy, foto di personaggi VIP con dedica, decine di premi ed onorificenze, lettere di corrispondenza con Capi di Stato ed esponenti della finanza, Case Reali, anche Papi, Astronauti, Attori e personaggi del Mondo dello Sport, mobili ed arredi originali. Dopo tanto sforzo e sacrifici, Luca riesce a riportare la sede della sartoria Litrico a Roma, nel quartiere Pinciano-Parioli, così da preservare l’idea originaria e il legame che Angelo, ha sempre avuto con la capitale. Che dire, più che una Sartoria, è una Leggenda!
“Per gentile concessione dell’Archivio Sartoria Litrico © – Tutti i diritti riservati sono di SARTORIA LITRICO ®”.

Sito: www.sartorialitrico.it
Sartoria Litrico
Via Michele Mercati, 35
00197 Roma
T. & WhatsApp: +39 06 88923619

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Cristóbal Balenciaga | Shoes from Spain Tribute

DailyMood.it — Fri, 21 Feb 2025 14:34:58 +0000

La prima esposizione monografica omaggio a Cristóbal Balenciaga in Italia.
Una mostra che ne vuole mettere in luce la contemporaneità attraverso un dialogo creativo con il mondo della calzatura spagnola. MICAM e Milano Moda Donna di febbraio 2025 come occasioni per celebrare i 130 anni dalla nascita del grande couturier spagnolo.

21 febbraio – 2 marzo 2025
Palazzo Morando, Milano

“Un couturier deve essere un architetto per la forma, un pittore per il colore, un musicista per l’armonia e un filosofo per la misura”. Nelle parole dello stesso Cristóbal Balenciaga troviamo l’essenza della sua creatività e di quella che a ragione si può definire arte. Arte del costruire un abito, combinando tutti questi elementi. Un’arte che ha permesso alla creatività di Balenciaga di essere un punto di riferimento senza tempo. Un’ispirazione continua.

Da un dialogo tra il DNA di Cristóbal Balenciaga e la creatività contemporanea del settore calzaturiero spagnolo è nato nella mente e nella volontà di Javier Echeverría Sola il progetto della mostra milanese “CRISTÓBAL BALENCIAGA | Shoes from Spain Tribute”, della quale è organizzatore e curatore.

Il progetto è promosso dalla Federazione delle Industrie Calzaturiere Spagnole (FICE) e, in particolare, dalla sua presidentessa Rosana Perán, che è anche presidentessa della Confederazione Europea delle Calzature (CEC) e vicepresidentessa del gruppo Pikolinos.

“Questa mostra è un dialogo tra i valori di creatività, qualità, eccellenza, know-how e innovazione che definivano gli atelier di Haute Couture del maestro Cristóbal Balenciaga. Valori che sono vivi ancora oggi nell’artigianalità delle nostre aziende calzaturiere – come ci piace dire, viaggiando dalla tradizione all’innovazione,” dichiara Rosana Perán.

Allestita da Elisa Ossino Studio, all’interno di Palazzo Morando in via Sant’Andrea a Milano, occupa sia la grande area del piano terra dedicata alle esposizioni temporanee sia il prezioso Salottino dorato al primo piano dal delicato pavimento ad affresco, dove viene svelato l’ultimo abito di Balenciaga della mostra.

Cristóbal Balenciaga è noto per il suo approccio rivoluzionario alla silhouette femminile. Partendo proprio da questo presupposto, FICE ha pensato di creare un percorso espositivo che unisse in dialogo due realtà dal DNA spagnolo – il mito del grande couturier e i più brillanti esponenti dell’industria calzaturiera spagnola di oggi. La mostra vuole essere dunque il ponte per presentare a Milano, prestigiosa capitale mondiale della moda nonché simbolo del Made in Italy, la tradizione di Marca España.

Venticinque sono i modelli di Cristóbal Balenciaga proposti, in esposizione inedita, provenienti da collezioni museali e private. A questi sono abbinate una serie di calzature, realizzate da altrettanti marchi spagnoli, attentamente selezionate da una giuria di professionisti italiani e spagnoli. In questo contesto, esemplare è inoltre il materiale d’archivio, che comprende giornali e fotografie risalenti ai decenni di attività del couturier.

I capi giungono dai Musei Cristóbal Balenciaga di Getaria, del Traje di Madrid, del Disseny di Barcelona e dalle Collezioni Sonsoles Diez de Rivera y de Icaza, Antoni de Montpalau, Alventosa-Talamantes, Teresa Berganza, e Swarovski Heritage Collection. Hanno contribuito all’esposizione anche due collezioni private specializzate in documenti di moda, la Collezione Tere Garasa e la Collezione López-Trabado.

Le calzature, realizzate esclusivamente per quest’evento, sono state prodotte dalle seguenti venticinque aziende spagnole: Alhamas, Alohas, Casteller, Chie Mihara, Creaciones S. W., De Flores Y Floreros, Flabelus, Gaimo, Hispanitas, Kanna, Lottusse, Magnanni, Magrit, Martinelli, Mascaró, Pedro Garcia, Pedro Miralles, Pertini, Pikolinos, Pitillos, Pons Quintana, Pretty Ballerinas, Ras, Ria Menorca e Zinda.

Il percorso espositivo, progettato da Elisa Ossino Studio, coinvolge il visitatore alla scoperta del mito Cristóbal Balenciaga. “Scale, basamenti, specchi e tendaggi mettono in evidenza le linee, le pieghe e i volumi degli abiti di Cristóbal Balenciaga, enfatizzandone l’aspetto architettonico. L’obiettivo dell’allestimento è esplorare i diversi aspetti della visione di Balenciaga: la tensione tra struttura e morbidezza, l’uso audace delle forme geometriche, l’equilibrio tra tradizione e innovazione che vengono narrati tramite elementi semplici dal significato simbolico,” dichiara Elisa Ossino.

La mostra, suddivisa in otto aree tra il piano terreno e il Salottino dorato al piano superiore, vede narrare gli abiti come opere d’arte trattandoli come sculture senza tempo. L’allestimento, che si sviluppa in stanze o scatole monocromatiche, prende ispirazione dai codici di Cristóbal Balenciaga: il bianco-burro del suo atelier parigino e il nero profondo che esalta l’architettura delle sue opere.

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Giorgio Armani festeggia vent’anni di Privè, la sua alta moda a Parigi

Elena Parmegiani — Wed, 12 Feb 2025 08:36:26 +0000

“Lumierès”, la luce, è questo il titolo della nuova collezione Armani Privè, proposte di alta moda che incantano gli ospiti durante la Paris Fashion Week. La luce è la protagonista indiscussa dell’ultima fatica di Giorgio Armani, un elemento che “viaggia a una velocità tutta sua, attraversando epoche e pensieri, luoghi e fantasie” dichiara il designer. Lo show segna il ventennale di Armani nel mondo dell’haute couture e per l’occasione si aprono per la prima volta le porte della nuova sede, il quartier generale di duemila metri quadrati, ribattezzato il Palazzo Armani, al numero 21 di rue François I, un edificio ottocentesco a pochi passi da Avenue Montaigne e da Champs Eliseè. “Questa sfilata coincide con i vent’anni del Privè, ma non vuole essere una retrospettiva o una celebrazione.” – chiosa Armani- “E’, invece, una nuova affermazione di tutto quello che l’Alta Moda significa per me, ossia la possibilità di liberare la fantasia pensando a una clientela vera, autentica, che ricerca e indossa queste creazioni. Catturare la luce sulle superficie degli abiti è stata la meravigliosa sfida di una collezione dall’allure lunare, ricca ma con un tocco leggero che per me è sempre essenziale”. All’esclusiva presentazione della collezione Primavera/Estate 2025-2026 accorrono numerose celebrities, prima fra tutte Demi Moore, recente vincitrice degli Oscar 2025 per la pellicola The Substance, ma anche Jessica Biel, Laeticia Casta, Valeria Golino e Alba Rohrwacher. Avvolta da tessuti cangianti la donna Armani, perfettamente conscia della sua allure, incanta chi la osserva grazie ai colori della Cina ed alle cascate di cristalli. Lanciata dal designer nel gennaio 2005, all’età di settant’anni, il viaggio dell’alta moda di Armani, forte della sua grande esperienza nella couture, mette in luce la linea che è l’espressione più alta della visione creativa di Re Giorgio, un connubio perfetto tra linee essenziali, lavorazioni pregiate ed una manualità impeccabile. Ed è un tripudio di stile e raffinatezza tra giacche kimono e pantaloni chiffon di suggestione orientale, abiti da sera dalla silhouette perfetta scolpiti in cristalli. Il lessico Privè si è sviluppato ed impreziosito e, forte della sua maturità, è uscito fuori dal recinto del pret-à-porter ed ha raggiunto l’apice del suo fascino grazie alla fantasia e alla libertà creativa. L’alta moda, afferma Armani, ha permesso allo stilista di entrare in un mondo di fantasia e sperimentazioni affascinanti, di esprimere il senso della sua eleganza attraverso il savouir faire pur mantenendo quella misura che da sempre fa parte del suo stile, regole e libertà. Rigore e fantasia come l’essenza dell’haute couture. Per Re Giorgio la sfilata è, come sempre, standing ovation. “L’Alta Moda è insieme un sogno e un servizio – dichiara Armani– “Non si tratta di abiti pensati per foto bellissime e di editoriali memorabili, ma di creazioni rivolte a una clientela vera, dalla vita certamente privilegiata, le cui occasioni e impegni richiedono un particolare modo di vestire. Sono donne di successo, dalla finanza allo spettacolo, all’aristocrazia; provenienti da ogni parte del mondo e di ogni età, incluse le figlie di nostre clienti storiche”. Sono ben novantaquattro uscite mozzafiato in cui i colori della Cina, i paesaggi della Polinesia diventano stampe e ricami di acquerellata delicatezza, l’opulenza dell’India, l’eleganza lineare del Giappone, il decoro del nord dell’Africa rendono sublimi le creazioni: in modo sempre impalpabile, appena percettibile. Come una pennellata di luce. Un glamour lunare e prezioso in cui si può incedere con sicurezza, persino con scarpe rasoterra, ed essere al contempo affascinanti.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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