arte – Daily Mood

Tornano i sentieri danzanti di Rami d’Ora nel mood della natura

T. Chiochia Cristina — Tue, 30 Jun 2026 07:30:04 +0000

Anche questa nuova stagione estiva si apre nel mood della natura. Sempre più richieste con itinerari ed escursioni, sempre più performance teatrali musicali ed artistiche che evocano assaggi di solstizio (è stato il caso dell’evento musicale pianistico de “la pastorale” in OasiCàGranda a Milano) e nuovamente in lombardia torna quest’anno I Rami d’Ora. Tornano i sentiri danzanti giunti alla sesta edizione tra boschi e arti performative. Iniziato il 30 Maggio e fino al 22 di Agosto, tra sondrio e la sua provincia, Rami d’ORA, rassegna di arti performative in natura promossa dal collettivo Laagam, vuole essere un invito a sperare in una rigenerazione vera. Pura di rinascita.
Erica Meucci, che ne è la direttrice artistica insieme a Francesca Siracusa ha specificato in conerenza stampa: “Il tema di questa edizione, dorsale (dal latino dorsum, “schiena”), si ispira alla linea immaginaria che unisce i punti più alti di una catena montuosa, indicando al contempo la cresta di un monte e la sua somiglianza alla schiena di un animale. Dedichiamo la sesta edizione a questi punti alti, esposti alle intemperie, elogiandone la solitudine, la bellezza e forse la fragilità in cui ci rispecchiamo quest’anno”. Il senso profondo del mood della natura tra danza e musica. Dove abitare gli spazi significa anche non profanarli, come una sorta di viaggio errante, un pellegrinaggio che di volta in volta vede la montagna protagonista addirittura con performance in quota. Come recita il comunicato stampa ed il sito dell’evento :” novità dell’edizione 2026 della rassegna Rami d’ORA, Sentieri danzanti propone 4 escursioni con performance adatte dagli 8 anni in su, condotte dalla guida Giorgio Tanzi del Parco delle Orobie valtellinesi.
Si inizia l’11 luglio con l’escursione pomeridiana a Il Rifugino, Ponte in Valtellina (1.860 mt) dove attendere il tramonto accompagnati dal duo di danza e tromba Ettore di Carmine Dipace e Sofia Weck; segue cena al rifugio e rientro alla luce delle torce”.
Ma non solo. E se il guiorno 8 di agosto la meta sarà il Monte Padrio (2.150 mt), il mood del naturale offre sempre di più scenari incontaminati e suggestivi per tutta la famiglia. A partire dai panorami “col meraviglioso panorama sulla Valtellina, Valposchiavo e Val Camonica e, in condizioni climatiche ideali, sino al Monte Rosa da un lato e le Dolomiti dall’altra. Qui performance al tramonto L’incanto del fuoco di Selene Tognoli; segue cena al sacco e rientro in serata.
Mercoledì 12 agosto meta i Laghi di Torena (2.050 mt) con pranzo al sacco e la performance Storia di un Ruscello di Erica Meucci ispirata ai corsi d’acqua.
Ultima escursione sabato 22 agosto alla Motta di Olano, Valgerola (1.702 mt) con pranzo al rifugio e performance pomeridiana Radici intrecciate di Zuzana Marletta.
Insomma: che si tratti di bambini o over o adulti ecco che la danza si offre come contenuto inedito della natura che diventa un vero e proprio mood, da cui attingere e che può essere apprezzata come idea ovvero come radicamento o relax, a piacere. Un mood quello della natura che evoca piaceri semplici e scenari unici per una estate calda e purtroppo non serena, profanata dai cambiamenti climatici e dagli scenari di guerra e una vita sempre più entropica.di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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MAGMA presenta ENDLESS SUMMER seconda edizione 16 maggio – 1 luglio 2026 Magazzino del Sale

DailyMood.it — Mon, 11 May 2026 09:02:55 +0000

Dal 16 maggio al 1 luglio 2026, il Magazzino del Sale di Cervia accoglie la seconda edizione di ENDLESS SUMMER, ciclo espositivo triennale (2025-2027) ideato da MAGMA APS. Prendendo in analisi l’idea utopica di un’estate senza fine come dispositivo evocativo e narrativo, il progetto nasce dalla volontà di sperimentare nuove forme di cooperazione legate alle singole pratiche curatoriali, immaginando la mostra come una jam session in cui ogni specificità critico-autoriale venga valorizzata senza agonismi e competizione.

ENDLESS SUMMER si configura dunque come un’esperienza condivisa e costruita sul confronto. Nel corso dei tre anni del progetto, un gruppo di curatrici e curatori appartenenti a generazioni diverse — ciascuno con le proprie sensibilità e linee di ricerca — invita artiste e artisti visivi, emergenti e affermati, attivi sulla scena italiana e internazionale, a interrogarsi sull’estate come possibile suggestione poetica. Una stagione in cui il tempo sembra distendersi, la luce ridefinisce ritmi e spazi, e nuove percezioni, visioni e desideri prendono forma dinamicamente.

Il progetto si muove all’interno di questa dimensione sospesa, evocata più come stato mentale che come semplice fenomeno climatico: l’estate diventa così una soglia percettiva in cui l’intensità dell’esperienza si intreccia alla sua stessa transitorietà, e la vitalità del presente si accompagna già alla malinconia per la fine inesorabile della stagione.

Il titolo del progetto è tratto da un documentario sul surf realizzato negli anni Sessanta da Bruce Brown, in cui il regista segue un gruppo di surfisti in viaggio tra i due emisferi alla ricerca di un’estate perpetua. ENDLESS SUMMER ne raccoglie il paradosso, richiamando l’immagine di una stagione perpetua: un ideale irraggiungibile, una dimensione quasi utopica.

Le opere scelte dalle curatrici e dai curatori – che spaziano dalla pittura al video, dalla scultura alla fotografia fino alla performance – entrano in relazione tra loro secondo libere dinamiche di accostamento e risonanza. Ne scaturisce uno spazio di confronto vivo e organico, sviluppato in un clima di reciproca fiducia fra gli artisti coinvolti e i curatori che collaborano al progetto.

Al termine del triennio espositivo, verrà realizzata una pubblicazione che raccoglierà tutte le opere presentate nel corso delle edizioni, documentando i diversi approcci a tema e le traiettorie curatoriali emerse.

Questo ciclo tematico è concepito da MAGMA specificamente per Cervia e realizzato con il contributo del Comune, con l’intento di radicare sul territorio l’interesse per l’arte contemporanea e contribuire alla valorizzazione di alcune specificità culturali, sociali e antropologiche della comunità che ne ospita i risultati. La scelta del tema nasce infatti anche dalla volontà di valorizzare il forte legame della città con la stagione estiva, un innesco poetico ancora capace di generare immaginari sorprendenti.

ENDLESS SUMMER è un invito a vivere la mostra come si vive l’estate: con la consapevolezza di un’intensità piena e presente, destinata però a dissolversi.

Dopo il successo dell’edizione 2025, per l’edizione 2026, la direzione artistica di MAGMA è affidata a Gioele Melandri e Alex Montanaro.

La selezione delle curatrici e dei curatori si basa anche quest’anno sull’idea di dare voce sia a chi opera all’interno di musei, gallerie e istituzioni culturali, sia a chi anima progetti indipendenti e no profit. In questa prospettiva, e con uno spirito di coinvolgimento e collaborazione in continuo aggiornamento, sono stati invitati a partecipare alcuni project spaces attivi sul territorio nazionale, tra cui: Gelateria Sogni di Ghiaccio (Bologna), Fertile (Brescia) e Toast Project (Firenze). Sono inoltre coinvolti le curatrici e i curatori Viola Emaldi, Antonio Grulli, Milovan Farronato, Cornelia Mattiacci, Saverio Verini.

Artiste e artisti: Riccardo Baruzzi, Sergio Breviario, Stefania Carlotti, Anna Capolupo, Martina Cassatella, Maurizio Cattelan, Paolo Chiasera, Cuoghi Corsello, Sabine Delafon, Gabriele Ermini, Joana Escoval, Massimiliano Fabbri, Flavio Favelli, Luca Federico Ferrero, Francesco Gennari, Luigi Ghirri, Nan Goldin, Alessandra Giovannoni, Guido Guidi, Lin Hóng Jìng, Lucia Leuci, Goshka Macuga, Andrea Magnani, Tess Mallavergne, Davide Mancini Zanchi, Eleonora Mariani, Eva Marisaldi, Rachele Maistrello, Matisse Mesnil, Jimmy Milani, Mattia Moreni, Chiara Peruch, Alessandro Piangiamore, Paola Pivi, Luca Poncetta, Giulia Poppi, Laure Prouvost, Riccardo Previdi, Marinella Senatore, Vincenzo Simone, Roberta Silva, Tommaso Silvestroni & Mihály Mór Kovács, Michele Tocca, Gloria Tomasini, Vinicius Jayme Vallorani, Giuditta Vettese, Francesco Vezzoli, Venerdisabato, Andy Warhol, Giovanni Wetzl, Shafei Xia.

ENDLESS SUMMER è realizzata grazie al contributo del Comune di Cervia.

Ingresso gratuito

Per maggiori informazioni:

Instagram: @magma_it

https://www.instagram.com/magma_it

Facebook: @MAGMAitalia

https://facebook.com/MAGMAitalia

www.magma.zone

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Hokusai a Roma: quando l’arte diventa moda e il kimono racconta il corpo

Elena Parmegiani — Tue, 28 Apr 2026 07:33:49 +0000

C’è una linea sottile, e oggi più che mai attuale, che unisce arte, moda e vita quotidiana. Non è una linea retta, ma una trama, fatta di superfici, gesti e simboli. È proprio questa trama che la mostra dedicata a Katsushika Hokusai, ospitata nelle sale di Palazzo Bonaparte a Roma, visitabile fino al 29 giugno 2026, restituisce con straordinaria lucidità. Non una semplice retrospettiva, ma un dispositivo culturale complesso: accanto alle celebri stampe, il percorso si apre a oltre centottanta oggetti — lacche, armature, strumenti musicali e soprattutto kimono, componendo un racconto che dissolve la distinzione occidentale tra arte “alta” e arti applicate. Accanto ai capolavori di Hokusai, come Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, la celeberrima La Grande Onda di Kanagawa, le Trentasei Vedute del Monte Fuji fino ai sorprendenti Manga, gli straordinari album di disegni che hanno consegnato alla storia uno dei termini più noti della cultura visiva contemporanea l’esposizione presenta anche un insieme di oltre 180 pezzi tra libri rarissimi e preziosi oggetti giapponesi, tra cui laccature, smalti cloisonné, accessori da viaggio, armature, elmi e spade, oltre a strumenti musicali tradizionali. I costumi (kimono, giacche haori e fasce obi) accompagnano visivamente la visita, creando un dialogo continuo tra arte, vita quotidiana e spiritualità della cultura giapponese. Qui tutto è linguaggio, tutto è progetto. E, soprattutto, tutto è moda. Per comprendere davvero la portata di questa mostra, bisogna partire dal concetto di ukiyo-e, letteralmente “immagini del mondo fluttuante”. Un’espressione che definisce non solo un genere artistico, ma un’intera visione del vivere urbano nel Giappone del Periodo Edo. Un mondo fatto di piacere, spettacolo, consumo visivo — e quindi, inevitabilmente, di stile. Le stampe di Hokusai, inclusa l’iconica La grande onda di Kanagawa, non erano opere destinate a una contemplazione museale, ma oggetti accessibili, riproducibili, parte integrante della cultura popolare. In questo senso, funzionavano come veri e propri media di diffusione estetica, analoghi alle riviste di moda contemporanee. Secondo il Metropolitan Museum of Art, le immagini ukiyo-e contribuivano attivamente alla circolazione di modelli di bellezza, abbigliamento e comportamento, influenzando il gusto collettivo su larga scala. È nel dialogo tra queste immagini e i kimono esposti che la mostra trova il suo punto di massima tensione visiva. Perché il kimono non è semplicemente un abito: è una forma di scrittura. Le sue origini risalgono al Periodo Heian, quando l’élite aristocratica sviluppò un sistema sofisticato di stratificazione tessile, in cui colori e combinazioni indicavano rango, stagione e sensibilità estetica. Ma è nel periodo Edo che il kimono si democratizza e si trasforma in superficie narrativa. I tessuti si popolano di motivi simbolici — onde, rami di ciliegio, gru, paesaggi — molti dei quali trovano un parallelo diretto nelle stampe di Hokusai. Non si tratta di una semplice coincidenza stilistica, ma di una vera e propria convergenza visiva: lo stesso immaginario attraversa arte e abito, costruendo un’estetica condivisa. Il Victoria and Albert Museum sottolinea come il kimono rappresenti uno dei primi esempi di design modulare: tagliato da pezzi rettangolari di tessuto, riduce al minimo lo spreco e privilegia la continuità della superficie. Un principio che oggi risuona con forza nelle pratiche di moda sostenibile. Se la moda occidentale ha storicamente costruito il corpo attraverso costrizione e modellamento — busti, corsetti, tagli aderenti — il kimono propone una visione radicalmente diversa: non impone una forma, ma la accompagna. Questa caratteristica ha esercitato un’influenza profonda sul design contemporaneo. Designer come Issey Miyake hanno trasformato il principio del kimono in ricerca tecnologica e tessile, mentre Rei Kawakubo ha decostruito l’idea stessa di silhouette, portando in passerella volumi che sfidano la logica occidentale del corpo ideale. Anche in Europa, il fascino del Giappone ha lasciato tracce profonde: da Yves Saint Laurent, che negli Anni Settanta reinterpretò l’Oriente in chiave couture, fino alle sperimentazioni concettuali di Maison Margiela. Quello che emerge è un dato chiaro: il kimono non è solo un capo, ma un’idea di moda come spazio di libertà. Uno degli aspetti più sofisticati della mostra è la sua capacità di restituire una verità spesso dimenticata: nella cultura giapponese premoderna, arte e vita non sono mai state separate. Le lacche, le armature, gli oggetti d’uso quotidiano condividono con le stampe e i kimono lo stesso livello di attenzione estetica. Tutto è progettato, tutto è significativo. Questo approccio anticipa molte delle riflessioni contemporanee sulla moda come sistema culturale. Non più semplice industria dell’effimero, ma campo di ricerca che intreccia artigianato, sostenibilità e identità. In un momento storico in cui il sistema moda è attraversato da una profonda trasformazione — tra crisi ambientale e ridefinizione dei modelli produttivi — la lezione di Hokusai e del kimono appare sorprendentemente attuale. Secondo dati dell’European Environment Agency, il settore tessile è tra i più impattanti in termini di consumo di risorse e produzione di rifiuti. In questo scenario, il kimono — con la sua costruzione essenziale, la durabilità e la capacità di essere tramandato — rappresenta un modello alternativo. Un’idea di lusso che non coincide con l’accumulo, ma con la durata. Non con la velocità, ma con la qualità del tempo. Visitare questa mostra significa, in fondo, interrogarsi su cosa significhi oggi “vestire”. Non solo coprire il corpo, ma raccontarlo. Non solo seguire una tendenza, ma partecipare a un sistema di significati. Hokusai, con il suo sguardo capace di attraversare natura e cultura, e il kimono, con la sua struttura essenziale e poetica, ci ricordano che la moda, quando è davvero tale, non è mai superficiale. È, piuttosto, una forma di conoscenza. E forse è proprio questa la sua espressione più radicale di glamour.

Photo Courtesy of Press Office

di Elena Parmegiani per DailyMoodit

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Arriva a Bergamo “Religiosi Sconfini”, la mostra di Steven Cavagna dal 17 al 26 aprile

DailyMood.it — Fri, 17 Apr 2026 09:29:06 +0000

“Religiosi sconfini” per rappresentare ciò che unisce e non ciò che divide, in una visione di spiritualità universale che pervade i sentimenti di tutta l’umanità.
Un percorso ispirato dai sentimenti di chi non vuole arrendersi di fronte alle tragedie indotte dai confini e dalle divisioni”.
Con questa mostra la ricerca è di esplorare la spiritualità al di fuori dei confini religiosi tradizionali e permettere di ricercare un significato
interiore.”
Steven C.

Dal 17 al 26 aprile Bergamo ospita la mostra “Religiosi Sconfini”, dell’artista bergamasco Steven Cavagna, allestita presso MOSS district (via Giorgio Paglia 31E).

La mostra propone un percorso che indaga una spiritualità universale, al di là dei confini religiosi tradizionali, invitando il visitatore a una riflessione sui temi dell’unione e dell’umanità condivisa.

Originario di Osio Sopra e attivo prevalentemente sul territorio bergamasco, Steven Cavagna è un artista e creativo poliedrico – tra arte, design e urban art – autore di numerosi progetti che hanno contribuito a ridisegnare spazi della città e non solo, con lavori anche in Italia e in Europa .

L’inaugurazione è in programma sabato 18 aprile alle ore 18:30.

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Angelino Artworks & Fidia al Fuorisalone 2026 presentano Still 1492 | Never Ending Story con il sostegno della Galleria Robertaebasta

DailyMood.it — Thu, 16 Apr 2026 09:23:52 +0000

In occasione del Fuorisalone Milano 2026, la Galleria Robertaebasta ospiterà l’opera d’arte Still 1492 | Never Ending Story in qualità di sede istituzionale del progetto, accogliendo Angelino Artworks, l’artista internazionale Fidia e i prestigiosi partner coinvolti. La Galleria diventa così centro nevralgico di relazioni, incontri e approfondimenti durante tutta la settimana, in dialogo con la collocazione espositiva dell’installazione in altra sede.

Il totem monumentale, realizzato da Angelino Artworks in collaborazione con Fidia, è un’opera di forte impatto simbolico, che unisce ricerca artistica, impegno civile e qualità realizzativa. La struttura stratificata di “blocchi” narrativi racconta la trasformazione dei valori nel tempo e amplia al contempo la riflessione già avviata da Fidia nel 2017: i nuovi elementi introdotti denunciano esplicitamente la violazione dei diritti dei popoli nativi americani, celebrando la ricchezza culturale e spirituale delle loro comunità.

La definizione Never Ending Story sottolinea la continuità di queste dinamiche: appropriazione e marginalizzazione persistono nel presente, trasformando la creazione artistica in metafora di responsabilità collettiva.

Determinanti l’esperienza diretta dell’artista con comunità indigene nordamericane e il dialogo con Ashley Callingbull, attivista e rappresentante delle Cree First Nations, che conferisce all’opera una dimensione autentica e contemporanea. La realizzazione tecnica di Angelino Artworks, valorizzata dall’illuminazione di Rimani, traduce la complessità concettuale in una struttura monumentale di grande precisione e impatto scenografico.

Si ringrazia per il supporto e la collaborazione l’Associazione Commercianti di via dei Fiori Chiari, realtà attiva del distretto di Brera durante il Fuorisalone.

Still 1492 |Never Ending Story è un progetto che supera la dimensione espositiva per farsi gesto culturale: un invito a riflettere su memoria, identità e responsabilità collettiva nel cuore della scena internazionale del design.

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Seguso Vetri d’Arte al Brera Design District 2026

DailyMood.it — Thu, 16 Apr 2026 08:46:02 +0000

Da Robertaebasta un restyling di spazio tra memoria storica e visione contemporanea

Durante la Design Week milanese, nel cuore del Brera Design District Seguso Vetri d’Arte torna negli spazi di Robertaebasta con un progetto espositivo completamente rinnovato: un racconto immersivo che attraversa tempo, materia e luce, mettendo in dialogo archivio storico, ricerca progettuale e sperimentazione artistica contemporanea.

Più che una semplice esposizione, lo spazio diventa una narrazione tridimensionale del sapere muranese. Ogni elemento riflette la continuità tra tradizione e innovazione, ponendo al centro il Poliesaedro — storico elemento del linguaggio Seguso e reinterpretazione del Poliedro — una forma geometrica capace di attraversare epoche e linguaggi. Sviluppato dalla Seguso Vetri d’Arte come soluzione modulare negli anni in cui alcuni tra i più importanti protagonisti del design e dell’architettura italiana, tra cui Angelo Mangiarotti, i Fratelli Tosi, Flavio Poli e Carlo Scarpa sviluppavano altre forme con lo stesso concetto di modularità. Il Poliesaedro testimonia la continuità della ricerca dell’azienda tra memoria e sperimentazione. Il nome deriva dalla sua struttura a sei lati, che reinterpreta in chiave contemporanea la tradizione muranese, incarnando il DNA artigianale veneziano e l’evoluzione costante del linguaggio del vetro.

Il percorso espositivo si sviluppa come una sequenza di visioni luminose:

Skyline
Un lampadario orizzontale che disegna nello spazio un paesaggio sospeso, evocando il profilo di Venezia riflesso sull’acqua. La composizione nasce dall’unione modulare di poliedri in vetro ambra e fumé specchiato. La luce non è diretta ma meditata: sorgenti LED orientate verso l’interno si riflettono sulla struttura metallica, generando un’illuminazione morbida e atmosferica, più percepita che vista.

Lampada da tavolo Poliedro
Ridotto alla scala domestica, il modulo diventa oggetto scultoreo. La lampada interpreta il singolo Poliedro in quattro varianti cromatiche valorizzandone la purezza geometrica e la versatilità compositiva, tra design e presenza artistica.

Arpa Rezzonica
Tradizione e ricerca cromatica si incontrano in un lampadario Rezzonico reinterpretato in una intensa tonalità prugna con dettagli oro. Il progetto testimonia una raffinata indagine sul colore, recuperando lavorazioni tradizionali oggi rare e aprendo a livelli di personalizzazione estremamente elevati. Un approccio affine alla storica collaborazione con Tiffany, dove la definizione della tonalità diventava parte integrante del processo creativo, confermando la vocazione internazionale della manifattura.

Accanto alla dimensione progettuale, Seguso Vetri d’Arte introduce anche un intervento artistico site-specific che amplia la riflessione sul tempo e sulla materia.

Ri-esistenza — installazione esterna
(1,5 × 1,5 × h 2 m circa)
Un’architettura composta da cotisso (cocciame), ed elementi di vetro per costruire una texture narrativa dedicata al riuso e alla trasformazione. Frammenti di storie e lavorazioni passate trovano nuova forma, suggerendo che la materia non termina il proprio ciclo ma si rigenera continuamente. L’opera diventa così metafora della bellezza come processo permanente: nulla scompare, tutto si trasforma.

Durante la Design Week, lo spazio di Robertaebasta si arricchirà inoltre di ulteriori novità e interventi espositivi, creando un dialogo dinamico tra pezzi storici e nuove visioni progettuali.

Un invito a perdersi tra superfici luminose e volumi trasparenti, dove la storia del vetro muranese incontra le sperimentazioni contemporanee. Seguso Vetri d’Arte trasforma così la materia in esperienza sensoriale, confermando il design come linguaggio capace di raccontare tempo, memoria e visione futura.

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ROSETO E JARVÉS alla Milano Design Week 2026

DailyMood.it — Thu, 16 Apr 2026 07:46:28 +0000

In occasione della Milano Design Week, Roseto e Jarvés presentano la mostra collettiva “Optical Art, Vasarely e dintorni” a cura di Milo Goj e ospitata presso lo Spazio Roseto in Corso Garibaldi 95 a Milano.

Lo Spazio Roseto accende nuovamente i riflettori, rinnovando la propria vocazione per l’arte per offrire al pubblico un’esperienza sensoriale unica, immergendo il visitatore nel mondo dell’Optical Art. Protagonista Victor Vasarely, riconosciuto come il padre fondatore dell’Op Art, le cui opere si distinguono per l’uso di forme geometriche, contrasti cromatici e illusioni visive capaci di generare movimento e tridimensionalità.

Il vernissage presenterà una selezione di lavori, tra cui quattro opere di Vasarely, in un percorso espositivo che mette in relazione percezione, ritmo e profondità. La mostra, curata da Milo Goj con Art Relation, sarà aperta al pubblico dal 20 aprile al 10 maggio 2026.

L’opening, aperto anche alla stampa, si terrà lunedì 20 aprile a partire dalle ore 19.00. Durante la serata del 20 aprile verrà svelata in anteprima la nuova residenza Campiglio PLAZA, realizzazione immobiliare di prestigio che entrerà nel portfolio di Roseto Experience, attraverso Inside Campiglio Plaza- Sensory Preview ovvero un’anteprima sensoriale che coinvolgerà i visitatori attraverso stimoli visivi 3D, tattili, sonori e degustativi.

Roseto e Jarvés Luxury Real Estate, società specializzate nel comparto immobiliare di pregio, consolidano così il proprio impegno nel creare un ponte tra arte, design e architettura, dando vita a un dialogo armonico tra le diverse forme di espressione.

Un ringraziamento speciale ai partner dell’evento: Flou, Prima BZ, Gruppo Meregalli, Bollinger, Bang & Olufsen Milano Flagship Store e Casa Rosina.

Per partecipare gratuitamente, registrarsi al seguente link

https://www.eventbrite.it/e/1986196092981?aff=oddtdtcreator

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Malloni x BFF -Biennale di Fotografia Femminile: Sostenere lo sguardo che crea futuro

DailyMood.it — Fri, 03 Apr 2026 08:43:05 +0000

La moda non è solo stile, ma un linguaggio capace di interpretare il presente e immaginare nuove prospettive. È proprio da questa consapevolezza che nasce la collaborazione tra Malloni e la Biennale di Fotografia Femminile (BFF), un incontro naturale tra due realtà che condividono lo stesso desiderio: dare valore allo sguardo delle donne e alla loro capacità di raccontare il mondo.
Per Malloni, sostenere la cultura significa scegliere progetti che abbiano un impatto reale, capaci di generare connessioni e nuove possibilità. La BFF incarna perfettamente questa visione. Non è semplicemente una mostra fotografica, ma un vero e proprio ecosistema culturale in cui talenti, idee e prospettive si incontrano. Qui, le fotografe trovano non solo visibilità, ma anche opportunità concrete per affermarsi in un settore che ancora oggi presenta importanti squilibri di genere.
Al centro di questa collaborazione prende forma anche un mini-documentario dedicato ad Alessia Locatelli, direttrice artistica della Biennale. Attraverso il suo racconto emerge una concezione della curatela come atto di visione e responsabilità, capace di trasformare la fotografia in uno strumento di empowerment e di dialogo tra arte e società. Il suo sguardo restituisce l’essenza più profonda della BFF: uno spazio vivo, in continua evoluzione, dove ogni immagine diventa occasione di confronto e crescita.
La Biennale è resa possibile anche grazie al contributo di figure chiave come Anna Volpi, presidentessa dell’Associazione La Pappessa, e Nathália Bariani, project manager e fundraiser. Il loro lavoro rafforza la dimensione collettiva del progetto, trasformando idee e visioni in iniziative concrete e accessibili, capaci di costruire una comunità attiva e inclusiva.
In questo contesto, Malloni sceglie di inserirsi con discrezione e coerenza, contribuendo alla realizzazione dei look per il vernissage e sostenendo la produzione di contenuti dedicati alla narrazione della femminilità in tutte le sue sfumature. Per il brand, infatti, l’eleganza non è solo una questione estetica, ma anche una forma di responsabilità: quella di dare spazio a nuove voci e nuove storie.
Questa collaborazione rappresenta l’inizio di un percorso condiviso, un dialogo tra moda e arte destinato a crescere nel tempo. Un impegno concreto per ampliare gli spazi di espressione e contribuire alla costruzione di una cultura più inclusiva, consapevole e rappresentativa.
Malloni x BFF è l’incontro tra estetica e visione, tra creatività e cambiamento.

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Un ricordo per sempre: l’arte di incorniciare il tempo

DailyMood.it — Tue, 03 Mar 2026 14:37:23 +0000

In un tempo in cui tutto è veloce, standardizzato e replicabile, l’artigianalità vera è un valore raro. Dal 1976, a Bergamo, Riquadro porta avanti una tradizione che non si limita a produrre cornici, ma costruisce esperienze su misura attorno all’arte e alla memoria.

Il loro atelier non è un semplice punto vendita: è uno spazio in cui materiali, proporzioni e finiture vengono studiati con attenzione quasi sartoriale. Le essenze del legno, la scelta delle tonalità, l’equilibrio tra opera e cornice trasformano ogni intervento in un lavoro personalizzato. Che si tratti di un dipinto importante, di una fotografia di famiglia o di una stampa contemporanea, l’obiettivo resta lo stesso: valorizzare senza sovrastare, proteggere senza invadere.

Riquadro ha saputo evolversi nel tempo mantenendo salda la propria identità. Accanto alla produzione artigianale, lo spazio espositivo dedicato ad artisti e pittori rappresenta oggi un punto di riferimento per chi cerca luoghi autentici in cui presentare il proprio lavoro. Una scelta che dimostra attenzione concreta verso il tessuto culturale locale.

Non solo esposizione: l’azienda propone anche laboratori creativi di disegno e acquarello, pensati per chi desidera sviluppare il proprio talento o semplicemente avvicinarsi a nuove tecniche artistiche. Un modo per trasformare il negozio in un centro attivo di diffusione culturale.

Provando personalmente il servizio, ciò che emerge con chiarezza è la cura. Dalla consulenza iniziale alla scelta della soluzione più adatta per l’incorniciatura, ogni fase è accompagnata da competenza e disponibilità. Non è una vendita veloce, ma un confronto attento.

In un mercato dominato dalla produzione seriale, Riquadro continua a ricordare che il dettaglio fa la differenza. E che anche una cornice può raccontare una storia, se progettata con la giusta sensibilità.

Shop the Collection: https://www.riquadrogroup.it/

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Milano Home 2026: Ljudesign chiude con risultati positivi tra contatti e visibilità nazionale

DailyMood.it — Fri, 20 Feb 2026 14:54:40 +0000

Si è conclusa con un bilancio più che positivo la partecipazione di Ljudesign, laboratorio di ceramica contemporanea fondato dall’artista Liuva Maqueira Gomez, all’edizione 2026 di Milano Home, manifestazione di riferimento per il mondo dell’abitare, del design e dell’artigianato d’autore.

Nel corso dei giorni di fiera, lo stand Ljudesign ha registrato un flusso costante di visitatori qualificati, con un interesse significativo da parte di buyer, operatori del settore, gallerie e professionisti del progetto. Le collezioni presentate – vasi, lampade e oggetti in ceramica sospesi tra arte e funzione – hanno attirato l’attenzione per la forte identità materica e per il linguaggio personale che caratterizza la ricerca dell’artista.

«È stata un’esperienza entusiasmante e molto concreta – dichiara Liuva Maqueira Gomez –. Abbiamo raccolto numeri e contatti oltre le aspettative iniziali. Milano Home si è rivelata una piattaforma efficace per far conoscere il nostro lavoro, avviare dialoghi professionali e aprire prospettive future, mantenendo intatta l’identità della nostra ricerca».

La partecipazione a Milano Home 2026 rappresenta per Ljudesign un passaggio strategico di crescita e visibilità nazionale, confermando la possibilità per un laboratorio radicato in Umbria di dialogare con il mercato e con il sistema del design contemporaneo senza rinunciare a profondità, artigianalità e sperimentazione.

Con questa esperienza, Ljudesign consolida il proprio posizionamento nel panorama dell’artigianato artistico e del design d’autore italiano, rafforzando al contempo il ruolo dell’Umbria come territorio capace di esprimere eccellenze creative riconosciute a livello nazionale.

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Roberto Miglietta DAL FILO AL FERRO: ALCHIMIE SOSTENIBILI Grand Hotel Majestic “già Baglioni”, Bologna A cura di Federico Poletti e Ginevra Miglietta

DailyMood.it — Mon, 02 Feb 2026 10:45:15 +0000

In occasione di ArteFiera, il Grand Hotel Majestic “già Baglioni” di Bologna apre le sue porte a un nuovo capitolo dei percorsi artistici che da anni ne definiscono l’identità culturale. La mostra personale di Roberto Miglietta “Dal filo al ferro. Alchimie sostenibili” pensata appositamente per gli spazi del cinque stelle lusso bolognese, dà vita a un dialogo tra arte contemporanea, ospitalità d’eccellenza e sostenibilità: valori che da sempre caratterizzano la visione culturale dell’hotel. Per questo è stata scelta la personale di Roberto Miglietta, che col suo lavoro di recupero creativo rappresenta e combina nella sua ricerca artistica tutti questi aspetti. Lo stesso artista è stato inoltre coinvolto nella giuria del Premio Sustainability Art “Giorgio Morandi”. Cuore della serata è la presentazione dell’opera vincitrice della terza edizione del Premio Sustainability Art “Giorgio Morandi”, premio istituito dal Grand Hotel Majestic “già Baglioni” e dal Gruppo Duetorrihotels, in collaborazione con Fondazione Morandi e Ape Confedilizia Bologna, con la direzione artistica di BOOMing Contemporary Art Show. L’opera entra a far parte della collezione permanente degli artisti vincitori, esposta lungo la Strada Romana, l’esclusiva gallery interna all’hotel.

La mostra: Roberto Miglietta “Dal filo al ferro. Alchimie sostenibili”

“Dal filo al ferro. Alchimie sostenibili” racconta il percorso di Roberto Miglietta, artista e imprenditore creativo guidato da una profonda passione per il bello, per la manualità e per il valore etico del fare. Forte di oltre trent’anni di esperienza nel mondo del ricamo e della manifattura tessile (in qualità di proprietario e direttore artistico dell’ex Ricamificio Clausura S.r.l.), Miglietta trasforma materiali come fossero stoffa. Lavora con il ferro, l’ottone, il legno, la polvere di caffè, il vetro, il marmo, i tessuti, le rocce. Ma è il legno d’ulivo l’ospite d’onore: ricavato dagli alberi colpiti dall’infezione endemica di Xylella Fastidiosa nel Salento, l’ulivo viene intagliato, dipinto e trasformato in statua, tavolo, scultura, dettaglio di un vestito, corpo dei soggetti raffigurati. Superfici cesellate e altorilievi evocano abiti, corpi e architetture della moda, conservando la memoria dell’artigianato e traducendola in un linguaggio contemporaneo.

Il progetto di Roberto Miglietta nasce dal desiderio di dare una seconda vita alle grandi carcasse d’ulivo, a quel legno ancora vivo di alberi che hanno attraversato secoli. Alla base di ogni dipinto, scultura e tavolo realizzato dall’artista, resiste l’eterno desiderio di ingannare la morte, restituendo alle antiche forme vegetali il loro legittimo posto nel mondo. Lavorare con il legno significa piantare la materia ancora viva sui pannelli e innaffiarla con pittura, polvere di caffè e giochi di luce: dare all’ulivo un’ossatura di ferro, uno scheletro affinché possa mantenersi ancora dritto su se stesso, senza piegarsi allo scadere del tempo.

Miglietta fa dialogare vita e morte, vegetali e minerali, metalli grezzi e polvere, pittura e ombra, cucendo materiali differenti come un rivoluzionario Dr. Frankestein e animando la forma del legno come un familiare Mastro Geppetto.

La mostra – curata da Federico Poletti e Ginevra Miglietta – presenta una serie di lavori che rendono omaggio a grandi stilisti come Abito-Volume.
Un omaggio a Roberto Capucci (2024), Abito-Movimento. Un omaggio a Gianni Calignano (2022), Abito – Struttura. Un omaggio a Gianfranco Ferré (2025) fino a Foulard. Un omaggio a Missoni (2025): tutte opere in cui è protagonista l’abito, realizzato attraverso una combinazione di materiali come ferro, legno d’ulivo e ottone. Una scelta che non è solo formale, ma profondamente concettuale: il recupero creativo diventa pratica concreta e visione sostenibile, trasformando materiali feriti in nuove possibilità espressive. Altro tema centrale nella poetica di Miglietta che si ritrova in questa mostra è la presenza femminile (spesso legata agli affetti familiari) che viene colta in opere come Relax (2025) e Je ne sais pas (2025). Dalla tensione di materiali diversi nascono opere che oscillano tra peso e leggerezza, tra gesto artigianale e costruzione architettonica: «Piego il ferro come un couturier drappeggia il tessuto», spiega l’artista.

Per la prima volta sono inoltre in mostra alcune sculture, tutte a tema musica. Il mondo organico si intreccia con quello industriale e l’armonia tra i materiali diventa simbolo di resilienza e trasformazione. Lo vediamo nelle due sculture Trumpet (2022) e Pianoforte: Omaggio a Stefano Bollani (2022), dove la radica d’ulivo, disomogenea con i suoi solchi centenari, fa da cassa di risonanza. Le corde di ferro delle meccaniche sembrano funzionare, pronte a far nascere nuova musica.

«Sono emozionato nel vedere le mie opere al Grand Hotel Majestic, un palazzo ricco di arte e storia che diventa mecenate per le nuove generazioni con il Premio Sustainability Art “Giorgio Morandi”. In mostra sono una serie di opere che dialogano da un lato con la storia della moda e dall’altro con la musica. Lavori che trovano negli spazi del Grand Hotel Majestic una naturale estensione narrativa. Mi piace pensare che chi entra in questo spazio possa avere un contatto quotidiano con le mie opere, magari nel tempo sospeso di un viaggio o di un momento di lavoro. L’arte serve a questo: ad accompagnarci in un altro luogo, un viaggio dove scoprire qualcosa di nuovo, un’emozione, un’esperienza, qualcosa da riportare con sé, a casa» conclude Roberto Miglietta

Roberto Miglietta “Dal filo al ferro. Alchimie sostenibili”
Grand Hotel Majestic “già Baglioni”
Via dell’Indipendenza 8, 40121 Bologna
Mostra aperta fino al 28 febbraio 2026
Ingresso libero

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Laura Gerlini, dove l’arte diventa esperienza

DailyMood.it — Fri, 16 Jan 2026 09:22:20 +0000

Viviamo in un tempo in cui le immagini sono ovunque, ma raramente hanno davvero qualcosa da dire. Estetiche replicate, linguaggi omologati, bellezza veloce che scorre e si consuma in pochi secondi. In questo rumore visivo costante, riconoscere una voce autentica è sempre più raro. Laura Beatrice Gerlini è una di quelle presenze che si distinguono senza alzare il volume: il suo lavoro non rincorre le tendenze, le attraversa, costruendo un linguaggio visivo personale, sensibile e immediatamente riconoscibile.

Artista poliedrica, Laura non si muove all’interno di una sola grammatica espressiva. Olio su tela, acrilico, acquerello, inchiostro: ogni tecnica diventa per lei uno strumento di ricerca, mai un limite. Nel tempo ha affinato un segno che non chiede soltanto di essere guardato, ma di essere attraversato. Le sue opere non si impongono, non cercano l’effetto: instaurano un dialogo. Con lo spazio, con la materia, con chi osserva.

Nei suoi quadri le forme si intrecciano e i contorni si dissolvono in una tensione sottile tra figurazione e astrazione. È un equilibrio misurato, mai casuale, in cui il reale viene riletto attraverso una sensibilità più intima. I colori, morbidi e calibrati, accompagnano lo sguardo con naturalezza: non guidano, suggeriscono. La pittura diventa così esperienza visiva ed emotiva insieme, un territorio in cui la percezione si fa più lenta, più consapevole.

Molti dei suoi soggetti nascono da intuizioni maturate durante i viaggi, ma anche da una curiosità costante verso ciò che ancora non conosce. Non c’è mai ripetizione nel suo lavoro: ogni progetto è una possibilità nuova, un’occasione per sperimentare, per mettere in discussione la forma precedente, per ampliare il proprio vocabolario espressivo. È una ricerca che non si esaurisce nella superficie dell’immagine, ma lavora in profondità, tra memoria, sensazione e costruzione visiva.

Accanto alla pittura, Laura Beatrice Gerlini opera anche nel campo della grafica e della comunicazione visiva: loghi, identità personalizzate, contenuti per social media e siti web. Anche qui emerge la stessa cifra stilistica: uno sguardo pulito, raffinato, mai decorativo fine a se stesso. Attualmente lavora come social media manager per residenzeeasylife.com, dove affianca alla strategia digitale una sensibilità artistica capace di trasformare la comunicazione in racconto visivo.

Il suo percorso racconta una creatività capace di adattarsi senza perdere identità. Pittura, design, comunicazione: linguaggi diversi, un’unica coerenza di sguardo. Laura non costruisce immagini per riempire spazi, ma per creare relazioni. Ogni progetto, che sia una tela o un contenuto digitale, nasce con la stessa intenzione: offrire un’esperienza visiva che abbia senso, ritmo, profondità.

In un panorama in cui l’immagine rischia spesso di essere solo superficie, il lavoro di Laura Beatrice Gerlini sceglie un’altra strada. Non quella del rumore, ma quella della presenza. Non quella della replica, ma quella della ricerca. Un’estetica che non si consuma nello scorrere rapido, ma resta. Perché non chiede di essere semplicemente vista: chiede di essere abitata.

Info: ellevisualart.com

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L’arte parla al futuro: donazione delle opere di Marconato allo SPACC di Bernalda

DailyMood.it — Wed, 10 Dec 2025 09:06:30 +0000

Il 14 dicembre 2025, alle ore 18.00, si terrà l’inaugurazione della mostra “Oltre i confini”, l’evento dedicato alla donazione delle opere di Mario Marconato, artista e intellettuale poliedrico, allo SPACC, Spazio Pinacoteca Arte Creatività Contemporanea, di Bernalda e Metaponto (MT), ospitato nel suggestivo Castello Medievale del centro storico.

L’iniziativa è inserita in una programmazione sinergica dell’amministrazione comunale che mira per il futuro, ancor di più, alla valorizzazione degli spazi dello SPACC, attualmente diretto dalla Dott.ssa Gaetana Caterina Madio.

Iniziativa fortemente suffragata dal Consigliere Regionale di Basilicata, già sindaco del Comune di Bernalda, Dottor Domenico Raffaele Tataranno, il quale, di concerto con l’attuale sindaca, Dott.ssa Francesca Matarazzo, e con l’assessora alla Cultura, Dott.ssa Rocchelia Scarcella, continua a operare per promuovere le risorse del territorio rafforzandone la carica identitaria e culturale.

L’evento rappresenta un momento di grande valore per la comunità, poiché sancisce l’ingresso delle opere dell’artista in uno spazio pubblico, trasformandole in patrimonio condiviso e occasione di crescita, studio e memoria identitaria collettiva.

Dopo i saluti istituzionali interverranno:

la Dott.ssa Gaetana Caterina Madio, direttrice dello SPACC, storica e critica d’arte, docente, impegnata in progetti sociali e di valorizzazione del territorio;

Il Prof. Filippo Gazzaneo, scrittore, saggista, regista teatrale, docente di storia e filosofia;

Il Dott. Rino Cardone, critico d’arte, giornalista, già caposervizio TGR Rai Basilicata, saggista e poeta.

L’evento sarà moderato da Silvana Laviola.

La donazione delle opere nasce dalla volontà di Lina Carbone, moglie dell’artista, di offrire al territorio lucano una significativa testimonianza della presenza e dell’impegno culturale di Marconato nella regione, durante la sua permanenza.

Giunto nel Materano jonico nel 1977, Mario Marconato, nato a Camposampiero (PD) il 12 maggio 1941 e vissuto a Marconia fino al 3 aprile 1994, è parte di quella preziosa “radunanza in terra lucana” di artisti e intellettuali che tra gli anni ’70 e ’90 scelsero la Basilicata come luogo elettivo di ricerca espressiva.

Artista eclettico e versatile, Marconato è stato pittore, incisore, ceramista, fotografo, poeta ed editore. La sua produzione spazia tra numerose tecniche creative: dalle gouache alla pittura ad olio, dalle incisioni alle poesie visive, fino alle ceramiche, rendendolo una figura non facilmente classificabile: un intellettuale a tutto tondo capace di far dialogare materia, storia, tempo e sensibilità.

La donazione rappresenta dunque un atto di restituzione simbolica alla comunità: un riconoscimento delle interazioni sociali, culturali e umane che legarono profondamente Marconato alla Basilicata.

Le opere entreranno a far parte del percorso espositivo dello SPACC, arricchendo il patrimonio culturale lucano offrendo nuove possibilità di fruizione, studio e incontro a tutti i visitatori. L’evento sarà un momento di riflessione sulla figura dell’artista e sul ruolo che l’arte può svolgere quando diventa bene pubblico ed emozione condivisa.

Per approfondimenti: www.mariomarconato.com

Per accrediti stampa o richieste di interviste, contattare:
silvanamarzialaviola@gmail.com

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A Kind of Language: quando la moda diventa un alfabeto nuovo negli spazi Prada di Shanghai

Elena Parmegiani — Tue, 09 Dec 2025 10:37:31 +0000

C’è un attimo in cui entrando negli spazi Prada di Shanghai la percezione cambia: non si sta più solo visitando una mostra, ma si sta attraversando un sistema di segni, un codice in movimento, una grammatica che riguarda il corpo, gli oggetti, il quotidiano. A Kind of Language fa esattamente questo: traduce il mondo in un linguaggio visivo nuovo, dove moda, arte contemporanea e percezione sensoriale si intrecciano in un discorso che supera i confini delle discipline. Non potrebbe esistere cornice più naturale di Prada, un marchio che da sempre gioca con l’ambiguità tra moda e pensiero, tra estetica e intelletto. a mostra, allestita negli spazi di Prada Rong Zhai, porta a Shanghai un corpus eccezionale di storyboard, bozzetti e materiali preparatori del cinema internazionale: oltre trenta registi — da Anderson ad Almodóvar, da Miyazaki a Jodorowsky — compongono un ritratto visivo del processo creativo filmico, trasformato qui in un vero e proprio linguaggio estetico. A Shanghai questa vocazione si amplifica: lo spazio stesso, rigoroso e architettonico, diventa pagina bianca su cui scrivere un racconto fatto di segni, materiali e tensioni. A Kind of Language non impone una narrazione lineare. È piuttosto un dizionario aperto, un glossario di forme che ognuno è libero di interpretare. Gli artisti coinvolti: Wes Anderson, Pedro Almodóvar, Ingmar Bergman, Charlie Chaplin, Hayao Miyazaki, Christopher Nolan, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Alejandro Jodorowsky e Matthew Barney, compongono un paesaggio visivo che si muove tra installazioni, oggetti scultorei e interventi immersivi. Le opere sembrano parlare tra loro attraverso sottili rimandi: un gesto catturato in un materiale, una trama che richiama un pattern tessile, la ripetizione come figura linguistica. Il visitatore è chiamato a “leggere” la mostra, ma anche a “scriverla” con il proprio sguardo. Le opere non impongono, suggeriscono. Non definiscono, evocano. È in questo spazio di sospensione che l’estetica Prada trova il significato più profondo: quello che indaga, problematizza, si diverte a destabilizzare. Negli ultimi anni la moda ha abbandonato la semplice funzione decorativa e ha acquisito una voce sempre più articolata: politica, culturale, sociale. Prada è stata una delle prime case di moda a trattare l’abito come un testo da leggere. A Kind of Language è, in questo senso, un’estensione naturale: un laboratorio in cui il linguaggio della moda incontra quello dell’arte e si contamina. Si ritrovano i codici tipici del brand: il gusto per l’ambivalenza, la tensione tra minimalismo e complessità, la forza dell’imprevisto. Tessuti, oggetti, superfici sembrano dialogare con le opere esposte come se facessero parte di un’unica frase, di un’unica sintassi. In alcune installazioni, l’uso del colore e dei materiali rievoca proprio il gesto sartoriale: strati sovrapposti come pieghe di un abito, superfici laminate che ricordano l’impalpabilità dei tessuti tecnici, elementi geometrici che evocano la razionalità della costruzione di una silhouette. Non è un caso che Prada abbia scelto Shanghai per un progetto così concettuale. La città – caleidoscopica, in costante ridefinizione – è una grammatica vivente. Il suo paesaggio urbano, con la sua mescolanza continua di tradizione e iper-modernità, rispecchia in modo quasi speculare l’identità della mostra. Entrare nello spazio espositivo significa osservare questo dialogo attraverso una lente preziosa: la cultura visiva cinese contemporanea, sospesa tra memoria e accelerazione, si fonde con il linguaggio internazionale dell’arte e della moda. La mostra diventa così una piattaforma di scambio, un luogo dove si sperimentano nuovi alfabeti estetici, dove il pubblico locale e globale trova un punto d’incontro inatteso. La struttura della mostra è pensata come un testo aperto: non ci sono capitoli obbligati, ma stanze concettuali. Ogni ambiente introduce una parola, un’idea, un gesto. Alcune opere sono intense come verbi, altre poetiche come aggettivi, altre ancora si avvicinano alla punteggiatura: pause, sospensioni, accelerazioni. Il ritmo è fondamentale. Gli elementi architettonici degli spazi Prada contribuiscono a questa narrazione: superfici levigate, linee nette, geometrie essenziali dialogano con le opere per amplificarne il senso. È una scrittura che si fa tridimensionale, un linguaggio in cui il corpo del visitatore è parte della frase, perché la moda, come l’arte, è un sistema semiotico. Comunica attraverso codici, segni, simboli. A Kind of Language eleva questa consapevolezza a principio curatoriale: rende visibile l’atto comunicativo, lo espone, lo analizza, lo sovverte. Per chi vede la moda non solo come industria, ma come fenomeno culturale, la mostra è un manifesto. E allo stesso tempo un invito: leggere il mondo come un insieme di linguaggi da decodificare. Con A Kind of Language, Prada riafferma il suo ruolo di piattaforma culturale, non solo di casa di moda. A Shanghai costruisce uno spazio in cui la creatività diventa conversazione, dove ogni opera è una parola e ogni gesto una possibilità di significato. In un’epoca in cui i linguaggi si sovrappongono, digitali, visivi, materiali, la mostra apre una strada: invita a cercare nuove forme di lettura e, soprattutto, nuove forme di espressione. È un luogo in cui moda e arte non si limitano a dialogare: inventano, insieme, una nuova lingua.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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In partenza il Winter Games Express, il treno di cioccolato più lungo del mondo. Destinazione: Milano 2026, tra arte, formazione e solidarietà.

DailyMood.it — Mon, 01 Dec 2025 13:19:23 +0000

Presentato al CAST di Brescia l’ambizioso progetto che, in vista di Milano Cortina 2026, mira a entrare nei Guinness World Record. Lunga 52 metri, l’opera coinvolge maestri italiani e maltesi, scuole e giovani talenti in un progetto artistico, formativo e solidale parte delle “Olimpiadi per la Cultura”. Sarà esposta a Milano a gennaio nel corso di una tre giorni tra record, laboratori e talk.

È stato svelato Winter Games Express, l’ambizioso progetto internazionale che punta a realizzare il treno di cioccolato più lungo del mondo: un’opera lunga 52 metri e dal peso di 23 quintali, che sarà esposta dal 25 al 27 gennaio 2026 a Milano, a Palazzo Lombardia. E non solo record: nato dalla collaborazione tra eccellenze italiane e maltesi, in vista di Milano Cortina 2026, Winter Games Express si candida a diventare un modello di collaborazione internazionale dal forte valore artistico, educativo e solidale.

L’iniziativa è stata presentata oggi, presso il CAST – Istituto Italiano di Arti Culinarie e Ospitalità di Brescia, nel corso della conferenza stampa moderata da Andrea Pernice, CEO di Pernice Comunicazione, con la partecipazione di Andrew Farrugia, dall’ITS – Institute of Tourism Studies – di Malta, Pastry Chef e già detentore del Guinness World Record per il treno di cioccolato più lungo del mondo realizzato nel 2012, Andrea Bonati, Presidente del Consorzio Artigiani Pasticceri Bergamaschi e coordinatore del progetto, Cristian Cantaluppi, CEO di CAST, Luigi Groli, Presidente di Consorzio Pasticceri Artigiani di Brescia, Simone Zucchini, Direttore vendite di Minetti 1980, e Giovanni Malanchini, Consigliere di Regione Lombardia.

Il progetto, che nasce in vista dei Giochi Olimpici e Paralimpici Invernali Milano Cortina 2026, rientrerà tra gli eventi “Olimpiadi per la cultura” promossi da Regione Lombardia. Il Consigliere Malanchini ha dichiarato: “Winter Games Express è un’iniziativa che valorizza il territorio lombardo e le eccellenze italiane, coerentemente con ciò che portato alla nascita delle Cultural Olympiad: coinvolgere la comunità in un progetto aperto e partecipato nel segno delle Olimpiadi e delle Paralimpiadi”.

Per Andrea Bonati si tratta di “un’occasione straordinaria per celebrare l’eccellenza artigiana e trasmettere competenze ai giovani”. Il Winter Games Express coinvolgerà infatti maestri pasticceri e cioccolatieri italiani e maltesi di altissimo livello, chiamati a progettare e realizzare quella che sarà un’opera d’arte collettiva, affiancati da studenti e giovani apprendisti provenienti da scuole e centri di formazione professionale. Il progetto diventerà così un laboratorio formativo diffuso, capace di trasmettere competenze tecniche e valori di cooperazione. Presso i laboratori di Minetti 1980 – realtà storica bergamasca leader nella distribuzione di materie prime, semilavorati e prodotti finiti per gelaterie, pasticcerie, panetterie, pizzerie e ristoranti – sono già in corso da ottobre le fasi di realizzazione dei vagoni che comporranno il treno, utilizzando il cioccolato generosamente fornito da Belcolade Italia, parte di Puratos Italia, marchio di cioccolato professionale che unisce l’autentica tradizione belga a prodotti di altissima qualità dedicati a pasticceri, cioccolatieri e professionisti del settore. I vagoni di cioccolato saranno infine trasportati a Milano da Brivio&Viganò, azienda leader nel settore della logistica e dei trasporti, per l’assemblaggio definitivo di tutte le componenti e l’esposizione al pubblico presso Palazzo Lombardia.

“Accogliere la conferenza di Winter Games Express al CAST – ha spiegato il CEO Cristian Cantaluppi – è un’occasione unica. In quanto istituto che si dedica alla crescita dei talenti in questo settore, siamo estremamente orgogliosi di supportare il progetto. Non significa solo valorizzare i giovani apprendisti, ma anche le eccellenze internazionali”. Luigi Groli di Consorzio Pasticceri di Brescia ha aggiunto: “Il Winter Games Express è una straordinaria vetrina per portare l’eccellenza pasticcera agli occhi – e ai palati – di tutto il mondo. Questo è un progetto che valorizza il talento dei nostri maestri artigiani e promuove formazione e territorio, oltre alla rinnovata collaborazione con i nostri colleghi bergamaschi”.

“Winter Games Express – ha commentato Andrew Farrugia – è molto più di un record: è il simbolo di un legame speciale tra Bergamo, Brescia e Malta. Insieme vogliamo creare un ponte tra culture e generazioni, con un messaggio di solidarietà”. È stato infatti annunciato che durante gli eventi collegati al progetto saranno vendute speciali tavolette di cioccolato dedicate al Winter Games Express. Parte del ricavato sarà devoluto all’Associazione Cure Palliative ODV-ETS di Bergamo e al St. Michael Hospice di Santa Venera a Malta, due realtà impegnate nell’assistenza alle persone gravemente malate, nella fase finale della vita. Durante la manifestazione principale a Milano, in programma a gennaio 2026, verranno allestiti punti informativi per sensibilizzare il pubblico sul ruolo delle due organizzazioni e sul valore del sostegno alle cure palliative. “Un tema, quello della qualità delle cure destinate alle persone con diagnosi infausta, che ci coinvolge tutti, in quanto tutti, prima o poi, lungo quel meraviglioso viaggio chiamato vita, arriveremo a un capolinea. E arrivarci con dignità e senza dolore è un diritto inalienabile che deve essere garantito sempre, ovunque e comunque”, ha commentato Aurora Minetti, Presidente dell’Associazione Cure Palliative ODV-ETS di Bergamo

Inoltre, come confermato e sottolineato da Andrea Bonati, il cioccolato utilizzato non andrà sprecato ma verrà recuperato e trasformato in fertilizzante organico utile per il settore agricolo.

La conferenza ha segnato l’avvio ufficiale del progetto, che culminerà nel mese di gennaio nelle tre giornate principali, secondo il seguente programma:

Domenica 25 gennaio 2026 – Porte aperte a Palazzo Lombardia
Giornata dedicata al pubblico e alle scuole, con laboratori e attività didattiche.
Lunedì 26 gennaio 2026 – La Giornata del Record
Presentazione ufficiale dell’opera e tentativo di ottenimento del Guinness World Record.
Martedì 27 gennaio 2026 – Parliamoci su
Appuntamento rivolto ai professionisti della pasticceria, cioccolateria, formazione e impresa, con tavole rotonde e incontri dedicati.

Winter Games Express è un evento realizzato con il patrocinio di:

European Parliament
Giochi Olimpici Invernali Milano Cortina 2026
Regione Lombardia
Ospedale Papa Giovanni XXIII di Bergamo
Comune di Bergamo
Comune di Brescia
Provincia di Bergamo
Malta Tourism Authority (MTA)

Partner e soggetti coinvolti:

ABF Bergamo (Azienda Bergamasca Formazione – sede di Almenno San Bartolomeo)
Associazione Artigiani di Brescia e Provincia
Belcolade Puratos Italia
Brivio&Viganò
Capab – Consorzio Artigiani Pasticceri Bergamaschi
CAST – Istituto Italiano di Arti Culinarie e Ospitalità
Confartigianato Lombardia
CPA – Consorzio Pasticceri Artigiani di Brescia
Fondazione I.S.B. (Istituti Santa Chiara – Bergamo)
Institute of Tourism Studies di Malta (ITS)
Lactis
Milan Bergamo Airport
Minetti 1980
Pernice Comunicazione
Selmi Group
Visit Bergamo

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L’arte antica? Sì, con The Online Portrait Gallery

DailyMood.it — Tue, 28 Oct 2025 15:40:21 +0000

Con l’arrivo dell’autunno cresce la voglia di visitare mostre, scoprire opere d’arte e magari trovare un pezzo unico che valorizzi la nostra casa o rappresenti un investimento nel tempo. Inoltre, quasi tutti abbiamo un personaggio storico del cuore, che ci affascina e ci accompagna da sempre.

Per questo oggi voglio parlarti di The Online Portrait Gallery, una galleria online specializzata in ritratti e litografie antiche. Che tu stia cercando un antenato o semplicemente una figura storica che ami, qui potresti trovare esattamente ciò che desideri.

Ogni pezzo è selezionato con cura e mantenuto in ottime condizioni. Maarten, il gestore della galleria, saprà consigliarti al meglio in ogni fase dell’acquisto, con prezzi competitivi e una ricercatezza delle opere davvero notevole. Basta anche solo dare un’occhiata per ritrovarsi immersi in un mondo passato, affascinante e quasi magico.

Oltre a The Online Portrait Gallery, ti suggerisco di esplorare anche Rembrandt-Art e Atlas Old Maps, due siti collegati che ampliano ulteriormente l’offerta per chi ama l’arte antica, i personaggi storici e le mappe d’epoca.

Per te che ci stai leggendo, ecco un codice sconto esclusivo da utilizzare sul primo acquisto: AUTUMN10

Scopri la bellezza della storia. Un ritratto alla volta.

Site link:
https://theonlineportraitgallery.com
https://rembrandt-art.com
https://atlasoldmaps.com

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Dal gioiello al design: la metamorfosi creativa di Lavinia Fuksas

DailyMood.it — Wed, 22 Oct 2025 09:17:39 +0000

Kalyka, in collaborazione con Pietro Franceschini, segna il passaggio tra micro e macro scala, tra corpo e spazio, nel racconto di un’estetica che unisce luce, materia e gesto

Dopo aver ridefinito il linguaggio del gioiello come forma d’espressione artistica e identitaria, Lavinia Fuksas — designer e creatrice, figlia dei noti designer Massimiliano e Doriana Fuksas — entra nel mondo del collectible design, tracciando un percorso che si nutre della propria eredità familiare. Un’evoluzione naturale, segnata da una visione fluida e interdisciplinare, dove architettura, arte e materia si fondono in un unico universo poetico e coerente.

Il suo debutto prende forma con Kalyka — coffee table prezioso e oggetto-simbolo nato dall’incontro tra la sensibilità scultorea dei gioielli di Lavinia e la matericità onirica del designer Pietro Franceschini.
Realizzato in collaborazione con Mondavilli Scagliola, galleria nel cuore del distretto del design italiano che promuove il dialogo tra i maestri del XX secolo e la sperimentazione contemporanea, Kalyka si manifesta come un’epifania di bellezza sospesa, al confine tra arte e funzione.
L’opera sarà presentata in anteprima al Design Miami.Paris (22–26 ottobre), appuntamento d’eccellenza che riunisce i più influenti collezionisti, galleristi, designer, curatori e critici internazionali — un luogo dove la cultura progettuale diventa incontro, racconto e visione condivisa.

Nato dal desiderio di tradurre uno dei gioielli di Lavinia in un oggetto scultoreo, Kalyka combina acciaio inossidabile, specchio e marmo verde della Lapponia, materiali che dialogano tra forza e riflesso, rivelando la sua natura duplice e mutevole. Una base geometrica sfaccettata sostiene un piano che cattura e diffonde la luce, mentre tre elementi mobili in acciaio si aprono come petali metallici, svelando un compartimento segreto o trasformandosi in un piccolo bar. Così, l’oggetto d’uso si fa opera d’arte, e il gesto quotidiano diventa rituale estetico. Ispirato dal fascino di Lavinia Fuksas per il marmo e la pietra dell’antica Roma e dalla raffinatezza rinascimentale di Pietro Franceschini, Kalyka evoca la permanenza dell’architettura e la sensualità dell’ornamento. Insieme, i due designer trasformano acciaio e marmo in materia viva, riflettente e onirica — un equilibrio tra razionalità e incanto.

“Con Kalyla ho voluto tradurre nel design la stessa sensibilità che anima i miei gioielli: un equilibrio sottile tra forza e delicatezza, tra intimità e presenza scultorea. È l’incontro dei nostri mondi – geometria ed emozione, pensiero e materia – che si intrecciano in un dialogo silenzioso tra luce e material”. – afferma Lavinia Fuksas.

Kalyka è realizzato in edizione limitata di 11 esemplari (di cui 9 destinati alla vendita) e può essere personalizzato attraverso una selezione di pietre e materiali, nel rispetto della tradizione Made in Italy e dell’eccellenza artigianale che contraddistingue ogni progetto dello studio.
Con questa nuova direzione, Lavinia Fuksas afferma la propria identità di figura multidisciplinare, capace di attraversare mondi diversi — dal gioiello al design — mantenendo una coerenza estetica e concettuale fondata sulla ricerca, sulla materia e sull’equilibrio poetico tra arte e funzione.

Specifiche tecniche:
● Dimensioni: cm 120 x 74 x44
● Peso: 60kg
● Materiali: acciaio inossidabile, specchio e marmo Verde della Lapponia – il prodotto può essere
personalizzato
● Prezzo: su richiesta

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Bruges tra eredità e futuro

DailyMood.it — Wed, 17 Sep 2025 14:23:58 +0000

Bruges, con i suoi canali senza tempo, le torri medievali e i vicoli che raccontano secoli di storia, è una città in cui innovazione, tradizione e creatività si fondono senza soluzione di continuità. Nel 2026, questa vocazione prenderà nuova forma con l’apertura di BRUSK, uno spazio concepito come una vera e propria open house destinata a diventare il cuore del quartiere dei musei, con iniziative multidisciplinari di respiro internazionale. Tra nuovi e innovativi edifici, la città custodisce ancora i capolavori dei Maestri fiamminghi, da Hans Memling a Laurent Delvaux. Mentre a pochi chilometri dal centro storico i castelli e i parchi dell’Ommeland intrecciano storia, arte e natura, offrendo percorsi da scoprire a piedi o in bicicletta.

BRUSK: centro aggregativo tra sperimentazioni contemporanee e patrimonio artistico

Una vera e propria open house di 20.000 m², costruita nell’area del Garenmarkt, accanto al Groeninge Museum, diventerà epicentro della nuova “era culturale” di Bruges che, a maggio 2026, inaugura il nuovo polo artistico destinato a diventare pietra angolare del futuro hub multidisciplinare della città: il Bruges Museum Quarter. BRUSK è il nome di questo ambizioso edificio che, in linea con la tradizione nordica amante degli acronimi, ha infinite possibilità di significato così come di utilizzo: “Stimolo artistico di Bruges”, “Galleria d’arte urbana” o “Centro d’arte di Bruges”. Progettato con tecnologie sostenibili dagli studi Robbrecht and Daem Architects e Olivier Salens Architects per essere in armonia con il paesaggio esistente, BRUSK si svilupperà su due livelli: al piano terra, aperto e trasparente, il pubblico troverà un community space – con reception, bookshop e caffetteria – e un auditorium con un ricco programma di spettacoli, conferenze ed eventi. La luce naturale, che illumina la grande scala centrale, sembra condurre poi al primo piano, dove le maestose campate di 13,75 metri delle due sale espositive evocano la spazialità delle chiese medievali. Un progetto espositivo che dialogherà con le collezioni storiche del Musea Brugge per creare nuove narrazioni capaci di intrecciare patrimoni antichi e linguaggi contemporanei. La data da segnare in calendario è l’8 maggio, con il taglio del nastro del polo e l’apertura delle prime tre mostre in calendario, tra esperienze immersive di arte digitale, moda e arte visiva.
Parte dell’ambizioso progetto culturale dell’area è anche il nuovo centro di ricerca BRON, la cui apertura è fissata per il prossimo novembre. Concepito come evoluzione naturale del Musea Brugge, con una biblioteca e un’area di consultazione per stampe e disegni, sarà luogo di incontro e collaborazione per studiosi, accademici, guide, studenti e personale del museo stesso.

Tra genio fiammingo e storia europea

Da Van Eyck e Hans Memling a Laurent Delvaux e Bernard van Orley, sono numerosi gli artisti che scelsero Bruges come luogo d’elezione, popolandola di capolavori ancora oggi custoditi negli stessi spazi per i quali furono concepiti, offrendo al visitatore un’esperienza autentica e irripetibile. Sulla mappatura di questi “tesori” si sviluppa il progetto “I Maestri Fiamminghi nelle loro terre”: un itinerario che intreccia gli scorci dei canali con tracce artistiche nascoste, invitando a scoprire l’eredità artistica della città. Partendo dai sette straordinari dipinti di Hans Memling custoditi nel Museo Sint-Janshospitaal, tra cui il celebre Reliquiario di sant’Orsola e il Trittico di Giovanni Battista e Giovanni Evangelista si potrà poi godere, al piano superiore del museo, di “Closer to Memling Experience” che permette di immergersi nell’universo creativo del maestro fiammingo attraverso un allestimento interattivo con tavole multimediali, suoni e giochi di luce. Per continuare il viaggio nella vitalità culturale di Bruges dell’epoca, non può mancare la visita alla Chiesa di Nostra Signora, che conserva la straordinaria Madonna col Bambino di Michelangelo, unica opera dell’artista toscano su commissione fiamminga ad essere ancora oggi conservata nelle Fiandre; sull’altare maggiore, il monumentale Trittico della Passione, iniziato da Bernard van Orley e completato da Marcus Gheeraerts il Vecchio, mentre nell’area del coro è custodita una testimonianza preziosa della storia moderna europea: i mausolei di Maria di Borgogna e Carlo il Temerario. A raccontare la lunga eredità spirituale e religiosa della regione ci pensa invece la Tenuta Adornes che accoglie al suo interno la Cappella di Gerusalemme, che conserva la replica del Santo Sepolcro e il calvario in pietra arenaria con una monumentale croce latina affiancata da simboli della passione di Cristo scolpiti nella pietra.

Dai canali ai castelli: l’Ommeland in bicicletta

Passeggiare per Bruges non significa solo immergersi nei suoi canali e nei capolavori che la rendono patrimonio UNESCO dal 2000. Le famiglie più illustri che hanno plasmato il profilo artistico della città, infatti, hanno impresso la loro eredità anche nell’Ommeland, letteralmente i dintorni, ovvero regione a pochi chilometri dai confini urbani e costellata di magnifiche residenze immerse nel verde dove apprezzare le diverse attrazioni create dai padroni di casa. Come il labirinto di 1,5 km nel Castello di Loppem, capolavoro neogotico del XIX secolo, o le leggende e i racconti noir del “Castello Rosso” di Lakenbossen, teatro di sorprendenti sparizioni e gialli irrisolti. Più vicino alla città, la tenuta di Gruuthuse a Oostkamp, residenza di una delle famiglie più influenti di Bruges nel Medioevo ( a cui deve il nome uno dei musei di eccellenza di Bruges), si staglia in stile rinascimentale fiammingo su un parco di 41 ettari, che rappresenta il legame estetico tra nobiltà urbana e residenze di campagna.
L’intera area e le sue residenze sono facilmente raggiungibili in auto o con i mezzi pubblici, ma per assaporarne appieno l’atmosfera la scelta migliore resta la bicicletta, mezzo d’elezione per vistare le Fiandre. Grazie a percorsi di circa 50 km, come il Kastelenfietsroute (itinerario dei castelli) o la Groene Gordel Brugge (anello verde di Bruges) , in poche ore di pedalata si può raggiungere l’Ommeland, visitando su due ruote un territorio ricco di arte, storia e natura.

www.visitflanders.com/it
press.visitbruges.be/it

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Moda e pubblicità in Italia 1950-2000: l’immaginario del Made in Italy in mostra alla Villa dei Capolavori

Elena Parmegiani — Fri, 12 Sep 2025 07:47:31 +0000

“Non avrai altro stile all’infuori di me”. Una parafrasi audace, che riecheggia lo slogan di una delle campagne più provocatorie della storia della moda italiana – quella di Jesus Jeans firmata da Oliviero Toscani – ma che ben riassume lo spirito di un’epoca in cui la moda ha smesso di essere solo abito per diventare narrazione, linguaggio, visione. Alla Fondazione Magnani-Rocca, nell’elegante Villa dei Capolavori a Mamiano di Traversetolo, in provincia di Parma fino al 14 dicembre 2025, va in scena “Moda e pubblicità in Italia 1950-2000”, una mostra che esplora mezzo secolo di immagini, campagne, manifesti e spot che hanno definito l’identità del Made in Italy. Una vera e propria immersione nell’immaginario visivo nazionale, dove la moda incontra la comunicazione, il costume e la cultura popolare, tracciando una mappa estetica e antropologica della trasformazione italiana nel secondo Novecento.

L’esposizione, a cura di Dario Cimorelli, Eugenia Paulicelli e Stefano Roffi, raccoglie oltre trecento opere tra manifesti, riviste, fotografie, spot televisivi e materiali video, compresi oggetti cult come le figurine Fiorucci. Il percorso espositivo non segue una semplice cronologia, ma si muove tra temi e icone, svelando come la pubblicità abbia vestito il corpo dell’Italia e contribuito a creare un nuovo immaginario collettivo. Dagli esordi grafici degli Anni Cinquanta, ancora legati a un’estetica illustrata e artigianale, passando per la svolta televisiva del Carosello e l’irruzione delle tv commerciali, fino all’estetica edonista e spettacolare degli Anni Ottanta e Novanta, la moda si trasforma in storytelling visivo. Il brand diventa così narrazione, e lo stile, come suggerisce il titolo della mostra, assume valenze quasi religiose. Sfogliando visivamente le campagne esposte, si incontrano i grandi protagonisti della moda italiana: Armani, Versace, Benetton, Fiorucci, Dolce & Gabbana, Ferré, Gucci, Moschino, Fendi, solo per citarne alcuni. Ma è soprattutto il lavoro dei fotografi e degli illustratori a rivelare il cambio di passo nella comunicazione visiva: Giampaolo Barbieri, Giovanni Gastel, Alfa Castaldi, Maria Vittoria Backhaus, René Gruau, Franco Grignani, Antonio Lopez, Guido Crepax, e naturalmente l’irriverente e iconoclasta Oliviero Toscani. Con loro, l’immagine pubblicitaria smette di essere ancella del prodotto per diventare arte autonoma. Basta pensare all’impatto globale delle campagne Benetton firmate da Toscani: vere e proprie micce visive capaci di accendere dibattiti sociali, politici, estetici. Non è solo una storia di moda o di marchi, ma il racconto di un Paese che cambia pelle. La mostra restituisce lo specchio di un’Italia che si emancipa dal dopoguerra, osserva (e imita) l’America, inventa una propria “grammatica pubblicitaria” fatta di ironia, desiderio e sogno. Se gli Anni Cinquanta e Sessanta sono quelli del Carosello, della censura e della grafica elegante, il passaggio al colore, alla pubblicità televisiva, alla libertà formale degli Anni Settanta e Ottanta segna l’avvento di un linguaggio pop, ubiquo, profondamente connesso ai nuovi consumi. È in questo periodo che la moda italiana si impone nel mondo come simbolo di qualità, glamour e innovazione, grazie anche a una comunicazione integrata e visionaria. Non si vende più solo un abito, ma uno stile di vita, un’identità, un’emozione. Il corpo, sempre più al centro della comunicazione, si fa portatore di valori, tensioni e aspirazioni. Ed è in questa tensione tra arte, desiderio e cultura popolare che la mostra trova il suo fulcro. Un’intera sezione è dedicata agli spot televisivi, con materiali provenienti dall’Archivio Generale Audiovisivo della Pubblicità Italiana, grazie anche al contributo di Emmanuel Grossi, storico della pubblicità e direttore dell’Archivio. Dai caroselli Barilla con Mina, vestita da Piero Gherardi (costumista di Fellini), ai cortocircuiti visivi delle pubblicità Anni Novanta, la moda diventa anche “cinema breve”, esercizio di stile narrativo, provocazione culturale. Sono clip che non solo vendono, ma raccontano il tempo, riflettono i cambiamenti del gusto e dei costumi, anticipano tendenze. E in alcuni casi, fanno storia. A ospitare questo racconto visivo è la Villa dei Capolavori, sede della Fondazione Magnani-Rocca, uno dei luoghi più affascinanti e colti d’Italia. Qui convivono arte, paesaggio e architettura: capolavori di Monet, Renoir, Cézanne, Tiziano, Dürer, Van Dyck, Goya, e una straordinaria collezione di opere di Giorgio Morandi, accanto ad un giardino storico recentemente restaurato, che fonde giardino all’italiana, parco romantico e sperimentazioni paesaggistiche contemporanee. Una cornice fondamentale della nostra storia culturale. “Moda e pubblicità in Italia 1950-2000” non è una semplice esposizione, ma un vero laboratorio visivo. Un invito, per gli addetti ai lavori della moda, a riflettere su quanto il successo dell’industria fashion italiana sia stato costruito non solo da mani sapienti e stilisti visionari, ma anche da creativi dell’immagine, comunicatori, fotografi, illustratori. Da chi, in silenzio, ha cucito sul corpo dell’Italia un nuovo modo di raccontarsi. In tempi in cui la comunicazione visiva è di nuovo in piena trasformazione, questa mostra ci ricorda che ogni immagine di moda è anche un documento storico. E che dietro ogni campagna, ogni spot, ogni manifesto, c’è una visione del mondo. A volte condivisa, altre contestata, ma pur sempre potente.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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La Galerie Dior a Parigi celebra la danza

Elena Parmegiani — Thu, 17 Jul 2025 08:32:58 +0000

“Quando la Maison Christian Dior aprì la prima volta, aveva tre atelier nelle soffitte al numero 30 di avenue Montaigne, un piccolo studio, un salone nel quale mostrare i vestiti, una cabina/ spogliatoio per le mannequin, un ufficio e sei piccole cabine di prova”, raccontava Monsieur Dior nelle sue memorie. Per il couturier fu amore a prima vista per questo hotel particulier che da allora è diventato leggendario. Attualmente trasformato e migliorato questo “rifugio delle meraviglie”, è il cuore pulsante della Maison Dior sin dalla sua fondazione, oggi sede della Galerie Dior, testimonianza dell’audacia visionaria di Christian Dior e dei suoi successori, i direttori creativi della Maison: Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferrè, John Galliano, Raf Simons e Maria Grazia Chiuri. Tra abiti che fluttuano come tutù e bozzetti che sembrano coreografie tracciate a matita, la Galerie Dior attualmente rende omaggio a una delle più eteree forme d’arte: la danza. Fino a settembre 2025 sarà possibile ammirare ben centocinquanta modelli emblematici e archivi inediti, una retrospettiva unica che celebra l’eccezionale patrimonio della Maison Dior, combinando alta moda, arte e danza. La nuova esposizione temporanea, che abbiamo visitato alcune settimane fa, è un inno al movimento, alla grazia e alla connessione profonda tra haute couture e arte coreutica. Christian Dior amava profondamente la danza, in particolare il balletto classico. Cresciuto in un’epoca in cui i Balletti Russi affascinavano l’élite culturale parigina, il couturier nutriva un vero culto per la bellezza del gesto, per il corpo che si fa arte. Non è un caso che molte delle sue silhouette più celebri – vita stretta, volumi leggeri, gonne in tulle – evochino lo spirito delle ballerine. La mostra, intitolata “La danse, un rêve Dior”, svela al pubblico costumi da balletto creati dalla maison per compagnie come l’Opéra National de Paris, fotografie d’archivio inedite, video-installazioni immersive e creazioni haute couture ispirate al mondo della scena. Tra i pezzi più evocativi spiccano gli abiti ideati da Maria Grazia Chiuri per il Ballet Preljocaj e le collaborazioni con la coreografa Sharon Eyal, che ha trasformato la passerella in una performance viva. Il percorso espositivo dialoga continuamente con la scenografia teatrale. I visitatori si muovono tra quinte, fondali e specchi che richiamano sale prova e palcoscenici, guidati dalla voce del movimento. È un viaggio sensoriale che racconta come il corpo, vestito da Dior, diventi portatore di sogni, emozioni e storie. Questa mostra non è solo un tributo all’eleganza della danza, ma un’affermazione della visione di Dior: la moda come arte totale, capace di racchiudere musica, gesto, luce e poesia. In un’epoca in cui i confini tra discipline artistiche si fanno sempre più fluidi, La Galerie Dior riafferma la potenza della bellezza in movimento.

“L’haute couture è uno degli ultimi rifugi del meraviglioso, e i couturier gli ultimi possessori della bacchetta della Fata Madrina di Cenerentola”, affermava Christian Dior. Le collezioni della Maison Dior hanno preso vita tra queste mura, a partire dall’iconico New Look, un evento rivoluzionario nella storia della moda. Questa silhouette, così chiamata da Carmel Snow, caporedattrice della rivista americana Harper’s Bazar, dopo la sfilata di debutto di Dior il 12 febbraio 1947, incarna l’attitudine di una donna che afferma la propria femminilità. Radiosa, sicura di sé e consapevole del suo potere di seduzione in un periodo di ricostruzione post-bellica. Una donna il cui corpo in movimento fu esaltato da Christian Dior. L’emblematico numero 30 di avenue Montaigne fu testimone di tutto questo, gremito di ospiti ed amici di Monsieur Dior insieme a clienti e celebrità di spicco dell’epoca, che arrivavano da ogni parte a scoprire la nuova collezione, il “piccolo e laborioso alveare” dove la leggenda di Christian Dior vide la luce settantacinque anni fa. Doveva essere per forza il numero 30 di avenue Montaigne”, scrisse Christian Dior nelle sue memorie, pubblicate nel 1956. Nel cuore di questo piccolo rifugio “tanto modesto nelle dimensioni quanto ambiziosi erano i miei sogni”, nelle stesse parole dello stilista, la sua casa di moda aprì i battenti nel 1946. All’epoca essa contava ottantacinque persone, distribuite in soli tre atelier: due per le creazioni più fluenti ed eteree, note come “flou”, e uno, il “tailleur”, per quelle più strutturate e sartoriali. Nell’arco di pochi anni si espanse fino a inglobare i palazzi adiacenti. Oggi La Galerie Dior continua a raccontare la magia e l’audacia del suo creatore ed è la testimonianza più autentica di un viaggio unico nel cuore del DNA senza tempo e del savoir-faire eccezionale di Dior.
Foto: esclusiva fotografica Daily Mood

di Elena Parmegiani per Dailymood.it

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Roberto M.A.: il Ritratto d’un Pittore

DailyMood.it — Wed, 25 Jun 2025 07:50:58 +0000

Roberto M.A inizia con una passione per l’arte che diventa poi, un vero e proprio mestiere.
Specializzato nella tecnica degli artisti del periodo rinascimentale e barocco Ho approfondito la tecnica della riproduzione del colore presso una famoso maestro Dopo lo studio dell’opera da riprodurre utilizza le tecniche dell’epoca per il miglior risultato possibile. Fondamentale è l’utilizzo di colori professionali, utilizzando la miglior marca oggi sul mercato è possibile simulare al meglio i colori dell’opera e la resa finale è stupefacente. Tutte le opere , anche se copie di capolavori, sono opere uniche e di un certo valore economico. Per i ritratti usa la tecnica rinascimentale con particolare attenzione al realismo, alle sfumature e al gioco di luci. Questa è la sua tecnica dove la realizzazione artistica si sposa perfettamente con uno stile realistico e di sicuro effetto. Un ritratto è per sempre ed è per questo che deve essere un opera di qualità tecnica e di alto valore artistico.
Tutti i quadri fatti da Roberto M.A. sono realizzati interamente, dalla prima stesura alla finitura e velatura finale . Nel rispetto dell’ opera originale cerca di rendere il quadro più simile possibile all’originale ma con delle piccole differenze che rendono il dipinto una opera unica. Questo è il motivo per cui tutti i suoi quadri sono firmati sulla faccia a vista. Che dire, un opera del genere affascina e ci rende partecipi di un tempo immemore, oltre che creare un ricordo indelebile, si ottimizzano anche i costi, e in ottica Green, si riduce lo spreco di colori e carta, che si crea oggi nell’era digitale, e del tutto e subito. Roberto M.A. e’ molto esperto, preciso e puntuale nelle date di consegna. Questi sono aspetti imprescindibili al giorno d’oggi. Oltre a ciò, ha un proprio stile.
Cosa molto difficile da trovare nell’epoca contemporanea proprio perché i ritratti sono diventati, per certi versi, una cosa comune, e saperli creare non è da poco. Roberto M.A. ha esposto in varie mostre in giro per il mondo, anche a New York. Per questo, investire in una sua opera, crea valore nel tempo, e ci fa sentire parte di un qualcosa di insito dentro di noi: L’arte!
Sito:
www.robertomodernart.com

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Tolosa, la “Città rosa”: una meta davvero imperdibile questa primavera

Pregnolato Lidia — Tue, 15 Apr 2025 09:35:26 +0000

Con l’arrivo della bella stagione, la città di Tolosa, capitale della regione francese dell’Occitania, sboccia tra colorate sfumature e atmosfere uniche, rivelandosi la meta ideale in primavera.

Soprannominata la “Ville rose” (la “Città rosa”) per le tonalità rosate dei suoi edifici in mattoni, è stata incoronata come «Miglior Città 2025» dalla guida Best in Travel della Lonely Planet: un prestigioso riconoscimento che celebra il suo straordinario patrimonio storico e culturale, l’enogastronomia di alto livello e il fascino cosmopolita che la rende una città davvero imperdibile, da vivere soprattutto all’aria aperta.

Ecco, quindi, i migliori motivi per scoprire Tolosa questa primavera, ammirandola mentre rifiorisce con l’eleganza di un bocciolo di rosa.

Una città vibrante e dalle molteplici anime, tra passato e futuro

Tolosa è una città che ha saputo fondere con saggezza le sue diverse anime che rimandano al passato e che proiettano verso il futuro. Se da una parte, infatti, ha una ricca storia e tradizioni che affondano le radici nel passato, dalle prime popolazioni celtiche, ai romani e via via nel corso dei secoli, la capitale occitana stupisce anche per il suo DNA giovane e dinamico. Infatti, il 46,7% della popolazione urbana ha meno di 30 anni e circa il 25% è composto da studenti universitari, grazie anche alla presenza di una tra le più antiche e prestigiose università d’Europa, fondata nel 1229, e giovani lavoratori, attratti dalle opportunità professionali e dal mix irresistibile di vitalità e convivialità che si respira passeggiando per le sue vie, piazze e lungo le sponde del fiume Garonna.

Un centro storico ad arte: i monumenti simbolo tolosani

Rivolgendo prima di tutto lo sguardo verso il passato, un viaggio nella città francese non può non cominciare dai simboli della sua eredità storico-culturale. Si parte quindi dal suo cuore pulsante, la monumentale Place du Capitole, sede del Municipio della città dall’elegante facciata neoclassica e dalle maestose sale da ricevimento affrescate. A breve distanza si trovano poi il Convento dei Giacobini, capolavoro d’arte gotica meridionale che custodisce le spoglie di San Tommaso d’Aquino, e la Basilica Saint-Sernin, Patrimonio UNESCO tra i più grandi edifici romanici dell’Occidente e recentemente impreziosita dalla nuova vetrata dell’artista di fama internazionale Jean-Michel Othoniel. Una passeggiata nei vicoli della città non può poi non condurre anche all’insolita Cattedrale di Saint-Étienne, nota soprattutto per l’affascinante organo sospeso a «nido di rondine» di inizi ‘600, al sontuoso Hôtel d’Assézat, gioiello del Rinascimento francese, progettato nel ‘500 come palazzo urbano di un ricco mercante e oggi eminente sede culturale, e, infine, affacciato sulla Garonna, all’Hôtel-Dieu Saint-Jacques, antico ospedale che oggi ospita gli uffici amministrativi dell’ospedale universitario della città, centri di ricerca e il museo della medicina.

I centri artistici contemporanei: eredità culturale e i suoi frutti

Un’eredità culturale e artistica non fine a se stessa, ma che ha saputo dare frutto anche in tempi moderni, a partire dalla Fondation Bemberg, gioiello d’arte e storia ospitato nell’elegante cornice dell’Hôtel d’Assézat.

Questa galleria d’arte conserva l’eclettica collezione di Georges Bemberg, raffinato uomo di cultura, letteratura e musica, che ha raccolto capolavori pittorici, sculture, mobili d’epoca e oggetti d’arte di varie epoche. Dai colori vibranti della pittura francese del XIX e XX secolo alle preziose atmosfere della Venezia del XVI e XVIII secolo, ogni sala racconta un diverso frammento di storia. Quest’anno, fino al 27 luglio, la Fondation Bemberg si arricchisce con “D’or et d’éclat, le bijou à la Renaissance”, una mostra dedicata ai fasti della gioielleria rinascimentale.

Altra gemma culturale è il Museo des Abattoirs, che incarna alla perfezione il dialogo tra passato e presente con un’altissima energia creativa. Un tempo mattatoio, l’edificio è stato riconvertito in un polo di arte moderna e contemporanea, che espone installazioni immersive di artisti emergenti, sculture visionarie e opere che sfidano le convenzioni, ma anche mostre di rinomati artisti del Novecento, come Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Niki de Saint-Phalle e altri maestri. A rendere ancora più speciale questo luogo è il suo legame con la città: eventi, workshop e mostre temporanee lo trasformano infatti in un punto di riferimento per turisti ma anche per gli abitanti.

Uno sguardo proiettato al futuro: innovazione e tecnologia, tra aerospazio e creatività

Non solo un forte legame con le sue antiche radici, ma anche uno sguardo ben puntato sul futuro, grazie alle numerose eccellenze aerospaziali che fanno della città il maggior hub europeo del settore. Tolosa, infatti, ospita la sede di Airbus, del sistema satellitare SPOT, il cluster di aziende dell’Aerospace Valley e il Centro Spaziale di Tolosa (CST), il più grande centro spaziale nazionale in Europa. Per un’immersione totale, non può mancare una visita alla Cité de l’Espace, sito unico in Europa in cui ci si avvicina in modo ludico (ma scientifico al tempo stesso) ai misteri dell’universo: si possono scoprire le sfide a cui si preparano le agenzie spaziali, esplorare le riproduzioni del terreno marziano, ammirare le immagini catturate dal telescopio James Webb e vivere l’esperienza immersiva LuneXplorer, per provare in prima persona le sensazioni degli astronauti durante una missione sulla Luna.

Ma la matrice innovativa di Tolosa si può scoprire anche cambiando settore e visitando la Halle de la Machine, area espositiva di 5.000 m² nel sud della città: ospita circa 150 automi – di cui alcuni giganteschi, spesso ispirati a personaggi mitologici come il Minotauro e sua sorella Arianna in forma di ragno – creati in oltre 20 anni dalla compagnia teatrale La Machine per esibirsi in giro per il mondo. Fondata nel 1999 dal direttore artistico François Delarozière, questa troupe di macchinisti-performer mette in moto gli enormi macchinari, vere e proprie architetture viventi, in spettacoli che sfruttano gli spazi urbani come palcoscenico. Per entrare in stretto contatto con loro, ogni giorno i viaggiatori possono ad esempio salire sul dorso del Minotauro Astérion (creato appositamente per Tolosa per l’apertura della Halle de la Machine nel 2018), mentre percorre a grandi passi gli spazi circostanti. Per un’esperienza ancora più originale, prenotando online nel weekend e in specifiche altre date, da non perdere la messa in scena della performance “Déjeuner des Petites mécaniques” (“Pranzo delle Piccole Meccaniche”), che unisce arte teatrale e culinaria, trasformando la Halle de la Machine in una grande tavola imbandita per 24 commensali-visitatori, serviti da queste incredibili macchine di scena.

La dolce vita occitana, tra mercati cittadini e ingredienti tipici

La vera essenza di un territorio la si può abbracciare appieno immergendosi anche nelle sue tradizioni enogastronomiche, depositarie di saperi antichi ma sempre attuali. Per scoprire la grande ricchezza e diversità dei prodotti occitani, a Tolosa bisogna partire dai mercati cittadini, come il Marché Victor Hugo, il più grande emporio coperto di Francia. Qui, si possono assaporare i principali piatti tipici locali: l’immancabile foie gras, il filetto d’anatra, il cassoulet toulousain (ricetta a base di salsiccia, anatra e fagioli), la salsiccia di maiale e, dulcis in fundo, squisiti dessert come la Fènetra, crostata di albicocche, con cubetti di limone candito e mandorle. La ciliegina sulla torta è la violetta, il fiore simbolo di Tolosa, che sorprende con i suoi tocchi delicati, svelando un lato gourmet in caramelle, cioccolatini e liquori.

Altra destinazione d’eccellenza per esplorare i sapori occitani è Les Halles de la Cartoucherie: ex fabbrica di munizioni, oggi riconvertita in uno spazio polifunzionale, è anche un paradiso per gli amanti del buon cibo, proponendosi come punto d’incontro e di scoperta gastronomica che ogni anno accoglie oltre un milione di visitatori. Per chi poi cercasse una modalità originale e coinvolgente di vivere la scoperta sensoriale della città, a Tolosa sono organizzati gustosi food tour per le vie del centro storico, che, con diverse proposte tematiche, prevedono scoperte culinarie uniche e incontri autentici con appassionati artigiani del gusto locali.

La sostenibile leggerezza tolosana, città dal cuore green

Se la “dolce vita” tolosana si vive già nel centro storico pedonale, tra vicoli, piazze vivaci e caffè all’aperto, con la bella stagione l’atmosfera distesa si può assaporare anche nei numerosi polmoni verdi della città: ideali per passeggiare, fare yoga o semplicemente rilassarsi, il Jardin des Plantes e il Giardino del Gran Rond, ad esempio, sono oasi perfette dove rifugiarsi lontano dalla frenesia quotidiana. Tra le mille sfumature di cui si colora la città, colpisce l’affascinante Giardino Giapponese, che fiorisce tra fine marzo e inizio aprile, offrendo un angolo di pace ispirato alla tradizione del Sol Levante.

L’anima green della città è poi armoniosamente legata al fiume Garonna, le cui sponde sono ombreggiate da platani secolari, e al Canal du Midi, Patrimonio mondiale dell’UNESCO, che unisce l’Atlantico al Mediterraneo: ideale da scoprire in bicicletta o a piedi, in estate si può percorrere anche con escursioni in barca. Da non dimenticare le altre opzioni per visitare la città in modo slow e sostenibile, come i silenziosi trenini e tuk-tuk elettrici, per muoversi in modo originale e a basso impatto ambientale.

Tolosa e oltre: i grandi siti dell’Occitania

Vero e proprio scrigno ricco di tesori, ampliando lo sguardo, Tolosa è però anche il punto di partenza perfetto per esplorare la regione dell’Occitania, terra ricca di storia, cultura e paesaggi pittoreschi. Qui, tra borghi medievali e meraviglie naturali, riecheggia il retaggio culturale della langue d’Oc, lingua romanza che diede voce ai trovatori, compositori ed esecutori di poesia lirica del Medioevo, che tra il XI e il XII secolo cantarono l’amore e l’avventura.

Per addentrarsi in questo ricco patrimonio storico, andando verso nord anche in treno, si incontra Montauban, città natale del pittore Jean-Auguste Dominique Ingres, celebrato in un museo a lui dedicato. Un’immersione nell’arte che prosegue ad Albi, Patrimonio dell’UNESCO, terra natìa di un altro maestro della pittura, dalla fama internazionale: Henri de Toulouse-Lautrec, che con il suo genio e con le sue pennellate vivaci e audaci ha immortalato le notti parigine di Montmartre. Proseguendo verso sud, il viaggio si tinge di magia a Carcassone, borgo medievale che sembra uscito da un libro di fiabe: tra mura fortificate, torri merlate e bastioni, questa cittadella, anch’essa Patrimonio dell’UNESCO, regala un’esperienza fuori dal tempo.

Ma l’Occitania, oltre che ricca di storia, è anche un vero paradiso per chi voglia concedersi avventure nella natura. A poca distanza da Tolosa, infatti, si aprono scenari spettacolari: dalle cime maestose dei Pirenei, dove immergersi in escursioni tra fitti boschi, ammirare cristallini laghi e cimentarsi con sport all’aria aperta, fino alle dorate spiagge e alle alte onde della maestosa costa atlantica.

Per maggiori informazioni: www.toulouse-tourisme.com/en

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

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Il mood della movida tra art week e design week

T. Chiochia Cristina — Fri, 11 Apr 2025 15:45:20 +0000

Milano va di moda. Parte della identità urbana (e sociale) e degli eventi internazionali che vi si realizzano, è una città stessa che , grazie alle suggestioni degli eventi contenitori chiamati “week” (milano fashion week, design week, art week ecc..), offre a milanesi e non , di immergersi in contesti metropolitani unici che evocano i mood delle grandi città europee: un pò Berlino (la zona sud dove sorgerà il polo delle olimpiadi invernali 2026), un pò Parigi (i boulevard di Porta Venezia), si aprono anche a quelle internazionali come Pechino (la zona di paolo sarpi con chinatown), o araba (in viale monza). Lungi dall’essere avulsa da questa, ecco che il mood della movida milanese però resiste ed anima la città trasversalmente con eventi unici che accompagnano grandi manifestazioni internazionali e dove appunto i turisti e stranieri in città per seguire le fiere più note del settore moda , design e arte, rendono Milano un modo di vivere e di sentirsi vivi. Con forse qualche disservizio in più al traffico cittadino, ma rendendola dinamica , divertente ed unica a qualsiasi ora del giorno e della notte.

Torna insieme alla primavera , la movida milanese insomma per l’art week con oltre 350 appuntamenti dal 1 Aprile a domenica 6 aprile 2025 e la design week da lunedì 7 aprile al 13 aprile 2025 praticamente ovunque in città e che ruoterà attorno alle due fiere internazionali ivi presenti di Mi-Art presso Allianz Mico dal 4 al 6 aprile, e il Salone del Mobile presso Fiera Milano Rho dall’8 al 13 aprile 2025.

I due grandi appuntamenti offriranno appunto lo scenario non solo per nomi noti dell’arte contemporanea e del design italiano ed internazionale, ma lo spunto per tutta una serie di eventi in città “satelliti”, tra cui il famosissimo e frequentatissimo “fuorisalone” , tutti animati da vernissage, feste , talk ed incontri con cockatail party e tanta moda. Ma non solo.

Una sorta insomma di movida milanese unica e frequentatissima da chiunque abbia voglia di ricercare nei tantissimi eventi proposti, qualcosa che lo accomuni alla voglia di riappropriarsi di una identità artistica e culturale sempre più incentrata nella esplorazione ed economie dell’esperienza appunto, diventeranno arte, moda e design da ammirare ed osservare da tutti in una sorta di rito collettivo festoso durante tutto il giorno, da assaporare.

Quest’anno i ricchi palinsesti si arricchiscono anche di un nuovo modo di esplorare mondi e novità tecnologiche, dove la scienza e lo spazio accedono direttamente ai progetti umani, umanissimi di tanti artisti, design e autori, che divengono sempre più immersivi e “intelligenti”ma dove l’esperienza umana del comfort e discomfort diventa progetto di innovazione tra natura, arte e design. Ne sono un bellissimo evento durante l’art week (che ammicca a tanti temi sociali), la presenza in città e protagonista di una mostra installazione di Fabrizio Ferri (a cui hanno partecipato molti divi di hollywood), dell’attrice americana Susan Sarandon presso il Museo di Storia Naturale , parla della distruzione degli oceani e del miliardo delle tonnellate di plastica abbandonati durante la presentazione della installazione “Breathtaking” del fotografo Fabrizio Ferri. Foto ed installazione sconcertante sul tema delle microplastiche negli oceani. Oppure la presenza a Fondazione Rovati della bellissima mostra e il ricchissimo catalogo sugli Etruschi (inaugurazione 2 aprile) dal titolo evocativo “Etruschi del Novecento“, con il Mart che idealmente cosi prosegue la mostra appena conclusa nella città di Rovereto ed a cura di Lucia Mannini, Anna Mazzanti, Giulio Paolucci, Alessandra Tiddia e dove forme, tecniche di metallo , terracotta dipinta e lo splendido bucchero, trasformano materiali nobili tradizionali in progetti di design innovativi ma dal sapore antico o, nel padiglione di Arte ,dal 26/3 al 13/4, il progetto di Matteo Cibic per la design week , dal titolo Lakapoliesis.

La movida milanese insomma traccia itinerari dove il popolo della movida si riconosce in ambienti e novità. Dove tra gadget, caffè e divertimento anche il passante può partecipare ad un rito collettivo in una città sempre più dinamica e metropolitana con eventi interessanti a volte anche oltre il palinsesto degli eventi ufficiali come il progetto Munari TTB alla libreria Eldolodo dal20/3 al 13/4 unari TTB – Bruno Munari e il progetto della collana Tantibambini, a cura di Michela Dezzani e Bice Dantona. Ne è un altro esempio la seconda fiera di arte di Mega Art Fair dal 2 al 6 aprile in una location fuori dagli schemi e un’atmosfera molto informale e dal sapore di recupero urbano nella zona south of Prada .

Concluendo il mood della movida milanese durante la art week e design week traccia un cammino fatto di “district”, appunto, fatto di strade, boulevard e negozi ma dove è la natura a fare da padrona basti pensare che il cuore della manifestazione fuorisalone è appunto il progetto Cre-Action ovvero un dialogo concettuale che viene creato con un filo immaginario alla Biennale di Architettura 2025 che, come dice il comunicato stampa si basa sul “concept curatoriale di Cre-Action si collega ai sottotemi della Biennale di Architettura di Venezia, curata da Carlo Ratti: Naturale, Artificiale, Collettiva.

Leggi anche: Di cosa parlerà la Biennale di Architettura 2025 a cura di Carlo Ratti.Ai creatori viene infatti richiesto di reinterpretare il tema di Creatività e Azione declinandolo all’interno di questi tre ambiti fondamentali per l’attività umana:il naturale (relativo al paesaggio)l’artificiale (connesso alla produzione e alla manifattura industriale e artigianale)il collettivo (progetti corali orientati all’innovazione sociale) o il progetto del siciliano Salvatore Garau con Corpo non corpo, mostra a cura di Milo Goj che parla appunto dell’età della convergenza. Quindi sono appunto le ombre di una vegetazione sempre più ricercata, in particolare in contesti come quelli metropolitani cittadini, che diventano infine spazi di progetto. E cosi, immersivi e da esplorare, spesso sperimentali, poetici e filosofici che si affacciano sul futuro con curiosità e, perchè no, riconoscenza il mood della movida milanese si fa arte e design per insegnare forse una volta di più e qualora ce ne fosse bisogno, quel confine invibile di uno spazio liminale immaginario dove il reale e l’irreale si dissolve, lasciando spazio alla fantasia presso.

di Cristina T. Chiochia per DailyMood.it

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Wash Less di Fabio Novembre, la sedia dei vestiti assume un’estetica consapevole

Elena Parmegiani — Wed, 12 Mar 2025 09:38:23 +0000

Un progetto che nasce dal desiderio di promuovere uno stile di vita sostenibile e consapevole, ma anche di apportare un nuovo ordine ad un caos dato molto spesso dalla vita frenetica di tutti i giorni. Fabio Novembre, archistar dall’estetica potente, tra i designer più acclamati a livello internazionale, firma in collaborazione con Whirlpool e Natuzzi, la poltrona Wash Less. Il concetto è semplice ed immediato e mira a cambiare un’abitudine radicata in noi. In ogni camera da letto c’è una poltrona o una sedia, la cosiddetta Laundry Chair, dove quotidianamente, al nostro ritorno a casa a fine giornata, appoggiamo una serie di indumenti sopra, non del tutto puliti, ma nemmeno ancora sporchi, una sorta di limbo inconsapevole, che ha lo scopo di essere un confortevole e rassicurante rimandare la scelta tra l’inserire i vestiti in lavatrice o riporli in maniera ordinata nell’armadio. La Wash Less è una speciale poltrona che, grazie alle ramificazioni presenti sul retro, consente di appendere gli abiti non completamente lindi, ma non ancora pronti per la lavatrice. L’ultima indagine condotta da Ipsos, infatti, svela che il 24% degli italiani lava i vestiti dopo un solo utilizzo. L’obiettivo di Whirlpool è quello di modificare questo comportamento ed apportare un cambiamento negli usi e nei costumi di tutti noi, grazie ad un design accattivante che mira a ridurre i lavaggi frequenti, fa risparmiare acqua ed energia e limita i danni alle fibre dei nostri abiti prolungandone la vita. The Wash Less Project si propone di sostituire con eleganza la Laundry Chair, non è solo una sedia, è un oggetto di design funzionale ed è esteticamente attraente. Incorpora materiali sostenibili e tecnologia avanzata, con una struttura in acciaio durevole e un rivestimento in Ecoplen®, un tessuto autopulente brevettato realizzato con bottiglie PET riciclate che purifica l’aria ed elimina gli odori. La sedia può essere usata anche come servo muto con una struttura scultorea che si estende dallo schienale, fungendo da appendiabiti e che rilascia nanoparticelle di TiO2 igienizzanti per pulire le fibre dei tessuti. Il rivestimento in Ecoplen® bianco caldo, facile da pulire, include lo slogan ricamato “”Wash Less”, che promuove abitudini sostenibili e consapevoli. Questa poltrona, impreziosita con supporti in acciaio verniciato floccato, simboleggia un valido impegno verso la consapevolezza ambientale. “Il design è uno strumento per plasmare e definire gli oggetti, e scegliere di adornare una comoda seduta con forme che ricordano i palchi di cervo significa adottare il simbolo della rigenerazione di quell’animale” – dichiara Fabio Novembre – “Si tratta di una sorta di promemoria quotidiano della sostenibilità, del nostro rapporto con il mondo naturale e della nostra relazione con i vestiti che indossiamo. “Lavare meno” diventa un mantra con cui confrontarsi ogni giorno prima di sprecare inutilmente risorse preziose”. Non solo quindi un oggetto di design, ma un simbolo che mira ad apportare uno stile di vita più autentico ed attento in tutti noi.

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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La Mostra di Munch a Roma: le influenze nel mondo della moda dell’artista rivoluzionario

Elena Parmegiani — Fri, 14 Feb 2025 10:52:56 +0000

Roma accoglie con immenso entusiasmo la mostra dedicata ad Edvard Munch che, dopo essere stata ospitata a Palazzo Reale a Milano, arriva a Palazzo Bonaparte. Ad inaugurare l’esposizione dedicata ad uno degli artisti più controversi e visionari della storia sono intervenuti il Presidente della Repubblica, Sergio Mattarella e la Regina Sonja di Norvegia. Fino al 2 giugno 2025 si potranno ammirare ben cento opere provenienti dal Munch Museum di Oslo, una monografia che ritorna nella Città Eterna a distanza di oltre vent’anni dall’ultima mostra a Roma dedicata all’artista norvegese carico di pathos e dallo spirito inquietante per la profondità emotiva delle sue opere. “Non dipingerò più interni con uomini che leggono e donne che ricamano. Dipingerò la vita di persone che respirano, sentono, soffrono e amano”. La pittura priva di emozioni, quella che riflette una realtà che tutti possiamo vedere, non aveva senso per Munch. L’artista riteneva che l’arte più preziosa fosse quella che nasceva da dentro, quindi doveva riflettere la paura, il dolore e l’amore. La mostra, prodotta da Arthemisia, si articola in un percorso affascinante che raccoglie opere, tra dipinti, litografie e fotografie, che ci conducono attraverso le tappe fondamentali della carriera di Munch, dall’infanzia tragica alla ricerca dell’anima umana. Un viaggio che esplora i temi universali della vita, della morte, dell’amore e del dolore, tematiche che il precursore dell’Espressionismo ha saputo esprimere con una potenza emozionale unica. Sono ben sette le sezioni della mostra, curata da Patrizia G. Berman, che raccontano uno degli artisti più apprezzati al mondo. Tra i dipinti più emblematici La morte di Marat (1907), Notte stellata (1922–1924), Le ragazze sul ponte (1927), Malinconia (1900–1901), Danza sulla spiaggia (1904), nonché una delle versioni litografiche de L’Urlo (1895). Munch ha saputo raccontare come pochi l’isolamento e la solitudine, ma anche la bellezza sfuggente dei legami umani. Le sue opere raccontano un mondo interiore complesso, fatto di pulsioni contrastanti, di amori impossibili e di una profonda riflessione sulla condizione umana.

Edvard Munch e la sua influenza sul mondo della moda: un incontro tra arte e design

Munch ha lasciato un’impronta indelebile non solo nell’arte, ma anche in altri ambiti, tra cui la moda. Il suo stile unico, caratterizzato dall’espressionismo e dall’uso di colori intensi e forme distorte per rappresentare emozioni e inquietudini interiori, ha ispirato designer che hanno visto nelle sue opere non solo una grande profondità emotiva, ma anche una visione audace della condizione umana. Alexander McQueen ha spesso esplorato temi di morte, angoscia e bellezza inquietante nelle sue collezioni, e il legame con le emozioni di Munch è evidente. McQueen ha utilizzato il concetto di contrasto tra luce e ombra, insieme a uno stile drammatico e sensuale, che richiama le stesse tensioni emotive presenti nei dipinti di Munch. Le sue sfilate, tra l’opulenza e il tormento, sembrano riecheggiare il mondo simbolico e oscuro che l’artista norvegese ha saputo rappresentare. John Galliano, durante il periodo in cui era direttore creativo per Dior, ha realizzato dei look che sembravano incarnare lo stesso spirito visionario di Munch. La sua attitudine teatrale, con silhouette drammatiche, accenti gotici e un forte uso dei colori, ha riportato in passerella il concetto di angoscia emotiva. Anche la fusione di eleganza e dissonanza visiva nei suoi abiti può essere vista come una reinterpretazione moderna delle emozioni di Munch. Rei Kawakubo, la fondatrice del marchio giapponese Comme des Garçons, ha spesso utilizzato elementi di distorsione nelle sue collezioni, riflettendo una sensazione di alienazione che richiama le opere di Munch. Giorgio Armani, sebbene sia noto per il suo stile elegante e sofisticato, in alcune delle sue collezioni più recenti mostra una chiara sensazione di intimità e vulnerabilità, qualità che ricordano le opere più introspettive di Munch. L’uso di colori scuri e il taglio morbido dei suoi abiti potrebbero essere visti come un omaggio alla solitudine e alla riflessione interna che l’artista norvegese rappresentava nei suoi dipinti. Uno degli aspetti più affascinanti della moda ispirata a Munch è proprio l’uso del colore. Nelle sue opere, infatti, utilizzava il colore non solo per rappresentare la realtà visibile, ma per esprimere l’intensità dei sentimenti. Il rosso e il nero, colori drammatici per eccellenza, sono frequentemente utilizzati nelle collezioni che si ispirano alla sua arte, trasmettendo sensazioni di conflitto, passione e dolore. Gli stessi colori appaiono spesso in contrasto con toni più tenui e delicati, evocando il gioco tra serenità apparente e turbamento interiore che Munch esplorava nelle sue composizioni. Attraverso il colore, la forma e l’impatto visivo, il pittore norvegese continua a ispirare una nuova generazione di stilisti che, a loro volta, plasmano il futuro della moda con una sensibilità che trascende il semplice abito, cercando di catturare l’essenza più profonda dell’essere umano.
Crediti copertina: Edward Munch, Death in the sickroom, 1893 – olio su tela – 134,5×160 cm, Photo © Munchmuseet

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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