Quando una rapina multimilionaria va storta, la truffatrice Lucky (Anya Taylor-Joy) è costretta a darsi alla fuga. Braccata sia dall’FBI che da uno spietato boss criminale, Lucky deve lottare per la propria vita e per trovare una via d’uscita. Eppure sembrava tutto perfetto. Poche ore prima avevamo visto Lucky, ed era completamente diversa. I capelli più lunghi e castani, un vestito corto e attillato di lamé. Una bottiglia di champagne da stappare con il proprio compagno. In Dreams di Roy Orbison, famosa per Velluto blu di David Lynch, da ballare stretti stretti. Tutto sembrava andare bene. Ma non è andata così.

Lucky vive soprattutto sul volto e sul corpo di Anya Taylor-Joy. È un’attrice dal fisico esilissimo. E dal volto unico, scavato e sensuale. Con quegli occhi enormi, verde giada, e molto distanti tra loro. Si dice che sia sintomo di poca bellezza, come in fondo si dice della bocca piccola e delle labbra sottili. Non è vero. Anya Taylor-Joy è fatta per smentire tutte queste teorie, per diventare una bellezza allo stesso tempo aliena e, soprattutto in una serie come questa, molto concreta.

La sua Lucky sembra un personaggio di un film di Luc Besson, noto per i ritratti di donne forti e artefici del loro destino, coraggiose e muscolari. Così come sembra un film di Luc Besson, per ritmo e visione, tutta la storia a cui assistiamo. C’è anche qualcosa di Hitchcock, non nello stile ma nei temi. Il personaggio giovane e innocente in fuga è un classico del regista inglese. Qui innocente Lucky non lo è completamente. È una truffatrice, certo. Ma abbiamo visto che è stata a sua volta fregata dal suo compagno. Per questo, e per il fatto che il punto di vista sposato è il suo, Lucky ha da subito la nostra simpatia. E quella del regista. Anche questo è un meccanismo che viene da Hitchcock: pensate a Psycho e al personaggio di Janet Leigh, in fuga dopo aver sottratto al suo capo un’ingente somma di denaro. Anche lei è colpevole, ma stiamo dalla sua parte.

La regia è sempre su di lei, spesso la macchina da presa la accarezza con primi o primissimi piani in grado di scrutare quegli occhi così particolari. Mentre, alla fine del primo episodio, basta una telefonata per costruire una backstory in grado di farci appassionare ancora di più al suo personaggio. Mentre un accendino, nel buio, si ricollega a una delle prime scene dell’episodio e chiude un cerchio. Non ci resta che seguire la fuga di questa nuova eroina che ci ha portato Apple Tv, lo streamer dalle produzioni sempre impeccabili. I primi due episodi sono disponibili, poi ne vedremo uno a settimana. Buona fortuna, Lucky.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Nella sua prima stagione, Elle segue Elle Woods (Lexi Minetree) prima che diventi un pesce fuor d’acqua ad Harvard. La incontriamo nel 1995, come un pesciolino nelle acque agitate del liceo, alle prese con amicizie complicate, storie d’amore proibite e scelte di moda discutibili. Tutto nella sua vita cambia, infatti, quando il padre, chirurgo estetico, perde reputazione e lavoro per un naso rifatto male ad un’attrice. E così deve trasferirsi a Seattle con tutta la famiglia. Elle si affida alla sua famiglia come punto di riferimento e rafforza il legame con la madre, dimostrando che insieme possono superare qualsiasi cosa la vita riservi loro, purché abbiano l’una l’altra. Ad ogni sfida che affronta, Elle si avvicina sempre di più alla Elle Woods che conosciamo e amiamo oggi.

Quello che dà forza alla serie è il sentimento del contrario. Tutto, a Seattle, è diverso. Piove ogni giorno, tutti vestono di nero, con jeans, anfibi e camicie di flanella a quadri, nessuno bada alle apparenze e tutti alla sostanza. “Mi sento così bionda” dice la nostra Elle, che veste ancora completamente di rosa. Il senso della serie sta tutto qui. Nel ribaltamento dei ruoli, delle situazioni. La classica reginetta della scuola, la popolare, la bionda, la bella in rosa di tanti film qui diventa, di colpo, il suo contrario. Per il posto in cui si trova, è lei la strana, l’impopolare, la diversa. Quella che, come vediamo da sempre nei film, non trova dove sedersi a tavola perché i posti sono occupati. E le popolari che negano il posto qui sono altre. Anche per il padre le cose si sono ribaltate. “Alla gente piace il proprio naso. Andrà meglio quando il grunge sarà passato” dice.

Capiamo subito che quella di Elle è una storia sull’identità, un romanzo di formazione che però non procede in maniera classica. Almeno, non all’inizio. C’è, come in ogni racconto di questo tipo, una protagonista che deve trovare il proprio posto nel mondo. Solo che la nostra Elle il suo posto lo aveva già trovato, ma lo ha perso e deve ricominciare tutto da capo. È una questione di orientamento, di coordinate da ritrovare, di una serie di comportamenti da resettare. Ci si chiede se Elle sceglierà di tornare a Los Angeles o di giocarsi le sue carte a Seattle. E se, in questo caso, si adatterà al modo di vivere e al look degli altri o sceglierà di farlo rimanendo se stessa.

Dicevamo di Seattle. È bello, in un teen drama di questo tipo, ritrovarsi nell’America di metà anni Novanta, quando, rispetto a quella di Beverly Hills 90210, era già cambiato tutto. È bello ritrovarsi in un negozio di dischi che ci ricorda quello di Alta fedeltà, di ascoltare discorsi su Kurt Cobain e i Nirvana, Chris Cornell e i Soundgarden, la Sub Pop gli Alice In Chains, ascoltare i R.E.M. e i Radiohead. Come si dice, appena abbiamo capito dove fosse ambientata la storia abbiamo detto il classico: ok, avete la nostra attenzione.

Certo, non è un film immersivo negli anni del grunge (per quello cercate e rivedetevi Singles di Cameron Crowe). E ai puristi del grunge non piacerà. Seattle e il grunge sono in realtà usati come un elemento funzionale al racconto, come l’ostacolo tra Elle e il suo mondo, l’espediente usato per metterla in difficoltà. Ma che siano presenti in un film di questo tipo non è per niente male. È bello vedere che il grunge sia storia. E anche un po’ triste, perché sono passati 30 anni e vuol dire che stiamo diventando vecchi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Abbiamo scelto di vederla in bianco e nero perché ci sembrava che avesse più senso così.  Spider-Noir è una serie live-action basata sul fumetto Marvel Spider-Man Noir. Racconta la storia di Ben Reilly (Cage), un navigato investigatore privato caduto in disgrazia nella New York degli anni Trenta, che a seguito di una tragedia profondamente personale, è costretto a fare i conti con il suo passato di unico supereroe della città. È un racconto che ha senso vedere in bianco e nero perché sono le tinte in cui ha vissuto quel cinema lì, il glorioso noir americano, l’hard boiled, il cinema dei detective alla Marlowe. Personaggi che sono antieroi, perdenti e tormentati, soli e stropicciati.

Vedere Spider-Noir in bianco e nero significa quindi immergersi in un mondo, Quello dei chiaroscuri, delle luci e delle ombre che si incontrano e si scontrano del bianco  e nero che dai netti contrasti che dividono lo schermo. Di quelle luci incidentali, quasi caravaggesche, che tagliano la scena. È quel mondo fatto dei quotidiani lanciati al mattino dagli strilloni, da sigarette su sigaretta avidamente consumate mentre si battono a macchina le notizie, dei personaggi che si muovono nei loro lunghi cappotti e i cappelli a tesa larga, dei banconi del bar e dei bicchieri di whisky bevuti uno dopo l’altro ogni notte.

Quella tra il fumetto e il noir degli anni Trenta e Quaranta sono mondi destinati a incontrarsi in modo naturale. Il bianco e nero è quello delle iconiche pellicole dell’epoca, rimaste fissate nell’immaginario collettivo come nella Storia del cinema, ma anche quello dell’inchiostro di china sul foglio bianco dei fumetti. Il risultato di Spider-Noir è in qualche modo vicino a Sin City e The Spirit, i film tratti dai fumetti di Frank Miller. Anche se, rispetto alle figure eccessive e larger than life di quei racconti, Spider-Noir si mantiene su un maggiore realismo. Che è proprio quello dei classici film

In un progetto di questo genere ci sta benissimo un volto come quello di Nicolas Cage, un attore che è stato definito prima di culto e sex symbol, ai tempi di Cuore selvaggio, poi mostro di bravura da Oscar, ai tempi di Via da Las Vegas, poi schermito per molte scelte discutibili e infine assurto di nuovo a personaggio di culto. Il suo volto è perfetto per incarnare quello di quei detective provati dalla vita degli anni Trenta e Quaranta. E, allo stesso tempo, ha i tratti somatici per essere anche il protagonista di un fumetto. Spider-Noir sembra essere un progetto fatto apposta per lui. Nel cast sono da segnalare Li Jun Li, nei panni della femme fatale, e Brendan Gleeson, perfetto nei panni del villain.

È interessante vedere come l’Uomo Ragno, tra tutti i supereroi, sia quello che, più di altri si presti a infinite reinvenzioni. Mentre quasi tutti gli eroi sono legati ai loro alter ego e alle loro storie, l’idea è che un ragno radioattivo, in teoria, possa mordere chiunque. E così l’Uomo Ragno, che siamo soliti associare a Peter Parker, e che sarà sempre questo personaggio, può essere anche altre persone. Così abbiamo conosciuto lo Spider-Man di Miles Morales, dai fumetti e anche dai film animati di Spider-Man: Un nuovo universo. E ora l’Uomo Ragno noir anni Trenta di Nicolas Cage. Il rischio di un progetto come questo è quello di fare più attenzione alla qualità e alla raffinatezza delle immagini, all’interpretazione di Cage, a una New York scintillante e vera protagonista della storia, che alla trama. A proposito di raffinatezza, abbiamo provato a vedere la serie anche nella versione a colori, e funziona molto bene anche quella. Ha i toni laccati dei primi film in technicolor, il gioco di luci ed ombre funziona, le luci di New York fanno la loro parte. Insomma, in qualunque modo la vogliate vedere, Spider-Noir ha un senso. A voi la scelta.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Golden Years di David Bowie risuona nell’auto di Sam mentre la sua famiglia lo sta portando in questa città speciale, solo per adulti. “Anni d’oro”, dicono le parole della canzone, che suona ironica e beffarda visto che parliamo di una storia nella terza età. Sam Cooper (Alfred Molina) in questo buen ritiro non ci sarebbe voluto venire. Era la moglie che aveva scelto questo posto arido, ai confini del deserto, nel New Mexico. Non amava gli inverni rigidi di Chicago. Ma è venuta a mancare. E Sam si trova da solo. Una volta era un ingegnere: ora è un “prigioniero”, come dice lui.

I Duffer Brothers sono ancora tra noi. E la loro cifra si mantiene. Siamo ancora in qualche modo negli anni Ottanta, non come ambientazione, ma come atmosfere. Non siamo nei film alla Spielberg o alla Stephen King di Stranger Things, ma in un altro mondo, quello di Cocoon. E siamo ancora in una storia che si muove tra naturale e soprannaturale. Le creature che vediamo sembrano un po’ dei demogorgoni: braccia lunghe, artigli. Anche qui i Fratelli Duffer scelgono come protagonisti dei personaggi agli estremi del ciclo vitale. Lì erano dei giovanissimi, qui sono persone alla soglia della terza età che, si sa, a volte sono come dei bambini. È un po’ come se dicessero: facciamo Stranger Things ma facciamo il contrario di Stranger Things.

Il protagonista assoluto è Alfred Molina, convincente, credibile, mattatore senza eccedere mai nei toni. Anzi, lavorando per sottrazione. Il suo rimanere incredulo, distaccato, alieno rispetto a questo mondo che sembra costruito per quelli come lui, è la vera forza del film. Quello di Sam Cooper è un topos narrativo: l’uomo che si sente nel posto sbagliato. Quello che, nonostante tutto sembri idilliaco, sente che c’è qualcosa che non va. Il Matto Shakespeariano. L’uomo che è uscito dalla caverna nel famoso mito di Platone. O, se volete, il Truman Burbank di The Truman Show. Accanto a lui, ci sono altri grandi attori, come Bill Pullman e una Geena Davis per cui gli anni sembrano non essere passati. È ancora bellissima. Ed è bello rivederla proprio nei giorni in cui, accanto a Susan Sarandon, campeggia sui manifesti del Festival di Cannes in un’immagine di Thelma & Louise.

The Boroughs è un luogo privato. È un mondo chiuso, che ha una sua polizia, un suo servizio sanitario. E un suo manicomio. Qualcuno volò sul nido del cuculo anche qui, insomma. E qualcuno scappò da lì, proprio come nel famoso film. È Edward, quell’uomo che parlava del gufo nel muro. Ma siamo sicuri che le cose che vede non esistano? Siamo sicuri che sia davvero matto?

I Duffer Brothers qui sono alla produzione, ma non alla scrittura (la sceneggiatura è firmata da Jeffrey Addiss e Will Matthews) alla regia, come erano solo produttori nella serie Something Very Bad Is Going To Happen. Come nelle loro serie precedenti, la produzione è ricca e curatissima, in ogni dettaglio: immagini perfette, ambientazione ricercata, grandi attori. E una grande colonna sonora, che va da David Bowie a Bruce Springsteen. Ma manca la magia, la suggestione, l’incanto, l’avvolgimento. Forse dipende anche dal target. Le passioni dei ragazzi cresciuti negli anni Ottanta ci ricordano come eravamo. Le sensazioni di questi personaggio anziani forse sono un po’ distanti da noi.

Ma The Boroughs è interessante perché parla del passato, dei ricordi e, soprattutto, del tempo. “Qui la gente viene per vivere. Tutti qui cercano di capire che cosa fare con il tempo che ci rimane. Che tu sia un giovane uomo o un anziano non ha importanza. Ma qui hai a disposizione non uno ma tre campi da golf da 18 buche l’uno. In quale posto trovi così tante mazze per sfogare la tua rabbia?”. È il discorso che Jack, il vicino di casa interpretato da Bill Pullman, fa a Sam per fargli capire il senso di tutto questo. Ma c’è un altro discorso, fatto da un medico, che ci è rimasto impresso e che dà ulteriormente il senso a quello che stiamo vedendo. “Il dolore rende il passato vicino a noi e rende il futuro troppo lontano”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Berlino e Damián riuniscono la banda a Siviglia per mettere a segno un colpo geniale: fingere di rubare la Dama con l’ermellino. Ma è una messa in scena, dal momento che il vero obiettivo sono un duca e sua moglie, una coppia che pensa di poter ricattare Berlino, ignorando che finiranno così per risvegliare il suo lato più oscuro e la sua sete di vendetta.

Quando avevamo ritrovato Berlino, in occasione della serie a lui dedicata, eravamo a Parigi. Ed eravamo in un mondo diverso, non più cruento e passionale come quello de La casa di carta, ma in una sorta di giallo-rosa, una storia ispirata a certi film di un tempo, come Caccia al ladro e Sciarada, o, se volete restare a casa nostra, I sette uomini d’oro. Berlino, insomma, era lontana da La casa di carta sia geograficamente che idealmente. La capitale francese invece della capitale spagnola, un tono leggero e colori più tenui al posto di toni più drammatici e di quel rosso carico. Qui, in parte, si torna indietro. Evidentemente Álex Pina e Esther Martínez Lobato devono aver avuto voglia di casa, oppure aver letto dei feedback del pubblico. Così si torna in Spagna, di fatto il tratto distintivo dell’universo de La casa di carta, alla sua passionalità e alla sua follia. Non nella governativa e solenne Madrid, ma nella calda e fantasiosa Siviglia.

Ora. Berlino era qualcosa di nuovo, e ci era piaciuta proprio per la sua leggerezza, la sua freschezza, e il cambio di ambiente e di tono rispetto a La casa di carta, perché serviva marcare una differenza, staccarsi da una serie che, pur nel suo grande successo e in tutte le sue qualità, sembrava, in cinque stagioni, aver detto tutto. Nella seconda stagione di Berlino si sembra voler tornare un po’ indietro. Non solo la Spagna, ma alcuni momenti più cruenti, alcuni passaggi che sembrano svoltare più verso la telenovela che la commedia romantica. E quel vizio, che aveva La casa di carta, come lo hanno altre serie, di perdere tempo virando verso digressioni, diversivi, meline varie, che distolgono la serie dalla sua storia principale.

E poi c’è un altro aspetto. Pur puntando su un personaggio singolo, Berlino comunque è una serie che ha ricostruito la stessa struttura de La casa di carta: un colpo, un piano per metterlo in atto. E una banda. E così ritroviamo questi nuovi personaggi, una nuova famiglia che abbiamo accolto con piacere, la prima volta. Ritornano Damián (Tristán Ulloa), il professore filantropo e il consigliere di Berlino, Cameron (Begoña Vargas), la ragazza impulsiva, Keila (Michelle Jenner), il genio dell’ingegneria elettronica, Roi (Julio Peña Fernández), fedele seguace di Berlino, e Bruce (Joel Sánchez) l’instancabile uomo d’azione della banda. Il punto è che questi personaggi non hanno la profondità e il carisma della vecchia banda de La casa di carta, dove ogni carattere aveva una sua personalità decisa e una sua storia. Il Pedro Alonso di Berlino brilla di luce propria. Ma gli altri non riescono ad avere la nostra attenzione. C’è però una novità. È Inma Cuesta nel ruolo di Candela, nuovo membro della banda che farà perdere la testa a Berlino, e sembra altrettanto folle. E poi ci sono José Luis García-Pérez (Honor) e Marta Nieto (Madre) nei panni del Duca e della Duchessa di Malaga.

Rispetto alle altre stagioni de La casa di carta e Berlino c’è però una novità. È l’oggetto della rapina. Finora avevamo avuto a che fare con i soldi (intesi proprio come la carta moneta), con l’oro, con i diamanti. Qui ci sono le opere d’arte. E, per la prima volta, siamo davanti a qualcosa che non è soltanto economico. Lo capirete subito quando vedrete Berlino (che scopriremo grande intenditore) davanti ai quadri, in piena sindrome di Stendhal. Non solo Leonardo Da Vinci, ma Caravaggio, Cezanne, Modigliani. C’è dunque un sottotesto. Si parla di quanto l’arte possa essere benefica, salvifica: il bello che può fare bene alle persone. E quindi, se deva essere possibile che tutti la vedano invece che un beneficio per pochi.

Ma l’universo de La cada di carta non finisce qui. Nei giorni scorsi, a Siviglia, lungo il fiume Guadalquivir, migliaia di fan hanno assistito al momento in cui una barca piena di persone vestite con le iconiche tute rosse e le maschere di Dalí ha navigato lungo il fiume al ritmo di Bella Ciao. È un segnale. Le storie de La casa di carta non finiranno con Berlino e la dama con l’ermellino. Ci sarà una terza stagione di Berlino? Una nuova stagione de La casa di carta? Uno spin-off? Quello che è certo è che La casa di carta non muore mai.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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“Volete sapere cosa è stato per me crescere a Gilead? Mi vergogno di dire che ho creduto a Gilead, un tempo. È più facile accettare una storia per bambini piuttosto che credere che le persone che hai attorno siano mostri”. Sono le prime parole che sentiamo dalla voce narrante di Agnes, alias Hannah. E il senso di The Testaments è tutto qui. È la stessa storia di oppressione di The Handmaid’s Tale, ma vista dall’interno, da chi è teoricamente una persona ricca e privilegiata. E vista con gli occhi di una persona che si sta formando, e che in quel mondo è cresciuta, invece che da una donna matura che in quell’incubo è stata trascinata all’improvviso, e arrivando da un mondo in cui, una volta, esisteva la libertà. Ecco, The Testaments è Il Racconto dell’Ancella disegnato con tinte meno accese, con colori pastello, con un altro tono narrativo, più soft, ma solo in apparenza. Ma quei colori tenui hanno senso proprio perché sono quelli della casa delle bambole in cui vivono le ragazze: apparentemente bella e accogliente, in realtà una prigione, per quanto dorata, e una finzione a tutti gli effetti.

In The Testaments assistiamo alle vicende delle giovani adolescenti Agnes (Chase Infiniti), obbediente e devota, e Daisy (Lucy Halliday), una nuova arrivata, convertita, proveniente da oltre i confini di Gilead. Mentre si muovono tra le sale dorate della scuola preparatoria d’élite per future mogli di Zia Lydia (Ann Dowd), un luogo in cui l’obbedienza viene instillata brutalmente e sempre con motivazioni religiose, il legame che le unisce diventa il catalizzatore che stravolgerà il loro passato, il loro presente e il loro futuro. A proposito di Zia Lydia, vedremo anche il suo punto di vista.

Avevamo appena provato un senso di sollievo per il finale di The Handmaid’s Tale, andato in onda la primavera scorsa, con la caduta di una grande parte di Gilead, e la libertà della protagonista, June Osborne. La libertà, lo avevamo capito, non era però completa. La storia si era conclusa senza che June si fosse potuta riunire alla figlia Hannah. The Testaments, finalmente, ci fa ritrovare Hannah e capire qual è la sua vita. Ma tornare a Gilead, anche se anni dopo, anche se in un’altra situazione, è molto doloroso. Siamo di nuovo precipitati nell’incubo. Sì, siamo ancora dentro al Racconto dell’Ancella. E capiamo, se ancora ce ne fosse bisogno, che, a Gilead la vita è dura non solo per le ancelle, ma per qualunque donna.

In The Testaments capiamo che anche le donne che partono da una posizione privilegiata non c’è speranza. Sono giovani donne senza scelta, senza prospettive, senza futuro, se non quello di vedersi sposate ai dei comandanti, spesso uomini molto più vecchi di loro. “Io non voglio sposarmi, non voglio un marito”, sentiamo dire a uno dei personaggi. Capire tutto questo, e poi guardarsi intorno e capire che nel mondo, nella realtà, questo accade davvero per molte donne, è qualcosa che fa davvero male.  Vedere che tutto accada in America, cioè in quella civiltà occidentale che di fatto è la nostra, lo rende ancora più evidente e difficile da sopportare.

Non c’è più, dunque, la violenza palese, insistita di The Handmaid’s Tale. Ma è ancora violenza anche questa che è perpetrata verso le giovani ragazze, rinchiuse in un rituale, in un futuro, in un destino già scritto. Essere delle spose promesse in matrimoni combinati, essere vittima di molestie, prima sottili poi sempre più decise. Quello di Gilead è un futuro distopico, ma in fondo è molto vicino a noi, è un sistema retto dal patriarcato, accettato da un’intera società. È qualcosa che possiamo vedere nettamente in alcune società del mondo. Ma, in fondo, anche in quelle in cui viviamo. In The Testaments tutto è più sottile rispetto alla serie precedente, ma tutto è egualmente crudele, se non di più. È inquietante perché mette in scena una società dove la libertà sta sparendo a ogni livello. E se non fosse distopia, ma l’America di oggi?

Ma non è solo la limitazione della libertà ad essere attuale. Lo è anche la strumentalizzazione della religione per creare esclusione, controllo, guerra, violenza. Uno dei momenti più inquietanti della serie è la pena inflitta a un giovane uomo che ha usato toccarsi, tra le acclamazioni delle giovani ragazze, che sono state indottrinate ad arte per condannare certi comportamenti che invece fanno parte della natura umana. In quel momento sembra di assistere ai due minuti d’odio raccontati da Orwell in 1984, non a caso un grande e lucido manifesto contro tutte le dittature. E così, in questa teocrazia che è Gilead, torniamo a sentire le insostenibili frasi che abbiamo ascoltato in The Handmaid’s Tale. “Sia benedetto il frutto”. “Possa il Signore schiudere”. “Sotto il suo occhio”. È un altro segno che siamo ancora lì, che siamo ancora prigionieri.

Avevamo lasciato Hannah in The Handmaid’s Tale. Ora la ritroviamo in The Testaments. Si chiama Agnes, ma è sempre lei. E a darle corpo e volto è una delle scelte di casting più felici degli ultimi tempi, la Chase Infiniti ammirata nel recente film da Oscar Una battaglia dopo l’altra. L’attrice ha un sorriso dolcissimo, gli occhi leggermente allungati e luminosi. La pelle ambrata e i capelli ricci la rendono immediatamente credibile come la Hannah che avevamo conosciuto nel Racconto dell’Ancella. Nel suo contegno, nella sua devozione, nella sua cortesia, si riescono a leggere una luce, un desiderio di amore e libertà, un senso di rivolta. In una serie che ha un intero cast che funziona, è lei l’anima di tutta la storia.

È una storia che, come The Handmaid’s Tale, nasce dalla penna di Margaret Atwood, e dal suo omonimo romanzo. Ma non era certo facile continuare una storia come Il Racconto dell’Ancella che continuasse quel mondo e che fosse allo stesso tempo una storia nuova. The Testaments ci riesce alla perfezione. Al di là del successo che la serie sicuramente avrà, siamo curiosi di capire per quante stagioni andrà avanti. Da un lato, vedere uno show così emozionante durare a lungo vale la pena. Dall’altro, vogliamo finalmente vedere Hannah in un mondo libero. E accanto alla madre June.

di Maurizio Ermisino per Dailymood.it

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Il pilota di Beverly Hills 90210: non c’è Dylan

La famosa sigla scorre, con i nomi degli attori in sovraimpressione, e non ancora abbinati ai volti come nelle sigle storiche della serie. Nella sigla immagini che evocano il lusso e l’atmosfera di Beverly Hills, quartiere altolocato di Los Angeles. Il primo episodio della serie è molto diverso dagli altri. Come si usava un tempo, è infatti l’episodio pilota quello che viene girato per essere un test della serie. A volte non viene approvato. A volte sì, e diventa la prima di tante puntate. Nel “pilota” di Beverly Hills, i protagonisti infatti hanno pettinature diverse. Brandon ha i capelli molto lunghi sulla nuca. Brenda li porta pettinati da un lato. Torneranno – il resto degli episodi si gira parecchi mesi dopo il pilota – con i capelli corti sulla nuca e con la proverbiale frangetta sulla fronte. E poi, nel pilota, non c’è Dylan McKay, Luke Perry, che avrebbe segnato in modo indelebile la serie. Al momento di scriverlo e girarlo, quel personaggio non lo avevano ancora trovato.

Dal Minnesota a Beverly Hills: il grande salto

Come tutti sappiamo, Beverly Hills 90210 è la storia di Brandon e Brenda Walsh, due gemelli che si trasferiscono in California dal freddo Minnesota. Con il tempo alla loro provenienza si pensò di meno. I due ragazzi si sarebbero integrati e sarebbero diventati di fatto due ragazzi californiani. Ma nei primi episodi il contrasto tra il Minnesota e Los Angeles si sentiva tutto. I due gemelli Walsh appaiono spaesati di fronte alla grande città, e questo, pur con le debite proporzioni, è qualcosa in cui molti si possono identificare. All’inizio, la serie punta molto sul racconto dell’ambiente privilegiato, altolocato: i ragazzi che arrivano a scuola in macchine di lusso, con tanto di parcheggiatore dedicato, le ragazze in tubini e minigonne e look da modelle. Brandon e Brenda non hanno problemi economici, ma certo non sono al livello dei loro amici. E questo, almeno all’inizio, si sente.

La moda negli anni Novanta

In Italia Beverly Hills 90210 arrivò nel 1992. In America andò in onda per la prima volta il 4 ottobre 1990. Gli anni Novanta erano proprio all’inizio. Ed è bello vedere gli abiti di allora. Kelly Taylor (Jeannie Garth) veste shorts di jeans con sotto pantaloncini da ciclista verdi fluo e una t-shirt arancione, o jeans a vita alta con cinturone e una camicetta bianca che lascia le spalle scoperte. Steve Sanders (Ian Ziering) si presenta ad una festa con una giacca nera da smoking indossata sopra una polo e un paio di pantaloncini bianchi. David Silver (Brian Austin Green) indossa sempre giacche molto ampie, dalle spalle larghe, ancora dal gusto anni Ottanta, su camice o magliette coloratissime. Ma, allora, non lo avevamo notato, porta una t-shirt dei New Order. E infatti il suo personaggio diventerà un deejay e un produttore. Brandon e Brenda, all’inizio, hanno ancora un altro stile. Jean e t-shirt molto semplici. Impareranno anche loro, soprattutto lei, il look californiano. Gli anni Ottanta erano finiti, il grunge e il nuovo punk non erano ancora arrivati. Il look è in un momento di passaggio. Non mancano i famosi maglioni di cotone e le giacche a due colori con le grandi lettere, da college. In generale, Beverly Hills vive di abiti coloratissimi: i verdi, gli arancio, i gialli, i viola. Eppure, non si ha mai l’impressione di vivere qualcosa di datato. Quello stile, quello delle high school americane, in qualche modo è rimasto ed è arrivato fino a noi. È un classico.

1990: gli ultimi anni di pace e prosperità

Ha qualcosa di particolare, di solare, Beverly Hills 90210. E non è solo la California. L’inizio degli anni Novanta era una sorta di età dell’oro, un’era idilliaca. Nel 1989 era caduto il Muro di Berlino ed era finita la Guerra Fredda. Al mondo intero si prospettava un lungo periodo di pace e prosperità. Non sarebbe durato: già poco dopo sarebbero scoppiate la Guerra del Golfo e quella nei Balcani. Ma allora chiunque ignorava tutto ciò. È forse quello che ricordiamo come l’ultimo periodo di serenità e di benessere economico.

L’America del 1990 e quella di Trump…

Vedere quell’America di allora e confrontarla con l’odierna America di Trump fa davvero colpo e lascia molta malinconia. Quella, e tutta quella del decennio precedente, era l’America che sognavamo, un mondo motivazionale, una continua ispirazione. Tutto quello che avveniva nel mondo avveniva prima là che da noi. Oggi dell’America i ragazzi non se ne curano: amano e sognano il Giappone e la Corea. E gli USA non sono più al centro della cultura e dei pensieri dei più giovani.

E alla fine arriva Luke Perry

E poi, un giorno arriva lui. Luke Perry, alias Dylan McKay. Entra in scena al minuto 8.20 dell’episodio 2. E salva un ragazzo da un atto di bullismo, connotandosi già come un eroe. “Forse è meglio se lo lasci stare”. Poche parole, ma dette in modo convincente. Dylan viene svelato lentamente. Prima arriva la voce. Poi viene inquadrato, in penombra, di spalle. E poi si gira, ed eccolo. Chiaramente ispirato a James Dean, è vestito in jeans, t-shirt bianca, e quei tipici giubbetti anni Cinquanta-Sessanta. È questo il mondo che vuole evocare. Anche i capelli, sparati in alto, ricordano proprio JD. È il “rebel without a cause”, un personaggio ben preciso, ben definito. Le Converse ai piedi e una Porsche vintage completano il quadro. Si chiama Dylan, come Bob Dylan, ma anche come il poeta Dylan Thomas, e di poesia se ne intende: tra un’uscita con il surf e l’altra legge Byron.

Aaron Spelling: “Luke Perry lo pago io”

Nel pilota di Beverly Hills Dylan McKay non c’era ancora. Ma, in quel primo episodio, si vedeva che mancava qualcosa. Nel bel documentario I Am Luke Perry, che trovate sempre su Sky e NOW, si racconta del suo arrivo nella serie. Serviva un personaggio particolare, un “bad guy”, un ragazzo problematico. E Dylan è stato costruito anche un po’ su Luke Perry. Aaron Spelling, il produttore, disse “lo pago io” alla Fox che non voleva investire in un altro ingaggio per un personaggio in più. Consci dell’asso che avevano nella manica, ecco l’ingresso in scena ad effetto di Dylan. Avrebbe fatto la fortuna della serie.

Beverly Hills 90210 non è il solito teen drama: è una storia di figli senza padri

Alla fine di quel secondo episodio, intanto, si comincia a capire che Beverly Hills 90210 sarebbe stata sì una serie solare, positiva. Ma che avrebbe avuto qualcosa di diverso dai tanti teen drama, che fino allora erano stati soprattutto film, che erano stati fatti. In quella storia spunta una storia di alcolismo. E, nel corso della serie, si sarebbe parlato anche di droghe, Aids, malattie, povertà. Alla fine di quell’episodio 2 vediamo anche Dylan provare a parlare con il padre senza ottenere risposta. E Steve parlare con la madre, famosa attrice, ma vedendola solo in tv. Beverly Hills è soprattutto una storia di figli senza padri e senza madri. E, in questo senso, è molto amara.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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 In Le libere donne interpreti Suor Maria, una giovane novizia divisa tra vocazione religiosa e desiderio. Che tipo di personaggio è e cosa ti ha colpito di più di lei?
Suor Maria vive una vera e propria rivoluzione esistenziale all’interno della storia. Nel corso dell’arco narrativo vedremo una sua evoluzione e una crescita molto decisive. È un personaggio che nel libro di Mario Tobino sembra essere realmente esistito: Suor Maria Concetta.
Quello che mi ha colpito di più di lei è la sua capacità di permettersi di essere se stessa in ogni veste e situazione. È una persona che segue sempre il cuore e, per me, le persone così oneste e autentiche vanno onorate.

 La serie è ambientata durante la Seconda guerra mondiale nell’ospedale psichiatrico di Maggiano. Quanto ha influito il contesto storico nella costruzione del tuo personaggio?
Moltissimo. Erano altri tempi, per come funzionavano le cose. I problemi però, purtroppo, in molti casi esistono ancora. Ho cercato di rispettare la visione che immagino potesse avere una persona vissuta in quegli anni sul mondo, sulla vita e sugli altri.
Ho lavorato molto sul grigiore e sulla sofferenza del luogo, sul dolore con cui il mio personaggio si confronta ogni giorno. E poi c’è il terrore della guerra e della repressione che colpirà direttamente anche il manicomio. Penso che Suor Maria viva tutto questo con coraggio, ma anche con grande sensibilità e con il bisogno di trovare una via di uscita.

Il tuo percorso di formazione si è sviluppato tra Italia e Stati Uniti. In che modo queste esperienze hanno influenzato il tuo modo di lavorare come attrice?
Ho viaggiato negli Stati Uniti e trovato insegnamenti preziosi, ma principalmente mi sono formata – e continuo a formarmi – in Italia con un insegnante americano, Michael Margotta. La sua conoscenza della materia e la sua enorme esperienza mi hanno permesso di crescere profondamente come artista e di iniziare a sentirmi davvero a mio agio nel lavoro.
La disciplina che mi ha sempre trasmesso è uno degli strumenti più preziosi che porto con me e che spero di riuscire sempre a onorare.

Dopo l’esordio in DOC – Nelle tue mani e il debutto al cinema con La seconda chance, cosa rappresenta per te Le libere donne nel tuo percorso artistico?
Rappresenta l’opportunità più grande che ho avuto finora a livello professionale di lavorare davvero a fondo su un personaggio. È un ruolo talmente lontano da me che l’idea di poterlo esplorare è stata entusiasmante fin da subito. Il fatto che sia realmente esistita ha reso tutto ancora più concreto e unico.

È stata una grande responsabilità ma anche una nuova sfida, che ha richiesto molta fiducia in me stessa e nelle mie capacità. Spero di essere riuscita a creare un personaggio credibile e di averle reso giustizia.

Che cosa cerchi oggi nei personaggi che scegli di interpretare e quali storie ti interessa raccontare?
Cerco storie potenti, con archi narrativi complessi, che raccontino le difficoltà e i conflitti dei personaggi in modo realistico e intenso, ma anche il loro percorso per uscirne migliori. Cerco storie consapevoli del fatto che possono influenzare chi le guarda e che per questo hanno una grande responsabilità.

Mi piacerebbe interpretare personaggi profondi, con un vissuto importante alle spalle: forti ma allo stesso tempo umani. E mi piacerebbe esplorare tutte le sfumature dell’essere donna, raccontare il femminile nella sua complessità.

Guardando al futuro, quali sono le sfide artistiche che ti piacerebbe affrontare?
Mi piacerebbe lavorare in film o serie di generi diversi: fantasy, azione, western, ma anche cinema d’autore o storico. Sarebbe bellissimo poter portare nel cinema la mia esperienza nell’equitazione, che pratico da oltre dieci anni: montare a cavallo sul set sarebbe qualcosa in cui potrei dare davvero il meglio di me.

E la sfida principale, naturalmente, sarebbe quella di affrontare un giorno un ruolo da protagonista.

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Scarpetta porta sullo schermo un famoso personaggio letterario, nato dalla mentre di Patricia Cornwell. A dare il volto, e il corpo, a questo personaggio vissuto finora sulla carta è Nicole Kidman, nel ruolo della dottoressa Kay Scarpetta. Con mani abili e uno sguardo penetrante, questo implacabile medico legale è pronto a diventare la voce delle vittime, smascherare un serial killer e dimostrare che il caso che ha segnato l’inizio della sua carriera 28 anni prima non si rivelerà essere anche la sua rovina. Nicole Kidman è luminosa, carismatica, capace di attirare su di sé la luce dei riflettori. È la star dello show, ed è un’attrice, che, proprio quando la carriera cinematografica sembrava essere arrivata ad uno stallo, nella serialità è completamente rinata, dando vita a ruoli memorabili. Pensiamo a Big Little Lies e The Undoing, solo per fare due esempi.

Nicole Kidman è il sole attorno al quale ruota un grande cast. Jamie Lee Curtis è la sorella Dorothy Farinelli. Nel ruolo del detective Pete Marino c’è Bobby Cannavale, Simon Baker è il profiler dell’FBI Benton Wesley e Ariana DeBose è Lucy Farinelli Watson, la nipote di Kay, esperta di tecnologia. Ma Scarpetta si muove in un andirivieni continuo tra presente e passato. E allora, nella linea temporale che si svolge 28 anni prima, a brillare è un’altra stella. È Rosy McEwen, che avevamo ammirato in un episodio dell’ultima stagione di Black Mirror, che interpreta Kay Scarpetta da giovane. Dai tratti più freddi e austeri rispetto a Nicole Kidman, è però perfettamente credibile nel suo ruolo. È affascinante, magnetica, e quando si torna nel passato e lei è in scena non si ha mai la sensazione di rimpiangere la Kidman. In ogni scena crediamo davvero che sia lei da giovane.

Scarpetta si muove su un tono leggero, e piuttosto inaspettato visto che siamo in un crime. La serie è piena di scene familiari che alleggeriscono la gravitas del racconto delle investigazioni. Ma forse queste parti sono troppo presenti: in alcuni episodi sono preponderanti rispetto alla parte thriller e finiscono per fagocitare il racconto e portarlo da un’altra parte rispetto a quello che ci eravamo aspettati. Per non dire di come la serie racconta questi personaggi di origine italiana: rumorosi, litigiosi, caciaroni. In alcuni momenti il thriller resta in secondo piano, per raccontare il chiacchiericcio tra le due sorelle e i loro mariti. Che hanno un tono completamente diverso rispetto alla parte investigativa, con il risultato che le due parti non si amalgamano mai. A volerla dire tutta, il tono delle vicende di Lucy, la nipote di Kay, è ancora un altro (quasi da Black Mirror) e anche questo si sposa male con il resto della storia. Quanto al personaggio di Jamie Lee Curtis, è così continuamente sopra le righe da diventare insopportabile.

Scarpetta, insomma, è una serie dove tutto sembra perfetto, costruito, patinato, una produzione ricca e ambiziosa. Ma dove empatia e pathos mancano completamente. E manca anche il vero senso del pericolo, del dolore e della morte per quanto riguarda la vicenda crime. Anche se è un mondo completamente diverso, c’è stata una serie che ha provato a mescolare crimini efferati e drammi personali, ed è stata la prima stagione di True Detective. È chiaro che qui si è voluto fare qualcosa di differente, cioè puntare anche sulla commedia. Ma il risultato è quello di non coinvolgere mai. E questo proprio in una serie che dovrebbe avere tutto per farlo.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Quando un carismatico Sherlock Holmes, giovane e ribelle, incontra nientemeno che James Moriarty, viene trascinato in un’indagine per omicidio che mette a rischio la sua libertà. Il primo caso in assoluto di Sherlock svela una cospirazione che attraversa il globo, e culmina in uno scontro esplosivo che cambierà per sempre il corso della sua vita. Ambientata in una vibrante Inghilterra vittoriana e con avventure oltre confine, la serie svela le prime gesta dell’adolescente anarchico destinato a diventare il più celebre residente di Baker Street.

Young Sherlock inizia in un modo che non ti aspetti. Il compassato detective Sherlock Holmes, già trasformato da Guy Ritchie in un action hero nei due film con Robert Downey Jr. girati per il cinema, qui entra in scena quando il fratello va a prenderlo in prigione, dove si sta cimentando in una rissa. Il giovane Sherlock non è quello che siamo abituati a conoscere da adulto. È una faccia da schiaffi, è irriverente, è fuori da ogni convenzione e ogni regola. Eppure è intelligentissimo, intuitivo, colto. Uno che, secondo un amore che gli ha trasmesso il padre, divora ogni libro che si trova davanti e lo assimila alla perfezione.

Che sia uno Sherlock Holmes irriverente è normale. Perché siamo in un’opera di Guy Ritchie, uno degli esponenti del cinema postmoderno inglese, rivelatosi tra il 1998 e il 2000 con Lock & Stock – Pazzi scatenati e Snatch – Lo strappo. Il suo cinema degli inizi doveva molto a quello di Quentin Tarantino, di cui riprende la lezione – violenza spinta ed estetica, ironia, dialoghi surreali – ma senza la sostanza e la capacità di scrittura e approfondimento dei personaggi del regista americano.

Guy Ritchie, come dicevamo, aveva già portato sul grande schermo Sherlock Holmes, con Robert Downey Jr. nei panni del detective e Jude Law nei panni del fidato assistente Watson, in due film che avevano avuto un buon successo, Sherlock Holmes, del 2009, e Sherlock Holmes – Gioco di ombre, del 2011, in cui, dopo essere stato evocato alla fine del primo film, arrivava finalmente Moriarty. Tutto era pronto per una trilogia, ma un terzo film, chissà come mai, non è mai stato realizzato. Ritchie aveva comunque ringiovanito – anche se non tanto come qui – il suo Sherlock Holmes.  Lo aveva reso un misto tra James Bond e una rockstar tormentata, un uomo d’azione, uno che fa a botte, come si vedeva in una delle prime sequenze, degna di Fight Club. Sherlock Holmes era un ideale prequel dei suoi gangster movie sgangherati.

In quei film di Sherlock Holmes, Guy Ritchie aveva trovato una chiave interessante per rappresentare il proverbiale intuito del detective: ci mostrava prima l’azione di un combattimento al ralenti, in modo da farci ascoltare dalla voce di Holmes tutte le sue deduzioni, che lo porteranno a colpire l’avversario in un certo modo (è come se il protagonista pre-visualizzasse, immaginasse in anticipo lo scontro), poi ci mostrava il combattimento vero e proprio, la stessa scena di prima ma a velocità normale.

È questo il dono di Sherlock Holmes: vedere. Vedere tutto, vedere velocemente, vedere prima degli altri, vedere cose che altri non vedono. E la sua peculiarità è ancora al centro delle nuove avventure del detective, perché Guy Ritchie ci vuole raccontare che Holmes è stato sempre così, anche quando era solo un ragazzo. Quell’abilità di vedere prima degli altri la ritroviamo nelle scene, divertenti, dei suoi furti dei portafogli (sì, è a causa di quelli che si trovava in prigione) messi in atto per il solo gusto di farlo e di mettere alla prova il suo occhio, la sua scaltrezza, la sua velocità, tanto da restituirli subito (cosa che, però, non riesce a spiegare e che non viene apprezzata). Quell’abilità di studiare e di dedurre la ritroviamo quando, in una sfida con uno studente di Oxford, legge le sue mani e il modo di portare un anello per svelare quale sia la sua indole e il suo carattere. In modo diverso dai suoi film, meno estetico, meno spinto, Ritchie ci racconta ancora chi era Sherlock Holmes: uno che gioca sull’anticipo, sulla scaltrezza, uno ossessionato dall’intuizione e dalla deduzione.

Il protagonista di Young Sherlock è Hero Fiennes Tiffin (figlio di Martha e nipote di Ralph e Joeseph Fiennes) che era già il bel tenebroso protagonista di After, e che è perfetto per incarnare un giovane inquieto, con quel volto a metà tra il bambino imbronciato e il piccolo delinquente. Accanto a lui ci sono Dónal Finn (La Ruota del Tempo), Zine Tseng (Il problema dei 3 corpi), Joseph Fiennes (Il racconto dell’ancella), Natascha McElhone (Halo), Max Irons (Condor) e Colin Firth (Il discorso del re). Guy Ritchie è regista dei primi due episodi ed executive producer. E, alla fine, finisce per girare sempre lo stesso film. Un gangster movie con scazzottate da pub, musica rock (la sigla è Days Are Forgotten dei Kasabian), ritmo vorticoso sia nei dialoghi che nell’azione. Ma l’anima del giovane Holmes c’è, e sembra essere interessante. È proprio lui a spiegarci il segreto del suo successo. “La curiosità è la più grande delle virtù, ma non se sei un gatto”. Il proverbio inglese, infatti, dice “curiosity killed the cat”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Dove eravamo rimasti? Il bohémien secondogenito Benedict Bridgerton (Luke Thompson) rifiuta di sistemarsi, nonostante le insistenti richieste della madre, la matriarca Lady Violet Bridgerton (Ruth Gemmell). Finché, al ballo in maschera organizzato da Violet, Benedict rimane folgorato da una misteriosa Dama d’Argento dal volto coperto. Con l’aiuto, seppur riluttante, della sorella Eloise (Claudia Jessie), Benedict si lancia in società per scoprire l’identità della giovane donna. Ma in realtà, la donna dei suoi sogni non appartiene affatto all’alta società: è una brillante cameriera di nome Sophie Baek (Yerin Ha), al servizio della temibile padrona di casa, Araminta Gun (Katie Leung). Quando il destino porta Benedict e Sophie a rincontrarsi, lui si trova diviso tra la realtà dell’affetto per questa affascinante domestica e la fantasia della Dama d’Argento, ignaro che siano in realtà la stessa persona.

Avevano lasciato Benedict e Sophie quasi sul punto di fare l’amore. Solo che proprio quelle parole, “vuoi essere la mia amante?”, avevano rovinato tutto. Questione di punti di vista. Lei sognava il grande amore. Lui anche, ma, visto il suo status, non può ammetterlo. E una donna del rango di Sophie Baek può solo essere un amante ai suoi occhi.

Insomma sembra davvero un amore impossibile. Ci vorrebbe qualcosa che cambi le carte in tavola. Qualcosa di magico, un intervento esterno, un Deus ex machina. D’altra parte, qui più che nelle altre stagioni, siamo in una favola, quella di Cenerentola. Quella storia si risolveva con l’intervento di una fata e poi con la decisione del principe di cercare la dama attraverso la scarpa. Chi può risolvere le cose qui? Forse Lady Bridgerton, che intuisce che Sophie Baek, con la sua cultura, il suo modo di parlare forbito, il suo portamento, debba avere delle origini nobili, non quelle di una semplice cameriera.

La storia è avvincente. E questo è un bene, perché rende godibile la quarta stagione di Bridgerton, ma anche un male, perché oscura tutte le altre storie. Poco ci interessa, infatti della tresca della matura Lady Bridgerton, e ancora meno della ricerca di una dama di compagnia da parte della Regina. Più interessante è la sottotrama di Lady Whistledon, alias Penelope, perché capisce come ogni sua azione può arrecare danno agli altri. È la scritrice del foglio che gira per tutta l’alta società. Potete associarla alle news della stampa o al chiacchiericcio dei social media. Resta, come detto a proposito della prima parte, sullo sfondo Eloise, così refrattaria alle regole da tirarsi fuori dal “mercato matrimoniale”.

Già che il gioco di corteggiamenti e seduzione si chiami così, “mercato” la dice lunga su tante cose. Su una società rigida, ingessata, a compartimenti stagni, dove conta solo il rango e non è possibile alcuna ascesa sociale. Sono passati secoli, ma le cose non sono poi cambiate tanto. Anche oggi la società è divisa in classi. A comandare non è il rango ma il denaro. A proposito di attualità, vi avevamo parlato di grandi successi di oggi arrangiati a mo’ di musica da camera, per quartetto d’archi. Stavolta ascoltiamo una bellissima versione di Birds Of A Feather di Billie Eilish.

Se questa storia funziona il merito, oltre che della scrittura, è degli attori. Stavolta sono molto azzeccati. E la chimica tra loro è notevole. Luke Thompson, che presta il volto a Benedict, è un attore dall’eleganza innata. Alto, castano, sorriso suadente, ha un viso e delle espressioni che ricordano molto Michael Fassbender.  Sophie Baek è interpretata da Yerin Ha, australiana di origini sudcoreane, attrice versatile e dal volto eclettico e mobilissimo. Passa dalle espressioni di dolcezza a quelle di malizia, da quelle di insicurezza a quelle di complicità. È espressiva e cangiante. Gli occhi a mandorla, grandi, la mascella volitiva, il nasino piccolo, Yerin Ha ha uno di quei volti che ti tirano dentro la storia. Che, speriamo per lei, abbia un lieto fine.  D’altra parte siamo in una favola.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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È stata una storia d’amore che ha catturato l’attenzione della nazione: John F. Kennedy Jr. (Paul Anthony Kelly) era la figura più vicina alla regalità americana. Il Paese lo ha visto trasformarsi da ragazzo a scapolo amato e celebrità mediatica. Carolyn Bessette (Sarah Pidgeon) era una star a pieno titolo. Fieramente indipendente e con uno stile singolare, era passata da commessa a dirigente presso Calvin Klein, diventando una fidata confidente dell’omonimo fondatore. Il legame tra John e Carolyn fu immediato, elettrizzante e innegabile. Man mano che la loro storia d’amore prendeva forma sotto gli occhi dell’intera nazione, la fama crescente e la conseguente attenzione dei media minacciavano di separarli.

Fin da subito, e in questo sta la bellezza della serie, Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette ci trasporta in un’atmosfera unica e inconfondibile, quella della New York dei primi anni Novanta. Carolyn si alza, si veste ed esce da un appartamento che sembra quello di Carrie Bradshaw in Sex And The City. John F. Kennedy arriva al centro di New York in bicicletta per andare in palestra. E, prima di conoscere Carolyn, ha una relazione con una certa Daryl Hannah. La ricostruzione del tempo e del luogo in cui si svolge la storia è perfetta. La bravura di Ryan Murphy è tale che l’immersione in quell’era è totale. Paradossalmente nella serie potrebbe anche non succedere niente – e di cose ne succedono parecchie – e sarebbe comunque bellissimo rivivere quell’era e quella New York, dall’Upper East Side al West Village.

È una serie storica – sono passati trent’anni – ma è ambientata in un tempo non troppo lontano da far svanire i ricordi. E le prime immagini della love story tra John e Carolyn li ricordiamo tutti, per quanto i due erano presenti su tutti i giornali. Ricordiamo soprattutto lei, presentata all’unanimità come un’assoluta icona di stile. E questo aspetto è fondamentale nella serie. Carolyn Bessette aveva uno stile unico. I suoi abiti erano semplici, lineari, senza fronzoli. Per la maggior parte, molto attillati. Guardate, nel primo episodio, il suo arrivo al lavoro: indossa dei pantaloni neri stretti e un po’ corti alla caviglia, un maglione nero a collo alto, tutto aderente e total black. In una scena successiva è vestita con una semplice camicetta bianca con le maniche a tre quarti e una gonna nera attillata appena sopra al ginocchio. Ai piedi, quasi sempre dei mocassini. La Carolyn che questa serie mette in scena è una donna indipendente, libera. Non esita a cercare il piacere con relazioni occasionali. E, nella relazione con un uomo più potente, più ricco, più celebre, non è mai in una posizione di inferiorità, ma sempre in una posizione di forza. Anche sul lavoro è volitiva e decisa: passa dall’essere una semplice commessa nello store di Calvin Klein a diventare una manager importante per la casa di moda.

E poi c’è lui, John. Quando lo vediamo arrivare, in bicicletta, è vestito con un elegante abito blu, una camicia bianca e una vistosa cravatta. Ma poi in testa ha un basco e sulle spalle uno zaino sportivo. Elegantissimo in alcuni momenti, con quelle giacche e i pantaloni oversize che andavano nei primi anni Novanta (quasi un gioco degli opposti con il look di Carolyn), in altri è completamente a suo agio in abiti sportivi, felpe ampie e pantaloni corti. In lui c’è un gioco di contrasti, e non solo nel look. John è sicuro di sé nella vita privata, nei rapporti sociali, nelle relazioni di tutti i giorni. Lo è di meno nella vita pubblica: porta un cognome pesantissimo, che richiede già di essere un vincente, di avere una strada tracciata. Ma quella strada, la sua, non l’ha ancora trovata. È il “sexiest man alive” della rivista People, può avere tutto. Ma non sa ancora cosa vuole.

La scelta di casting è molto precisa. Sono stati infatti ingaggiati due attori molto somiglianti agli originali, due nomi poco noti, e non grandi attori già affermati. In questo senso si perde forse qualcosa in fatto di interpretazioni più istrioniche, ma si guadagna molto nell’identificazione tra attore e personaggio. Paul Anthony Kelly e Sarah Pidgeon sono perfetti e funzionali alla storia. Hai sempre l’impressione di guardare i veri John e Carolyn e non due attori che li impersonano. Nel cast ci sono anche una non immediatamente riconoscibile Naomi Watts, nel ruolo “pesante” di Jackie Kennedy Onassis, e Alessandro Nivola in quelli di Calvin Klein.

L’incontro tra John e Carolyn è da antologia. Lei è “imbucata” ad una festa di beneficienza e incontra lui. Dopo un’occhiataccia della sua superiore, deve fuggire dal ballo, proprio come Cenerentola (uno schema che torna continuamente, pensate all’ultima stagione di Bridgerton). Ma è fantastico uno scambio di battute. Lui le fa i complimenti per il vestito. “Grazie” risponde Calvin Klein, che quel vestito lo ha disegnato. È una scelta di sceneggiatura, perché a quanto pare i due si sono conosciuti correndo a Central Park.

A proposito di Calvin Klein, nella serie è affascinante anche il viaggio nel mondo della moda di quegli anni. Così assistiamo a una consultazione tra lo stilista e Carolyn per la scelta del nuovo testimonial del marchio, che cade su una Kate Moss ancora sconosciuta, ma in grado di lasciare il segno. E sentiamo parlare di Marky Mark & The Funky Bunch, che all’epoca era il nome di Mark Wahlberg, testimonial di una famosissima campagna di underwear per Calvin Klein che pare avesse oscurato la sua carriera musicale.

La forza della serie è proprio nella contaminazione dei mondi. Quello della moda, della musica e del cinema si mescolano, proprio come avveniva in quegli anni. E la serie è piena, pienissima di musica, tanto che sembra di ascoltare una top 40 dei primi anni Novanta. Solo per citare alcune grandi canzoni, ascoltiamo Duran Duran (Come Undone), Talk Talk (Life’s What You Make It), Peter Gabriel (Blood Of Eden), Kate Bush (This Woman’s Work), Lenny Kravitz (It Ain’t Over ‘til It’s Over), Bjork (Human Behaviour), Sophie B. Hawkins (Damn, I Wish I Was Your Lover) e The Breeders (Cannonball). Assistere a Love Story è come vivere – come del resto facevamo tutti negli anni Novanta – con MTV continuamente accesa durante la giornata e ascoltare, una dopo l’altra, le canzoni di quel periodo. È una scelta perfettamente coerente. John e Carolyn vivevano in un mondo mediatico, in un loro particolare e personalissimo show business. Come vi abbiamo detto, in quegli anni stilisti, attori, modelle e musicisti si conoscevano, si influenzavano a vicenda, e si innamoravano. Il mondo di Calvin Klein era quello di MTV, le star della musica e del cinema erano i suoi testimonial. E John F. Kennedy, che a un certo punto dice “voglio che la politica incontri il pop” in quel mondo ci stava a pieno titolo.

Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette è l’ennesima serie creata da Ryan Murphy (Feud, Hollywood, Ratched), ormai vero e proprio plenipotenziario della serialità. Ed è il suo altro lato. Se American Horror Story e la recente The Beauty sono l’incubo, questo è il sogno. Sembra banale dirlo, ma Love Story è proprio un sogno d’amore, una favola. È la ragazza che incontra il principe azzurro. Anche se, come detto, i ruoli si ribaltano. Ma sono il tono, la grana, il colore ad essere completamente diversi da altre opere di Murphy. Lontano dall’eccesso e dallo splatter di certi racconti, qui tutto è avvolto da una luce bianca, tutto è ovattato, quasi dorato. Sì, siamo davvero in un sogno.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Ma ecco da dove riparte Bridgerton 4.  Il bohémien secondogenito Benedict Bridgerton (Luke Thompson) rifiuta di sistemarsi, nonostante le insistenti richieste della madre, la matriarca Lady Violet Bridgerton (Ruth Gemmell). Finché, al ballo in maschera organizzato da Violet, Benedict rimane folgorato da una misteriosa Dama d’Argento dal volto coperto. Con l’aiuto, seppur riluttante, della sorella Eloise (Claudia Jessie), Benedict si lancia in società per scoprire l’identità della giovane donna. A ispirare il percorso di Benedict ci sono anche i matrimoni dei suoi fratelli – tra cui Francesca (Hannah Dodd) con John Stirling (Victor Alli) e Colin (Luke Newton) con Penelope (Nicola Coughlan), che affronta nuove sfide ora che la sua identità di cronista mondana è stata resa pubblica.

È una serie molto particolare Bridgerton. L’abbiamo più volte definita una Sex And The City nella Londra della Reggenza. Ma è particolare anche come struttura. Perché ogni nuova stagione continua la storia, ma sposta la luce su un nuovo personaggio, su chi prima era in secondo piano. Così ogni nuova stagione, più che un seguito, è uno spin-off della precedente. E così, pur nella stessa cornice, si ha ogni volta una storia nuova. Molto dipende dalla scrittura dei personaggi e dall’appeal degli attori, oltre alla chimica tra essi. Per questo la prima stagione di Bridgerton era stata considerata molto riuscita, mentre la seconda più deludente. È andata un po’ meglio con la terza. E questa quarta stagione, a giudicare dalle premesse, è finora la migliore dopo la prima.

Alla modernità della serie contribuiscono il “foglio” di Lady Whistledon (che qui diventa buona amica della regina), antesignano delle riviste di gossip e dei social media di oggi, e una serie di anacronismi musicali con le canzoni rock e pop di oggi trasformate in musica da camera per quartetto d’archi (lo avevano già fatto, con il pianoforte e il violino, per la colonna sonora di Westworld, ma qui il suono ha un’atmosfera coerente per l’epoca). La più bella, tra quelle che ascoltiamo, è una versione per archi di Life In Technicolor dei Coldplay. A proposito di Lady Whistledon, ormai si è rivelata ed è la giovane Penelope Bridgerton, protagonista assoluta della stagione 3 e molto presente anche qui. È interessante vedere le dinamiche delle sue relazioni ora che il gioco è palese. Penelope ora è riconosciuta da tutti come un’opinion maker e una produttrice di notizie, è cercata o temuta. È come una vera giornalista. O, se volete, un’influencer…

È dalla stagione 2, da quando abbiamo capito che a ogni stagione ci sarebbe stata una nuova protagonista, che aspettiamo che sia il turno della giovane Eloise di Claudia Jesse, che è sempre stata tra le nostre preferite, con quel musino impertinente e quegli occhi vispi. Autoironica, anticonformista, per niente incline alla moina. Ma non è ancora il suo turno di innamorarsi. È forse la figura più moderna e in quel mondo è troppo colta e intelligente per piegarsi alle regole. Che il suo rimanere “zitella” (per ora, speriamo) sia una critica a una certa società che vede le donne solo in un certo modo?

E torniamo a dove siamo partiti. A quella Cenerentola, la Dama d’Argento che si presenta al ballo (che, oltre Cenerentola, sembra citare la Marie Antoinette di Sofia Coppola) svelando, dietro a quella maschera, degli intriganti occhi a mandorla. La Dama d’Argento, interpretata da Yerin Ha,  ci ha conquistato subito per la sua passione e la sua tempra. E perché, insieme a lei, il discorso di Bridgerton si sposta dalla nobiltà, per un po’, anche verso la gente comune. Che lavora, ama, si strugge, si affanna, vive.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Bridgerton 4: Se il mondo di Shonda Rhimes diventa Cenerentola… proviene da Daily Mood.

Ma ecco da dove riparte Bridgerton 4.  Il bohémien secondogenito Benedict Bridgerton (Luke Thompson) rifiuta di sistemarsi, nonostante le insistenti richieste della madre, la matriarca Lady Violet Bridgerton (Ruth Gemmell). Finché, al ballo in maschera organizzato da Violet, Benedict rimane folgorato da una misteriosa Dama d’Argento dal volto coperto. Con l’aiuto, seppur riluttante, della sorella Eloise (Claudia Jessie), Benedict si lancia in società per scoprire l’identità della giovane donna. A ispirare il percorso di Benedict ci sono anche i matrimoni dei suoi fratelli – tra cui Francesca (Hannah Dodd) con John Stirling (Victor Alli) e Colin (Luke Newton) con Penelope (Nicola Coughlan), che affronta nuove sfide ora che la sua identità di cronista mondana è stata resa pubblica.

È una serie molto particolare Bridgerton. L’abbiamo più volte definita una Sex And The City nella Londra della Reggenza. Ma è particolare anche come struttura. Perché ogni nuova stagione continua la storia, ma sposta la luce su un nuovo personaggio, su chi prima era in secondo piano. Così ogni nuova stagione, più che un seguito, è uno spin-off della precedente. E così, pur nella stessa cornice, si ha ogni volta una storia nuova. Molto dipende dalla scrittura dei personaggi e dall’appeal degli attori, oltre alla chimica tra essi. Per questo la prima stagione di Bridgerton era stata considerata molto riuscita, mentre la seconda più deludente. È andata un po’ meglio con la terza. E questa quarta stagione, a giudicare dalle premesse, è finora la migliore dopo la prima.

Alla modernità della serie contribuiscono il “foglio” di Lady Whistledon (che qui diventa buona amica della regina), antesignano delle riviste di gossip e dei social media di oggi, e una serie di anacronismi musicali con le canzoni rock e pop di oggi trasformate in musica da camera per quartetto d’archi (lo avevano già fatto, con il pianoforte e il violino, per la colonna sonora di Westworld, ma qui il suono ha un’atmosfera coerente per l’epoca). La più bella, tra quelle che ascoltiamo, è una versione per archi di Life In Technicolor dei Coldplay. A proposito di Lady Whistledon, ormai si è rivelata ed è la giovane Penelope Bridgerton, protagonista assoluta della stagione 3 e molto presente anche qui. È interessante vedere le dinamiche delle sue relazioni ora che il gioco è palese. Penelope ora è riconosciuta da tutti come un’opinion maker e una produttrice di notizie, è cercata o temuta. È come una vera giornalista. O, se volete, un’influencer…

È dalla stagione 2, da quando abbiamo capito che a ogni stagione ci sarebbe stata una nuova protagonista, che aspettiamo che sia il turno della giovane Eloise di Claudia Jesse, che è sempre stata tra le nostre preferite, con quel musino impertinente e quegli occhi vispi. Autoironica, anticonformista, per niente incline alla moina. Ma non è ancora il suo turno di innamorarsi. È forse la figura più moderna e in quel mondo è troppo colta e intelligente per piegarsi alle regole. Che il suo rimanere “zitella” (per ora, speriamo) sia una critica a una certa società che vede le donne solo in un certo modo?

E torniamo a dove siamo partiti. A quella Cenerentola, la Dama d’Argento che si presenta al ballo (che, oltre Cenerentola, sembra citare la Marie Antoinette di Sofia Coppola) svelando, dietro a quella maschera, degli intriganti occhi a mandorla. La Dama d’Argento, interpretata da Yerin Ha,  ci ha conquistato subito per la sua passione e la sua tempra. E perché, insieme a lei, il discorso di Bridgerton si sposta dalla nobiltà, per un po’, anche verso la gente comune. Che lavora, ama, si strugge, si affanna, vive.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il mondo dell’alta moda viene sconvolto quando alcune top model internazionali cominciano a morire in circostanze misteriose e raccapriccianti. Gli agenti dell’FBI Cooper Madsen (Evan Peters) e Jordan Bennett (Rebecca Hall) vengono mandati a Parigi per scoprire la verità. Man mano che approfondiscono il caso, vengono a sapere di un virus sessualmente trasmissibile che trasforma le persone comuni in esseri fisicamente perfetti, ma con conseguenze terrificanti. La loro indagine li porta direttamente nel mirino di The Corporation (Ashton Kutcher), un oscuro miliardario del settore tecnologico che ha creato in segreto un farmaco miracoloso chiamato La Beauty e che è disposto a tutto pur di proteggere il suo impero da mille miliardi di dollari, persino scatenare il suo letale sicario, The Assassin (Anthony Ramos). Mentre l’epidemia dilaga, Jeremy (Jeremy Pope), un emarginato disperato, viene coinvolto nel caos in cerca di uno scopo; nel frattempo, gli agenti si precipitano a Parigi, Venezia, Roma e New York per fermare una minaccia che potrebbe alterare il futuro dell’umanità.

Cosa saresti disposto a sacrificare per la perfezione? È questo che si chiede The Beauty, un racconto che ci parla di bellezza e dell’ossessione per essa che oggi ci sembra sempre più spasmodica. La storia immaginata da Ryan Murphy vede una serie di persone che, per motivi diversi, diventano incredibilmente più belli. Alcuni lo hanno cercato, altri no, e si sono ritrovati ad esserlo. Ma anche ad essere pericolosamente in pericolo di vita. Come avrete capito, siamo dalle parti di The Substance, il film di Coralie Fargeat che toccava gli stessi temi. Lì si parlava di sdoppiarsi e rinascere in un altro da sé più giovane. Qui di essere avvolti in un bozzolo, come una crisalide, e rinascere in una versione perfetta di se stessi. In entrambi i casi c’è un prezzo da pagare. Come nel Faust, come ne Il ritratto di Dorian Gray. Perché la bellezza è sofferenza.

The Beauty, presentato come thriller, è anche un body horror, proprio come The Substance, e forse è ancora più eccessivo. È splatter, grandguignolesco, debordante. Ma parliamo di Ryan Murphy, autore che ha fatto dell’eccesso, del trash e del camp il suo marchio di fabbrica. Le situazioni, la recitazione, i dialoghi sono spesso sopra le righe come la formula Murphy richiede. Così come gli angoli di ripresa sono cercati per deformare i personaggi, per accentuarne alcune caratteristiche caricaturali.

The Beauty è una doppia metafora. Rappresenta in maniera iperbolica il prezzo da pagare per ottenere la bellezza, il “sacrificio” che ognuno fa per una versione migliore di sé, e che qui è portato all’estremo. Ma c’è qualcosa in più rispetto ad altri racconti di questo tipo. Si parla di un virus che si trasmette attraverso i fluidi corporei e quindi per via sessuale. Ed è impossibile non pensare all’AIDS, al momento in cui è comparso nello scenario mondiale. Quella malattia che era vista come un castigo per chi volesse amare liberamente, provare piacere, che ha spaventato un’intera generazione qui viene evocata da questo virus che ha molto di quell’incubo. È troppo evidente per essere un caso.

In The Beauty, insomma, c’è molta, forse troppa carne al fuoco. Lo capirete vedendo la serie, se parliamo di carne al fuoco intendiamo metaforicamente, ma anche letteralmente. Restando sul primo livello, nell’opera di Ryan Murphy c’è davvero tanto, troppo. Sia per i temi, sia per l’accumulo di situazioni, sorprese esplosive – ancora una volta intendiamo letteralmente – sia per i toni di racconto. La serie è girata come un thriller, una detective story per cui, una volta visti i primi due episodi, viene sicuramente la voglia di andare avanti per capire come procederà la storia, qual è il mistero alla base di tutto e qual è l’intreccio che legherà i vari personaggi. Però abbiamo l’impressione che la storia funzionerebbe di più se fosse più concreta, più terrena, se Ryan Murphy riuscisse a tenere più a freno tutto. La paura, l’inquietudine, il disgusto e anche la riflessione nascono se la storia, pur iperbolica, è ancorata alla realtà. Perché la senti più vicina a te, ci credi di più, la senti più concreta e probabile. Se spingi sul tasto dell’eccesso, dell’irreale, dell’assurdo, in qualche modo allontani lo spettatore, lo spingi verso il fantastico.

Anche perché The Beauty, tra le altre cose, è ambientato nel mondo della moda. E quel “cattivo gusto” voluto e cercato da Murphy come firma, come tratto distintivo, stride con il mondo di bellezza e raffinatezza in cui è ambientato. Non per fare per forza dei raffronti, ma un racconto simile come The Substance, pur eccessivo, pur disturbante, rimaneva per una parte della storia più rigoroso, controllato. L’uso dei codici di comunicazione televisivi e pubblicitari degli anni Ottanta dava a quel film uno stile, dei contorni entro i quali muoversi. Qui sembra tutto sfrenato, lanciato a 180 all’ora, proprio come quella corsa in moto all’inizio del film, verso l’eccesso. E questo, in qualche modo, fa sì che la storia catturi meno del previsto.

In un cast che, come detto, gioca su toni sopra le righe, spiccano i due agenti FBI interpretati da Evan Peters e Rebecca Hall, colleghi, complici e amanti, che sono disegnati in modo nuovo rispetto ad altri personaggi del genere. Rebecca Hall è sexy e luminosa come non l’avevamo mai vista prima. Ed è bravissima. La scena dell’episodio 2, in cui parla con il partner, dicendo di non volere una storia seria, ma in realtà desiderando proprio quello, dicendo cercando di non dire, chiedendo una cosa ma sperando in un’altra come risposta, è magistrale. Gli occhi ludici, la bocca incerta che si apre e si chiude, il contegno di chi vuole avanzare ma torna indietro. È un momento da non perdere.

Osservando i due agenti FBI interpretati da Evan Peters e Rebecca Hall ci sono venuti in mente Fox Mulder e Dana Scully, i protagonisti di X Files. È come se in scena ci fossero loro due in un universo parallelo, quello in cui non hanno scelto di sublimare la loro attrazione in fervore professionale, ma di cedere alla tentazione e di liberare la loro attrazione. Ma anche questo è un segno dei tempi, e anche della classe e del fascino di certe serie classiche rispetto a quelle odierne. La bellezza di X Files era anche nella costante tensione sessuale tra i due protagonisti, in quel non detto che lasciava tutto in sospeso, sul desiderio per qualcosa che non avveniva mai. Oggi è tutto mostrato, tutto realizzato, tutto esplicitato. Ryan Murphy ci fa vedere i due protagonisti subito a letto, dalla prima scena. Non che non sia piacevole. Ma si perde il senso dell’attesa, di mistero. È così nell’opera di Ryan Murphy, uno che punta sempre ad aggiungere e mai a togliere. Ed è così anche nella serialità moderna, dove tutto deve essere esplicito, netto, detto, spiegato. Ma così è tutto meno affascinante.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Attrice bilingue, con un percorso diviso tra Turchia, Italia, Francia e Belgio, Emine Meyrem consolida così una carriera che attraversa cinema, televisione e teatro, muovendosi tra produzioni internazionali e d’autore.

Formatasi tra Bruxelles e Parigi, ha affiancato allo studio teorico una pratica scenica costante, lavorando con registi europei e mediorientali.

Dopo il debutto da protagonista al cinema con Sonar di Jean-Philippe Martin (2016), ruolo che le è valso il Premio per la Miglior Interpretazione Femminile al Dada Saheb Phalke Film Festival di New Delhi, Meyrem ha recitato in film presentati in importanti festival internazionali, tra cui Istanbul e Tokyo.

In Amare e perdere interpreta Afife, una sceneggiatrice impegnata tra scrittura, lavoro e attivismo per i diritti delle donne e degli animali: una donna idealista, capace di affrontare eventi complessi senza rinunciare al senso dell’umorismo. Un ruolo che segna una nuova tappa nel suo percorso artistico.

Bilingue in italiano, turco e francese, con una solida padronanza dell’inglese, Emine Meyrem vive a Parigi e lavora tra cinema, televisione e teatro, mantenendo una dimensione internazionale che caratterizza l’intero suo lavoro.

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Pur non essendo un idealista, Lee è fermamente determinato a smascherare la corruzione e a portare alla luce il marciume nascosto della città, anche quando questo lo mette in pericolo. Quando la pubblicazione dell’ultima inchiesta di Lee, un’indagine approfondita sulla potente famiglia Washberg, è immediatamente seguita dal sospetto suicidio di Dale Washberg, Lee capisce di essersi imbattuto in qualcosa di grosso. Seguendo le tracce lasciate da Dale, che invitano a indagare più a fondo sulle circostanze della sua morte, Lee scopre che Betty Jo, la vedova in lutto, sembra essere più interessata al cognato che al suo amato defunto. E poteri forti vogliono impedire a Lee di scoprire altro.

È un personaggio d’altri tempi, Lee. Come è una serie d’altri tempi, fuori da ogni epoca, The Lowdown. Già dai titoli di testa, dal chiaro sapore anni Sessanta – Settanta, per poi proseguire con le prime immagini della serie, ci sembra di trovarci in qualcosa che sta tra i Fratelli Cohen e Quentin Tarantino. Ma molto dipende anche dal fatto di trovarci a Tulsa, nell’Oklahoma, in quell’America di provincia, poco battuta, lontana dai grandi centri, dove tutto sembra essersi fermato. A tratti sembra quasi di trovarsi in un quadro di Hopper, come Nighthawks.

Ethan Hawke è in scena con quell’aria trasandata in modo affascinante, un mood che pochi come lui sanno incarnare. Ha quel sorriso sghembo e quella luce negli occhi che è inconfondibile. Il suo personaggio, giornalista ma anche – come viene definito – uno scrittore fallito (ma “il novanta per cento degli scrittori sono scrittori falliti” dice lui) potrebbe anche essere il Jesse di Prima dell’alba a cui le cose non sono andate così bene. Capiamo di adorare questo personaggio già dal primo momento in cui lascia il suo biglietto da visita a uno dei suoi interlocutori. È un bigliettino blu, forse un post-it, con il suo nome e il suo numero scritto a penna. Da applausi.

Ma, allo stesso tempo, il suo personaggio sembra anche essere l’evoluzione di certi investigatori privati tipici del noir, un Marlowe dei nostri giorni, stropicciato e preso a pugni da chiunque, ma imperterrito nel provare a trovare le risposte che cerca. Il lavoro del giornalista d’inchiesta, qui, sconfina facilmente in quello dell’investigatore. Ed è un lavoro che, ovviamente, dà fastidio a molti e diventa molto pericoloso. Del suo essere stropicciato e malandato fa parte anche lo status di genitore divorziato con una figlia adolescente, con cui ha un rapporto da recuperare.

Veste alla texana, il suo Lee. Jeans attillati, stivali ai piedi, una camicia aperta sopra una t-shirt o una canotta bianca. E spesso il cappello da cowboy. Veste così, ma più elegante, camicia bianca pulita, cravatta texana al collo e un cappello da cowboy più elegante e scuro, quello che si rivelerà l’antagonista della storia, un politico locale, che ha il volto sempre enigmatico e intrigante di Kyle MacLachlan, attore feticcio di David Lynch che oggi sta vivendo una vera e propria seconda giovinezza (ma probabilmente la prima non è mai finita). Lo stiamo vedendo anche tra i protagonisti di Fallout, dove è uno dei personaggi più interessanti.

Una serie come The Lowdown è un gran bel regalo di Natale per chi ama il cinema e la serialità. E per chi ama Ethan Hawke. Un attore che avrebbe potuto rimanere tranquillamente ancorato ai ruoli di eroe romantico tra Prima dell’alba e Giovani, carini e disoccupati, che poteva rimanere un bel volto. E invece ha cercato sempre più le sfide. I personaggi scomodi, come il poliziotto di Training Day, come il serial killer di Black Phone. Continua a stupirci cercando ruoli in direzione ostinata e contraria, e a interpretarli alla grande. Qui non ha paura di andare in scena con il volto tumefatto, coperto di sangue, con un sorriso sardonico sulla bocca. La sua è una grande prova attoriale.

Ethan Hawke mette in scena un’idea romantica del giornalismo e un’attitudine vintage verso la vita. È un uomo che, per lavoro, vende libri antichi, commercia in quadri antichi, vive secondo principi antichi, come questa cosa che un tempo era importante per tutti e ora sembra non esserlo più: la verità. Ricordate cosa leggevamo nella Bibbia? La verità vi renderà liberi. Il nostro eroe non sembra essere un tipo religioso, ma questo motto ben si adatta anche a lui.

Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Ma dove eravamo rimasti? E che cosa sta succedendo a Emily nella quinta stagione? Ora a capo dell’Agence Grateau a Roma, Emily affronta sfide professionali e sentimentali mentre si adatta alla vita in una nuova città. Ma proprio quando tutto sembra andare per il verso giusto, un’idea lavorativa si rivela un fallimento, con conseguenti delusioni amorose e ostacoli alla carriera. In cerca di stabilità, Emily si rifugia nel suo stile di vita francese, finché un grande segreto non minaccia uno dei suoi rapporti più stretti. Affrontando i conflitti con sincerità, Emily ne esce con legami più profondi, una rinnovata consapevolezza e la voglia di abbracciare nuove possibilità. Con vista finale ancora sull’Italia, a Venezia.

È metamoda anche citare i veri marchi in un continuo gioco di rimandi che permette di farlo. Alcuni vengono nominati, come Dolce & Gabbana, altri si vedono proprio, dalla già citata borsa di Fendi, fino al marchio Intimissimi, che è anche al centro di una sfida, la nascita di una campagna ad hoc, realizzata solo per questa serie. Il pay-off è “Più sexy che nuda” e nasce da un gioco di seduzione tra Emily e il suo compagno Marcello (che ricorda quello tra Jerry Calà e Federica Moro in Yuppies, con il famoso collant “Velatissimo”). Ci sono anche altri marchi che entrano in scena. E se, per la birra, Nastro Azzurro ha deciso di stare al gioco, cioè di investire, un noto brand di caffè non l’ha fatto ed è diventato Bavazza.

Il tono della serie è quello che conosciamo, tra il leggero e il sovraeccitato, tra il lezioso e il divertito, ma senza mai andare sopra le righe. È un po’ il tono de Il Diavolo veste Prada, che da sempre è il modello di questa serie, che arriva sugli schermi di Netflix proprio a pochi mesi dall’arrivo del sequel del famoso film del 2006 con Meryl Streep e Anne Hathaway. L’altro legame con Emily In Paris è una serie francese, Dix Pour Cent, diventata da noi Call My Agent. Il ritmo frenetico delle pubbliche relazioni, il viaggio dentro mondi reali (lì lo spettacolo, qui la moda) sono gli stessi, l’idea di raccontare il dietro le quinte anche.

Se i riferimenti del racconto sono quelli, il riferimento – fatte le debite proporzioni – di Lily Collins, la protagonista, sembra essere sempre Audrey Hepburn, di cui l’attrice non avrà forse l’allure ma ha la figura elegante e slanciata, minuta, una certa dolcezza nello sguardo e nel volto. Essendo una buona parte della serie girata a Roma, prima del ritorno a Parigi e del gran finale ancora in Italia, a Venezia, si gioca molto sul concept “Vacanze romane” dando spesso un look anni Cinquanta al personaggio di Emily. Gli occhi grandi e neri donano alla protagonista una grande dolcezza, e le sopracciglia, non troppo sottili come a volte vuole la moda oggi, rendono lo sguardo ancora più carico di personalità.

C’è in scena una Roma molto bella, dal Parco degli Acquedotti e Piazza di Spagna e i suoi dintorni, dal Teatro dell’Opera al Palazzo della Civiltà del Lavoro dell’EUR, dove si è scelto di ambientare la sede di Fendi. E dove è stato girato il nuovo spot con Bang Chan della band K Pop degli Stray Kids: anche questo è metamoda. Per l’ufficio dell’agenzia si è scelto, per gli esterni, un bellissimo edificio del quartiere Coppedé (che, a proposito, era stato scelto come location anche per un altro film legato alla moda, House Of Gucci, ma per ricreare gli esterni dell’abitazione di famiglia di Milano).

“Non ero mai stata a Venezia prima d’ora ed è incredibilmente bella” ha raccontato Lily Collins. “L’assenza di automobili e la necessità di spostarsi ovunque in barca è davvero romantica. Girare a Roma e Venezia è stato assolutamente magico. Entrambe le città sono così suggestive dal punto di vista cinematografico, ricche di storia e di un palpabile senso di magia: Roma sembra una città più consolidata e metropolitana, mentre Venezia è stravagante, romantica e offre un ritmo di vita completamente diverso. È stato perfetto aprire l’ufficio di Emily a Roma, dandole una base per la sua vita professionale, mentre Venezia ha offerto un’avventura stravagante: un viaggio indimenticabile per Emily e per la nostra troupe. Sono molto grata all’Italia per averci accolto di nuovo in entrambe le città”. “Roma e Venezia sono città di grande bellezza” ha spiegato il creatore della serie, Darren Star. “La serie offre la possibilità di viaggiare con la fantasia e volevo davvero trovare un modo per inserire Venezia in questa stagione perché penso che abbia qualcosa di magico e ultraterreno. È difficile superare Parigi e volevo andare in un posto altrettanto iconico e affascinante”.

Ovunque ci si trovi, la moda è il campo di gioco. Ma la moda parla anche per chi la indossa, dice chi è. E che cosa dice, allora, la moda di questi personaggi? “Nella prima stagione Emily ha molti pensieri in testa e molte cose da dire” riflette Lily Collins sul suo personaggio. “Invece di condividerli li mette nei suoi abiti. E così molti dei vestiti sono brillanti, audaci, colorati. Lungo le altre stagioni impara a prendersi cura di sé in un altro modo, e così quell’audacia e quella brillantezza possono essere anche attenuate. Gli abiti sono ancora colorati, ma non in modo così forte. Sono più sartoriali, su misura. E credo che ci sia una maggiore sicurezza interiore che emerge dagli abiti”. “Sylvie ha dei bellissimi vestiti, ma credo sia più interessata a quello che accade dentro di lei” interviene Philippine Leroy-Beaulieu. “Siccome la sua vita sta diventando più complicata lei è più tesa. Ma soprattutto a Parigi. A Roma è tutto più rilassato”. “Anch’io credo che il modo di vestire di Emily a Roma sia più rilassato” aggiunge Darren Star. “L’ultima parte della scorsa stagione e questa è stato come se fosse la vacanza di Emily a Roma” concorda Lily Collins. “Amiamo questo racconto fatto attraverso la moda, il fatto che i tessuti rappresentino i nostri sentimenti” conferma Ashley Park, che è l’amica Mindy. “Non ne so molto di moda” ammette Eugenio Franceschini, che è Marcello, l’amore di Emily. “I costumi sono fondamentali per farci entrare in un personaggio. Ma io sono completamente diverso da Marcello Muratori nella vita, come stile, come famiglia e tutto il background. Mi ha aiutato vestire abiti diversi per trovare il mio carattere”. Il lavoro sui costumi, fondamentale per la serie, è di Marylin Fitoussi, ed è a lei che va continuamente il ringraziamento di produzione e cast. Parigi, Roma, Venezia. E ora, dove andrà Emily? “Lo show è Emily in Paris” risponde Darren Star. “Andremo dove ci porta la storia”.

di Marizio Ermisino per DailyMood.it

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Duecento anni dopo l’apocalisse, i pacifici abitanti dei lussuosi rifugi antiatomici sono costretti a tornare nell’infernale landa radioattiva che i loro antenati avevano abbandonato. Con sorpresa, scoprono che ad attenderli c’è un universo incredibilmente complesso, follemente bizzarro e profondamente violento. La nuova stagione riprenderà dall’epico finale della prima e accompagnerà il pubblico in un viaggio attraverso le terre desolate del Mojave fino alla città post-apocalittica di New Vegas.

“La guerra non cambia mai”. “Se il problema del mondo sono le fazioni in guerra tra loro, perché non eliminare le fazioni”. Il fascino di una serie come Fallout è nel fatto di aver riempito un involucro estetico molto potente come quello del videogame con dei temi attuali e molto sentiti. Fallout allora non è solo una serie molto spettacolare, che riesce a ricreare il mood di un videogame e ad essere a evocativa di un mondo da incubo. Ma è anche un racconto in grado di far riflettere sugli spettri che incombono sul nostro mondo di oggi. Non è cosa da poco.

Fallout, non scordiamocelo, è una serie prodotta da Jonathan Nolan e Lisa Joy, le menti dietro al successo di Westworld. Con quella serie Fallout ha in comune l’ambizione, la grande spettacolarità, il senso dell’enigma, la capacità di costruire mondi e renderli perfettamente credibili. C’è un discorso intellettuale. Alla seconda stagione di Fallout, però, ci sembra anche di rivedere i difetti che comparivano nella seconda stagione di Westworld (dopo che la prima era stata un capolavoro e anche un discorso perfettamente compiuto). C’è un eccessivo compiacimento nel raccontare la storia, un reiterare a lungo certi schemi. La seconda stagione di Westworld, ancora più della prima, riprendeva lo schema archetipico dell’Odissea. Era un lungo viaggio, un lungo cammino. A volte un girare a vuoto. Anche Fallout 2 ha la struttura del viaggio, e, anche se abbiamo visto solo le prime puntate, c’è ancora questa sensazione, quella di volersi prendere un tempo forse eccessivo per arrivare a destinazione.

Rispetto al racconto di Westworld, solenne, magnetico e serioso, Fallout però adotta un tono completamente diverso. È un tono grottesco, surreale, sopra le righe. Che probabilmente è necessario per non rendere quello sguardo verso un futuro possibile così spaventoso come sarebbe con un racconto più serio e realistico. E probabilmente anche perché non dobbiamo scordarci di essere in un videogame.

C’è un continuo senso del contrasto nelle sequenze di Fallout. Soprattutto quando gioca con l’immaginario degli anni Cinquanta. Prendiamo certe canzoni, come la storica Cheek To Cheek di Fred Astaire, usate a contrasto, dolcezza estrema mentre sono in corso scene di violenza. A proposito degli anni Cinquanta, nell’uso di certe atmosfere c’è un po’ di David Lynch e la cosa è sempre un piacere. È probabile che il grande cineasta di Missoula sia un po’ nel cuore di Nolan e Joy. Non sembra un caso che nel cast ci siano due attori lynchiani come Kyle MacLachlan, invecchiato benissimo e sempre enigmatico, e Justin Theroux, freddo e sinistro, misterioso uomo che si muove nei flashback degli anni Cinquanta e sembra portare molte delle soluzioni all’enigma. Non sembra invece un enigma un riferimento alla realtà americana di oggi. Il fatto che l’uomo più ricco d’America sia quello che ha il potere di premere il pulsante. Quello che tiene le fila di tutto.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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In poco più di cinquanta minuti, il film attraversa la vita e l’eredità letteraria di una donna che ha cambiato per sempre il modo di raccontare le relazioni. Austen osservava il mondo con ironia affilata e intelligenza emotiva, trasformando salotti, convenzioni sociali e piccoli drammi quotidiani in un laboratorio narrativo modernissimo. Le sue protagoniste non sono mai figure decorative: sono donne che pensano, scelgono, sbagliano, resistono. Un gesto radicale, per l’epoca, e ancora oggi sorprendentemente attuale.

Il documentario mette in luce come Jane Austen sia stata, di fatto, una pioniera del romanzo “al femminile”, capace di raccontare l’esperienza delle donne senza idealizzazioni e senza moralismi. Pubblicando inizialmente in forma anonima, firmandosi semplicemente “By a Lady”, Austen ha costruito una narrativa in cui l’amore non è mai separato dalla dignità personale, e il lieto fine non coincide con la rinuncia a sé.

Da Orgoglio e pregiudizio a Ragione e sentimento, i suoi romanzi continuano ad accompagnare i primi incontri con la letteratura e a insegnare una lettura lucida delle dinamiche affettive. Personaggi come Elizabeth Bennet restano icone di un’idea di amore fondata sul confronto, sull’equilibrio e sulla libertà individuale, lontana tanto dal cinismo quanto dal romanticismo ingenuo.

Schäfer racconta anche l’eredità culturale di Austen: una scrittrice capace di attraversare i secoli, di ispirare cinema, televisione e pop culture, senza mai perdere la propria identità. Non è un caso che i suoi testi continuino a essere riletti, adattati e reinventati: perché parlano di desideri, contraddizioni e autodeterminazione con una sensibilità che sentiamo ancora nostra.

Jane Austen: Letteratura, appassionatamente! non è quindi solo un documentario celebrativo, ma un invito a riscoprire Austen come icona culturale e lifestyle, una scrittrice che ha saputo trasformare l’ordinario in eterno, e l’intimità in rivoluzione silenziosa.

Disponibile su Arte.tv fino al 13 marzo 2026, è una visione preziosa per chi ama la letteratura, ma anche per chi continua a cercare, nelle storie, uno specchio intelligente del presente.

Regia: André Schäfer
Anno: 2025
Produzione: Germania | Regno Unito

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Uno di quei due giovani è Rudy Baylor (Milo Callaghan). Appena uscito dalla facoltà di giurisprudenza, si trova catapultato nel suo primo grande caso: uno scontro alla Davide e Golia contro Leo Drummond (John Slattery), avvocato di fama e vecchia volpe delle aule di tribunale. Nello studio di Drummond lavora proprio l’altra giovane che era con lui, Sarah, che è la sua ragazza. Ad affiancare Rudy ci sono la sua mentore Bruiser (Lana Parrilla) e l’eccentrico e geniale assistente paralegale Deck (P. J. Byrne). Quando Rudy e il suo team scoprono due cospirazioni legate alla misteriosa morte del figlio di un cliente, il giovane avvocato dovrà scegliere fino a che punto spingersi per ottenere giustizia, e a quale prezzo.

The Rainmaker è un legal thriller potente in dieci episodi ricchi di tensione. È una serie veloce, fresca, carica di ritmo, che è quello del rock da FM tipicamente americano. Rispetto al film di Coppola, pur toccando temi importanti, ha un’aria meno solenne, più scanzonata e ironica. Il tema chiave è la difficoltà di lottare contro un sistema che tutela i più potenti.

A proposito di Francis Ford Coppola, qui c’è Milo Callaghan nel ruolo che in quel film era di Matt Damon. È chiaro che non può avere lo stesso carisma. E, almeno all’inizio, Callaghan ci sembra essere troppo bello e pulito per quel ruolo. Ma, ben presto, si dimostra un interprete funzionale alla storia, capace sia di momenti seri che più ironici. John Slattery, che è Leo Drummond, squalo del mondo legale, sembra essere ancora il Roger Sterling di Mad Men, senza scrupoli e deciso a continuare la sua strada, costi quel che costi. Lana Parrilla è l’avvocato Bruiser, capace di essere allo stesso tempo sexy e autorevole.  Madison Iseman è Sarah, la ragazza di Rudy, affascinante e dolce quanto ambiziosa e decisa a non abbandonare la sua strada.

E uno degli aspetti intriganti della serie è proprio questo. Il fatto che due innamorati si ritrovino avversari sul campo: dovranno decidere quali sono le priorità nella loro vita, dovranno lasciare fuori i sentimenti, dovranno fare delle scelte. The Rainmaker è un film di contrasti, e quello tra Rudy e Sarah non è l’unico. C’è quello, sintomatico del tema chiave della storia, dei due ambienti di lavoro dove i due si trovano. Sarah è nel grattacielo vetro e acciaio dello studio di Leo. Rudy si trova nello studio di Bruiser, ricavato in un ex ristorante di tacos… La miglior qualità? Non smettere mai di combattere. Il peggior difetto? Non smettere mai di combattere. Rudy Bailor è questo, e lo dimostrerà man mano che il racconto va avanti. Siete pronti a seguirlo nelle aule di tribunale?

di Maurizio Ermsino per Dailymood.it

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All’inizio di Stranger Things 5, siamo a Hawkins, Indiana, nel 1987. Joyce Byers, e i figli Will e  Jonathan vivono a casa dei Wheeler, con Mike, Nancy, i genitori e la sorella più piccola, Holly. La mattina i ragazzi prendono la bici e vanno a scuola, e mentre pedalano ascoltano alla radio locale la nuova trasmissione di Robin, diventata Rockin’ Robin, che va in onda aiutata dall’amico Steve Harrington. Sulla sua bicicletta arriva a scuola anche il nostro amato Dustin Henderson, che indossa fiero la maglietta dell’Hellfire Club, quella del suo amico perduto Eddie. E, proprio per questo, viene bullizzato dai popolari della scuola. Undici è ricercata dalla polizia, ma si allena duramente. Perché sa che è lei l’arma più forte che hanno i nostri eroi per sconfiggere il malefico Vecna. Max, intanto, è ancora sospesa tra la vita e la morte, assistita dall’amato Lucas. Tutto questo in una Hawkins che prova a riprendersi ma è letteralmente ferita. Quello squarcio che si era fatto nel terreno alla fine della stagione 4 è ricoperto da una lastra d’acciaio.

Hanno qualcosa di diverso, tutti i protagonisti di Stranger Things. A differenza delle passate stagioni, dove erano in qualche modo inconsapevoli del pericolo, colti ogni volta alla sprovvista, qui sono preparatissimi. Hanno fatto già molte battaglie, sanno chi è Vecna, il loro nemico, sanno cosa vuole e cosa può fare. E allora li vediamo già pronti, organizzati, con una struttura simile a un piccolo esercito, o a una squadra speciale di intervento, e con un piano. Stranger Things 5 parte in quarta, non si perde in preamboli, è già in modalità combattimento. Ed è, sull’onda della stagione 4, una serie dai toni più duri, oscuri. I ragazzi stanno perdendo l’innocenza e stanno andando verso l’età adulta.

È una storia di crescita, allora, Stranger Things. Ma è davvero cresciuto tutto. Sono cresciuti, e tanto, i ragazzini protagonisti: Will, Dustin, Mike e Lucas. È cresciuta, decisamente, Undici. Lo vediamo chiaramente sullo schermo, dove alcuni di loro sono diventati davvero alti. Lo vediamo perché abbiamo seguito questi attori in altri film, e fuori dal set, come è avvenuto con Millie Bobby Brown e la sua trasformazione in una donna. È vero che è passato del tempo anche nella storia. Ma i dieci anni che sono passati dall’inizio alla fine del racconto, complice anche la pandemia e una struttura produttiva sempre più imponente, sono molti più dei quattro dell’arco narrativo. E così, come già nella stagione 4, si deve fare un grande sforzo per credere alla storia, per vedere questi ragazzi ancora a scuola, per credere che siano ancora quei personaggi che hai amato perché ti ricordavano te quando eri un ragazzino. Ma vuoi bene a quei personaggi, e quello sforzo lo fai.

È cresciuta a dismisura anche la struttura della serie. Quella formula perfetta di episodi da 40-50 minuti delle prime stagioni è cambiata, e già nella stagione 4 è stato molto evidente: in questa nuova stagione ci saranno anche episodi di 80 minuti, e un finale che sarà ancora più lungo. Non sembra neanche più una serie, ma un insieme di film. E allora in tanti si chiedono: è giusto che certe serie si prendano la libertà di andare oltre i limiti e i confini che il mondo della serialità si è dato?

Il fatto è che Stranger Things è diventata un fenomeno così grande che i Duffer Brothers si sono sentiti in dovere di alzare continuamente l’asticella per supere se stessi, cioè la stagione precedente. La stagione 4, arrivata due anni fa dopo un lungo stop, aveva fatto vedere già un esempio di tutto questo e dettato la linea di quella che sarebbe stata questa quinta stagione. Cattivi sempre più minacciosi e letali, combattimenti sempre più lunghi, scenari sempre più inquietanti. E sì, episodi sempre più lunghi. Se i Duffer Brothers si sono posti il problema di essere sempre più grandi, Netflix si è posta quello di gestire tutto questo. E così, come ha fatto per i finali di altre serie, è rimasta a metà tra la modalità del binge watching (il rilascio della serie tutta insieme, che era stato un suo caposaldo) e quella degli episodi settimanali, che era la modalità della serialità della vecchia tv, e che è tornata in altri player come Disney+ e Apple Tv+. Così ha scelto di rilasciare gli episodi tutti insieme, ma in tre parti. Una cosa che molti non hanno apprezzato. Il pubblico sembra volere l’una o l’altra cosa. Non le vie di mezzo.

In rete da mesi si legge di tutto. E in questi giorni il dibattito è divampato. C’è chi ha già visto tutta la prima parte di stagione e la vorrebbe subito tutta. Chi, davvero, preferirebbe gli episodi settimanali. C’è chi avrebbe voluto degli episodi più brevi, dal minutaggio da serie tv. E chi non ne ha mai abbastanza. Chi avrebbe voluto che la serie fosse finita prima, con i protagonisti ancora giovanissimi, e chi vorrebbe che andasse avanti all’infinito.

Il fatto è che Stranger Things ci è entrata così dentro, è così parte di noi – perché parla di noi – che, come ogni cosa che amiamo, ognuno la vorrebbe a propria immagine e somiglianza, ognuno la sente così sua da voler decidere che cosa debba essere. A pochi episodi dalla fine, possiamo dire che è una serie che ha davvero fatto centro. Perché ha conquistato tutti. Ha catturato i quarantenni e i cinquantenni, chi gli anni Ottanta in parte o in tutto li ha vissuti, e nella sua età di formazione. Ha catturato i ragazzi di oggi, perché racconta i loro coetanei, e quelle emozioni e quei problemi che, negli anni Ottanta come oggi, sono gli stessi. è una serie che è riuscita a creare un mondo. Che è sì derivativo da altri cento mondi di quegli anni, ma è anche originale e riconoscibile. È una cosa che poche opere che citano il passato, soprattutto quegli anni, riescono davvero a fare. Stranger Things è il cinema della Amblin degli anni Ottanta, è E.T., I Goonies, Stand By Me. Stranger Things è fantasy, avventura, fantascienza, horror. Ma è, soprattutto, Stranger Things.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Adelina Tattilo ha sfidato l’establishment in nome di una liberazione dei costumi, una liberazione che non è solo culturale ma anche politica. In quegli anni lo hanno fatto in tanti. Ma Adelina è una donna. E allora la sfida che deve affrontare è doppia. Essere un’imprenditrice in un mondo ancora non accettato, come quello delle riviste erotiche. Ed esserlo in un’epoca in cui le donne erano relegate al ruolo di madri e casalinghe. Lungo tutta la serie Adelina affronta di continuo sguardi di sufficienza, parole sibilline, affermazioni più decise da parte degli uomini che le stanno attorno. Chi in maniera diretta, chi più velata, tutti o quasi le dicono di lasciar perdere, che non è cosa per lei. Che è una cosa da uomini.

Ma Adelina non ci sta. comincia a portare nella sua rivista tanti argomenti chiave della società. Si parla di piacere femminile, si dà spazio alle fantasie e ai desideri delle donne. Si dà voce alle loro battaglie, come la contraccezione e il divorzio. Attraverso le pagine di Playmen la serie racconta una serie di rivoluzioni. Attraverso la storia personale di Adelina e di Elsa, un altro personaggio femminile, la serie riesce a parlare anche di stupro e matrimonio riparatore, di violenza domestica, di maschilismo tossico, di stalking. La storia di Adelina Tattilo, poi, è anche la Storia di quegli anni. Dal delitto Casati – Stampa a Aristotele e Jacqueline Onassis, fino agli anni delle contestazioni di piazza e al terrorismo di sinistra e di destra.

Mrs. Playmen si regge sulle spalle di una grande Carolina Crescentini. L’attrice è ancora più matura, ancora più consapevole e padrona della scena. Carolina fa suo il personaggio e ha una presenza che le permette di dominare la scena, così come Adelina domina la situazione. Carolina Crescentini ha questo potere, questa magia: è una ragazza minuta, ma quando arriva sullo schermo si trasforma, diventa imponente, autorevole, carismatica. La sua figura riempie lo schermo. Come deve fare Adelina, che si fa spazio con grazia e forza in un mondo che in tanti le dicono non essere il suo.

È un mondo maschile. Quello in cui si muove Adelina è un universo fatto ad uso e consumo degli uomini. E gli uomini, ovviamente, sono quelli che dispongono. Così Saro, il marito di Adelina, quando capisce che le cose si mettono male, la nomina direttore responsabile e sparisce, lasciando che ad essere accusata sia lei. Tornerà più volte, ambiguo e mellifluo, suadente e poi violento. Saro, interpretato da Francesco Colella, è un po’ il simbolo di tutto quello che non va negli uomini, negli anni Settanta come oggi.

La ricostruzione dei Settanta di Mrs. Playmen è riuscita. La fotografia avvolge quegli anni di luci dorate e di neon violacei e porta la storia dentro interni rivestiti di legno caldo, dalle forme definite, fatte di linee nette, dritte o rotonde. Ascoltiamo tanta musica, da Lou Reed a Patty Pravo.

Mrs. Playmen a livello narrativo è molto valida. Ha un ottimo crescendo e un’evoluzione dei personaggi, e notevoli colpi di scena. Quello riguardo alla scelta di Elsa è gestito bene. E anche l’ultimo episodio, il settimo, vive su un colpo di scena inatteso che porta la serie verso sentieri oscuri e amari (con una bella citazione di Una giornata particolare di Ettore Scola in sottofinale) prima del catartico finale.

Mrs. Playmen è una serie molto interessante, piena di spunti, piena di politica, intrigante. Eppure, forse, lo poteva essere ancora di più. A tratti sembra essere un po’ una fiction di Rai 1, un po’ didascalica nella scrittura in alcuni momenti, un po’ troppo rassicurante in altri. Se pensiamo ad altre serie che toccano il tema, su tutte l’americana The Deuce, o anche ad alcuni film, Mrs. Playmen forse avrebbe potuto osare di più. Ma è probabilmente una scelta sensata. Una serie così – provocante e casta allo stesso tempo, un ossimoro ma oggi ne viviamo in fondo tanti – più di altri prodotti meno concilianti può arrivare a tutti. E portare tutti i messaggi di cui vi abbiamo parlato.

di Maurizio Ermisino per Dailymood.it

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L’ultima volta che avevamo visto l’agnostica conduttrice di podcast Joanne (Kristen Bell) e l’eccentrico e affascinante rabbino Noah (Adam Brody), la loro chimica senza pari ha sorpreso tutti quelli che li circondavano, compresa la sorella di lei Morgan (Justine Lupe), il fratello di lui Sasha (Timothy Simons), la cognata Esther (Jackie Tohn), e persino loro stessi. La loro scintilla si è rivelata più forte di tutti gli ostacoli che cercavano di separarli. Ora sono tornati e sono determinati a unire le loro vite e far avvicinare i loro cari. Ma le differenze esistono ancora e non possono essere ignorate.

Joanne e Noah, cioè Kristen Bell e Adam Brody, sono sexy, affascinanti. E tra loro – i personaggi e anche gli attori – c’è una chimica incredibile. Abbiamo ancora negli occhi il loro bacio nella stagione 1, uno dei più belli e appassionanti che abbiamo visto negli ultimi anni tra serie e cinema. Quando sono insieme sullo schermo fanno scintille. Normalmente si direbbe che sono una coppia perfetta. Eppure c’è un problema che, per chi è credente, è insormontabile, o quasi. Perché se un uomo non solo è molto religioso, ma in seno alla sua confessione religiosa e alla sua comunità ha un incarico importante, anche la sua vita privata ne risente. Se è un rabbino, ci sia aspetta che anche la moglie sia ebrea. O che, almeno, si converta alla religione ebraica. E così la vita di Joanne e Noah ruota intorno a questo grande interrogativo. Convertirsi o no? E quando farlo?

Joanne è una donna libera, moderna, emancipata. Parla d’amore e di sesso nel suo podcast (Nobody Wants This è proprio il titolo del suo progetto) che tiene insieme alla sorella Morgan. Noah parla d’amore con il rabbino capo. Fatte le debite proporzioni, è come se Carrie Bradshaw uscisse con certi personaggi di Woody Allen. I loro mondi devono fondersi. Ma come possono farlo veramente? Prima della conversione i due innamorati provano a fondere gli amici, le famiglie. Alcune cose vanno bene, altre meno, ma tutto vive in funzione di quel grande passo che dovrà fare Joanne.

Come ogni commedia romantica, la storia lavora sugli ostacoli che si frappongono alla felicità dei due innamorati, per metterli alla prova e capire se la loro unione è davvero forte ed è in grado di superare tutto. I problemi che ha una coppia come Joanne e Noah sono di due tipi. Quelli che riguardano la loro particolare situazione, legata alla religione. La chiave la spiega bene Sasha, il fratello di Noah. “Se potessi scegliere di essere ebreo, sceglieresti di essere ebreo?”. Si chiede cioè perché, a parte l’amore, una persona che non è ebrea dalla nascita dovrebbe scegliere di esserlo. Il secondo tipo è fatto da quei problemi che ha qualsiasi coppia, le piccole incomprensioni. Come se lei cerca una casa più grande, accenna alla convivenza e lui dice che non è il momento. Questo secondo livello di problemi ci riguarda un po’ tutti. Ed è per questo che Nobody Wants This è universale. A proposito, Sasha ci insegna una regola di cui far tesoro. Quando le ragazze rispondono “va bene”, vuol dire che “non va bene”.

La seconda stagione di Nobody Wants This diventa una storia più corale. Accanto a Joanne e a Noah c’è molto più spazio per i fratelli e le loro storie d’amore: così ecco Morgan e il misterioso Dr. Andy, e Sasha ed Esther. A proposito, il personaggio ha visto un netto cambiamento di scrittura in questa seconda stagione: da moglie castratrice e insopportabile è diventata un personaggio intrigante, maturo e sfaccettato. E anche la serie ne ha guadagnato. C’è più spazio anche per i genitori, che riescono a regalare qualche sorpresa.

Ci sono le feel good songs, le canzoni che fanno stare bene. E, ormai lo sappiamo da tempo, ci sono le feel good series, le serie tv che ci rendono felici. Nobody Wants This è una di queste. Ci sarà ovviamente la terza stagione, perché la storia di questi due ragazzi va seguita. Ormai è come se fossero dei nostri amici. E, ogni volta che abbiamo questa sensazione, vuol dire che la serie è riuscita.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Otto duplici omicidi. Diciassette anni di terrore. Sempre la stessa arma: una beretta calibro 22. Una delle più lunghe e complesse indagini italiane sul primo e più brutale serial killer della storia del Paese: il Mostro di Firenze. Questa storia è stata ricostruita sulla base dei procedimenti e delle indagini ancora in corso. In una storia dove i mostri possibili, nel corso del tempo e delle indagini, sono stati molti, il nostro racconto esplora proprio loro, i possibili mostri, dal loro punto di vista. Perché il mostro, alla fine, potrebbe essere chiunque.

La serie di Stefano Sollima, inizia in medias res, quando il caso del “Mostro” è aperto già da diversi anni. Quello a cui abbiamo appena assistito, infatti, è già l’assassinio delle vittime numero 7 e numero 8 del serial killer. Con il filo narrativo di una magistratura che, dopo anni, non ha ancora niente e decide di riaprire i casi passati, anche quelli che sembrano risolti, Il Mostro spiazza, riavvolge il nastro, viaggia a ritroso, andando a cercare i germi di questa storia incredibile molto, molto lontano. Molto prima dei tristemente noti Pacciani e Vanni, la storia va alla ricerca di Stefano Mele, un nome misconosciuto, che le cronache della nostra epoca non hanno riportato. E che, a quanto pare, ha visto l’inizio di tutto. Assolutamente vietato svelare di più: Il Mostro è una serie che va scoperta passo dopo passo, indizio dopo indizio, come se davvero si stesse partecipando a un’indagine delicata e complessa.

È questo che ha voluto fare Stefano Sollima. “L’orrore, per essere davvero raccontato, va attraversato, non aggirato. E la storia, per arrivare con chiarezza, senza sposare una tesi, deve cominciare dall’inizio. Riportare con onestà, con rispetto e con rigore deve ancora avere un senso. Non per risolvere, non per capire, ma solo per ricordare. Un modo per restare accanto a chi è rimasto lì, per sempre nella notte”. La sua idea di racconto del Mostro è questa. Un lavoro certosino di studio degli atti processuali, poi di sceneggiatura, e infine di produzione e messinscena.

Stefano Sollima è considerato l’erede del nostro cinema di genere anni Settanta, il cinema d’azione, il poliziottesco. Un autore di un cinema potente, muscolare, duro. Suburra, il film, e ACAB, parlano chiaro. Già nel suo ultimo film, Adagio, però, ha cominciato a usare toni più crepuscolari, più riflessivi. Il Mostro, in questo senso, sorprende ancora di più. È un film a suo modo sommesso, ipnotico. E comunque dipinto con il senso pittorico che Sollima ha in sé e che negli ultimi tempi è sempre più evidente.

Guardate la sequenza d’apertura, quella dell’assassinio e del successivo ritrovamento delle vittime. Sembra di essere in un horror americano. La figura nera che si staglia sull’orizzonte, che esce dall’ombra ed è a sua volta ombra, con quel lungo soprabito nero, la velocità e l’inesorabilità con cui si avvicina, è da film horror. E poi quegli ambienti, dai colori oscuri e allo stesso tempo vividi, cinematografici. Il verde dei prati, il blu scuro del cielo, la luce dei lampeggianti delle volanti e delle ambulanze che colorano quel mondo di bagliori sinistri. Sono immagini che abbiamo visto in tanti film, e che qui tornano per un attimo. Per poi lasciare spazio ai colori più monotoni e bruni degli interni: gli uffici della magistratura, le celle delle carceri, le povere dimore dei braccianti in cui si consuma il dramma che è solo l’inizio della tragedia.

In più c’è una chiave di cui tener conto, che non era mai stata riportata dalla narrazione giornalistica sul Mostro in tutti gli anni di cronaca. Si è sempre parlato di delitti contro le coppie. Ma il sostituto procuratore che istituisce il caso fa notare che l’accanimento è sempre contro le donne. Quelli del mostro sono prima di tutto crimini contro le donne, contro il genere femminile. Ed è in questo senso che si può capire la modernità di una storia che parte da molto, molto lontano.

Quello che viene fuori dal racconto, man mano che procede, è ritratto di un’Italia d’altri tempi, patriarcale e arretrata, dove è radicato quel retaggio maschilista che da tante parti troviamo ancora oggi e che è duro a morire. Così vediamo uomini che si fanno portare le spose a forza, che concedono le loro compagne ad altri uomini senza chiedere il loro consenso, come se fosse oggetti. Maschi capibranco ed altri remissivi, deboli con i forti e forti con i deboli. Il Mostro, così, diventa un trattato antropologico di un’Italia che è stata e che purtroppo c’è ancora, una storia di violenze e soprusi. Una storia di uomini che odiano le donne.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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