Ambientate tra i paesaggi verdi e collinari dell’isola e le sue caratteristiche cittadine in pietra, le immagini catturano il fascino poetico e senza tempo di questa meta, avvolta da una luce morbida e tonalità tenui.

Qui, la protagonista intraprende una fuga del fine settimana che incarna l’essenza del tempo libero rurale irlandese. Le immagini e i video ritraggono avventure all’aria aperta tra distese selvagge e scogliere battute dal vento, alternate da intimi momenti davanti al camino e piacevoli passeggiate tra i villaggi di pietra.

Lo spirito della collezione si riflette nei capi in maglia e nelle gonne ampie, arricchite da un’ondata di motivi a quadri – dal windowpane al pied-de-poule, dal tartan all’argyle – che sposano la texture rustica del tweed e il comfort della lana cotta. I capisaldi del guardaroba invernale, come le giacche a vento, i cappotti pesanti e i parka, danno vita a sofisticati giochi di stratificazione.

La narrazione visiva si sviluppa anche attraverso i piccoli, preziosi oggetti che la protagonista raccoglie durante il suo viaggio. Ogni elemento – un trifoglio, una sciarpa, una moneta o una pietra locale – diventa il simbolo di una scoperta e di un ricordo da custodire.

In un perfetto equilibrio tra autenticità e cura dei dettagli, la campagna pubblicitaria di Weekend Max Mara evoca un’atmosfera genuina, capace di ispirare nuove storie e di valorizzare ogni singolo istante di un fine settimana da ricordare.

Nato nel 1983 come collezione casual per il tempo libero, Weekend Max Mara è oggi un vero e proprio lifestyle brand, dal dna italiano e dalla spiccata personalità. Con le sue collezioni di abbigliamento e accessori Weekend Max Mara riesce a garantire il giusto equilibrio tra continuità e contemporaneità. Il risultato è uno stile in cui formale e informale si fondono sapientemente in un’eleganza casual, dedicata a donne dallo spirito libero, amanti della cultura, e la cui personalità trascende la moda e le stagioni. Come espressione del proprio percorso evolutivo, Weekend Max Mara ha introdotto le Signature Collection, frutto della collaborazione con rinomati creativi che interpretano di stagione in stagione i codici stilistici del brand per creare un guardaroba secondo il proprio personale punto di vista. Weekend Max Mara è presente in più di 250 punti di vendita monomarca e nei più importanti department store nel mondo.

L'articolo A WEEKEND IN IRELAND – La campagna pubblicitaria di Weekend Max Mara per l’Autunno/Inverno 2026 proviene da Daily Mood.

Completi nelle tonalità naturali del fiocco, stone, corda e grano si intrecciano con le sfumature autunnali, dal marrone wood al verde deep forest, fino ai semi di lino e al cammello, nuovi colori di stagione. Accenti cromatici attraversano la collezione, esaltandone la profondità e il carattere, dando vita a un gioco sofisticato di layering e contrasti materici.

Per la donna, la seta esprime tutta la sua luminosità e leggerezza nelle nuove gonne a portafoglio, abbinate con naturalezza alle maglie in Cashmere Ultrafine. Morbidi cappotti e camicie nelle delicate tonalità del petal rose convivono in un equilibrio armonioso tra fluidità, comfort e raffinatezza.

Per l’uomo, il blu navy valorizza i capi reversibili in cashmere con un tocco di eleganza essenziale esaltandone la versatilità e il carattere contemporaneo, che accompagna l’uomo Falconeri nella nuova stagione.

L'articolo FALCONERI presenta A RIDE TOWARD A FINE SEASON, un viaggio verso la nuova stagione proviene da Daily Mood.

Il 24 settembre 2026, nel cuore di Milano, Fashion Vibes Milano presenta THE NEXT CHAPTER — SS’27, un progetto che riunisce quattro designer internazionali chiamati a interpretare, attraverso linguaggi profondamente differenti, alcuni dei temi più significativi della moda contemporanea: il futuro della forma umana, l’eredità della memoria, l’evoluzione dell’identità femminile e il dialogo tra culture.

Presentato durante la Milano Fashion Week, THE NEXT CHAPTER non nasce come una semplice successione di sfilate, ma come una narrazione curatoriale costruita attraverso quattro universi creativi.

Quattro designer. Quattro identità. Quattro prospettive unite da una stessa idea: la moda come linguaggio capace di custodire memoria e identità, interpretare il presente e immaginare il futuro.

ISFERRA — NOVA ERA

Il viaggio inizia dal futuro.

ISFERRA apre THE NEXT CHAPTER con NOVA ERA, una ricerca radicale sulla forma umana attraverso geometria anatomica, minimalismo e costruzione ingegneristica dell’abito.

Materiali compositi, polimeri, superfici innovative e tessuti tecnologici ridefiniscono il rapporto tra corpo e indumento, dando vita a volumi tridimensionali e silhouette che sembrano proporre una nuova architettura dell’essere umano.

Più che valorizzare semplicemente il corpo esistente, ISFERRA immagina ciò che potrebbe diventare.

NOVA ERA proietta la moda verso un futuro possibile in cui tecnologia, estetica e natura convivono in un nuovo equilibrio, trasformando l’abito nella rappresentazione di una forma umana evoluta.

ROVEL HAGOS — THE WOMEN BEFORE ME

Dal futuro, il racconto si sposta verso la memoria.

Con The Women Before Me, Rovel Hagos presenta una collezione profondamente personale, dedicata alla madre della designer e alla linea ininterrotta di donne che l’hanno preceduta: donne la cui forza, il cui sacrificio e il cui amore incondizionato costituiscono un’eredità spesso invisibile, ma fondamentale.

Il bianco diventa una pagina sulla quale proiettare le storie, mentre interventi grafici neri attraversano silhouette architettoniche e volumi monumentali che evocano contemporaneamente rifugio e armatura.

Riferimenti alle tradizioni tessili eritree ed etiopi entrano nel linguaggio contemporaneo della collezione attraverso tecniche specializzate e superfici artigianali, trasformando il tessuto in un veicolo di memoria familiare e culturale.

Il risultato va oltre il concetto di heritage.

È un monumento indossabile dedicato alle donne silenziose che hanno sostenuto le generazioni venute dopo di loro.

HELENA D’OR — FASES

Con il brand brasiliano indipendente HELENA D’OR, lo sguardo si sposta verso il tempo e l’identità.

FASES esplora le diverse dimensioni che una donna attraversa nel corso della propria vita, trasformando l’abito in un linguaggio attraverso il quale desiderio, forza, vulnerabilità e trasformazione possono coesistere senza che una dimensione annulli l’altra.

Sartoria architettonica e narrazione concettuale definiscono una collezione in cui il corpo non viene semplicemente vestito: viene scritto, attraversato e trasformato.

Nero, bordeaux e bianco avorio incontrano pelle, lana fredda e seta, costruendo una tensione continua tra struttura e leggerezza, protezione e fragilità.

In FASES, il corpo diventa memoria, linguaggio e architettura.

La vulnerabilità diventa costruzione. La forza diventa silenzio.

MILAGROS ANCHEITA — BAROC-CORAZÓN

L’ultimo capitolo diventa un incontro tra mondi.

Con BAROC-CORAZÓN, Milagros Ancheita, insieme a Giovanni Petrillo, porta la ricchezza teatrale del Barocco italiano in dialogo con l’anima culturale del Messico.

La precisione della sartoria italiana incontra ricami realizzati a mano, tecniche tessili ancestrali e lavorazioni artigianali legate alle comunità indigene Huichol e Chamula e alle artigiane Tehuana dell’Istmo di Tehuantepec.

Colori vibranti, cristalli, tessuti dipinti a mano, pizzi ricamati, pietre preziose, volumi scultorei e copricapi teatrali costruiscono un universo couture in cui la ricchezza estetica diventa anche un gesto di preservazione culturale.

Realizzata in Italia da sarte italiane e maestri artigiani messicani, BAROC-CORAZÓN celebra la memoria custodita dalle mani che realizzano ogni capo e la capacità della moda di mettere in relazione culture, storie e generazioni.

La moda diventa così non soltanto espressione di bellezza, ma preservazione, dialogo e connessione umana.

UNA PASSERELLA. QUATTRO CAPITOLI

Le quattro collezioni costruiscono insieme l’architettura narrativa di THE NEXT CHAPTER.

ISFERRA immagina ciò che potremmo diventare.

ROVEL HAGOS ricorda coloro che hanno contribuito a renderci ciò che siamo.

HELENA D’OR esplora il modo in cui l’identità si trasforma attraverso il tempo.

MILAGROS ANCHEITA racconta ciò che può nascere dall’incontro tra culture, memorie e savoir-faire.

Futuro. Memoria. Identità. Cultura.

Geografie e linguaggi creativi differenti convergono a Milano intorno a una convinzione comune: la moda esprime la propria forza più autentica quando supera il confine dell’abito e diventa veicolo di idee.

Il prossimo capitolo della moda non appartiene a un solo Paese, a una sola estetica o a una sola generazione.

Nasce dall’incontro.

EVENT INFORMATION
FASHION VIBES MILANO — THE NEXT CHAPTER SS’27

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano
Art Gallery & Exhibition Showroom: 11:00–21:00
Apertura porte e accredito: 17:30
Inizio sfilate: 18:00
Cocktail & Networking: a seguire
Dress Code: CONTEMPORARY ELEGANCE

RUNWAY PROGRAMME

18:00 — ISFERRA: NOVA ERA
18:15 — ROVEL HAGOS: THE WOMEN BEFORE ME
18:30 — HELENA D’OR: FASES
18:45 — MILAGROS ANCHEITA: BAROC-CORAZÓN

PRESS CONTACT

Fashion Vibes Milano Creative Agency
www.fashion-Vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

Termine accrediti stampa: 11 settembre 2026

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Non succede quando si guarda il calendario. Succede quando, improvvisamente, su TikTok iniziano a comparire video di zaini nuovi, «first day outfit», agende colorate, scrivanie da sistemare, capelli da cambiare e interminabili wishlist di cose che, fino a una settimana prima, sembravano assolutamente inutili.

La scuola non è ancora iniziata, ma nella testa è già cominciata.

E forse è proprio questo il bello del back to school: non è soltanto il ritorno tra i banchi. È una piccola ripartenza. Un momento sospeso in cui tutto sembra ancora possibile e, soprattutto, in cui ci si può concedere il lusso di immaginare una versione nuova di sé.
Nuovo anno, nuovo zaino. Nuovi jeans. Nuova playlist. Nuovi capelli, magari. Nuove amicizie, nuove crush, nuove storie da raccontare.
E, naturalmente, un nuovo modo di presentarsi al mondo.

Il primo giorno comincia molto prima del primo giorno
Per i ragazzi di oggi il back to school non comincia davanti al cancello della scuola.
Comincia sullo schermo.
TikTok è diventato una specie di termometro collettivo delle tendenze: basta scorrere qualche video per capire cosa sta arrivando, cosa è tornato e cosa, invece, è definitivamente finito nel dimenticatoio.
Ci sono i video di shopping, quelli in cui si mostra tutto quello che è finito nel carrello per settembre. Ci sono gli outfit preparati con una precisione quasi cinematografica. Ci sono i «get ready with me», le trasformazioni dei capelli, i consigli beauty, le idee per personalizzare lo zaino e persino le strategie per sopravvivere al primo giorno senza sembrare troppo emozionati.
Perché sì, il primo giorno conta.
Non necessariamente perché qualcuno debba essere perfetto. Anzi.
Conta perché rappresenta una possibilità.
Quella di entrare in classe e sentirsi, almeno per un giorno, esattamente come ci si era immaginati durante l’estate.

La moda? Sempre più personale
La cosa interessante è che le tendenze tra i più giovani non sembrano più seguire una sola direzione.
Non esiste un unico «look da scuola».
C’è chi sceglie il preppy, con gonne, polo, cardigan e dettagli college. Chi continua ad amare il mondo sporty, fatto di felpe oversize, sneakers e pantaloni comodi. Chi pesca direttamente dagli anni Novanta e Duemila, tra denim, t-shirt vintage e accessori che sembrano usciti da un vecchio album fotografico.
E poi ci sono i baggy jeans, le silhouette rilassate, le sneakers protagoniste, le borse portate in modo apparentemente casuale e quell’arte molto contemporanea di mescolare capi costosi e pezzi trovati chissà dove.
Perché la vera tendenza, forse, è proprio questa: non sembrare troppo costruiti.
Anche quando dietro a quell’«effortless» ci sono quaranta minuti davanti all’armadio.
La moda dei ragazzi è diventata un grande collage. Prende un po’ dal vintage, un po’ dallo streetwear, un po’ dalla cultura pop e moltissimo dai social. Ma soprattutto prende qualcosa dall’identità di chi la indossa.
Lo stesso paio di sneakers può raccontare storie completamente diverse.
Ed è questo che rende il back to school così interessante: ogni corridoio diventa una piccola passerella, ma nessuno sembra volerlo ammettere.

Il beauty come dichiarazione d’identità
Anche beauty e capelli seguono la stessa regola.
Il trucco non è necessariamente lì per «farsi belle». Può essere un modo per giocare, sperimentare, cambiare.
Un eyeliner diverso. Un gloss. Un dettaglio luminoso. Un’acconciatura nuova. Una frangia pensata per settimane e poi tagliata in un pomeriggio.
E soprattutto i capelli.
Cambiarli prima di settembre è quasi un rito di passaggio.
Perché c’è qualcosa di profondamente simbolico nel presentarsi a scuola con un dettaglio che prima dell’estate non esisteva.
Come dire: «Sì, sono sempre io. Però vediamo cosa succede quest’anno».

Il ritorno porta con sé anche un po’ di ansia

Naturalmente il back to school non è tutto entusiasmo.
C’è anche quella piccola inquietudine che arriva quando le vacanze stanno finendo.
La paura di non essere abbastanza. Di non sapere con chi sedersi. Di ritrovare persone con cui qualcosa è cambiato. Di arrivare in una classe nuova. Di sentirsi fuori posto.
E qui i social possono essere contemporaneamente una compagnia e una trappola.
Da una parte raccontano che tutti stanno vivendo la stessa cosa. Dall’altra mostrano continuamente persone apparentemente perfette, organizzate, bellissime, circondate da amici e già pronte per il loro «new era».
Ma la verità è molto meno patinata.
Il primo giorno può andare male.
L’outfit può non convincere più appena si esce di casa. I capelli possono decidere autonomamente di avere una pessima giornata. Si può sbagliare aula. Si può mangiare da soli. Si può ridere nel momento sbagliato.
E va bene così.
Perché nessuno ricomincia davvero da zero.

La cosa più bella? Sentirsi diversi senza doverlo dimostrare
Forse è proprio questa la parte più interessante del nuovo back to school.
I ragazzi non cercano soltanto cose nuove.
Cercano sensazioni nuove.
Vogliono sentirsi più indipendenti, più sicuri, più liberi di scegliere chi essere.
E allora lo zaino nuovo diventa quasi secondario. Lo stesso vale per il paio di sneakers desiderato per tutta l’estate.
Quello che conta davvero è la sensazione di entrare in classe e pensare: «Quest’anno sarà diverso».
Anche se non sappiamo ancora perché.
Anche se magari non lo sarà affatto.
Ma settembre ha questa magia: permette di crederci.

E allora, che cosa vedremo nei corridoi?
Probabilmente un po’ di tutto.
Outfit sporty e look preppy. Jeans larghi e silhouette più ordinate. Sneakers protagoniste, accessori vintage, borse oversize e dettagli personalizzati. Beauty sempre più naturale alternato a momenti di sperimentazione. Capelli nuovi, soprattutto.
Ma soprattutto vedremo ragazzi che provano a raccontare qualcosa di sé.
Con un paio di scarpe.
Con una felpa.
Con un colore.
Con una playlist.
Con il modo in cui entrano in classe.
Perché il back to school non è mai soltanto «si torna a scuola».
È quel piccolo momento dell’anno in cui ci guardiamo allo specchio e decidiamo, anche solo per gioco, chi vogliamo essere nei prossimi mesi.
E forse è proprio per questo che, ogni settembre, ricominciamo tutti un po’ da capo.
Con lo zaino sulle spalle, il telefono in mano e quella strana, bellissima sensazione che qualcosa stia per succedere.
Anche se non sappiamo ancora cosa.

di Redazione

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Ci sono idee che non cambiano. Per Save The Duck ce n’è una che, da sempre, continua a guidare ogni collezione: gli animali non sono materie prime. Da questa stessa convinzione nasce Protection is in our nature, la campagna Fall/Winter 2026-27 che segna un ritorno alle origini e ai valori fondanti del brand.

Fin dalla prima collezione, Save The Duck ha scelto di creare capispalla e abbigliamento senza utilizzare piume, pelle, pelliccia, lana, seta, corno, osso o altri materiali di origine animale. Una posizione netta, che nel tempo si è tradotta nella ricerca di soluzioni alternative e nella costruzione di un’identità riconoscibile nel panorama internazionale dell’outerwear.

Con la nuova brand campaign, torna a raccontare questa scelta. Protection is in our Nature mette al centro la funzione primaria del capospalla — proteggere chi lo indossa — e il principio che guida il modo in cui il brand lo realizza.

Scattata in Islanda, la campagna prende forma in un paesaggio segnato da vento, acqua, roccia e ghiaccio. Un territorio aperto e incontaminato, scelto non come semplice sfondo, ma come spazio narrativo in cui il prodotto incontra la natura e rivela la propria funzione.

Le immagini costruiscono un dialogo tra persone, elementi e paesaggio, raccontando una relazione di reciproco rispetto. I soggetti condividono lo stesso ambiente, mentre i
capi diventano strumenti di protezione pensati per accompagnare il movimento, affrontare le condizioni atmosferiche più rigide e adattarsi alla vita all’aperto.

«Questa campagna ci riporta alla convinzione da cui Save The Duck è nata: creare capi 100% animal free, quindi capaci di proteggere le persone senza utilizzare materiali di origine animale» afferma Nicolas Bargi, Fondatore e CEO di Save The Duck. «È una scelta che portiamo avanti fin dal primo giorno e che continua a guidare il modo in cui immaginiamo, progettiamo e raccontiamo ogni collezione. Protection is in our Nature non rappresenta quindi un cambio di direzione, ma un ritorno all’identità più autentica del brand.»

La campagna sarà declinata a livello internazionale nel corso della stagione Fall/Winter 2026–27 attraverso una pianificazione multicanale che coinvolgerà stampa, digital, social media, retail e canali proprietari del brand.

Gli scatti portano la firma del fotografo Andrea Mauro, con la produzione locale affidata a Moonland Production. Protagonisti dello shooting sono i modelli Leigh Jansen (Monster Management) e Jeon Cheon (Next Management).

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CAMPAGNA AUTUNNO INVERNO 2026

La superficie cede agli impulsi più profondi; l’artificio si dissolve.

McQueen presenta la campagna Autunno Inverno 2026, fotografata da Glen Luchford. Un’evocazione cinematografica della performatività e del carattere, che esplora il conflitto psicologico tra interiorità ed esteriorità: la tensione tra una facciata costruita con meticolosa precisione e la ricca, viscerale realtà che si cela al di sotto.

Nel passaggio da una scena all’altra, la quarta parete si incrina. Precisione e controllo lasciano spazio a impulsi più profondi e tangibili, mettendo al centro desiderio, sensualità e forza.

L’energia innata e la potenza radicate nelle fondamenta di McQueen si manifestano nello sguardo intenso delle storiche amiche della Maison Karen Elson, Paloma Elsesser, Jacqui Hooper e Xiao Wen. Insieme, creano un ponte tra la McQueen del passato e quella del presente.

La collezione prende vita in un contesto che riafferma l’eredità culturale della Maison: rigore senza compromessi e maestria artistica, in una sintesi di suono, cinema e spettacolo.

Nei capi emerge una tensione materica e viscerale. La sartorialità precisa e affilata, tratto distintivo dell’eredità Savile Row di McQueen, si contrappone a silhouette scultoree da sera realizzate in fluido georgette di seta. Ricami trompe-l’œil in piume e preziosi inserti in pizzo invitano a un’osservazione più ravvicinata, al tatto.

Un’esplorazione di profondità, oscurità e bellezza immersa in un’atmosfera noir.

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Versace presenta la campagna Fall Winter 2026, Versace Obsessed, Capitolo II: l’evoluzione evocativa di una narrazione in continua trasformazione, che riafferma l’impatto inconfondibile della Maison attraverso icone ritrovate e mai viste prima.

Fotografata da Steven Meisel, la campagna si sviluppa attraverso una serie di vignette dal forte taglio cinematografico, raccontando il fascino che Versace continua a esercitare sulle nuove generazioni, creando un ponte tra passato, presente e futuro.

Questo dialogo con l’iconografia del passato si riflette nella collezione Fall Winter 2026, che rende omaggio ai codici fondanti della Maison, definiti da Gianni e Donatella Versace: grinta e glamour, il divino e il decadente, il classicismo e lo street style. Un’eleganza spontanea, libera da ogni inibizione, impreziosita dai simboli più iconici di Versace: la Medusa, la Greca e l’audace incontro tra pelle e oro.

Versace Obsessed, Capitolo II recupera la straordinaria eredità del passato e ne riafferma il lascito attraverso uno sguardo contemporaneo, memorabile e senza compromessi.

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Più giovane vincitrice di due Primetime Emmy Awards per la sua interpretazione nella serie Euphoria – ruolo che le è valso anche un Golden Globe e un Critics Choice Award nel 2023 – Zendaya si è affermata come una delle attrici più influenti della sua generazione.

La sua carriera cinematografica comprende la trilogia di Spider-Man, la saga di Dune diretta da Denis Villeneuve e Challengers di Luca Guadagnino, di cui è stata sia protagonista sia produttrice.

Il 2026 si è aperto con The Drama di Kristoffer Borgli, seguito dall’attesissimo ritorno sul grande schermo quest’estate con il quarto capitolo di Spider-Man, Spider-Man: Brand New Day. Tra le altre importanti uscite del 2026 figura anche The Odyssey di Christopher Nolan.

Con una carriera caratterizzata da versatilità, autenticità e ambizione creativa, Zendaya esprime un carisma capace di rappresentare lo spirito collettivo di più generazioni, conquistandole grazie alla sua naturale ironia e a un’autenticità concreta, con tutte le sue affascinanti contraddizioni.

L’arrivo di Zendaya segna un nuovo e audace capitolo per Prada Paradoxe, inaugurato da una nuova campagna firmata dal regista premio Oscar Barry Jenkins (Moonlight).

Il debutto coincide con il lancio di Prada Paradoxe Sweet Chemistry Eau de Parfum, una nuova fragranza floreale-fruttata che reinterpreta la dolcezza in chiave sofisticata, conciliando intensità e delicatezza attraverso un vibrante accordo di sciroppo di ribes nero, assoluta di fiori d’arancio e un avvolgente accordo di latte di neroli.

“Adoro il modo in cui Paradoxe celebra la complessità, raccontando forza e vulnerabilità senza cercare di incasellare o definire una persona. Per me, le fragranze che scegliamo riflettono il modo in cui viviamo il mondo. Entrare a far parte del brand è stato del tutto naturale, soprattutto perché Paradoxe era già una delle mie fragranze preferite, che indossavo molto prima di essere contattata.”

– Zendaya

“Zendaya incarna perfettamente lo spirito di Prada Paradoxe. Il suo impegno nel rimanere fedele a sé stessa, interpretando al tempo stesso l’essenza del nostro tempo, la rende la partner ideale per questo nuovo capitolo. Porta con sé un’empatia radicale e un’energia multidimensionale che rispecchiano perfettamente la continua evoluzione della donna Prada.”

– Rosa Carriço, Global President di Prada Beauty

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Dopo il ruolo che l’ha resa celebre nella serie Netflix 13 Reasons Why, Alisha ha costruito una presenza autentica e riconoscibile. Senza filtri. Senza compromessi. Vive pienamente il presente e si distingue per la sua autenticità. Con questa nuova collaborazione, YSL Beauty e Alisha inaugurano un nuovo capitolo di BLACK OPIUM: la fragranza che cattura il battito di una generazione in movimento, pensata per una donna che ama vivere la notte e non segue mai le regole.

“BLACK OPIUM è pura adrenalina: quell’energia intensa ed elettrica che si prova durante una notte fuori. Non sceglie mai la strada più sicura, ed è proprio questo che adoro. Sono entusiasta di diventare la nuova Global Ambassador perché questa fragranza è un invito ad abbracciare senza riserve la versione più autentica di sé, alzare il volume della musica e coinvolgere tutti in questa esperienza.” – Alisha Boe

ALISHA BOE E BLACK OPIUM: LA PROSSIMA OSSESSIONE DELLA GEN Z

Un’icona dal 2014, BLACK OPIUM è una firma olfattiva inconfondibile che accende la festa e mette sempre chi la indossa al centro della scena. Una fragranza creata per una nuova generazione che vive la notte in modo diverso, sperimenta ogni esperienza con maggiore intensità e considera la connessione autentica la più significativa espressione del lusso contemporaneo.

Un nuovo volto. Una nuova attitudine. Un capitolo completamente nuovo.
Nel ruolo di Ambassador del nuovo BLACK OPIUM Pink Glaze – una fragranza gourmand sensuale animata da un’irresistibile strawberry craze – Alisha incarna perfettamente la tensione creativa che definisce YSL Beauty: audace ma autentica, cool ma mai distante. Possiede quell’aura indefinibile che continua a farsi ricordare, anche molto tempo dopo aver lasciato la stanza.

AUTENTICA. AUDACE. GRINTOSA.
UNA NUOVA CAMPAGNA CELEBRA TUTTO CIÒ CHE RENDE ALISHA BOE UNICA
Alisha ha già lasciato un segno interpretando personaggi femminili forti e complessi. Ha conquistato il plauso della critica grazie alla sua intensa e toccante interpretazione di Jessica, sopravvissuta a una violenza sessuale alla ricerca di giustizia e serenità nella serie 13 Reasons Why.
Nel 2019 ha recitato accanto alla compianta Diane Keaton nel film Poms, mentre tre anni più tardi è entrata nel cast del coming-of-age Yes, God, Yes e del debutto alla regia di Jesse Eisenberg, When You Finish Saving the World.
Attualmente è impegnata nelle riprese della terza stagione della serie Apple TV+ The Buccaneers, un period drama dallo spirito contemporaneo in cui interpreta Conchita, un’ereditiera americana carismatica e provocatoria. Trasferitasi in Inghilterra dopo il matrimonio, il personaggio affronta il difficile percorso di ricerca della propria identità e del proprio senso di appartenenza. Attraverso le dinamiche, talvolta complesse e caotiche, del suo affiatato gruppo di amiche, riesce infine a ritrovare sé stessa.

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L’archivio continua a rappresentare il punto di partenza della collezione: chiusure storiche, dettagli metallici ed elementi distintivi vengono recuperati e reinterpretati, accompagnando l’evoluzione dei modelli più rappresentativi di Gherardini. Piattina, Amazzonia, Dodici Dodici ed Emma si rinnovano attraverso nuove proporzioni, varianti e materiali, ampliando il proprio linguaggio espressivo senza perdere quell’identità che da sempre le rende riconoscibili.

Protagonista della collezione, il Softy continua a rappresentare il codice più riconoscibile dell’universo Gherardini, evolvendosi attraverso nuove interpretazioni che ne valorizzano estetica e funzionalità. Shopper, hobo e crossbody accompagnano la quotidianità con un equilibrio tra design e versatilità, mentre lavorazioni speciali come le versioni Padded e Reversible arricchiscono il linguaggio della linea. A definirne il carattere contribuisce anche la palette cromatica della stagione, che affianca alle iconiche tonalità del brand Toffee, Excalibur e Forest accenti stagionali come Lime e Bordeaux, introducendo nuove sfumature senza alterare il DNA distintivo del Softy.

La linea Millerighe si distingue per un approccio più essenziale e sofisticato, concentrandosi su pochi modelli chiave proposti esclusivamente con rifinitura nera. Una scelta che ne enfatizza il carattere grafico e contemporaneo, attraverso una rilettura più minimale del suo linguaggio.

La pelle amplia il racconto della stagione con una selezione di materiali capaci di esprimere diverse sfumature dell’universo Gherardini. Il Monogram Suede crea un dialogo tra la tradizione del monogramma e una nuova idea di eleganza, grazie a una reinterpretazione più discreta del motivo storico e alla nuova chiusura Labirinto G, ispirata agli archivi della maison. Il Naplak, con il suo effetto lucido e grinzato, dona un’attitudine più contemporanea alle silhouette iconiche; il Vitello valorizza i modelli d’archivio attraverso una pelle italiana pregiata, resistente e senza tempo; mentre la Stampa Cocco interpreta le forme Archivio con un approccio più accessibile.

Tutti i materiali della collezione FW26/27 sono stampati e realizzati in Italia, espressione di una tradizione manifatturiera che continua a definire l’identità di Gherardini. Un percorso che conferma la capacità della maison di evolvere i propri codici distintivi, trasformando il proprio patrimonio creativo in una visione contemporanea della pelletteria italiana.

L'articolo Gherardini FW 26/27: il patrimonio della maison si rinnova attraverso nuove forme e materiali proviene da Daily Mood.

La seta segue il corpo, accarezza la pelle e si muove a ogni passo come un racconto ancora da scrivere. Per l’Autunno 2026, forte_forte affida proprio a questo tessuto prezioso il filo narrativo di Silk Journey, una collezione sospesa tra eleganza quotidiana e suggestioni d’Oriente.

Il viaggio prende forma attraverso volumi morbidi, sovrapposizioni leggere e capi capaci di accompagnare i movimenti con naturalezza. Gli abiti sottoveste, essenziali e sensuali, si accendono nelle tonalità intense del rosso melograno; i completi kimono avvolgono la figura con linee rilassate, mentre le gonne sarong introducono nel guardaroba autunnale un’idea di femminilità libera, istintiva, lontana da ogni rigidità.

A definire l’immaginario della collezione è la stampa Le bambou secret: un raffinato intreccio vegetale tono su tono che sembra emergere dalla superficie dei tessuti come il ricordo di un paesaggio lontano. Blu pavone, oro speziato, rosa polvere e sfumature ambrate compongono una palette calda e avvolgente, attraversata da improvvise vibrazioni di luce.

Gli opposti dialogano con grazia. La fluidità della seta incontra la consistenza di cardigan e capispalla; la precisione del pizzo si alterna alla disinvoltura di pantaloni ampi e giacche dalla costruzione morbida. Piccole cappe luminose posate sulle spalle aggiungono una nota regale, mentre foulard stampati, borse compatte e gioielli dorati completano i look senza appesantirli.

Anche la sensualità cambia linguaggio. Si fa delicata, mai dichiarata, affidata a una spallina sottile, a un lembo di tessuto che scivola, alla trasparenza discreta di un inserto. Forte_forte costruisce così una femminilità intima e consapevole, capace di sedurre attraverso la leggerezza.

Silk Journey invita a immaginare l’autunno come una stagione da attraversare lentamente. Un percorso fatto di colori pieni, superfici tattili e abiti che conservano qualcosa di personale: la memoria di un luogo, il profumo di un giardino, la luce dorata di un pomeriggio lontano. Un viaggio che comincia dallo sguardo e continua sulla pelle.

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Dalle silhouette sartoriali agli accessori dal carattere deciso, la rentrée diventa l’occasione perfetta per rinnovare il guardaroba e sperimentare nuovi abbinamenti.

Settembre ha il fascino irresistibile dei nuovi inizi. Le giornate cambiano ritmo, gli appuntamenti tornano a riempire l’agenda e anche il guardaroba cerca una direzione diversa, sospesa tra il desiderio di novità e il piacere di ritrovare i grandi classici. Il back to school non riguarda più soltanto i banchi di scuola: è uno stato d’animo, un invito a ripartire con energia e, naturalmente, con il look giusto.

La selezione per la nuova stagione costruisce un guardaroba versatile, contemporaneo e ricco di personalità. Liu Jo interpreta la rentrée attraverso linee femminili e raffinate: tonalità neutre, capi strutturati e dettagli capaci di accompagnare con naturalezza il passaggio dall’ufficio agli appuntamenti serali.

Ai piedi, la parola d’ordine è carattere. Vivaia alterna stivali alti, mocassini e modelli più grintosi, perfetti per giocare con gonne, pantaloni fluidi e sovrapposizioni autunnali. Scarpe pensate per seguire il ritmo della quotidianità senza rinunciare a un’estetica ricercata.

Il fascino bon ton incontra suggestioni contemporanee nelle proposte Twinset, dove il tweed, le geometrie sartoriali e gli accessori essenziali evocano un’eleganza urbana dal sapore vagamente rétro. Completi coordinati, giacche corte e gonne diventano i protagonisti di look curati, ma mai rigidi.

Più libera e istintiva è invece l’attitudine di Free People. Giacche dal gusto college, cappelli maschili e cardigan lavorati raccontano una femminilità creativa, costruita attraverso contrasti e sovrapposizioni. Il risultato è uno stile personale, rilassato e perfettamente imperfetto.

Non mancano i grandi classici destinati a durare oltre una sola stagione. Sebago riporta in primo piano mocassini e calzature robuste, da indossare con pantaloni ampi, denim e maglieria a righe. Superga, infine, conferma il fascino intramontabile delle sneaker essenziali, proposte in nuance naturali e facili da abbinare: il punto di partenza ideale per affrontare le giornate con leggerezza.

La nuova stagione si apre così sotto il segno della libertà: mescolare codici, recuperare ispirazioni dal passato e scegliere capi capaci di raccontare chi siamo. Perché ogni ritorno può diventare una partenza, soprattutto quando comincia dal guardaroba.

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IBIZA, SPAGNA, luglio 2026 – Nikki Beach Hospitality Group, azienda internazionale specializzata nell’hospitality e nel lifestyle di alta gamma, annuncia l’arrivo del Liu Jo Summer Club al Nikki Beach Ibiza. Dopo il successo delle precedenti edizioni a Cannes e Taormina, la collaborazione porta l’estetica distintiva di Liu Jo in una delle destinazioni balneari più iconiche del Mediterraneo, dove sarà protagonista fino al 25 luglio.

Per tutta la durata dell’iniziativa, la pool lounge e le premium cabanas del Nikki Beach Ibiza si trasformano grazie a un progetto di allestimento su misura, caratterizzato da rivestimenti personalizzati, arredi selezionati, dettagli decorativi ed elementi visivi immersivi ispirati allo stile contemporaneo italiano di Liu Jo. Il risultato è un dialogo armonioso tra moda, design e l’eleganza rilassata della vita mediterranea.

La collaborazione unisce due brand accomunati dalla passione per il lusso contemporaneo e per esperienze lifestyle esclusive. Da un lato, Liu Jo, interprete dell’artigianalità italiana e di una femminilità moderna; dall’altro, Nikki Beach, con la sua inconfondibile filosofia del barefoot luxury, che fonde musica, gastronomia, intrattenimento, moda, cinema e arte nelle destinazioni più esclusive del mondo.

Il debutto del Liu Jo Summer Club è stato celebrato durante il weekend inaugurale con un programma di esperienze esclusive dedicate agli ospiti, tra cui proposte gastronomiche ispirate al Mediterraneo, workshop creativi e attività interattive pensate per raccontare la collaborazione. Conclusi gli eventi di lancio, gli ospiti potranno continuare a vivere l’atmosfera del Liu Jo Summer Club al Nikki Beach Ibiza fino al 25 luglio.

Questa iniziativa arricchisce ulteriormente il calendario di collaborazioni del Nikki Beach Ibiza con prestigiosi brand internazionali del mondo della moda e del lifestyle, confermando l’impegno del beach club nel proporre esperienze esclusive che vanno oltre il concetto tradizionale di ospitalità e offrono agli ospiti nuovi modi di vivere la filosofia Celebrate Life.

Nikki Beach Hospitality Group

Fondato dagli imprenditori Jack e Lucia Penrod, Nikki Beach Hospitality Group rappresenta l’essenza del barefoot luxury hospitality, creando esperienze lifestyle trasformative attraverso una collezione di beach club, hotel, resort, residenze, concept di ristorazione e format pop-up. Presente in alcune delle destinazioni più ambite al mondo, Nikki Beach è riconosciuto tra i migliori beach club e resort, combinando in modo armonioso musica, gastronomia, intrattenimento, moda, cinema e arte per creare momenti indimenticabili.

Oltre all’iconico brand Nikki Beach, il portafoglio del gruppo continua ad ampliarsi con marchi come Lucia, lanciato nel 2024, e Maison Mer, debuttato nel 2025, ciascuno con una propria visione culinaria e identità distintiva. Attraverso le sue iniziative in continua espansione, Nikki Beach Hospitality Group continua a stabilire nuovi standard nella creazione di esperienze di viaggio e lifestyle di lusso.

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Courtesy photo of Fendi

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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L’idea viene tradotta attraverso vestaglie couture, cappotti morbidi, blazer ricamati, pantaloni in seta e lunghi abiti impreziositi da lavorazioni luminose che ricordano la luce soffusa di una stanza privata. Le silhouette rimangono pulite, prive di costruzioni eccessive, mentre il lusso emerge esclusivamente attraverso la qualità dei materiali e l’altissima manifattura. La couture Armani continua così a parlare sottovoce, in netto contrasto con una parte della moda contemporanea che privilegia l’effetto scenografico. È una scelta stilistica che riafferma il valore della sobrietà come forma di lusso assoluto. La responsabilità di raccogliere l’eredità di uno dei più importanti designer del Novecento avrebbe potuto spingere verso cambiamenti radicali. Silvana Armani ha invece scelto la strada della continuità. Per oltre quarant’anni ha lavorato accanto allo zio seguendo da vicino lo sviluppo delle collezioni Privé. In una delle rare interviste ha ricordato di aver iniziato la propria carriera nell’azienda di famiglia come modella e successivamente in Emporio Armani, diventando progressivamente il braccio destro di Giorgio Armani nella couture. Questo lungo percorso le ha consentito di assorbire completamente il metodo creativo della maison, fatto di disciplina, ricerca dei tessuti e attenzione quasi maniacale alla costruzione del capo. Durante la presentazione della collezione, la stilista ha ribadito che il suo obiettivo non è reinterpretare Armani in chiave nostalgica, bensì preservarne i valori fondamentali adattandoli alle esigenze della donna contemporanea. Tra gli elementi più riusciti della collezione figurano i blazer ricamati con cristalli tono su tono, le giacche bomber in satin, gli smoking femminili in velluto e gli abiti da sera impreziositi da lunghissimi ricami realizzati a mano. Le trasparenze vengono utilizzate con estrema moderazione, mentre la costruzione sartoriale rimane il vero fulcro creativo. Ogni capo appare pensato per accompagnare il movimento naturale del corpo, evitando qualsiasi rigidità. L’impressione generale è quella di una couture destinata a durare nel tempo piuttosto che a inseguire le tendenze della stagione. Una filosofia che Giorgio Armani ha sempre difeso e che oggi continua a caratterizzare la maison. In un panorama della moda spesso dominato dalla ricerca dell’effetto immediato, Armani Privé continua a distinguersi per una scelta opposta: parlare attraverso la qualità, la misura e la perfezione del dettaglio. Silvana Armani dimostra che raccogliere l’eredità di uno dei più grandi couturier della storia non significa copiarne il linguaggio, ma comprenderne profondamente i principi. La sua prima fase creativa racconta una maison che continua a evolversi senza rinunciare alla propria identità. La collezione Autunno/Inverno 2026-2027 conferma così che il vero lusso non risiede nell’eccesso, ma nella capacità di trasformare la semplicità in eccellenza, una lezione che Giorgio Armani ha insegnato per oltre mezzo secolo e che oggi continua a vivere attraverso una nuova generazione della famiglia, pronta a guidare Armani Privé nel futuro senza dimenticare le proprie radici.

Courtesy photo of Armani Privè

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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La sfilata ha portato in passerella l’universo raffinato del brand, fatto di abiti ricercati, dettagli preziosi e una visione dello stile capace di unire classe, originalità e carattere. Una moda pensata per una donna moderna, sicura, sofisticata, che ama distinguersi senza rinunciare alla naturalezza.

Grande attenzione ha suscitato la presentazione in anteprima della nuova collezione Cruise Autunno-Inverno, una proposta che interpreta la stagione fredda con sensibilità glamour e spirito contemporaneo. Tessuti pregiati, linee femminili, lavorazioni curate e dettagli sofisticati hanno definito una collezione elegante ma mai prevedibile, capace di muoversi tra allure quotidiana e occasioni speciali.

In passerella, gli abiti hanno raccontato un’idea di femminilità luminosa e consapevole: romantica ma decisa, raffinata ma attuale, con quel tocco chic che da sempre contraddistingue l’identità di Calabrone&Delfino. Ogni uscita ha confermato l’attenzione del marchio per la qualità sartoriale, per la scelta dei materiali e per una ricerca estetica che guarda alle tendenze senza subirle.

L’evento ha raccolto numerosi consensi da parte del pubblico presente, confermando la capacità del brand di trasformare una sfilata in un’esperienza di stile. In una cornice d’eccezione come la Versilia, Calabrone&Delfino ha celebrato una moda elegante, femminile e contemporanea, riaffermando il proprio ruolo tra le realtà capaci di interpretare con creatività e personalità il gusto del presente.

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Debutta questo luglio, durante la Haute Couture Week di Parigi, la capsule Christelle Kocher per Levi’s®, una collezione di dieci look che reinterpreta l’immaginario del denim americano attraverso la sensibilità e la precisione dell’haute couture francese.

Designer parigina, fondatrice di KOCHÉ e Direttrice Artistica della Maison Lemarié, uno dei Métiers d’Art di CHANEL, Christelle Kocher porta nell’universo Levi’s® la sua idea di Couture-à-Porter: una moda capace di unire artigianalità d’eccellenza, cultura contemporanea e vita quotidiana.

La collezione nasce da un lavoro ambizioso sulla materia, con il denim come punto di partenza e territorio di sperimentazione. I capi iconici Levi’s®, dal jeans 501® alla Type II Jacket, vengono trasformati in pezzi couture attraverso ricami a mano, lavorazioni in piume, dettagli scultorei, drappeggi plissé, applicazioni in pizzo, costruzioni floreali e frammenti di denim rivestiti in resina.

Il risultato è un dialogo sorprendente tra due mondi apparentemente lontani: da una parte l’autenticità del denim Levi’s®, simbolo universale di cultura, libertà e quotidianità; dall’altra il savoir-faire parigino, fatto di gesti lenti, lavorazioni preziose e ricerca artigianale.

Le silhouette si muovono tra struttura e fluidità. Il plissé in denim dà forma a bustier floreali astratti, le mantelle in piume degradé creano volumi scenografici, mentre ricami couture trasformano tank top, camicie e completi in denim in capi da sera dal carattere sofisticato. Tra i look più rappresentativi, un abito interamente lavorato con piume, abbinato a una mantella coordinata, combina denim, pizzo e resina in superfici texturizzate ispirate alle squame dei pesci.

Anche gli accessori partecipano al racconto couture della capsule. La Levi’s® Baby Brooklyn Bag viene reinterpretata come oggetto prezioso, mentre i copricapi in piume amplificano movimento, silhouette ed emozione, portando il denim verso una dimensione teatrale e profondamente contemporanea.

“È stato un privilegio far incontrare questi due team e vedere questa collezione prendere vita. Questa capsule riflette la mia vita tra Stati Uniti e Francia, due Paesi che alimentano la mia energia creativa”, racconta Christelle Kocher.

Per Levi’s®, la collaborazione segna un momento importante: l’ingresso del brand nel calendario simbolico dell’alta moda parigina. “Portare Levi’s alla Haute Couture di Parigi per la prima volta è un momento fondamentale per noi. Christelle Kocher porta una prospettiva distintamente parigina, con un taglio moderno che completa la nostra eredità nel denim”, afferma Mathilde Vaucheret, Vice President Europe Marketing & Brand Experience.

Le immagini della campagna, realizzate da Kayla Connors, mettono in scena il contrasto tra la natura grezza e autentica del denim e la raffinatezza delle tecniche couture. L’atmosfera è cinematografica ma intima, spontanea ma ricercata, con un’attenzione particolare ai dettagli ravvicinati, al movimento e alla ricchezza materica dei capi.

Grande parte del lavoro tessile è stata sviluppata presso il Levi’s® Eureka Lab, all’interno dell’headquarters globale del brand, dove sono state realizzate sperimentazioni specifiche per la capsule: costruzioni in piume, ricami a mano, volumi scultorei, texture in resina e manipolazioni del denim pensate per portare uno dei materiali più democratici della moda nel linguaggio dell’haute couture.

Presentata durante la Couture Week, la capsule Christelle Kocher per Levi’s® è insieme celebrazione dell’artigianalità e reinterpretazione radicale del denim. Una prova di come un materiale nato per accompagnare la vita quotidiana possa trasformarsi in superficie couture, senza perdere la propria identità culturale, autentica e profondamente contemporanea.

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L'articolo Genny rilegge lo spirito degli anni novanta attraverso una prospettiva attuale per la nuova Collezione Resort 2027 proviene da Daily Mood.

Grande partecipazione per la quarta edizione di Treviglio in Moda, il progetto ideato dalla fashion designer Valentina Poltronieri, che ancora una volta ha trasformato Treviglio in un palcoscenico dedicato alla creatività emergente, confermandosi un appuntamento di riferimento per giovani designer, scuole di moda, startup creative e professionisti del settore.

La serata del 24 giugno, ospitata in Piazza Setti, ha visto alternarsi in passerella collezioni di abbigliamento e accessori, performance artistiche e momenti di spettacolo, davanti a un pubblico numeroso che ha seguito con entusiasmo l’intero evento. Circa 600 persone hanno preso parte alla serata, confermando il crescente interesse del pubblico nei confronti della manifestazione.

Tra le autorità presenti è intervenuto il Sindaco di Treviglio, Juri Imeri, a testimonianza della vicinanza delle istituzioni a un progetto che valorizza il territorio attraverso creatività, formazione e nuove opportunità per i giovani.

A condurre la serata è stata Francesca Leto, volto della radio e della televisione italiana, affiancata dalla partecipazione speciale di Awa Fall, artista da sempre impegnata nella promozione di progetti culturali e inclusivi.

I protagonisti della passerella

L’edizione 2026 ha riunito sei designer di abbigliamento, una scuola di moda e cinque designer di accessori, offrendo un racconto autentico della nuova creatività contemporanea.

Tra le collezioni presentate, Olivia ha interpretato l’abito come moderna armatura, simbolo di forza e protezione; Giuglia ha raccontato il proprio universo artigianale dal gusto new vintage; Aelora ha conquistato il pubblico con una proposta sartoriale raffinata ed essenziale; Noella Nakucha ha portato in passerella opere d’arte indossabili capaci di superare i confini tra moda e sperimentazione.

La stessa Valentina Poltronieri ha presentato una collezione che mette in dialogo memoria e architettura, attraverso volumi strutturati, dettagli sartoriali e una ricerca stilistica che conferma la sua visione creativa.

Ha partecipato inoltre ABF Bergamo, che ha presentato un progetto realizzato dalle allieve della scuola attraverso una serie di foulard stampati interpretati in passerella con diverse modalità di utilizzo.

Per gli accessori hanno sfilato Le Boxette, Pasot, Andre, L’Emporio Incantato, Made of Dreams – Emanuel Lorenti e Rivea Accessories, dando vita a un percorso che ha valorizzato manifattura, ricerca estetica e artigianalità.

Un progetto che continua oltre la passerella

Dal 25 al 28 giugno, il VP Fashion & Creative Lab, atelier e spazio creativo di Valentina Poltronieri, si è trasformato nel Treviglio in Moda Concept Store, offrendo al pubblico l’opportunità di conoscere da vicino le collezioni, incontrare i designer e scoprire il lavoro creativo che si cela dietro ogni progetto.

Anche nelle giornate successive si è registrata un’ottima affluenza di visitatori, a conferma dell’interesse suscitato dall’iniziativa e della volontà del pubblico di approfondire la conoscenza dei brand e dei giovani creativi protagonisti dell’evento.

Un’iniziativa che conferma la volontà di creare connessioni concrete tra giovani creativi, territorio e mercato, favorendo occasioni di visibilità e sviluppo professionale.

“Treviglio in Moda è nato come un sogno e oggi è diventato una rete di persone, talenti e opportunità. Vedere giovani designer, studenti, professionisti e realtà del territorio collaborare insieme per costruire qualcosa di bello e concreto è la soddisfazione più grande. La moda può essere molto più di una passerella: può diventare uno strumento di crescita, inclusione e futuro.” commenta Valentina Poltronieri, ideatrice di Treviglio in Moda.

Una rete che cresce

Fondamentale la collaborazione con Polly’s Fitting Room (PFR), community che riunisce giovani professionisti della moda favorendo networking, crescita professionale e nuove opportunità lavorative, in piena sintonia con la missione del progetto.

La quarta edizione è stata realizzata con il patrocinio della Città di Treviglio, del Distretto del Commercio di Treviglio, di Commercianti Trevigliesi e Treviglio Cultura, insieme al sostegno degli sponsor Rivoltella Group, PEA Pratiche Automobilistiche, IGEA e BCC Treviglio e Carate, oltre ai numerosi partner che hanno contribuito al successo dell’iniziativa.

Con questa quarta edizione, Treviglio in Moda conferma il proprio ruolo di piattaforma dedicata alla valorizzazione della creatività emergente, capace di mettere in relazione talento, formazione, territorio e imprenditoria attraverso il linguaggio della moda.

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La Maison McQueen prosegue il suo viaggio nell’archivio con un nuovo capitolo di Documenting McQueen, la mini-serie dedicata ai codici fondativi e alle storie che hanno costruito l’immaginario della casa di moda. L’episodio 4, intitolato The Skull, è ora disponibile e porta lo spettatore dentro la storia di uno degli emblemi più riconoscibili del brand: il teschio McQueen.

A guidare il racconto è Alistair O’Neill, storico della moda e professore alla Central Saint Martins, che ripercorre la nascita e l’evoluzione di questo segno iconico, dalle sue radici negli anni Novanta fino al debutto del celebre Skull Scarf nel 2003. Un accessorio diventato immediatamente culto, capace di superare la dimensione stagionale per trasformarsi in una firma permanente, riconoscibile, potentissima.

Attraverso materiali d’archivio ed esempi emblematici, l’episodio mostra come il teschio sia diventato molto più di un motivo grafico. In McQueen, la morte non è mai stata soltanto oscurità: era teatro, memoria, romanticismo gotico, tensione tra attrazione e inquietudine. Il teschio sintetizza questa visione con una forza rara, unendo la durezza del simbolo alla delicatezza del gesto creativo.

Tra i momenti più significativi raccontati nel film compare anche l’abito bespoke con stampa Skull creato per Kate Moss nel 2004, apparso in una performance per il Black Show, coreografata dal celebre danzatore e coreografo britannico Michael Clark. Un’immagine che restituisce perfettamente la natura del linguaggio McQueen: moda come corpo, movimento, rito, apparizione.

Documenting McQueen non si limita quindi a celebrare un archivio: lo riattiva. Ogni episodio diventa un modo per comprendere come i codici della Maison continuino a vivere, trasformarsi e riaffiorare nel presente. Anche oggi, sotto la direzione creativa di Seán McGirr, l’eredità di McQueen non viene trattata come un monumento immobile, ma come una materia viva, ancora capace di generare nuove visioni.

Il teschio resta così una delle immagini più potenti della storia recente della moda. Un simbolo immediato, quasi popolare, ma profondamente radicato nell’universo poetico di Alexander McQueen. Perché in quel segno c’è tutto: la bellezza che sfida la paura, l’eleganza che nasce dall’ombra, la fragilità trasformata in potere.

L’episodio 4 di Documenting McQueen – The Skull è disponibile su alexandermcqueen.com e sul canale YouTube di McQueen.

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La collezione interpreta il linguaggio della stagione attraverso forme leggere, trasparenze calibrate e dettagli dal forte impatto visivo. I mini abiti in rete, impreziositi da perline, diventano piccoli statement piece da indossare sopra il costume o da trasformare in protagonisti di un look serale. Accanto a loro, costumi e gonne pareo giocano con drappeggi, aperture cut-out e costruzioni inaspettate, portando il beachwear in una dimensione più audace, contemporanea e urbana.

Il layering è uno degli elementi chiave della proposta: camicie over in voile di cotone e seta, caftani in georgette e volumi fluidi creano un dialogo raffinato tra leggerezza e seduzione. Le trasparenze non sono mai eccessive, ma suggerite, pensate per una femminilità consapevole, sofisticata, libera di muoversi tra naturalezza e desiderio di lasciare il segno.

Anche la palette cromatica racconta l’energia dell’estate. Il vibrante Aloe Green illumina la selezione con un accento fresco e deciso, mentre il Pearl Ivory introduce una nota più delicata e luminosa. Le sfumature calde del terracotta evocano il sole sulla pelle e si combinano con la stampa Summer Faded, dall’effetto sfumato, come un ricordo di tramonti, sabbia e giornate che si allungano fino a sera.

A completare il racconto, la Bubble bag traforata, accessorio versatile e distintivo, pensato per accompagnare con naturalezza i diversi momenti della giornata. Con lacci a coulisse e sfere metalliche, la borsa può trasformarsi in tracolla con un semplice nodo, unendo funzionalità e attitudine fashion in perfetto stile Patrizia Pepe.

Con Beach & Beyond, Patrizia Pepe firma un’estate fatta di movimento, luce e carattere: una collezione che parte dalla spiaggia, ma non si ferma lì. Perché il vero spirito estivo è proprio questo: sentirsi libere, sensuali e perfettamente a proprio agio ovunque.

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La lavorazione all’uncinetto, realizzata interamente a mano, diventa protagonista di una selezione di pezzi unici che custodiscono tutto il savoir-faire del brand. Maglie e top si accendono di tonalità delicate, attraversate da piping a contrasto che ne sottolineano la costruzione con grazia discreta. Le bralette, pensate per affiorare sotto camicie impalpabili o giacche destrutturate, introducono un’idea di sensualità naturale, mai ostentata. I mini bustier, applicati ad abiti eterei, aggiungono invece un accento romantico e materico, come un dettaglio inatteso capace di rendere speciale anche la silhouette più essenziale.

È un’estate fatta di trame leggere, mani esperte e dettagli che sembrano trattenere il tempo. Il crochet, nella visione forte_forte, non è solo una tecnica: è un linguaggio. Racconta il valore dell’imperfezione artigianale, la bellezza di ciò che nasce lentamente, la raffinatezza di un guardaroba che non cerca l’effetto, ma la presenza.

A completare la proposta, sandali multilistini e mini bag a secchiello in pelle intrecciata definiscono un’estetica estiva essenziale e ricercata. Accessori pensati per accompagnare il corpo con naturalezza, tra leggerezza mediterranea e sofisticazione urbana.

Con Threads of Romance: Crochet, forte_forte firma un guardaroba che celebra l’eccellenza manifatturiera attraverso dettagli preziosi e una femminilità autentica, libera, luminosa. Un invito a vivere l’estate come una trama sottile: fatta di gesti, texture, pelle, luce e romanticismo.

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La sfilata Cruise 2027 si inserisce nel percorso che Louis Vuitton porta avanti da anni: quello di utilizzare luoghi simbolici come parte integrante del racconto delle proprie collezioni. Le presentazioni Cruise della Maison sono spesso ambientate in contesti capaci di creare un dialogo con l’identità della collezione, come musei, edifici storici e spazi culturali internazionali. In questo caso la Frick Collection diventa un elemento narrativo centrale: non una semplice scenografia, ma un interlocutore creativo. L’eleganza classica degli interni del museo incontra una collezione che guarda alla contaminazione tra culture, alla storia del costume e all’energia contemporanea di New York. Tra i riferimenti presenti nella collezione emerge anche il legame con l’immaginario artistico newyorkese, attraverso richiami alla scena creativa della città e alla sua storia culturale. Un elemento che sottolinea come Louis Vuitton non consideri la moda un settore isolato, ma una forma di espressione collegata alle arti visive, al design e alla cultura. La presentazione della Cruise 2027 coincide con l’inizio di una collaborazione triennale tra Louis Vuitton e la Frick Collection. La Maison è diventata infatti uno dei principali sostenitori culturali del museo, contribuendo al finanziamento di importanti iniziative legate alle mostre, alla ricerca e ai programmi aperti al pubblico. Il progetto comprende il sostegno a tre grandi esposizioni temporanee, un anno di Louis Vuitton First Fridays, il programma di aperture serali gratuite del museo, dalle 17:30 alle 21:00 il primo venerdì di ogni mese (ad eccezione di gennaio e settembre) e la creazione di una nuova posizione dedicata alla ricerca curatoriale, il Louis Vuitton Curatorial Research Associate. La partnership conferma una tendenza sempre più evidente nel mondo del lusso contemporaneo: le grandi maison non si limitano più alla produzione di moda e accessori, ma investono nella costruzione di un ecosistema culturale. Attraverso musei, fondazioni, mostre e collaborazioni artistiche, i brand cercano di creare un rapporto più profondo con il pubblico, collegando il prodotto a una narrazione più ampia fatta di storia, creatività e conoscenza. Per Louis Vuitton questa direzione è coerente con l’eredità della Maison, fondata nel 1854 da Louis Vuitton e nata proprio intorno al concetto di viaggio, artigianalità e cultura. La scelta della Frick Collection assume quindi un valore simbolico. Da una parte rappresenta la volontà del brand di inserirsi in luoghi riconosciuti come custodi della memoria artistica internazionale; dall’altra mostra come la moda possa diventare uno strumento per riattivare gli spazi culturali e avvicinare nuovi pubblici. Il museo newyorkese, con la sua atmosfera intima e il suo patrimonio storico, ha offerto un contrasto significativo rispetto alla dimensione spettacolare tipica delle grandi sfilate internazionali. La Cruise 2027 non ha cercato soltanto di impressionare attraverso la scenografia, ma di costruire un’esperienza in cui abiti, architettura e opere d’arte dialogassero tra loro. Il parterre della sfilata ha visto accanto alle storiche ambassador della Maison, tra cui Emma Stone e Zendaya, anche Anne Hathaway e Cate Blanchett. La collaborazione tra Louis Vuitton e la Frick Collection rappresenta dunque un esempio di come il confine tra moda e cultura sia diventato sempre più sottile. La sfilata non è stata soltanto la presentazione di una nuova collezione, ma l’inizio di un progetto destinato a durare nel tempo, in cui il savoir-faire della griffe incontra la conservazione e la diffusione del patrimonio artistico. In un momento storico in cui il lusso cerca nuovi significati oltre il prodotto, Louis Vuitton sceglie ancora una volta la cultura come spazio privilegiato per raccontare la propria identità.

Courtesy photo of Louis Vuitton

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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