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Alexander McQueen, fondato da Lee Alexander McQueen a Londra nel 1992, emerse durante questo decennio determinante per la moda e la cultura britanniche. Dopo essersi formato nella londinese Savile Row e alla Central Saint Martins, McQueen unì la precisione della sartoria e dell’artigianato britannici a una visione creativa sovversiva e senza compromessi. Il suo lavoro sfidò le convenzioni e ebbe una risonanza ben oltre la moda, riflettendo il ricco dialogo tra arte, cultura ed espressione creativa che caratterizzò gli anni Novanta.

Nell’ambito del suo sostegno alla mostra, Alexander McQueen ha concesso in prestito una selezione di look d’archivio provenienti dalle sue fondamentali sfilate degli anni Novanta. Presentati in dialogo con opere d’arte e voci culturali influenti, questi pezzi offrono una rara opportunità di vivere il lavoro degli esordi della maison all’interno del più ampio panorama creativo di un decennio che ha plasmato la storia della moda.

The 90s: Art and Fashion
8 ottobre 2026 – 14 febbraio 2027
Tate Britain, Londra

LOOK IN MOSTRA

Alexander McQueen Autunno Inverno 1998 ‘Joan’
Abito con cappuccio con base in tulle e perline tubolari in vetro rosso distribuite su tutta la superficie.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1998 ‘Joan’
Armatura in metallo di alluminio, realizzata da Sarah Harmarnee per Alexander McQueen.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1997 ‘It’s a Jungle Out There’
Giacca sartoriale in pelle di vitello con corna di impala.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1999 ‘The Overlook’
Corsetto a spirale in metallo di alluminio, realizzato da Shaun Leane per Alexander McQueen.

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«La bambina che ero un tempo è con me oggi. Ho realizzato i suoi progetti. Ho soddisfatto i suoi gusti. È da lei che ho acquisito i miei standard esigenti, ed è lei che sono riuscita a soddisfare. Nessuno mi è più vicino di lei. Lei mi deve tutto, e io le devo ciò che sono riuscita a dare al mio tempo.»

Gabrielle Chanel

«Nel corso della loro vita, le donne diventano molteplici sé, volti diversi della stessa medaglia. È come un gioco del cadavere squisito, in cui un’identità conduce a un’altra. Si tratta delle donne dentro una donna. E qui si tratta di una donna, Gabrielle, che poi è diventata Chanel.»

Matthieu Blazy

La moda è malleabile e trasformativa, trasmettendo dal passato al presente e verso il futuro.

Le identità della moda cambiano e si trasformano, eppure, in relazione a una donna, sono sempre diverse e sempre le stesse. Nella collezione di questa stagione, Matthieu Blazy, Direttore Artistico delle Attività Moda, rende omaggio a questi molteplici sé nel suo continuo dialogo con Gabrielle Chanel.

Dai suoi inizi agli anni più tardi, dalla rivelazione della biancheria in jersey all’inizio della collezione fino al suo lavoro del dopoguerra sul tailleur, qui indossato come una seconda pelle contro la carne nuda, leggero come un profumo. Qui, il continuum della moda Chanel si dimostra stratificato e circolare, con l’inizio che informa la fine.

Nella collezione, la giovane Gabrielle diventa le diverse donne Chanel che sarà. Ognuna porta l’altra dentro di sé, una storia stratificata di identità all’interno di una storia stratificata degli abiti che indossava. Questo è il suo personale viaggio nella moda: dalle costrizioni del corsetto e della sartoria edoardiana che un tempo aveva adottato e contro cui si era ribellata, alle sue idee riconfigurate e rivoluzionarie sul tailleur, indossato con disinvoltura e portato con leggerezza.

Le identità vengono provate, valorizzate, aggiunte, utilizzate come un gioco o, a volte, abbandonate e combattute. Lasciano dietro di sé tracce delle loro precedenti incarnazioni: linee di stecche d’ombra, il movimento di un peplo, il volant di un colletto, la curva di un corpino, che diventano i resti spettrali di vite della moda passate.

Dalla costruzione alla decostruzione, ritorna la sua rivelatrice esplorazione della sartoria maschile: l’abbigliamento formale maschile da giorno e da sera viene tagliato a vivo e trasformato in gilet, indossati con pantaloni, oppure riconfigurato in tailleur con gonna a matita.

Il mondo maschile scivola in quello femminile con abiti formali in stile anni Trenta, ricamati di paillettes e strutturati in sbieco, oppure lavorati a maglia e impreziositi da perline, abbastanza leggeri da essere infilati e indossati con la facilità di una T-shirt. I paradossi della femminilità sono al centro di ciascuno di essi.

Eppure, forse, è il flou a risultare più sorprendente quando imita il time-lapse delle formazioni delle nuvole, ottenuto sovrapponendo differenti pesi di trasparenze di seta stampata e tagli ampi e fluttuanti. Segna il mattino, l’ora dorata e il calare della notte; il passaggio del tempo.

Simboleggiato dall’uccello, in particolare dal rondone e dalla rondine, un senso di libertà prende il volo attraverso gli abiti, posandosi a volte nella sua incarnazione aviaria come bottoni, gioielli e ricami.

Ma è nello straordinario sviluppo dei tessuti dell’atelier, sia intrecciati sia lavorati a maglia, che le sue capacità supreme risplendono, spingendo una concezione della libertà attraverso il movimento e la leggerezza.

Qui, la filosofia Chanel diventa non soltanto un motivo, ma un progetto di vita, qualcosa che è nel cuore della maison. Come la libertà stessa, non si tratta soltanto di vedere, ma di sentire.

Il capitolo finale della collezione chiude il cerchio, dalla seconda pelle della biancheria all’inizio della sua storia fino all’ultima incarnazione del tailleur nel nuovo «tweed smock».

Quest’ultimo rappresenta un’innovazione sorprendente: richiama il primo nella sua leggerezza senza sforzo, nella sua malleabilità e mobilità ottenute grazie all’elasticità, diventando un capo performante possibile soltanto oggi.

Eppure continua le tradizioni degli obiettivi ultimi di Gabrielle Chanel attraverso l’abito: movimento, espressione di sé, libertà.

A partire da Dyanira Hurbuscher, che tiene la stessa borsa 2.55 di Gabrielle Chanel proveniente dagli archivi del Patrimoine, la collezione ritorna a essa alla fine, indossata dalla stessa modella; gli accessori riflettono la stessa molteplicità di significati e di identità.

Ere ed epoche si fondono, in particolare nella varietà delle borse con patta, sia vecchie sia nuove. Dall’eleganza della pelletteria di un nuovo classico, con la sua chiusura a catena da orologio, passando per le borse nuvola e i loro segni del passaggio del tempo, fino alla minaudière a forma di gabbia per uccelli, con i suoi uccelli fuggiti, simbolo e significante, allo stesso tempo giocoso e profondo.

«Questa non è una collezione storica; è una collezione sulle storie stratificate di Gabrielle Chanel. Alla fine, Chanel ha preso il volo, e ogni passo che ha compiuto l’ha condotta verso la libertà, come un uccello.»

Matthieu Blazy

• Mémoires de Coco, Louise de Vilmorin, Gallimard, 1999.
  Copyright CHANEL

  

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E’ da questo equilibrio che nasce la nuova collezione FW 26_27. Pelli pregiate, nappa e camosci dalla morbidezza avvolgente si intrecciano in texture ricercate, dove linee essenziali e dettagli distintivi danno carattere senza mai alzare la voce. Le ballerine flat interpretano una femminilità versatile, coniugando estetica e praticità. Le décolleté, dalle linee pulite ed essenziali, si arricchiscono di dettagli discreti capaci di fare la differenza. Protagonisti sono i mocassini, evergreen della stagione fredda, proposti sia in versione più classica sia reinterpretati attraverso sofisticati mix di materiali dal gusto contemporaneo. I camperos, grintosi e attuali, si accendono nelle calde sfumature della terra bruciata e del cuoio, regalando carattere ai look casual-chic. Stivali e stivaletti completano la proposta, accompagnando i mesi più freddi con sicurezza, mentre biker e military boots interpretano un’attitudine più decisa attraverso costruzioni grintose e materiali essenziali ma ricercati. Anche la palette cromatica si muove nel segno della naturalezza. Dominano le tonalità della terra, dal beige sofisticato al caramello, fino al cuoio e al testa di moro, pensate per abbinarsi con facilità nel guardaroba invernale. L’immancabile nero, intenso e rigoroso, veste le proposte più urbane, mentre il bordeaux, caldo e profondo, aggiunge una nota di eleganza sofisticata, tanto nei look da giorno quanto in quelli da sera. Con la collezione FW 26_27, PITILLOS firma una proposta dal design impeccabile, pensata per sostenere il ritmo della vita moderna, mettendo al centro qualità, carattere e benessere. Calzature create per accompagnare con naturalezza ogni momento della quotidianità, perché ogni passo racconta chi siamo.

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È questa la direzione di Genny per l’Autunno-Inverno 2026/27, racchiusa già nel titolo della collezione, “Too Chic to Spook”. Un gioco di parole che racconta perfettamente l’attitudine della maison: prendere l’immaginario dark e renderlo glamour, sofisticato, femminile.

Il nero domina la collezione e diventa una materia da scolpire. Abiti aderenti, corpetti, gonne a sirena, volumi drappeggiati e dettagli costruiti sul corpo disegnano una femminilità intensa, mai urlata. La sensualità passa attraverso la silhouette: spalle importanti, vita segnata, scolli profondi e lunghezze che sfiorano il pavimento.

Ma il nero di Genny non è mai semplicemente nero. Cambia consistenza, riflette la luce, si arricchisce di trasparenze, piume, ricami e lavorazioni tridimensionali. È velluto, pizzo, tessuto tecnico, superficie lucida e materia quasi scultorea.

Accanto agli abiti più spettacolari compaiono capi dalla vocazione più quotidiana, ma sempre con una precisa impronta couture: giacche strutturate, top preziosi, pantaloni morbidi e silhouette minimali vengono attraversati da dettagli teatrali che impediscono al look di diventare prevedibile.

E poi ci sono gli accessori, fondamentali per completare questo universo: décolleté dal gusto rétro, pochette compatte, stampe animalier e gioielli che seguono il corpo come una seconda pelle. Anche qui il lusso non ha bisogno di esagerare. Un dettaglio basta.
La palette si apre occasionalmente a tonalità profonde e sofisticate, con incursioni di verde e superfici preziose, ma è il nero a rimanere il vero protagonista. Un nero sensuale, aristocratico, contemporaneo.

“Too Chic to Spook” gioca dunque con l’estetica gotica senza lasciarsene ingabbiare. Genny prende l’idea della donna misteriosa, della femme fatale, della notte e la porta in una dimensione più elegante e sofisticata.

Perché essere dark, questa stagione, non significa necessariamente fare paura.

Significa farsi ricordare.

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Il design conserva un’impostazione essenziale e riconoscibile, ma ne ridefinisce l’attudine. La silhouette, dal profilo basso e dalla linea allungata, trova il proprio carattere nell’equilibrio tra semplicità e dettagli distintivi. Le tomaie sfoderate ne enfatizzano l’aspetto autentico, mentre differenti combinazioni cromatiche e materiche ampliano le possibilità espressive del modello. Pelle,
suede e canvas si incontrano attraverso texture e finiture diverse, dando vita a interpretazioni che spaziano dalle più essenziali e monocromaEche a quelle più ricche e materiche. Anche la suola racconta l’evoluzione del progetto. Derivata da un fondo iconico Premiata, assume una presenza visiva più decisa e una maggiore definizione formale, creando un contrasto con la leggerezza della tomaia. A completare il design, il puntale chiaro e i dettagli grafici debossed diventano elementi distivi della silhouette, contribuendo a renderla immediatamente riconoscibile.

La ricerca sull’imperfezione intenzionale, le sovrapposizioni e i de8agli volutamente visibili introducono una dimensione più spontanea all’interno di una costruzione sofisEcata. Ciò che potrebbe apparire irregolare diventa parte integrante del linguaggio esteEco del modello: un modo per allontanarsi dalla perfezione convenzionale e lasciare spazio alla personalità.

Il risultato è una sneaker ricercata ma mai ostentata, distintiva senza essere costruita. Pensata per entrare naturalmente nel guardaroba urbano, Vincent si adatta a stili e personalità differenti mantenendo una precisa identità. Un modello in cui ricerca e spontaneità, design e materia si incontrano per definire una nuova attudine Premiata.

La stessa attudine guida il racconto della campagna. Le immagini si muovono tra momenti reali, ambiente intimi e luoghi vissutr, osservando la quotidianità attraverso uno sguardo editoriale. I protagonisti non interpretano un ruolo, ma esprimono naturalmente il proprio stile e la propria individualità, lasciando emergere complicità, leggerezza e carattere.

Momenti spontanei e dettagli quotidiani si alternano a inquadrature volutamente imperfette e a un’atmosfera rilassata. Un racconto aspirazionale ma credibile, in cui Vincent entra naturalmente nella scena diventando parte di uno stile personale e contemporaneo.

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Ci sono squadre che fanno la storia dello sport. E poi ci sono quelle che finiscono per diventare parte della cultura pop.

I Los Angeles Lakers appartengono senza dubbio alla seconda categoria.

Viola e oro non sono più soltanto i colori di una franchigia NBA. Sono un’immagine riconoscibile in tutto il mondo, un’estetica, un modo di vivere il basket che negli anni ha intrecciato sport, spettacolo, moda, musica e Hollywood.

È proprio questa storia che TASCHEN racconta in Lakers. An Official History of the Purple & Gold, la grande storia illustrata ufficiale realizzata in collaborazione con i Lakers. Un volume di 528 pagine, in formato XL, che ripercorre sette decenni di storia e diciassette titoli NBA attraverso fotografie, documenti d’epoca, memorabilia e materiali provenienti dagli archivi della squadra, della lega e da collezioni private.

Un libro che, già fisicamente, non passa inosservato: 25 x 34 centimetri per quasi quattro chili di peso. Più che un semplice coffee table book, un vero oggetto da collezione.

Dalle origini al mito

La storia comincia lontano da Los Angeles, a Minneapolis, con George Mikan e la prima grande dinastia della squadra. Poi arrivano le rivalità con Boston, gli anni di Elgin Baylor, Jerry West e Wilt Chamberlain, fino a uno dei momenti decisivi nella costruzione dell’identità Lakers: il 1979.

È l’anno in cui il dottor Jerry Buss diventa proprietario della franchigia e comprende che una grande squadra, a Los Angeles, non può limitarsi a vincere.

Deve anche saper intrattenere.

Nasce così lo Showtime.

Magic Johnson, Kareem Abdul-Jabbar, James Worthy e Michael Cooper trasformano il basket in uno spettacolo capace di andare ben oltre il parquet. La partita diventa evento, il palazzetto diventa palcoscenico e i Lakers iniziano a rappresentare qualcosa che appartiene profondamente alla città di Los Angeles: energia, glamour, spettacolo e ambizione.

È qui che il basket incontra definitivamente la cultura pop.

Quando Hollywood si siede a bordo campo

Uno degli aspetti più affascinanti del libro è proprio il racconto di ciò che succede fuori dal campo.

Perché i Lakers hanno avuto una caratteristica che poche altre squadre sportive possono vantare: essere diventati anche un luogo della celebrity culture.

A bordo campo compaiono così Jack Nicholson, Dyan Cannon, Lou Adler, Paula Abdul e Flea. Non semplici spettatori, ma presenze che nel tempo hanno contribuito a trasformare le partite dei Lakers in un appuntamento culturale oltre che sportivo.

Il parquet diventa quindi una passerella. Le fotografie dei giocatori si mescolano a quelle delle celebrità, le divise diventano oggetti iconici e il viola e oro entrano nell’immaginario collettivo.

Kobe, Shaq e una nuova dinastia

Poi arriva un’altra generazione destinata a cambiare la storia.

Shaquille O’Neal e Kobe Bryant.

Il loro rapporto, la loro rivalità, il talento e i tre titoli consecutivi conquistati insieme sono uno dei capitoli centrali della leggenda Lakers. Successivamente Kobe costruirà un’altra pagina della storia insieme a Pau Gasol, conquistando nuovi titoli e consolidando definitivamente il proprio posto nell’Olimpo della franchigia.

E quando sembrava che il mito non potesse più essere aggiornato, arriva LeBron James.

Con lui i Lakers entrano in una nuova epoca, fino all’arrivo di Luka Dončić, che nel libro rappresenta anche lo sguardo verso il futuro.

La storia raccontata da chi l’ha vissuta

TASCHEN ha scelto di non affidarsi soltanto alle immagini.

La prefazione è firmata da Kareem Abdul-Jabbar, l’introduzione da Jeanie Buss, mentre la postfazione è affidata a Phil Jackson.

Tra le voci che raccontano momenti, personaggi e retroscena della storia Lakers ci sono inoltre Magic Johnson, Michael Cooper, Byron Scott, Pat Riley, Shaquille O’Neal, Pau Gasol, LeBron James e Luka Dončić.

A completare il racconto sono le immagini di grandi fotografi come Neil Leifer, Andrew D. Bernstein e Walter Iooss Jr., insieme a fotografie rare, materiali d’epoca e oggetti provenienti dal celebre Lakers Shrine di David Kohler. Molti di questi materiali vengono pubblicati per la prima volta.

Ed è proprio la fotografia a rendere il libro qualcosa di più di una storia dello sport.

Un tiro, un’esultanza, una divisa, un volto, una celebrità sugli spalti: ogni immagine racconta un pezzo dell’evoluzione dei Lakers e, allo stesso tempo, dell’America che li ha trasformati in leggenda.

Non è solo basket

Forse è questo il vero motivo per cui Lakers. An Official History of the Purple & Gold può interessare anche chi non conosce alla perfezione la NBA.

Perché il libro parla di sport, ma anche di stile.

Parla di come una squadra possa costruire un’identità talmente forte da diventare un brand globale. Di come un colore possa diventare un simbolo. Di come un atleta possa trasformarsi in un’icona. Di come il pubblico possa diventare parte dello spettacolo.

E soprattutto racconta Los Angeles.

Una città che non si accontenta della normalità e nella quale i Lakers hanno imparato, prima di molti altri, che vincere è importante, ma saper costruire un mito lo è ancora di più.

TASCHEN mette tutto questo dentro un unico oggetto: 528 pagine che attraversano generazioni, dinastie, sconfitte, trionfi e trasformazioni culturali.

Alla fine, quello dei Lakers è un racconto che supera il basket.

È la storia di una squadra che ha capito prima di altre che lo sport poteva essere spettacolo, che lo spettacolo poteva diventare stile e che lo stile, quando incontra la storia, può trasformarsi in qualcosa di molto più grande.

Un’icona.

E quella dei Lakers, da oltre settant’anni, veste rigorosamente Purple & Gold.

Lakers. An Official History of the Purple & Gold
TASCHEN, 2026
528 pagine · copertina rigida · 25 × 34 cm · 3,88 kg
Edizione in inglese · ISBN 978-3-8365-9844-6 · €100

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Non è solo una sensazione, stare fermi troppo a lungo può infatti mettere sotto pressione il corpo e come segnalato dall’indagine EU-OSHA, ESENER 2024 la seduta prolungata è oggi uno dei principali fattori di rischio sul lavoro. Una situazione che secondo EWCS sembra riguardare in particolare le donne, con il 42% delle lavoratrici che trascorre almeno tre quarti del proprio tempo di lavoro seduta per blocchi di almeno mezz’ora, contro il 39% degli uomini.

Il problema non interessa soltanto chi lavora in ufficio perché se davanti a uno schermo si trascorrono ore sedute, per una commessa, una parrucchiera o per chi svolge un lavoro che richiede di stare in piedi per gran parte della giornata, l’immobilità assume semplicemente Un’altra forma. Posizioni diverse ma un elemento in comune, infatti, per il sistema linfatico non è tanto la posizione in sé a fare la differenza quanto la possibilità di muoversi.

“Il cuore muove il sangue da solo. La linfa ha sette motori: uno lavora da sé, sei dipendono da come muoviamo il corpo. Otto ore nella stessa posizione non significano che il corpo abbia riposato: significano che per otto ore nessuno ha spinto”, spiegano gli esperti di Linfit®, la prima specialità di ginnastica interamente dedicata alla salute del sistema linfatico e circolatorio.

È proprio da qui che nascono i sette consigli per ridare leggerezza alle gambe dopo una giornata di lavoro. I primi cinque compongono una sequenza di circa dieci minuti da fare appena rientrate a casa, mentre gli ultimi due aiutano a portare il movimento anche durante la giornata lavorativa, trasformandola in un’abitudine da mantenere nel tempo.

1. Prima aprite, poi spingete: trenta secondi di sfioramenti lentissimi, con la mano appena appoggiata, sulle tre zone in cui la linfa rientra in circolo: sopra la clavicola, l’inguine, la piega dietro il ginocchio. Non è un massaggio. I vasi linfatici superficiali sono ancorati alla pelle ed è la trazione leggera ad aprire le loro valvole; la pressione forte li schiaccia. L’errore più comune è partire dalle caviglie e spingere forte verso l’alto: è l’ordine invertito.
2. Cominciate dal piede, non dalla gamba: due minuti a piedi nudi, da sedute: dita che si alzano una alla volta, salita sulle punte e ritorno, piede che rotola dal tallone all’avampiede. Sotto la pianta c’è un serbatoio che ogni appoggio svuota verso l’alto: è il motore che si spegne per primo dentro una scarpa rigida o su una sedia, e quello che si riaccende con meno fatica. Vale anche per chi lavora in piedi: ferma, il piede non pompa.
3. Alternate, non sforzate: tre minuti sollevando e riappoggiando i talloni con ritmo regolare, in piedi o da seduta. Nell’essere umano la contrazione muscolare aumenta il flusso linfatico di due-tre volte rispetto al riposo, ma è l’alternanza a fare il lavoro: la fase di rilascio è quella in cui il vaso si riempie. Un muscolo contratto e basta non pompa nulla. Non serve la forza. Serve l’alternanza.
4. Togliete la gravità dal conto: tre-cinque minuti con le gambe appoggiate al muro e il bacino a terra. Se c’è la possibilità, camminare in acqua fino alla vita vale ancora di più: posizione e pressione dell’acqua sono i due fattori con le evidenze più solide sull’essere umano, e la camminata in acqua riduce in modo misurabile il volume della gamba. Funziona a fine giornata, quando il liquido si è accumulato.
5. Chiudete con il respiro, che regola, non drena: dieci respiri lenti da sdraiata, lasciando che la pancia si espanda. Il diaframma è la via anatomica attraverso cui passa la maggior parte della linfa del corpo, e il respiro lento è il modo più rapido per abbassare l’attivazione nervosa accumulata in otto ore di lavoro. Da solo non spinge la linfa dalle gambe: cambia la condizione in cui tutto il resto lavora.
6. Non aspettate la sera: alzarsi e camminare cinque minuti ogni mezz’ora di seduta; se è impossibile, trenta pompaggi di caviglia da seduta, che non è la stessa cosa ma non è zero. In uno studio controllato su undici adulti (Columbia University, 2023) è la dose che ha abbassato insieme picchi glicemici e pressione e ridotto la sensazione di fatica: una ricerca piccola, quindi un’indicazione, non una regola. La pausa non è tempo perso. È l’unico momento in cui la linfa si muove.
7. Dieci minuti tutti i giorni battono quaranta minuti una volta a settimana: il sistema linfatico non accumula progressi come un muscolo: risponde al movimento mentre lo fate. Meglio agganciare la sequenza a qualcosa che già succede ogni sera.

“Dopo le vacanze ricominciamo a riempire le giornate di impegni e obiettivi, e il primo a uscire dall’agenda è il corpo. Non serve drenare la linfa: serve allenarla. E non servono allenamenti impegnativi, serve sapere che sei dei suoi sette motori dipendono da come ci muoviamo durante il giorno. Fermo restando che, in presenza di gonfiore improvviso o su una gamba sola, gonfiore doloroso, patologia cardiaca o renale nota o gravidanza complicata, la raccomandazione è rivolgersi al medico prima di intraprendere qualunque pratica”, commenta Claudia Viaggi, co-founder di Linfit e ideatrice del metodo.

di Lidia Pregnolato per Dailymood.it

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In occasione della Milano Fashion Week debutta la collezione Spring Summer 2027 “Brocade Reborn” di ZHONGFANG.LIJIN, sviluppata attorno al concetto di “Jin Mai” (锦脉), le trame vitali del broccato. Le venature della vita si intrecciano idealmente con trama e ordito del tessuto, dando origine a una nuova fase nell’utilizzo e nella reinterpretazione di questo materiale.

La collezione trae ispirazione dal mondo naturale e, in particolare, da elementi come la foglia di gelso, il bozzolo e la farfalla. Le loro venature, le ali e le texture vengono tradotte nelle superfici e nei dettagli dei tessuti, trasformando il broccato in silhouette caratterizzate da pieghe, strutture e motivi decorativi. Ogni look restituisce così l’energia e l’identità di una materia profondamente legata alla storia della cultura tessile cinese.
La palette cromatica affonda le proprie radici nella tradizione dei Cinque Elementi, Wu Xing, reinterpretata attraverso tonalità raffinate che richiamano la sensibilità estetica orientale.

Tianshui Bi è un verde-azzurro limpido, evocazione dell’acqua e del cielo.
Taoyao richiama la delicata tonalità del fiore di pesco.
Mihe si esprime in una morbida sfumatura miele-beige.
Yuebai è un bianco lunare attraversato da leggere note azzurre.
Dailan, infine, è un intenso blu indaco.

Tonalità profonde e sfumature più leggere si alternano e si fondono creando un equilibrio cromatico che evoca l’armonia e la continua rigenerazione della natura.

La rilevanza storica e culturale del broccato è oggi riconosciuta e tutelata dalle istituzioni cinesi come patrimonio culturale, a testimonianza del suo ruolo nella storia e nell’identità del Paese.

Con Brocade Reborn, ZHONGFANG.LIJIN attraversa il confine tra tradizione e futuro e restituisce nuova vita all’arte del broccato, permettendole di continuare a evolversi attraverso la moda. Una bellezza orientale che rinasce, si trasforma e supera continuamente ogni confine.

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La gonna, prima di tutto

Se esiste un capo capace di raccontare simbolicamente questa Fashion Week è la gonna. Non semplicemente perché sia tornata protagonista, ma perché Prada ha scelto di farne il soggetto esclusivo della propria collezione. Miuccia Prada e Raf Simons hanno costruito l’intera Primavera/Estate 2027 attorno alla sottana, trattandola come una sorta di tela bianca: mini e al ginocchio, lineari o plissettate, sfrangiate, ricamate, arricchite da cristalli e applicazioni. L’idea non è quella di una gonna-oggetto, ma di un capo aperto alla trasformazione, capace di cambiare significato attraverso materiali, proporzioni e styling. La coincidenza con il dibattito politico esploso nei giorni immediatamente precedenti la Fashion Week ha dato al tema una risonanza ulteriore. Il ministro degli Esteri Antonio Tajani, intervenendo alla manifestazione Itaca a Formello, aveva parlato, ricevendo numerose critiche, della scelta di una futura moglie contrapponendo una donna «meno appariscente», più seria e affidabile, a una più appariscente, aggiungendo il riferimento a gonne «un po’ più lunghe». La collezione Prada era naturalmente progettata molto prima di quelle dichiarazioni, ma il tempismo ha prodotto una curiosa sovrapposizione fra costume, politica e moda: proprio mentre la gonna diventava oggetto di una discussione sul modo in cui una donna dovrebbe apparire, Prada la trasformava in uno spazio di possibilità. Una coincidenza, dunque, non un commento politico della maison, ma impossibile da ignorare.

Dolce&Gabbana e il ritorno della memoria

Se Prada lavora per sottrazione concettuale, Dolce&Gabbana torna invece alla memoria, all’archivio personale, alla ricchezza di un guardaroba vissuto. La collezione Primavera/Estate 2027 si chiama Stravaganza Siciliana e parte da un’idea di famiglia e di patrimonio: l’immagine della giovane donna che apre gli armadi delle generazioni precedenti e trova abiti degli anni Venti, Cinquanta e Settanta, mescolandoli senza una rigida gerarchia. Il risultato è una collezione volutamente eterogenea, più libera e giovane, che mantiene il DNA sensuale della maison ma lo porta verso una maggiore spontaneità. È un’altra forma di nostalgia rispetto a quella puramente archivistica. Non si tratta di ricostruire il passato, ma di indossarlo di nuovo, mescolandolo al presente.

Fendi, Maria Grazia Chiuri e l’italianità pop

Alla seconda prova di Maria Grazia Chiuri per Fendi il discorso cambia ancora. La designer guarda a un’Italia pop, musicale e cinematografica, scegliendo come una delle coordinate della collezione quella cultura popolare che passa dalla musica di Adriano Celentano alla Raffaella Carrà.

La colonna sonora dello show, con Prisencolinensinainciusol e Rumore, costruisce un’atmosfera ironica e immediatamente riconoscibile. Fendi sembra così cercare una forma di contemporaneità che non abbia bisogno di cancellare il proprio patrimonio romano. La memoria non viene trattata come una teca museale, ma come materiale vivo, da ricombinare. È una delle linee più interessanti emerse a Milano: l’heritage non come nostalgia, ma come materia prima.

Antonio Marras: la Sardegna diventa gioiello

Fra gli appuntamenti più personali della settimana c’è sicuramente quello di Antonio Marras, che porta in passerella una storia di matrimonio, festa e disordine. La sfilata si svolge all’aperto, nel Giardino Vincenzo Muccioli, con un lungo tavolo da banchetto disposto sul campo da basket e tappeti sovrapposti sull’asfalto. L’invito è una sorta di annuncio matrimoniale: quello di Ippolita e Antiogu, in Sardegna, il giorno dopo la notte di San Giovanni. Marras parte proprio da quel momento sospeso in cui la festa è finita, gli ospiti sono stanchi e tutto appare leggermente disfatto. La collezione procede così per stratificazioni: pizzi, ricami, stampe, tailoring, denim, volumi morbidi e dettagli preziosi. Una moda volutamente non perfetta, che trova nella sovrapposizione la propria energia. Ma il capitolo più prezioso è quello dei gioielli, nati dalla collaborazione con il talentuoso architetto e designer toscano Giovanni Raspini. Per lo show sono stati creati 53 pezzi unici — collane, bracciali, anelli, orecchini, spille e ornamenti per capelli — ispirati alla Sardegna, al Mediterraneo e all’immaginario di Marras. Bronzo, pietre dure, minerali, madreperla, resine, tessuti e pizzi entrano in composizioni che evocano maschere della tradizione sarda e forme naturali, dai fiori ai gechi, fino agli elementi marini. Qui il gioiello smette di essere un accessorio e diventa parte della narrazione stessa dell’abito.

Armani: eleganza, memoria e metamorfosi

La chiusura della Fashion Week è affidata a Giorgio Armani, in una fase particolarmente significativa per la maison. La collezione Primavera/Estate 2027, firmata da Silvana Armani, guarda alla storia della casa attraverso una rilettura essenziale e notturna. Nero, seta liquida, abiti da sera, bustier, superfici metalliche e dettagli di cristalli costruiscono una silhouette asciutta, sofisticata, profondamente Armani. Fra gli elementi più simbolici compare anche la rielaborazione dell’abito da Prima Comunione di Giorgio Armani. Le farfalle, ricamate e applicate, diventano il simbolo più evidente della collezione: una metafora di trasformazione che dialoga con la continuità della maison. La sensazione è quella di un passaggio di testimone affrontato attraverso la memoria, senza rinunciare alla grammatica fondamentale di Armani. Accanto alla collezione principale, Emporio Armani ha segnato un altro momento di transizione. Traces of Time è stata l’ultima collezione supervisionata da Leo Dell’Orco e Silvana Armani prima dell’arrivo di Dario Vitale. La presentazione, all’Armani/Teatro, si è sviluppata attraverso una progressione cromatica dal bianco al nero, passando per verde, grigio e greige , ma il vero tema è stato quello della materia e del tempo: superfici lavorate, texture e stratificazioni suggerivano non tanto il deterioramento quanto l’accumulo di tracce. È una delle immagini più coerenti con il sentimento generale della settimana: la moda non cancella ciò che è stato, lo stratifica.

Gucci, fra aristocrazia e strada

Da Gucci, Demna prosegue il lavoro iniziato con la maison cercando una sintesi fra le molte identità del marchio. La collezione mette insieme l’equitazione, il guardaroba borghese milanese, l’eveningwear e un’attitudine più ribelle. Particolarmente evidente il dialogo fra giacche da riding, trench, tartan, kilt, jeans portati bassi e grandi cinture. Il designer guarda anche alla Gucci degli anni Novanta e alla figura di Dawn Mello, tentando di riattivare quella dimensione aristocratica e sensuale senza trasformarla in semplice citazione. È forse qui che si vede meglio il nuovo rapporto della moda con l’archivio: non più revival, ma montaggio.

Moschino e la moda che torna nelle strade

Il debutto di Loris Messina e Simone Rizzo da Moschino è stato uno degli appuntamenti più attesi della settimana. Il duo, fondatore di Sunnei, ha scelto il tetto di un parcheggio alla periferia di Milano e una dinamica scenica insolita: centinaia di comparse attraversavano la passerella in direzione opposta rispetto alle modelle. Il messaggio era semplice: i vestiti devono appartenere anche alle strade e alle persone reali. È un dettaglio significativo in una Fashion Week che, nonostante il lusso e la spettacolarità, sembra continuamente interrogarsi sul rapporto fra passerella e vita quotidiana.

I trend: dal quiet luxury alla moda da vedere

Se si guarda alle collezioni nel loro insieme, emergono alcune direttrici molto nette. La gonna è il capo manifesto. Prada la trasforma in un intero linguaggio, ma lunghezze e interpretazioni diverse sono comparse in numerose collezioni. Il quiet luxury perde il monopolio. Colori, stampe, applicazioni, texture e stratificazioni riportano in primo piano una moda più decorativa. Non è necessariamente un ritorno all’opulenza tradizionale: è soprattutto il rifiuto dell’idea che il lusso debba essere sempre silenzioso. La giacca diventa un oggetto trasformabile. Si porta come blusa, sopra un abito, appoggiata sulle spalle, con proporzioni diverse dal consueto. Il tailoring rimane centrale, ma perde la rigidità della divisa. Il corpo torna visibile, ma senza una sola grammatica della sensualità. Trasparenze, lingerie, bustier, abiti aderenti e superfici scoperte convivono con tailoring e silhouette più composte. Il passato è il nuovo laboratorio. Dolce&Gabbana guarda agli armadi di famiglia, Fendi alla cultura pop italiana, Gucci agli anni Novanta, Armani alla propria storia. Gli archivi non sono più soltanto qualcosa da celebrare: diventano materia da trasformare. E infine c’è una tendenza forse ancora più importante, perché riguarda non un capo ma un atteggiamento: l’imperfezione. Da Jil Sander a Marras, dalla stratificazione di Prada alla libertà di Moschino, la moda Primavera/Estate 2027 sembra voler recuperare qualcosa di umano, irregolare, personale. Milano, ancora una volta, sceglie la complessità. Alla fine della settimana, più che una singola tendenza resta una direzione.

La moda milanese non sembra voler scegliere fra minimalismo e massimalismo, passato e futuro, lusso e strada. Li mette in collisione. La gonna può essere una pagina bianca da Prada, un simbolo di memoria da Dolce&Gabbana, un elemento fra molti da Marras. Il gioiello può diventare talismano. L’archivio può trasformarsi in futuro. È una moda meno interessata alla perfezione e più interessata alla personalità. E forse è proprio questo il messaggio più forte della Milano Fashion Week Primavera/Estate 2027: non esiste più un unico modo corretto di vestirsi. Esiste il modo in cui ciascuno decide di appropriarsi dei codici, mescolarli, deformarli e farli propri. La moda, insomma, torna a essere una questione di scelta. E la gonna — lunga, corta, plissettata, ricamata, preziosa o semplicissima — torna a essere semplicemente quello che dovrebbe essere: un abito da indossare, non una misura del carattere di chi lo porta.

Courtesy Photo: Fendi, Prada e Antonio Marras

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Nata dall’identità iraniana della designer e profondamente legata allo spirito di Woman, Life, Freedom — Donna, Vita, Libertà, la collezione riflette su una generazione di donne iraniane che ha posto la libertà, l’autodeterminazione e il diritto di scegliere al centro di una conversazione globale.

Piuttosto che rifiutare la tradizione, Sara Behbud pone una domanda diversa: può una donna ereditare la propria cultura senza lasciare che sia essa a definire il modo in cui deve esistere al suo interno?

Al centro della collezione si trova il motivo Afshan, uno dei linguaggi floreali della tradizione dei tappeti persiani. Il termine Afshan richiama l’idea di “spargere” o “disseminare”: fiori, rami e forme vegetali sembrano diffondersi liberamente sulla superficie del tappeto, creando un disegno continuo, senza un unico centro dominante. Una composizione tradizionalmente associata alla natura, alla continuità, all’armonia e all’idea di una bellezza in costante espansione.
Sara reinterpreta questo patrimonio visivo attraverso un’estetica contemporanea e pixelata. Il motivo viene decostruito, ingrandito e sottratto alla superficie del tappeto per essere portato direttamente sul corpo femminile.

Elementi tagliati al laser vengono termosaldati su tulle trasparente, creando l’illusione che i fiori persiani si posino direttamente sulla pelle. La collezione è inoltre arricchita da ricami interamente realizzati a mano, espressione dell’approccio couture che caratterizza ogni look.

In questo nuovo contesto, anche il significato dell’Afshan si trasforma: il fiore diventa metafora di una femminilità che cresce e si espande liberamente, senza chiedere il permesso di esistere.

L’eredità non copre più la donna. È lei a scegliere come indossarla.
Ogni capo couture è concepito e realizzato attraverso lavorazioni artigianali, costruzioni precise e una particolare attenzione al lavoro manuale. La collezione prende forma attraverso preziosi tessuti italiani, tra cui organza tripla, taffetà di seta e cady di seta, scelti per creare un equilibrio tra volumi architettonici, struttura e movimento.

Accanto alla couture, Sara Behbud introduce una linea denim ready-to-wear, pensata come naturale estensione del linguaggio della collezione. Realizzata in denim 100% cotone, la linea riprende gli stessi motivi ispirati ai tappeti persiani attraverso una stampa glitter, trasferendo l’identità visiva della maison su capi più immediati e quotidiani.

Il contrasto tra la natura autentica e resistente del denim e la luminosità del glitter crea un nuovo dialogo tra tradizione e contemporaneità. Il motivo persiano lascia così la dimensione esclusiva della couture per entrare nel guardaroba ready-to-wear, mantenendo intatto il suo significato: l’eredità non come qualcosa da conservare immobile, ma come un linguaggio vivo da reinterpretare, trasformare e indossare liberamente.

La trasparenza incontra la costruzione. La delicatezza delle superfici si contrappone a silhouette scolpite. La pelle emerge tra frammenti di motivi e ricami, creando una tensione tra esposizione e protezione, delicatezza e forza, memoria e libertà.

Questo dialogo assume un significato particolare nel contesto di Woman, Life, Freedom. Il corpo, l’abbigliamento e la visibilità delle donne sono diventati simboli centrali del movimento.

Nell’interpretazione di Sara Behbud, il corpo femminile non è qualcosa da nascondere, controllare o giustificare: appartiene prima di tutto alla donna stessa.

Da secoli, i tappeti persiani custodiscono storie di bellezza, continuità e memoria culturale. Sara preserva questa eredità visiva, trasformando però il rapporto tra il motivo e chi lo indossa.

Il motivo rimane. La storia rimane. Ma è la donna a decidere come portarla nel futuro.

La Primavera/Estate2027 non rappresenta quindi un rifiuto dell’eredità, ma un atto di appropriazione consapevole: prendere ciò che ci è stato tramandato e scegliere cosa conservare, cosa trasformare e come renderlo proprio.

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L’evento è realizzato con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, a riconoscimento del valore culturale e formativo del progetto e del suo impegno verso una moda più responsabile, inclusiva e orientata alla sostenibilità.

Mani in passerella
Niente effetti speciali, solo tessuto, ago e filo. Il sashiko – antica tecnica di cucito e ricamo nata per riparare e rinforzare – viene reinterpretato come codice estetico contemporaneo. Ogni capo è il risultato di un percorso formativo che mette al centro la precisione del taglio, la consapevolezza del processo creativo e il rispetto per il tempo del fare.

Sostenibilità cucita addosso
La sostenibilità di “Becoming One” è un dettaglio che si indossa. Accessori, borse e scarpe chiudono i 18 look con una grammatica comune: recupero, artigianalità e rispetto per la materia. Gli accessori nascono dalle mani delle sarte di Spazio 3R – Riciclo, Ricucio, Riuso Impresa Sociale, che trasformano le rimanenze dei tessuti della collezione in piccoli oggetti di stile, rinnovando l’impegno dell’associazione nella formazione sartoriale delle nuove generazioni a Milano. Le borse sono firmate KATIA: modelli in limited edition e pezzi realizzati con materiali esclusivi recuperati da rimanenze di produzione, per una moda che fa dello scarto una risorsa. Le scarpe sono di Sarangelini, dove passione, selezione rigorosa delle materie prime e attenzione millimetrica al dettaglio disegnano un’eleganza senza tempo, in dialogo con i trend internazionali e radicata nella qualità artigianale del territorio. A completare il percorso, un pensiero speciale di Trama Plaza, realtà milanese attiva nel tessile con una forte attenzione alla cultura del tessuto e alla filiera: un gesto concreto per tenere viva la memoria dell’impegno nella sostenibilità, obiettivo fondamentale dell’organizzazione.

Becoming One: insieme, senza perdere l’identità
Il titolo racconta il cuore del progetto: individualità diverse che collaborano per un risultato condiviso, senza annullarsi. Inclusione, crescita reciproca e valorizzazione della persona passano attraverso il lavoro di squadra in backstage, dove allievi e sarte vestono le modelle e curano ogni dettaglio dei look.

MP Moda: oltre 30 anni di formazione nella moda
Fondata in Italia nel 1991 e consolidata a San Marino nel 2014 grazie a Maria Pidalà, MP Moda International Fashion School ha sviluppato un metodo inedito di modellistica basato su formule matematiche, rivolto alla formazione di allievi stilisti. La scuola ha portato le creazioni dei suoi studenti nelle principali occasioni della moda. I diplomati aprono sartorie autonome o entrano nelle migliori aziende di progettazione, taglio e confezione.

press@terenzis.com

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Nel cuore di Milano, a pochi passi da Via Montenapoleone, Fashion Vibes Milano ha presentato, in occasione della Milano Fashion Week, un progetto espositivo dedicato all’incontro tra moda, arte, design e alto artigianato internazionale.

Dalle 11:00 alle 21:00, gli spazi storici del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, hanno ospitato la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom: un percorso concepito per valorizzare il talento indipendente attraverso una modalità di fruizione più intima, lenta e attenta al dettaglio.

Abiti, borse, calzature, gioielli, accessori, oggetti di design e opere d’arte hanno condiviso lo stesso spazio, costruendo un racconto nel quale discipline e culture differenti si sono incontrate attraverso un elemento comune: il valore dell’idea, della ricerca e del gesto creativo.

UNA GEOGRAFIA INTERNAZIONALE DELLA CREATIVITÀ

Dalla Georgia agli Stati Uniti, passando attraverso differenti linguaggi estetici e tradizioni artigianali, la Art Gallery ha riunito realtà creative capaci di interpretare il contemporaneo attraverso identità fortemente riconoscibili.

OTANADZE ha portato a Milano il sapere artigianale georgiano attraverso una selezione di orologi, eyewear e gioielli in legno. Venature e caratteristiche naturali della materia diventano parte integrante del progetto, esprimendo una concezione del lusso legata al tempo, alla manualità e alla conoscenza artigianale.

Con JANELIDZE COLLECTION, l’accessorio è diventato espressione di identità. Borse, calzature e accessori hanno messo in dialogo pelle, elementi materici, dettagli in legno e lavorazione artigianale, presentando ogni creazione non come semplice complemento, ma come autentico oggetto di design.

SHILIFI ha introdotto nel percorso la dimensione dell’abbigliamento. Fuori dal ritmo della passerella, le creazioni hanno potuto essere osservate da vicino, restituendo centralità alla silhouette, alle proporzioni, alla costruzione e alla materialità del capo.

Con ZILFI Handmade, il gioiello si è trasformato in racconto. Forme organiche, pietre semipreziose e riferimenti alla natura e alla cultura georgiana — tra cui la vite e i grappoli d’uva — hanno dato vita a creazioni esposte come piccole sculture, sospese tra gioielleria, memoria e arte.

DIVA by Nour ha portato nella Art Gallery una visione della femminilità fondata sull’eleganza, sulla presenza e sull’identità. La moda diventa così non soltanto espressione estetica, ma linguaggio attraverso il quale raccontare sensibilità, cultura e visione personale.

Dagli Stati Uniti, SAHRA ATELIER, fondato dalla designer e Creative Director Sahra Bukhari, ha esplorato il confine tra fashion design e collectible art. Borse scultoree, costruzioni geometriche, curve organiche e capispalla couture hanno raccontato un universo creativo nel quale moda, arte, architettura e natura si incontrano. Particolare attenzione è stata dedicata al progetto “Threads of Hope — Future Voices”, in cui couture, immaginario infantile e impegno sociale convergono in un’unica opera. L’abito, nato da un percorso creativo che coinvolge anche la figlia della designer, utilizza colori, segni e disegni legati all’universo dei bambini per parlare di infanzia, sogni, speranza e futuro. Dopo Milano, il progetto proseguirà negli Stati Uniti nell’ambito di un’iniziativa benefica.

DANIEL SALVI — L’ARTE ENTRA NEL RACCONTO DELLA MODA

La presenza dell’artista Daniel Salvi ha aumentato la dimensione culturale del progetto. Le sue opere sono state integrate nel percorso non come elementi scenografici, ma come parte della narrazione visiva della Art Gallery.

Tra queste, “At Last, the Rain Came — E alla Fine, Venne la Pioggia” (2023), opera di 80 × 120 cm realizzata in mixed medium digital art e stampata su carta 100% cotone, affronta attraverso la figura femminile temi legati al dolore, alla memoria e alla progressiva accettazione della fine di un amore. Arte e moda hanno così condiviso lo stesso spazio senza gerarchie, come linguaggi differenti accomunati dalla capacità di trasformare un’idea, un’esperienza o un’emozione in forma.

FASHION VIBES MILANO — OLTRE LA PASSERELLA

Durante l’intera giornata, la Fashion Vibes Milano Art Gallery & Showroom ha accolto pubblico, ospiti internazionali e professionisti della fashion industry, offrendo un’esperienza complementare alla passerella.

Nel ritmo intenso della Milano Fashion Week, il progetto ha scelto di restituire tempo alla creatività: tempo per osservare, scoprire, incontrare e comprendere ciò che esiste dietro un oggetto e dietro chi lo ha creato.

Con la Art Gallery & Showroom, Fashion Vibes Milano allarga così il proprio universo oltre il runway e costruisce uno spazio nel quale un designer indipendente può dialogare con un artista, un gioiello può essere osservato come una piccola scultura, una borsa può diventare collectible design e un abito può trasformarsi in veicolo di solidarietà.

Una visione che considera la moda non come un universo isolato, ma come parte di un paesaggio culturale più ampio.

Moda. Arte. Design. Artigianato. Cultura.

Linguaggi diversi che, per un giorno, hanno abitato lo stesso spazio nel cuore di Milano.

FASHION VIBES MILANO ART GALLERY & SHOWROOM
24 settembre 2026 | 11:00–21:00
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8 — Milano, Montenapoleone

Fashion Vibes Milano Creative Agency
Founder, Art Director & Producer — Yuliia Palchykova
fashion-vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

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Moda come linguaggio, identità e trasformazione.
È da questa visione che nasce NEXT CHAPTER, la nuova edizione di Fashion Vibes Milano, ideata, diretta e prodotta da Yuliia Palchykova, Founder & Art Director di Fashion Vibes Milano, andata in scena il 24 settembre durante la settimana della Moda Donna a Milano. Sono state presentate le collezioni S/S 2027 firmate ISFERRA, ROVEL, HELENA D’OR e Atelier Mila Gross.

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ha riunito designer, artisti, professionisti del settore, media, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e alla contaminazione tra linguaggi diversi.

Abbinata alle sfilate è stata presentata la Runway, Art Gallery & Showroom, un format impostato sugli accessori, dove beauty e networking hanno dato vita a una visione comune: creare un incontro tra talenti, artigianato, culture e nuove forme di espressione di paesi lontani ma riuniti in una unica mission, la moda, il talento e  l’artigianato.

NEXT CHAPTER: UN NUOVO RACCONTO

 NEXT CHAPTER nasce dal concetto di evoluzione.
Ogni collezione rappresenta un passaggio, una trasformazione, una nuova pagina. In un momento in cui la moda internazionale continua a ridefinire i propri linguaggi, Fashion Vibes Milano sceglie di mettere al centro l’identità creativa e la libertà di espressione.
Fashion Vibes Milano, sotto la direzione artistica  di Yuliia Palchykova, continua così a sviluppare un format internazionale che supera il concetto tradizionale di sfilata, creando un punto d’incontro tra fashion, art, beauty, media e culture diverse.
La passerella diventa non soltanto un luogo di presentazione delle collezioni, ma uno spazio nel quale ogni designer può raccontare, nelle sue creazioni,  la propria storia, ma anche identità e  visione del futuro.

QUATTRO VISIONI DELLA SPRING/SUMMER 2027

Ad aprire la passerella è stata ISFERRA, da Dubai, con la collezione “Nova Era”. Un progetto che, già dal titolo, introduce il tema di un nuovo inizio e di una nuova energia, aprendo simbolicamente il racconto di NEXT CHAPTER.

Dall’Australia, ROVEL ha presentato “The Women Before Me”, una collezione che esplora femminilità, memoria e il legame con le donne che ci hanno preceduto, mettendo in dialogo passato e contemporaneità attraverso una prospettiva personale.

Dal Brasile, HELENA D’OR ha portato in passerella “FASES”, un racconto dedicato alle trasformazioni e alle molteplici dimensioni dell’universo femminile.

A chiudere lo show, Atelier Mila Gross ha presentato “Baroc – coraźon”, completando il percorso della serata con una proposta dalla forte componente espressiva e scenica.

Quattro universi indipendenti e quattro differenti identità creative hanno così anticipato una Spring/Summer 2027 vibrante, luminosa e internazionale, nella quale convivono memoria e futuro, femminilità e trasformazione, ricerca e libertà creativa.

DIETRO LA PASSERELLA
La Beauty Direction è stata affidata a Luciano Carino, che insieme al team di hairstylist e make-up artist ha curato la preparazione dei modelli e la costruzione delle differenti identità beauty dello show.

MILANO COME PUNTO D’INCONTRO

Nella cornice del Centro Congressi Fondazione Cariplo, in Via Romagnosi 8, nel cuore di Milano, il progetto ideato e organizzato ormai da nove anni da Yuliia Palchykova ha riunito designer, artisti, media partner, stampa, content creator e ospiti internazionali in una giornata dedicata alla moda, all’arte e all’incontro tra differenti linguaggi creativi.

Dopo le sfilate, la serata è proseguita con cocktail party e DJ set, per un doveroso ringraziamento e riconoscimento ai designer e alle loro produzioni, agli ospiti, ai giornalisti, un evento che non ha presentato solo nuove collezioni, ma un prezioso di dialogo e nuove relazioni all’interno di un contesto internazionale.

FASHION VIBES MILANO
“NEXT CHAPTER” — Collezioni Spring/Summer 2027

Founder, Art Director & Producer: Yuliia Palchykova

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano

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Sospesa tra realtà e suggestione cinematografica, Casablanca diventa il punto di partenza di un viaggio fatto di luce e contrasti: il bianco delle architetture, il blu dell’Atlantico, le tonalità minerali della pietra e i colori intensi delle spezie e della terra. Un paesaggio visivo che la PE27 traduce in materiali, forme e lavorazioni attraverso il savoir-faire Borsalino.

L’eleganza di Ingrid Bergman trova una delle sue espressioni più dirette nel capitolo Ultra Feminine. MOUNA, nuova visiera in raso lucente, incorpora un lungo foulard dalla vestibilità versatile; TAMARA, nella paglia cucita più fine della collezione, associa una grande falda spiovente a una maxi-cinta tricolore. FRIDA, infine, reinterpreta la classica magiostrina con una linea più femminile e strutturata, caratterizzata da tesa media e piatta e calotta profonda.

Anche la palette attraversa l’immaginario del film e i suoi protagonisti. Royal Casablanca richiama il bianco delle architetture e dello smoking di Bogart; Self Tie il nero del suo papillon; Humphrey Trench l’iconico trench coat e Ingrid Rose le delicate tonalità pastello di Bergman. Tamaris Blue guarda all’Atlantico e ai cieli marocchini, mentre Spice Ocra, Medina Brown, Tajine Red e Café Americain evocano pietra, terra, spezie, mercati e atmosfere del film.

Dall’immaginario cinematografico, il viaggio entra così nella Casablanca reale. Le architetture della città aprono il racconto attraverso il tema degli Areati. Gli intrecci delle aperture arabeggianti, concepite per lasciar scorrere l’aria nelle ore più calde, sono trasposti sulle cupole dei modelli semi-ventilati FERRAC, dall’incapatura pork pie e tesa country, e CLAUDE, dove le geometrie create dalle mani esperte ecuadoregne rendono ogni esemplare unico. Nella cloche LISA, il motivo traforato percorre invece la tesa creando giochi di luce e ombra sul volto. L’effetto areato ritorna in ILLY, nella combinazione di canapa e fibra di cellulosa intrecciata e applicata manualmente con un movimento wave, e in KOKO e KIKKA, dove il punto maglia in cotone richiama le aperture scolpite dei minareti.

Il viaggio entra poi negli Interni marocchini, tra fibre naturali, mélange e armonie cromatiche calde sottolineate dal contrasto con il nero. Ne è espressione FEDERICO, modello iconico reinterpretato in una rafia mélange naturale e color caffè realizzata appositamente in Madagascar.

Dagli interni lo sguardo si sposta verso cortili, moschee e palazzi attraverso gli Zellige, composizioni geometriche di piccole tessere ceramiche colorate che diventano nastri e intrecci. Il motivo percorre la cinta di CLAUDE, in rafia naturale sbiancata, e le intere superfici di MEDEA e MARGOT, mentre nel country TOKYO incontra il papier giapponese, fibra dalla finitura cerata che dona morbidezza, lucentezza e maggiore resistenza.

Il patrimonio decorativo marocchino prosegue con Casablanca Majolica. Protagonista è SOPHIE, forma iconica della Maison impreziosita da una cinta in pelle con minuscole tessere e pietre applicate a mano. Nella versione in Panama semicrochet, la decorazione diventa trasformabile: la cinta a tre sezioni, caratterizzata sul retro da un fiocco d’archivio del 1942, può essere rimossa dal cappello e indossata come bandeau.

La Maroquinerie esplora invece la tradizione marocchina della lavorazione della pelle attraverso camosci, incisioni e dettagli funzionali. COUNTRY LAMBS e CLAUDETTE presentano cinte in camoscio lavorate al laser per evocare la cannettatura del classico gros grain di Borsalino; INDIANA, grazie a un filo armonico inserito nella tesa e a una cinta in suede amovibile, può modificare la propria vestibilità ed essere arrotolato con facilità. LASLO, in canapa brisa, combina una cinta in pelle intarsiata con dettagli metallici ai lati della cupola che favoriscono l’areazione, mentre il camoscio veste il baseball OTIS e arricchisce i profili di GOLFER e VINCENZO.

Il dialogo tra cappello e accessorio si estende, per la Primavera/Estate 2027, anche alla collezione di borse Borsalino, realizzata in licenza con GAMAT. Le forme e i codici distintivi della Maison vengono riletti attraverso nuove proporzioni e funzioni: KOKO trasforma la silhouette del cappello in una struttura in rafia crochet, mentre VORTEX nasce dal gesto di capovolgerne la forma, avvolta da briglie in pelle che richiamano una spirale. PANAMA SIGN trasferisce su tote e bucket bag la tela di cotone e i contrasti materici del mondo Borsalino, mentre LOLA evoca attraverso la propria costruzione il profilo della calotta. Rafia, raso, camoscio, pelle e gros grain costruiscono così un guardaroba di accessori pensato in continuità con il cappello, fino a dettagli funzionali che permettono, in alcuni modelli, di agganciarlo direttamente alla borsa.

Nell’anno del 170° anniversario di Borsalino, il viaggio nella memoria cinematografica diventa anche occasione per riscoprire il patrimonio della Maison. Tornano così alcune storiche cinte custodite negli archivi: Razzo, ideata nel 1939 sull’onda della corrente futurista, con il fiocco spostato verso il retro; Ape Bicolore, del 1942, che porta sul davanti alcuni degli elementi tradizionalmente posteriori del fiocco Borsalino; e Tati, reinterpretata sul bandeau in pelle di ispirazione maiolica. Elementi con oltre ottant’anni di storia vengono riletti attraverso materiali, proporzioni e forme contemporanee, creando un dialogo diretto tra l’heritage della Maison e la PE27.

A 170 anni dalla sua fondazione, Borsalino guarda così a Casablanca non come a un’immagine da riprodurre, ma come a un universo da reinterpretare in cui passato e presente si incontrano, riaffermando la capacità di Borsalino di trasformare la propria storia in un linguaggio sempre contemporaneo.

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Lug Von Siga sceglie Milano per raccontare il proprio universo creativo e presenta alla Milano Fashion Week la collezione Primavera/Estate 2027, Il Silenzio. Il brand fondato a Istanbul da Gül Ağış porta nel cuore della scena internazionale il patrimonio artigianale e culturale dell’Anatolia, reinterpretandolo attraverso uno sguardo contemporaneo e dando vita a un dialogo tra memoria, identità e presente.

Il debutto milanese apre una nuova pagina nel percorso di Lug Von Siga, che approda in Italia con una collezione capace di racchiudere i codici distintivi della maison: la ricerca sulle lavorazioni artigianali, la sensibilità per il dettaglio e un’estetica profondamente legata alle proprie radici culturali. Fondato a Istanbul nel 2010, il brand ha sviluppato negli anni una forte identità creativa, affermandosi progressivamente sulla scena internazionale e raggiungendo oggi circa 80 punti vendita nel mondo. Milano rappresenta così un nuovo passo nel consolidamento della presenza di Lug Von Siga in Europa.

Sotto la direzione creativa di Gül Ağış, Lug Von Siga costruisce il proprio linguaggio attraverso l’incontro tra patrimonio culturale e sensibilità contemporanea, reinterpretando le tradizioni artigianali anatoliche attraverso silhouette raffinate e un uso distintivo del ricamo. Gül Ağış ha trascorso dieci anni a Milano, tra formazione e carriera professionale, prima di fare ritorno a Istanbul e fondare Lug Von Siga. Il ritorno in città con il proprio brand unisce così una storia personale al percorso internazionale della maison.

Per il suo debutto, Lug Von Siga presenta una collezione plasmata dalla forza del silenzio. Più che un’assenza, il silenzio diventa uno spazio in cui emozioni, ricordi e connessioni si fanno più intensi.

La collezione esplora quei momenti di quiete in cui lo sguardo si volge verso l’interno, aprendo uno spazio intimo di ascolto e consapevolezza: una connessione silenziosa con il divino, la nostalgia per qualcuno che amiamo o le parole che scegliamo di non pronunciare e che custodiamo dentro di noi. Ispirata all’universo spirituale e poetico di Rumi e Shams, Il Silenzio riflette sull’amore, sul desiderio, sulla devozione e sui legami invisibili che esistono al di là delle parole.

Un simbolo ricorrente nella collezione è il fazzoletto, radicato in un’antica tradizione anatolica. Scambiato tra gli innamorati al momento della separazione, porta con sé il ricordo della persona amata e la speranza di un ricongiungimento. In Il Silenzio, il fazzoletto diventa simbolo di amore, desiderio, ritorno e delle parole rimaste non dette.

Al cuore della collezione prende forma un dialogo tra passato e presente, in cui il design incontra il sapere artigianale. Le delicate lavorazioni dei corredi delle nonne, custodi di gesti antichi e memorie d’infanzia, vengono rilette attraverso lo sguardo di Gül Ağış, che ne preserva l’intimità e il valore evocativo traducendoli in un linguaggio attuale. Un omaggio alla tradizione anatolica e alla bellezza del fatto a mano, capace di attraversare il tempo e assumere nuove forme.

La palette cromatica si muove tra bianco, bianco sporco e delicate tonalità traslucide, creando una sensazione di leggerezza, purezza e quiete. Tessuti velati e trasparenti, seta, georgette e taZetà si combinano con materiali tecnici, accostando texture e sensibilità contrastanti per esprimere il dialogo tra passato e presente, tradizione e innovazione. Tessuti fluidi incontrano superfici più strutturate, mentre intricati dettagli artigianali interrompono le linee pulite della collezione.

Per Lug Von Siga, il silenzio è anche una forma di lusso. È il lusso del tempo, della pazienza e delle cose realizzate lentamente. Si ritrova nei dettagli che non possono essere aZrettati, nell’esperienza accumulata nel tempo e nella profondità silenziosa che nasce dall’osservazione e dalla dedizione al design.

A volte le emozioni più profonde non risiedono in ciò che viene detto, ma in ciò che rimane inespresso. Il Silenzio sussurra delicatamente, eppure custodisce una profonda connessione con la propria anima.

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La collezione esplora il concetto di leggerezza attraverso una sartorialità impalpabile, accessori in lucite e palette cromatiche ottenute dalla sovrapposizione di veli trasparenti. Ogni elemento contribuisce a costruire silhouette eteree e dinamiche, pensate per accompagnare il corpo nel suo continuo desiderio di aria e libertà. A fare da eco a “Under the sun beneath the rainfall “di Logic1000 — colonna sonora che ha accompagnato il team durante il processo creativo —, “la vera sfilata è quella che va in scena per strada”.

I codici della sartoria conservano la memoria del completo e la reinterpretano attraverso voile gessato, viscosa e lana. Pannelli aperti e costruzioni inattese generano giochi di trasparenze e illusioni ottiche, ridefinendo la grammatica del tailoring. Un bermuda si cela sotto il pantalone gessato, introducendo una nuova idea di formalità: rigorosa solo in apparenza, pronta a dischiudersi alle esigenze della stagione con naturale disinvoltura. Una giacca dalla struttura netta incontra pantaloni dalla gamba morbida e arrotondata, in un equilibrio studiato tra precisione e movimento. Il colore, infine, si costruisce per stratificazioni successive, sovrapponendo tonalità e trasparenze come gli strati di un mille-feuille.

La palette cromatica richiama le sfumature perlacee dell’acqua attraverso il vetro, muovendosi dai grigi polverosi fino a intensi toni gemma. La trasparenza diventa materia nell’organza di seta, declinata nelle tonalità dell’écru, dell’arancio e del rosa blush, sovrapposte per generare gradienti inediti, sottili variazioni di luce e profondità. Una tovaglia d’epoca in pizzo veneziano viene sottratta alla sua funzione originaria e trasformata in una stampa che riaffiora sotto un trench in organza, in un continuo gioco di rivelazione. Lunghe cinture e sottili cinturini avvolgono e definiscono i volumi di silhouette fluide, trattenendo forme leggere, quasi sospese, che sembrano concepite per lasciarsi attraversare dalla brezza.

La pelle intraprende un percorso di decostruzione: nappa e suede dalla mano morbida si trasformano in gonne essenziali, giacche e cappotti smanicati, attraversati da pannelli convertibili che aprono la silhouette e lasciano il corpo libero di respirare. Il denim fluido dialoga con revers sartoriali in trompe-l’œil, ricreati attraverso impunture sul petto. Una nuova idea di eleganza estiva prende forma, sospesa tra rigore sartoriale e libertà costruttiva. L’architettura diventa principio di costruzione.

Sportmax nasce nel 1969 come specchio del proprio tempo, un’eredità che il brand persegue tuttora attraverso un casting eterogeneo e generazionale. La maglieria guarda al linguaggio dei costumi da bagno cut out e alle loro lavorazioni a coste, introducendo l’idea di una fuga al mare al termine della giornata lavorativa. Calzature e gioielli mantengono la trasparenza su tutta la collezione: ciabattine con inserti a contrasto, décolleté con tacco effetto scultura di ghiaccio e sculture di vetro che affiorano da un polsino o si velano sotto scollature impalpabili.

La collezione si spoglia di tutto ciò che la stagione non permette più: il rigore e l’opacità. Ciò che rimane è un guardaroba impalpabile e al contempo funzionale. Come i maestri vetrai di fronte alla fornace, Sportmax plasma il calore per dare forma a una leggerezza e a una trasparenza ricche di sfumature.

STYLIST: JACOB K
MAKE UP: SIDDHARTHA SIMONE
HAIR: DAMIEN BOISSINOT SPONSORSHIP WITH ghd
MUSIC: SENJAN JANSEN
CASTING: AND CASTING

SPORTMAX.COM  #SPORTMAXSS27  #SPORTMAX

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«Il glamour non deve necessariamente essere qualcosa di prevedibile. Può essere ovunque, su chiunque. È uno spirito, è il modo in cui ci si sente. Questa idea ha davvero ispirato la collezione: il concetto di contrasti e contraddizioni, di Jimmy Choo non come un look, ma come un’energia, una sensazione. Volevo creare qualcosa di istintivo, ricco di possibilità».

IZU è una silhouette emblematica di Jimmy Choo, un sabot peep-toe su un sottile tacco da 85 mm. Ma ciò che ci si aspetta può trasformarsi in qualcosa di inaspettato, acquisendo nuove sfumature. L’accattivante motivo maculato, ispirato alla pelle di serpente a pois elaphê presente negli archivi, viene reinterpretato attraverso una stampa monocromatica su pelle nappa color latte. L’impulso decorativo prosegue con una vistosa spilla applicata sulla tomaia, realizzata con perline in resina turchese e cristalli, per un contrasto vibrante. Un altro dettaglio tipicamente Jimmy Choo, che celebra l’opulenza gioiello.

Giocando con i contrasti, lo stesso motivo elaphê monocromatico viene utilizzato con un effetto completamente diverso sulla slingback EYLA, caratterizzata da un tacco basso da 45 mm e da una punta nera smussata, che le conferiscono un’attitudine perfetta per il giorno. Ma, in fondo, che cosa definisce il giorno o la sera, l’essere eleganti o casual? Il glamour dinamico e sensuale che permea Jimmy Choo offre libertà e possibilità di giocare con gli opposti, portando modelli stravaganti ed eccezionali nella quotidianità.

La delicata décolleté COKO in raso, impreziosita da un corsage floreale bicolore con petali rosso rubino e rosa macaron, può passare con disinvoltura dalla dimensione spettacolare a quella quotidiana. Una scelta che riflette non tanto l’occasione, quanto l’attitudine che da sempre definisce la donna Jimmy Choo. Il corsage diventa inoltre un dettaglio della silhouette più pratica e dal tacco basso della EYLA, in pura nappa color latte.

All’insegna di una versatilità da indossare in qualsiasi momento e in qualsiasi luogo, la grafica ELLIS, un loafer proposto sia in versione flat sia con tacco squadrato da 65 mm, esplora la forza del bianco e del nero attraverso il contrasto tra pelle naplak lucida e stropicciata. Una scelta che esprime personalità, individualità e diversità, in una patina volutamente imperfetta, simile ai segni lasciati dalla vita vissuta.

Si tratta di un’inversione dell’approccio caratteristico di Jimmy Choo: invece di declinare i tacchi alti in una gamma di altezze inferiori, ELLIS gioca con il processo inverso, elevando il loafer attraverso una nuova interpretazione delle proporzioni.

Nel mondo degli accessori, la famiglia CINCH si evolve attraverso nuove interpretazioni. Riflettendo i caratteri e lo stile di vita della donna Jimmy Choo, la CINCH TOP HANDLE traduce la leggerezza e la femminilità delle morbide arricciature che le danno il nome in dettagli laterali sottilmente sagomati, affiancati dalla sicurezza di una chiusura frontale con patta e dell’iconica fibbia.

Dalle dimensioni compatte, può essere indossata a tracolla oppure a mano. Proposta in un intenso color ciliegia oppure in pelle di vitello elaphê monocromatica, rappresenta un ulteriore ampliamento del guardaroba di accessori del brand. Questa nuova silhouette è accompagnata dalle varianti cromatiche stagionali della CINCH e dalla CINCH CLUTCH, sospesa a una catena sfaccettata color oro.

Accanto a queste novità, un’icona Jimmy Choo viene reinterpretata. BING, una delle silhouette più amate della maison, si trasforma nella BING MARYJANE. Al posto della brillantezza decorativa del modello originale, l’attenzione si concentra sulla silhouette come elemento distintivo, attraverso il gioco di proporzioni tra la scollatura bassa e il cinturino che attraversa il collo del piede.

Questa nuova versione viene proposta in materiali dalla provocatoria ispirazione maschile: una ricca nappa color ciliegia e bordeaux intenso e un flanella grigia a motivo incrociato, entrambi sottili richiami ad alcuni dei primi modelli Jimmy Choo degli anni Novanta.

Anche il tacco DROP di Jimmy Choo viene rinnovato. Il suo volume viene enfatizzato attraverso un diverso equilibrio delle proporzioni e reinterpretato nella mule ORIA. La delicata decorazione con micro-borchie sferiche disegna un motivo floreale sulla nappa color nocciola: la forma di una rosa inglese, un legame indissolubile con le origini e il cuore della maison.

Morbidissima nei materiali e nella costruzione, ma al tempo stesso grintosa e ribelle nell’attitudine, la collezione invita a esplorare stampe trompe-l’œil effetto denim su pelle pregiata, proposte anche sui modelli RESA slingback e MARGOT lace-up.

Del resto, il denim è l’uniforme del XXI secolo: qui, reinterpretato attraverso una pelle lussuosa, diventa parte dell’uniforme Jimmy Choo.

La collezione Primavera 2027 è stata presentata durante la Milano Fashion Week, all’interno di uno spazio sereno che evocava una biblioteca o una galleria museale. Slegato da riferimenti temporali o geografici, proprio come il caratteristico gioco di opposti di Jimmy Choo, l’ambiente si colloca contemporaneamente tra passato e presente, tra antico e moderno.

Una cornice contemplativa per una maison che entra in un nuovo decennio, celebrando il suo trentunesimo anno.

A dominare lo spazio, per tutta la durata della presentazione, sono statue dorate a grandezza naturale. Studi iperrealistici di una donna Jimmy Choo mitizzata, colta nel mezzo di una trasformazione mentre passa dal giorno alla notte, da uno stato d’animo all’altro, da un’identità all’altra.

In questo scenario, la sua presenza e il suo carattere vengono amplificati dalle scarpe e dagli accessori che indossa.

Nate da un meticoloso processo che armonizza tecnologia e lavoro manuale, le sculture rappresentano un’appropriata espressione dell’approccio di Jimmy Choo a ogni singola creazione: senza fretta, rigoroso e pensato per durare nel tempo.

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La silhouette cambia punto di vista. Il seno si nasconde, mentre clavicole e spalle diventano protagoniste. Maxi blazer e trench acquistano nuove proporzioni, mentre pelle, trasparenze e ciclisti portano elementi dello sportswear dentro una dimensione più sofisticata e notturna.

Il corpo rimane al centro, ma viene raccontato attraverso una nuova idea di seconda pelle. Il collant diventa abito, gonna, top e guanto. Una superficie che aderisce alla figura e ne segue le linee, trasformando un elemento quotidiano in un codice di sensualità. Il corsetto, ormai firma della maison, continua a definire il punto vita, mentre il dolcevita gioca con la trasparenza: il collo alto, tradizionalmente associato a una costruzione più rigorosa, diventa in questa collezione un capo estremamente femminile.

La decorazione si fa più ricercata e meno letterale: la micro stampa Jaguar incontra le maxi paillettes, creando un ricamo dalla superficie irregolare e contemporanea. Pelle con stampa anguilla e PVC con stampa coccodrillo, mentre il jersey viene lavorato attraverso prapping che ne modificano la superficie e accompagnano il movimento del corpo.

La palette parte da cammello, tabacco e nero. Nude e rosa si mescolano al Red Velvet, intenso e deciso. Anche il giorno mantiene una forte identità femminile: Oxford, denim e grigio mélange vengono esaltati attraverso silhouette precise e dettagli che riportano sempre l’attenzione sul corpo.

Gli accessori seguono la stessa logica di contrasti e proporzioni. Stivali dritti al ginocchio e mule infradito alternano rigore e sensualità. Le borse non cercano una via di mezzo: sono grandi o clutch, definite da volumi e proporzioni opposte.

È proprio nell’incontro tra tutti questi elementi che prende forma la donna della Spring Summer 2027. Una donna che mantiene intatto il codice femminile del brand, ma lo porta in una direzione più contemporanea e meno convenzionale. La sartoria incontra lo sportswear, il giorno dialoga con la notte, la struttura convive con la trasparenza, il rigore con una sensualità più scoperta.

Al centro rimane una donna consapevole del proprio corpo e del proprio stile, contemporanea, cosmopolita, fedele alla propria identità.

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Da Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf arriva l’idea della stanza come luogo necessario per affermare la propria voce. Stanza però riletta in chiave contemporanea, queer, erotica, condivisa.

Reclamiamo tempo e spazio per la scrittura di slogan e la tessitura dei nostri uncinetti, i cui fiori si intrecciano e si ricamano tra loro, recuperano crochet vintage e pelle e li traducono in capi nuovi.

L’intimità non filtrata arriva da Lisetta Carmi e Nan Goldin. Diventano centrali i temi della dignità e delle marginalità italiane, del diario visivo, della camera, del bagno, delle dipendenze affettive e della famiglia scelta.

La casa diventa così anche luogo sicuro in cui performare, esplorare e affermare la propria identità. Salotti, twin set, slip dress, cardigan, foulard, borsette raccontano il gesto intimo del prepararsi per mostrarsi al mondo. Non travestimento, ma protezione e diritto all’esistenza.

L’idea di provare temporaneamente nuovi modi di essere prende forma nei top doppi decostruiti, nelle longsleeve trompe-l’œil con canotta e nelle gonne che richiamano il gesto della svestizione. Appoggiati provvisoriamente raccontano un corpo sgualcito.

La casa come luogo di festa diventa il pretesto per esplorare forme che accompagnano il movimento, come le bluse e gli abiti sottoveste baloon in crepe de chine, e gesti quotidiani, come arrotolarsi le maniche quando il calore della stanza cresce insieme agli affetti che la abitano.

Polo opposto della casa come luogo performativo è Casa Vianello, casa borghese in cui l’intimo viene reso pubblico e i ruoli dei protagonisti, Sandra e Raimondo, diventano satira di un’organizzazione familiare standardizzata a cui lei si ribella senza sconti. Tutto ciò si concretizza in rivisitazioni monelle di classici come la giacca da tailleur in bouclé, i twin set in maglia e nella stampa “panni stesi”, invito a mettere la propria intimità in dialogo con il mondo.

I materiali quotidiani vengono alterati. Sul denim il crochet si aggrappa inaspettato e si mostra tra gli strappi. Il dettaglio domestico viene ingigantito, le carte da parati floreali si trasformano in stampe su mesh e raso e nella maglieria jacquard goffrata.

Istituto Marangoni Milano ci apre le stanze di Palazzo Turati che accoglie il nostro casting composto dalla community plurale e queer. La collezione non parla quindi di casa come chiusura, ma come luogo in cui la famiglia scelta può esistere, prepararsi, guardarsi, riconoscersi e uscire nel mondo.

È il racconto di un amore spontaneo e viscerale che si intreccia, come sempre, nel punto pizzo a cuori e prende forma nell’Amor senza pretese istintivo dei nostri amici a quattro zampe, disegnati su t-shirt, camicia e foulard.

Mionetto porta la spensieratezza nel mondo Rambaldi con una capsule dedicata e la presenza dell’iconico Prosecco all’interno dell’evento.

Fondata a Bologna nel 1927, Furla condivide con Rambaldi i valori dell’artigianalità italiana, del design e del senso di comunità. Porta in passerella alcune borse iconiche, tra cui Lynette, silhouette d’archivio reinterpretata per una capsule dedicata alla Milano Fashion Week, celebrando l’identità che ciascuno sceglie di portare nel mondo.

I look sono completati dalle scarpe e dalla collaborazione con Testoni composta da due modelli di scarpe e due borse, scandendo il ritmo di una storia nata sotto i Portici di Bologna, un incontro tra due brand profondamente legati al territorio e al suo sapere artigianale.

Nel backstage, Braun Household accompagna i momenti che precedono il debutto in passerella con la sua gamma stiro, dai ferri da stiro agli stiratori verticali, dedicata ai ritocchi finali e alla cura di ogni dettaglio dei look.

Amor senza pretese per una domesticità intima ma politica, fragile ma vitale: una casa come rifugio, palcoscenico quotidiano, spazio di desiderio, archivio personale e luogo di liberazione.

Credits

• ART & MUSIC DIRECTOR: Filippo Giuliani
• HEAD OF STUDIO: Giulia Geromel
• FASHION COORDINATOR: Angelo Pennella
• CASTING: HB Creative Agency
• HAIR: Giovanni Iovino for Phyto Paris
• MAKE-UP: Rosh Kumarasinghe for Beauty by Rosh

  

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Milano, settembre 2026 – In occasione della Milano Fashion Week, HUI Milano ha presentato THE FAN CODE, la collezione Spring/Summer 2027 che è partita da un elemento della cultura orientale – il ventaglio circolare – per sviluppare una riflessione più ampia sulla cultura cinese, sul rapporto tra memoria e contemporaneità e sul ruolo delle donne nella trasmissione e trasformazione della tradizione.

Il ventaglio rappresenta per HUI un primo indizio, un segno attraverso cui avvicinarsi a una cultura che non si esaurisce nei suoi simboli più riconoscibili. THE FAN CODE non ne ha ricostruito forme e significati, ma ha utilizzato quella traccia per guardare oltre l’oggetto e interrogarsi su ciò che la cultura cinese continua a esprimere attraverso le persone, i gesti e le pratiche quotidiane.

A introdurre la collezione è stata una performance nel cuore di un antico cortile italiano: una donna occidentale entra in relazione con una trama di fili rossi che attraversavano lo spazio, evocando memoria, tempo e connessioni tra Oriente e Occidente. Il ventaglio è diventato la chiave di questo percorso: attraverso il movimento, la performer seguì e attraversò i fili, trasformando il gesto in una progressiva scoperta. Quando l’ultimo filo venne aperto e il ventaglio si dispiegò, la musica iniziò a cambiare e apparve la prima modella, dando inizio alla sfilata.

La cultura vive nelle persone

Uno dei temi centrali della collezione è stato il rapporto tra donne, memoria e trasmissione culturale. HUI Milano ha guardato in particolare alle donne Miao di Guizhou, che attraverso tessitura, ricamo, tintura e cucito hanno tramandato nel tempo memorie collettive, identità e conoscenze. È stato proprio nel gesto della creazione che la tradizione, per HUI, ha continuato a vivere: non come patrimonio immobile da preservare nella sua forma originaria, ma come materia capace di evolversi. La donna orientale raccontata da HUI non è stata quindi una figura simbolica legata al passato, ma una protagonista attiva di questo processo, libera di ereditare, modificare, conservare o scegliere nuovamente.

Una visione che ha riflesso il percorso creativo di Huizhou Zhao, fondatrice e designer del brand e ambasciatrice del China Style in Italia, il cui lavoro si è sviluppato negli anni intorno al dialogo tra cultura cinese e sistema moda internazionale.

In THE FAN CODE, i riferimenti alla cultura cinese sono stati tradotti in un vocabolario moda contemporaneo. Motivi, colori, immagini storiche, texture e tracce del lavoro manuale sono stati frammentati, ricomposti e inseriti in nuove proporzioni e silhouette. La collezione ha messo in relazione seta stampata, materiali traslucidi e tessuti più strutturati, alternando morbidezza e costruzione, trasparenza e copertura, movimento e rigore. L’heritage non è stato riprodotto fedelmente, ma interpretato attraverso un sistema di forme e materiali capace di portarlo nel presente.

È stata questa la prospettiva di HUI Milano sull’Oriente contemporaneo: una cultura non definita una volta per tutte, ma ancora in movimento, capace di conservare le proprie radici mentre continua a produrre nuovi significati. Il ventaglio è stato soltanto il primo indizio. Il vero codice di THE FAN CODE si è sviluppato lungo il continuum della cultura cinese e nelle persone che ancora oggi la vivono, la reinterpretano e contribuiscono a trasformarla.

La collezione ha lasciato volutamente aperta la lettura, affidandola a una successione di tracce – un colore, un motivo, un gesto, un tessuto, una silhouette – che hanno costruito progressivamente un’immagine dell’Oriente contemporaneo.

Per HUI Milano, la tradizione non è stata qualcosa da osservare da lontano, ma una lingua viva, che ha continuato a essere creata, indossata e interpretata. THE FAN CODE è nata così da una domanda più che da una risposta: cosa resta della cultura quando smette di essere un’immagine del passato e torna a essere materia del presente?

The East does not reveal itself all at once. It unfolds.

Thanks to
Make up: MKS Make up
Key artist: Sara Bergaglio

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Freya Stark

Max Mara si ispira alle donne audaci e cosmopolite degli anni ’30; straordinarie pioniere che hanno tracciato rotte inesplorate sulle mappe e nel tessuto sociale del loro tempo. Dall’intrepida esploratrice Freya Stark alla fotografa naturalista Osa Johnson, fino alla pilota Eva Dickson e alle impavide aviatrici Amelia Earhart e Beryl Markham: figure che hanno dimostrato quanto il talento e la determinazione femminile non conoscano confini.

È esplorando i loro bauli e i loro accessori da viaggio che Max Mara definisce un universo estetico dedicato alla donna di oggi, chiamata ogni giorno ad attraversare una rotta fatta di nuove sfide e destinazioni.

L’UTILITY INCONTRA L’ETEREO

La silhouette è un esercizio di contrasti, in cui Max Mara intreccia la praticità dell’abbigliamento d’avventura con la raffinatezza dei look da salotto. Lino e gabardine lucente, definiscono una collezione in cui la protagonista è la giacca da safari, reinterpretata.

Drappeggiata e annodata sul fianco, oppure lunga e fluida come uno spolverino, l’iconica giacca da esplorazione porta una nuova idea di glamour nel cuore della giungla urbana. A controbilanciarne il carattere funzionale, camiknickers rivisitati con gli shorts, gonne fluide e sinuose maglie slinky.

LA SARTORIALITÀ INCONTRA IL CARATTERE

Per affrontare il mondo contemporaneo occorre carattere: la sartorialità si trasforma attraverso dettagli funzionali, con un approccio pragmatico e divertente.

Il gilet cargo, progettato per essere indossato con disinvoltura sopra una giacca sartoriale realizzata nello stesso tessuto, porta la funzionalità a un nuovo livello. L’estetica aviator trova la sua massima espressione nelle giacche essenziali impreziosite da cinghie in pelle e D-ring.

Creata all’insegna di una praticità sofisticata, la multi-bag Max Mara si trasforma con disinvoltura da tracolla a clutch o a zaino.

A completare il guardaroba da esploratrice, tute in organza d’ispirazione utilitarian e un trench dalle proporzioni ampie, stretti in vita da una cintura portata bassa, definiscono una nuova idea di eleganza rilassata.

DAL DESERTO ALLA CITTÀ

Max Mara lo sa bene: oggi le vere sfide non si affrontano nel deserto, ma nella vita di tutti i giorni. Sono il tragitto tra casa e scuola, il traffico dell’ora di punta o il passaggio continuo da una riunione a una serata di gala.

Se da un lato la collezione evoca il romanticismo di una spedizione in canoa, dall’altro ogni capo è progettato con assoluto rigore per misurarsi con la dinamica realtà di oggi.

Nasce così un guardaroba per la donna contemporanea, che affronta la giornata con la determinazione di un’esploratrice del passato, capace di trovare lo straordinario nella vita quotidiana.

Make up: Lisa Butler NARS
Hair: Odile Gilbert WELLA
Nails: Violette
Music: Johnny Dynell

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La collezione Dsquared2 Primavera Estate 2027 è un sogno febbrile fatto di luce di candela e neon, santi dorati e pelle nuda. Attitudini provocatorie nascondono cuori teneri, mentre l’innocenza si trasforma in una ribellione senza pentimenti.
Ispirandosi al romanticismo febbrile e alla giovinezza ribelle di Romeo + Juliet di Baz Luhrmann, al glamour provocatorio della cultura pop anni Ottanta e all’immaginario sacro della devozione italiana, Dean e Dan Caten esplorano le contraddizioni del fascino femminile, spogliandolo delle convenzioni per mettere a nudo corpo e anima.
La donna Dsquared2 si lascia andare, deliberatamente. Sensuale senza compromessi e ribelle per istinto, si libera degli strati, rivelando un lato più intimo sotto il suo atteggiamento di sfida. La sua innocenza è venata di irriverenza, la sua vulnerabilità si esprime con una sicurezza disarmante. Libera da finzioni e inibizioni, rivela la propria vera essenza.
I dettagli ispirati alla lingerie vengono lasciati volutamente in vista. Delicati bordi in pizzo fanno capolino da abiti tagliati in sbieco e top drappeggiati monospalla, mentre il power dressing assume una connotazione provocatoria: tailleur con minigonne in pizzo abbinati a reggiseni a vista e completi sartoriali neri interrotti da inserti di slip rosa cipria. Giacche corte, scollature profonde e pance scoperte privano i codici dell’abbigliamento della loro formalità, mentre tonalità acide e brillanti infondono una scarica di energia anni Ottanta.
Abiti sinuosi e aderenti avvolgono il corpo con un fascino da notte fonda, mentre orli asimmetrici e tagli audaci amplificano la sensualità. Il denim délavé si reinventa in pantaloni capri, con dettagli di cimosa in vita che disegnano il profilo di un perizoma, mentre inserti in pizzo e applicazioni decorative sovvertono i codici del jeans classico. Cinture statement con fibbie oversize e dal carattere deciso stringono minidress effetto corsetto e sottolineano il denim a vita bassa, conferendo all’insieme un’attitudine più grintosa.
Audacemente sensuale, una nuova stampa floreale tropicale evoca l’esuberanza della cultura pop anni Ottanta, con il verde lime acido e il rosa shocking ad accendere la palette cromatica. Sacri cuori si intrecciano a rigogliose fioriture e immagini ispirate ai tatuaggi tradizionali, dando vita a un mix travolgente di romanticismo e irriverenza.
I riferimenti alla devozione religiosa diventano un linguaggio decorativo provocatorio. Croci appuntate sulle canotte, rosari che si trasformano in spalline per abiti asimmetrici, medaglioni e ciondoli che conferiscono un carattere più deciso a sandali essenziali e appena accennati.
La borsa Roxy ritorna con la sua iconica silhouette East-West, arricchita da cinture e fibbie che ne accentuano il carattere audace e senza paura.
Non è certo una damigella in pericolo. Santa o peccatrice?

DSQUARED2 SPRING SUMMER 2027 MEN’S COLLECTION

La collezione Dsquared2 Primavera Estate 2027 è un sogno febbrile fatto di luce di candela e neon, angeli tatuati e desideri proibiti. Uomini dal carattere deciso e dal cuore tenero, che indossano la propria spavalderia come un’armatura e la vulnerabilità come un’impronta indelebile.
Ispirandosi al romanticismo febbrile e alla giovinezza ribelle di Romeo + Juliet di Baz Luhrmann, all’attitudine della cultura rap e all’immaginario sacro della devozione italiana, Dean e Dan Caten mettono in discussione le convenzioni della mascolinità, portando alla luce le emozioni autentiche che si nascondono sotto le sue asperità.
L’uomo Dsquared2 non ha nulla da dimostrare e ancora meno da nascondere. Sicuro e magnetico nella sua presenza, mostra le proprie emozioni con una disarmante naturalezza. Il rapper italiano Promessa incarna questo spirito senza compromessi nelle immagini della collezione, facendosi voce di una generazione che esibisce i propri sentimenti con la stessa audacia del proprio atteggiamento.
La sartorialità viene rovesciata e privata delle sue convenzioni. I completi doppiopetto assumono proporzioni rilassate, mentre i pantaloni corti dai tagli grezzi rivelano le fodere sottostanti. Le costruzioni sartoriali vengono portate allo scoperto: le cinture interne dei pantaloni si spostano all’esterno e l’architettura nascosta delle giacche diventa un dettaglio decorativo a forma di croce sulle camicie. I gilet lasciano intravedere busti tatuati, mentre i boxer fanno capolino sopra pantaloni e jeans portati a vita bassa.
Il denim è vissuto, strappato e ricomposto. Inserti in mesh stampato interrompono le linee dei modelli a gamba dritta, trattamenti patchwork accentuano il fascino vissuto dei volumi oversize, mentre cherubini stampati o impreziositi da micro-borchie emergono dalla superficie délavé dei jeans Angel della stagione.
I riferimenti alla devozione religiosa diventano un linguaggio decorativo provocatorio. Croci, cristalli e medaglioni impreziosiscono camicie, blazer indossati sopra completi ispirati al pigiama e capi in denim, mentre rosari e collane ricadono sul petto nudo.
Una nuova stampa floreale tropicale evoca l’esuberanza della cultura pop anni Ottanta, con il verde lime acido e il rosa shocking ad accendere la palette cromatica. Sacri cuori si scontrano con rigogliose fioriture e immagini ispirate ai tatuaggi tradizionali, infondendo alla collezione un mix travolgente di romanticismo e irriverenza. La stampa si declina su camicie di seta, pantaloni e bomber.
Cinture statement con fibbie oversize e piccole borchie sottolineano le vite basse. Le Creepers in pelle con dettagli intrecciati e gli stivali dal carattere deciso, arricchiti da applicazioni decorative e indossati con delicati calzini all’uncinetto che richiamano l’innocenza dell’abbigliamento da Prima Comunione, introducono un’irriverente nota anticonvenzionale.
Nessuna contraddizione da risolvere. Uomo duro o anima tenera? Entrambi.

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È il ricordo, più che la geografia, a costruire un mondo fatto di associazioni libere. Nessun luogo preciso da evocare, nessun costume da ricostruire. I vestiti sembrano essersi incontrati quasi per caso. Forme lunghe e fluide convivono con pantaloni ampi raccolti alla caviglia, piccoli cardigan, giacche, top essenziali. Gli accessori sono quelli sbagliati, naturalmente.

La maglia registra lo stesso movimento. Chevron, righe e geometrie familiari cambiano densità, si allentano, si sfrangiano, quasi si dissolvono. Fili metallici e paillettes si impastano sulle superfici. Il prezioso non aspetta la sera: convive con qualcosa di ruvido, asciutto, vissuto. Luccica.

Sabbia, écru, tabacco, rosa polverosi, grigi e bruni costruiscono un fondo come scolorito dal sole, attraversato da apparizioni di rosso, giallo, azzurro, nero, oro e argento. Il colore affiora, scompare, ritorna.

È un guardaroba che non distingue troppo tra giorno e sera, utile e superfluo, povero e prezioso. Bisacce, grandi borse morbide e piccoli oggetti preziosi fanno parte del detour. Si parte con quello che si ha. Il resto si trova per strada.

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Alberto Zambelli presenta T H E R O O M, la collezione Spring / Summer 2027 che nasce dall’incontro tra la ricerca intellettuale di Virginia Woolf e la filosofia orientale del vuoto e della materia.

Ispirandosi al saggio del 1929 “Una stanza tutta per sé”, Zambelli trasforma lo spazio fisico in un’architettura portatile e sartoriale.

La “stanza” diventa un volume tridimensionale e leggero che la materia nobile scolpisce attorno alla figura: un rifugio di sacra intimità, un perimetro d’indipendenza e un atto di sobria autodeterminazione.

Questa visione dialoga con la sensibilità cinese del 空 (Kōng) – il vuoto pieno di significato. Come nella pittura tradizionale a inchiostro, dove le campiture non dipinte custodiscono l’energia vitale, la lavorazione a manichino crea una distanza d’aria e di freschezza tra pelle e tessuto. L’abito non costringe ma, al contrario, abita il silenzio e la luce.

C’è un punto d’incontro segreto tra l’architettura interiore di Virginia Woolf e la filosofia del vuoto. La vera forza risiede nello spazio che si sceglie di proteggere. Non un semplice minimalismo, ma un’esigenza di sottrazione dove il vuoto (空) diviene sostanza e la forma ritrova la sua origine pura.

È l’estensione dell’estetica Zambelli: una scultura olfattiva che avvolge il corpo e lo spazio, trasformando il quotidiano in un rituale d’introspezione e guidando chi la vive in un viaggio onirico dove il tempo si arresta e la forma ritrova il suo silenzio.

Fresco lana tecnico, declinato nella nuance calce, si traduce in tailoring sofisticato.

Plissettatura irregolare nella tonalità del china e dello zolfo acquisisce una morbida dimensione scultorea attraverso pieghe di matrice origami, che segue il movimento del corpo. Il cotone rigato pergamena e china in Jacquard, viene reinterpretato attraverso costruzioni volumetriche inedite, delineando silhouette a ruota e forme cocoon.

Il Kimono morbido e avvolgente asseconda il corpo e ne segue il movimento attraverso la naturale fluidità della seta, mentre la paillette effetto madreperla delinea forme essenziali.

La seta iromuji, espressione di un’antica tradizione orientale, dialoga infine con fresco lana nella profonda tonalità mogano, in un accostamento che mette in relazione materia e fluidità.

Colori: calce – pergamena – epidermide – china – zolfo – ossidiana – mogano
Linee: ruota – tunica – kimono – uovo
Materiali: seta – cotone – cachemire – rafia
Accessori: cuffia lattice – gioielli cristallo – gioielli bronzo cera persa

Gioielli: Andrea Mariconti Animula Design x Alberto Zambelli
Calze: Falke

www.albertozambelli.it
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