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Alexander McQueen, fondato da Lee Alexander McQueen a Londra nel 1992, emerse durante questo decennio determinante per la moda e la cultura britanniche. Dopo essersi formato nella londinese Savile Row e alla Central Saint Martins, McQueen unì la precisione della sartoria e dell’artigianato britannici a una visione creativa sovversiva e senza compromessi. Il suo lavoro sfidò le convenzioni e ebbe una risonanza ben oltre la moda, riflettendo il ricco dialogo tra arte, cultura ed espressione creativa che caratterizzò gli anni Novanta.

Nell’ambito del suo sostegno alla mostra, Alexander McQueen ha concesso in prestito una selezione di look d’archivio provenienti dalle sue fondamentali sfilate degli anni Novanta. Presentati in dialogo con opere d’arte e voci culturali influenti, questi pezzi offrono una rara opportunità di vivere il lavoro degli esordi della maison all’interno del più ampio panorama creativo di un decennio che ha plasmato la storia della moda.

The 90s: Art and Fashion
8 ottobre 2026 – 14 febbraio 2027
Tate Britain, Londra

LOOK IN MOSTRA

Alexander McQueen Autunno Inverno 1998 ‘Joan’
Abito con cappuccio con base in tulle e perline tubolari in vetro rosso distribuite su tutta la superficie.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1998 ‘Joan’
Armatura in metallo di alluminio, realizzata da Sarah Harmarnee per Alexander McQueen.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1997 ‘It’s a Jungle Out There’
Giacca sartoriale in pelle di vitello con corna di impala.

Alexander McQueen Autunno Inverno 1999 ‘The Overlook’
Corsetto a spirale in metallo di alluminio, realizzato da Shaun Leane per Alexander McQueen.

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È questa la direzione di Genny per l’Autunno-Inverno 2026/27, racchiusa già nel titolo della collezione, “Too Chic to Spook”. Un gioco di parole che racconta perfettamente l’attitudine della maison: prendere l’immaginario dark e renderlo glamour, sofisticato, femminile.

Il nero domina la collezione e diventa una materia da scolpire. Abiti aderenti, corpetti, gonne a sirena, volumi drappeggiati e dettagli costruiti sul corpo disegnano una femminilità intensa, mai urlata. La sensualità passa attraverso la silhouette: spalle importanti, vita segnata, scolli profondi e lunghezze che sfiorano il pavimento.

Ma il nero di Genny non è mai semplicemente nero. Cambia consistenza, riflette la luce, si arricchisce di trasparenze, piume, ricami e lavorazioni tridimensionali. È velluto, pizzo, tessuto tecnico, superficie lucida e materia quasi scultorea.

Accanto agli abiti più spettacolari compaiono capi dalla vocazione più quotidiana, ma sempre con una precisa impronta couture: giacche strutturate, top preziosi, pantaloni morbidi e silhouette minimali vengono attraversati da dettagli teatrali che impediscono al look di diventare prevedibile.

E poi ci sono gli accessori, fondamentali per completare questo universo: décolleté dal gusto rétro, pochette compatte, stampe animalier e gioielli che seguono il corpo come una seconda pelle. Anche qui il lusso non ha bisogno di esagerare. Un dettaglio basta.
La palette si apre occasionalmente a tonalità profonde e sofisticate, con incursioni di verde e superfici preziose, ma è il nero a rimanere il vero protagonista. Un nero sensuale, aristocratico, contemporaneo.

“Too Chic to Spook” gioca dunque con l’estetica gotica senza lasciarsene ingabbiare. Genny prende l’idea della donna misteriosa, della femme fatale, della notte e la porta in una dimensione più elegante e sofisticata.

Perché essere dark, questa stagione, non significa necessariamente fare paura.

Significa farsi ricordare.

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The Turquoise Women è il nome della nuova collezione: un racconto dedicato a una femminilità libera, autentica e in continuo movimento, ispirato all’universo pittorico dell’artista turca Hülya Özdemir, protagonista anche di una collaborazione esclusiva con Niū. Due sue opere, infatti, diventano stampe applicate a T-shirt della collezione, suggellando l’incontro tra il linguaggio dell’artista e l’immaginario creativo del brand.

Come in ogni viaggio Niū, il punto di partenza non è mai il luogo in sé, ma il dialogo che nasce con la sua cultura, i suoi paesaggi e le sue tradizioni. La Turchia diventa così un universo di suggestioni che il brand osserva, attraversa e reinterpreta con il proprio linguaggio, trasformando la memoria dei luoghi in una collezione che unisce ricerca, libertà e contemporaneità.

Tra la terra scolpita della Cappadocia e la luce cristallina della Costa Turchese prende forma una donna che cambia insieme al paesaggio. A tratti intensa e contemplativa, a tratti luminosa e dinamica, vive il viaggio come scoperta continua e trova nell’incontro tra mondi diversi la propria espressione più autentica.

Questa doppia anima attraversa l’intera collezione. Le silhouette diventano fluide, i volumi morbidi e le costruzioni essenziali dialogano con elementi della tradizione sartoriale turca, reinterpretati attraverso lo sguardo contemporaneo di Niū. Le chiusure asimmetriche dell’abbigliamento tradizionale, le righe dei caftani, il pantalone şalvar e i motivi dell’artigianato tessile si trasformano in dettagli attuali, mantenendo vivo il legame con la cultura che li ha ispirati.

Anche il colore racconta questo viaggio. Le tonalità minerali e terrose della Cappadocia incontrano gli azzurri, i verdi e la luce mediterranea della Costa Turchese in una palette che accompagna il passaggio dalla materia alla leggerezza, dal silenzio della roccia al movimento del mare. Le stampe, ispirate ai simboli botanici e ai motivi della tradizione locale, completano questo racconto con un linguaggio pittorico delicato, fatto di sfumature, trasparenze e texture.

Tra la forza della terra e la leggerezza della luce, The Turquoise Women racconta una donna che trova nel viaggio non una destinazione, ma un modo di guardare il mondo.

L'articolo NIŪ | The Turquoise Women | Collezione Primavera-Estate 2027 proviene da Daily Mood.

Un lusso silenzioso, personale, riconoscibile nella qualità delle materie, nella precisione delle proporzioni e nella naturalezza con cui un capo entra nel guardaroba.

Niente è pensato per imporsi, tutto è pensato per restare.
La collezione nasce da un equilibrio tra rigore e fluidità. Il tailoring si rilassa senza perdere struttura; blazer dalle spalle definite incontrano pantaloni ampi, bermuda e denim. Abiti essenziali seguono il corpo senza costringerlo, mentre satin, pizzo e trasparenze introducono una sensualità misurata, mai esibita. È un guardaroba costruito per stratificazioni e contrasti: maschile e femminile, opaco e luminoso, preciso e istintivo.
La luce attraversa la collezione senza diventarne decorazione. Rivela le superfici, modifica la percezione dei volumi, accende il satin e lascia emergere la consistenza delle materie più asciutte.

È nella relazione tra luce, tessuto e corpo che prende forma la silhouette.
La palette parte da una base di neutri naturali e minerali — bianco, burro, sabbia, cuoio e grigio — interrotta da blu profondi, verde e rosso. Il colore non è ornamento, ma un gesto netto all’interno di un guardaroba volutamente essenziale.
La manifattura italiana rimane centrale, ma non viene ostentata. Vive nella costruzione, nella mano dei tessuti, nella precisione dei tagli e nei dettagli. Anche gli elementi più preziosi vengono trattati con naturalezza: il pizzo perde ogni connotazione romantica, il satin diventa quotidiano, il denim entra nel tailoring.
Il risultato è un guardaroba sofisticato ma non costruito, pensato per una donna che sceglie i propri abiti per attitudine, qualità e permanenza, più che per stagione o occasione.
Giorno e sera si sovrappongono. Femminile e maschile convivono. La sensualità nasce dalla sicurezza, non dall’esibizione.

The Shape of Light è un esercizio di essenzialità:
meno dichiarazione, più identità.

L'articolo Federica Tosi presenta The Shape of Light SS 27 alla Milano Fashion Week proviene da Daily Mood.

Per la prima volta, la collaborazione arriva negli Stati Uniti, portando il suo inconfondibile linguaggio fatto di creatività, community e youth culture contemporanea a Harvard Square, Cambridge. Ispirato ai codici dello stile varsity e all’intramontabile spirito della vita universitaria, Three in a Row reinterpreta alcuni dei capi iconici del guardaroba campus americano attraverso la prospettiva unica di Golden Goose e FIVEFOURFIVE. La collezione comprende una giacca varsity, una hoodie, una T-shirt, cappellini e calze, oltre alla scarpa simbolo della collezione: l’iconica Ball Star, reinterpretata in due colorazioni navy e burgundy.

La collaborazione viene presentata ufficialmente il 19 e 20 settembre con un pop-up di due giorni presso The Coop, lo storico punto di riferimento dello shopping universitario che fa parte della community di Cambridge dal 1882. Il concept è ispirato ai diversi momenti della vita studentesca — dalle ore trascorse in biblioteca alle attività extracurricolari, fino all’energia dei party privati. Lo spazio sarà trasformato in un ambiente con richiami al mondo collegiate, in cui i box dei prodotti, caratterizzati da speciali design a tema libreria, diventeranno parte di un’installazione completata da arredi vintage e dettagli classici che richiamano l’estetica dei campus americani.

L’esperienza includerà anche una stazione espresso-to-go, per portare un tocco di cultura italiana all’interno dell’atmosfera accademica. Il 19 settembre si terrà un party, un momento esclusivo off-campus per celebrare la collaborazione insieme agli studenti.

Dopo il debutto negli Stati Uniti, la collaborazione farà ritorno a Milano il 26 settembre con un’attivazione presso il flagship di Golden Goose in Via Cusani, portando in città lo spirito del campus americano con food, musica e un momento di condivisione per la community.

L'articolo Golden Goose e FIVEFOURFIVE presentano “Three in a Row”: Il terzo capitolo della loro collaborazione creativa proviene da Daily Mood.

Nato nel 1978, Pennyblack deve il proprio nome al Penny Black, il primo francobollo della storia: un simbolo di connessione, scoperta e movimento che, fin dalle origini, ha definito l’immaginario del brand. Oggi, quella stessa idea di viaggio torna al centro della narrazione di brand, riaffermandosi come elemento fondante di una nuova identità visiva.

Il rebranding segna infatti il ritorno di Pennyblack alla propria essenza, attraverso un linguaggio contemporaneo capace di reinterpretare i codici storici del brand con uno sguardo nuovo. Al centro di questa trasformazione si trova il nuovo logo, una reinterpretazione moderna del primo logo Pennyblack: un segno identitario che custodisce la memoria del marchio traducendola in una forma più essenziale e attuale.

Il tema del viaggio, da sempre parte integrante della costruzione dell’immagine e delle collezioni Pennyblack, ritrova oggi un ruolo da protagonista. Non più solo ispirazione narrativa, ma vero e proprio codice espressivo del brand. A raccontarlo è il nuovo timbro, elemento che richiama l’universo delle partenze e delle destinazioni. Al suo interno prende forma anche il nuovo monogram, introdotto per la prima volta come segno distintivo della nuova identità Pennyblack.

Questa evoluzione prende forma nel nuovo manifesto del brand, “An Authentic Journey”, un invito a vivere la moda come espressione personale e libera, capace di accompagnare ogni donna nel proprio percorso quotidiano. Un viaggio autentico, costruito attorno a uno stile essenziale, versatile e senza tempo.

La proposta stilistica rispecchia questa visione: attingendo dagli archivi, il brand propone un guardaroba contemporaneo di capi iconici e wardrobe staples, focalizzato su tailoring rilassato, capispalla distintivi e maglieria ricercata.

A rafforzare questa nuova fase del brand contribuisce anche il lancio del nuovo sito pennyblack.com, online dalla fine di maggio. Pensata come estensione digitale della nuova identità visiva, la piattaforma traduce online l’universo di Pennyblack attraverso un’esperienza più immersiva e contemporanea, dove storytelling, contenuti editoriali e shopping convivono in un ecosistema coerente con il nuovo posizionamento del brand.

Questa identità si esprime anche nel nuovo retail concept. Il design punta su materiali materici e superfici texturizzate che diventano protagoniste, valorizzate da una palette calda con accenti cromatici inattesi. Gli ambienti sono progettati come una sequenza fluida di aree connesse, senza fratture visive. Il progetto, versatile per negozi e corner, debutterà a settembre 2026 con tre aperture a Lonato, Casalecchio e Assago.

Un nuovo viaggio ha inizio: Pennyblack evolve riscoprendo la forza delle proprie radici, trasformando il proprio heritage in una nuova visione del presente. Un percorso che celebra l’autenticità come valore fondante e il viaggio come metafora di uno stile personale, libero e consapevole.

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il regno unito con la sua millenaria storia, ma anche con la sua costante capacità di creare tendenze o rileggere la tradizione fanno parte della personalità e creatività di giada forte, creative director e fondatrice di forte_forte.

a londra si forma e fa suoi i segreti delle lavorazioni di maglieria più esclusive. la magia jolly old england come quella della swinging london si trasformano nei suoi riferimenti creativi.

la collezione magnificent reinterpreta tutti questi elementi, dove sono anche evocate le suggestioni dello stile di the crown, come di downton abbey. mai solo citate, costantemente reinventate nel nome di un’eleganza misurata.

la scelta cade su nuove forme e nuovi format creativi, capi rotti e interrotti da abbinamenti inattesi.

the unexpected with traditional

bomber e giacche corte dalle forme stondate o asimmetriche segnano il punto vita: sono in lana, tessuti impermeabili, fantasie tartan e dai check multicolor.

tutti i capisaldi della tradizione british assumono nuove connotazioni. vengono abbinate camicie bianche con ruches vittoriane ma anche corsetti in lana, recall di bustier elisabettiani.

lunghi, morbidi o croccanti, i pantaloni in denim flock, lana fantasia tartan o tinta unita.

abiti alla caviglia scivolati sul corpo con maniche lunghe, impalpabili in creponne e plissé di tulle e seta. in marrone, verde giada o bianco.

i tradizionali foulard, accessorio immancabile per i week–end nella natura e simboli di un’eleganza ereditata, sono ristampati su capi in raso satin con proporzioni nuove, fantasie delicate e macro, dando vita a un gioco di movimenti che si anima a ogni passo.

new suiting

i nuovi completi in corduroy si animano di delicati ricami a bouquet o di giocose ruches in maglia, declinati su raffinati toni di bianco e blu essenziali, per un equilibrio perfetto tra charme romantico e minimalismo contemporaneo.

la swinging london e il mito di mary quant vivono nel binomio gonna mini in tessuto check e pull argyle dalla lavorazione garzata su cuissard in nappa.

il royal leopard coat è il capospalla must have della collezione, linea asciutta, dettagli a contrasto in velluto e preziosa lavorazione jacquard in alpaca e lana e dalla superficie finemente garzata.

aristocratic beauty

il pantalone pyjama è protagonista. tinta unita o stampato. inseparabile da uno spencer night blue o da una cappa couture dalle fantasie nero e oro, capo passepartout per un cocktail o un aristocratic dinner.

un guardaroba royal & clean, dove inaspettato e tradizione trasformano la quotidianità femminile.

forte_forte, here we are

la forza narrativa degli abiti è tanto più potente quanto più è protagonista la persona. forte_forte aspira a dissolvere la distanza tra gli abiti e chi li indossa, mettendo al centro emozioni e sensazioni.

l’autenticità emotiva è il carattere che definisce il progetto, nato dall’intesa tra i fratelli giada e paolo forte.

la storia ha inizio nel 2002 con una piccola collezione di t-shirt rifinite a mano. figli d’arte, i fratelli forte operano in veneto, uno dei distretti manifatturieri nei quali il made in italy ha preso forma e identità traslando la cura del processo artigianale su scala industriale, mantenendone intatti valori e peculiarità.

giada e paolo hanno vissuto questo ethos fin dall’infanzia, nei laboratori di maglieria della famiglia. giada si forma presso la nottingham trent university, dove studia knitwear design, mentre paolo studia economia.

dopo esperienze autonome nei rispettivi campi, decidono di concentrasi su un progetto autentico e senza tempo, che rifletta i valori profondi in cui credono, ossia la bellezza di ciò che esprime un sentimento creativo per unire chi crea a chi consuma, senza filtri e infingimenti.

giada è l’anima stilistica, paolo lo stratega.

li accompagna robert vattilana, art director e compagno di vita di giada, che traduce visioni e sensazioni in immagini, spazi, scelte grafiche ed editoriali.

nasce così forte_forte: il nome di famiglia, raddoppiato, battezza il marchio con una incitazione che è già espressione di valore; il font minuscolo segnala un desiderio di intimità e rinuncia a facili ostentazioni.

all’inizio il quartier generale è nella casa della madre di giada e paolo, tra ricordi d’infanzia e via vai di amici e conoscenti. un luogo simbolico e significativo, carico di stimoli e memorie il cui potere risuona ancora oggi.

per le prime due stagioni giada e paolo fanno i commessi viaggiatori: viaggiano con il campionario in valigia, che presentano e illustrano in prima persona. l’autenticità va comunicata così, senza filtri.

il successo è immediato.

la crescita, per decisione programmatica, è lenta e organica. la lentezza è un carattere che forte_forte coltiva con orgoglio.

è la scelta di operare su un piano personale, lontano dalla moda e vicino allo stile, immaginando pezzi che non hanno una scadenza temporale, che si offrono come vocaboli di un discorso in continuo divenire.

lentezza è la scelta di operare un modello di business nel quale il profitto nasce dalla qualità, da un prodotto il cui valore è vero e palpabile, non pura comunicazione e la produzione è controllata con cura.

lentezza è la scelta di aprirsi a tutto un passo per volta, solo e sempre nel momento opportuno.

l’arrivo del fondo style capital nel 2017 conferma la solidità del percorso e offre nuovi strumenti senza snaturare il carattere.

oggi la collezione è apprezzata internazionalmente, in particolare in italia, europa, stati uniti e giappone.

forte_forte mantiene la propria sede in veneto: i legami sentimentali, artigianali e industriali con il territorio sono essenziali, plasmano l’identità.

la sede non è più nella casa di famiglia, ma in un complesso di edifici industriali nei quali efficienza e spirito domestico si integrano seguendo il filo dell’intuito.

il benessere è una qualità che permea rapporti umani, spazio, abiti.

la collezione è cresciuta negli anni in una proposta completa nella quale i protagonisti sono la materia, lasciata libera di esprimere il proprio carattere, il colore e le forme pure che accolgono il corpo senza costrizioni.

leggere imperfezioni sottolineano schiettezza e umanità.

gli stessi tratti definiscono le boutique aperte a partire dal 2018 a milano, parigi, londra, tokyo, madrid, roma, forte dei marmi, cannes, los angeles e seul.

un racconto di spazi narrativi ed emozionali, immaginati come le campagne e la comunicazione da robert, nei quali oggetti e materie dischiudono un racconto fatto di echi e suggestioni.

luoghi mai invasivi, che accolgono e accarezzano, dissolvendo ogni distanza con la persona.

forte_forte è un contenitore di sensazioni dalla classicità emozionante e senza tempo. si evolve, ma lo spirito è sempre quello degli inizi.

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Questo nuovo capitolo ripercorre la storia di uno dei segni distintivi più duraturi di McQueen: l’imbracatura (harness). Evolutasi attraverso le collezioni d’archivio e quelle contemporanee di McQueen, l’harness è diventata una delle espressioni più riconoscibili dell’identità, del potere e della sovversione della maison.

Lo storico della moda e professore alla Central Saint Martins Alistair O’Neill segue l’evoluzione dell’harness dalle sue prime apparizioni nelle collezioni di Alexander McQueen, come la Primavera/Estate 1999 “No.13”, fino alle successive reinterpretazioni nel tailoring per la Primavera/Estate e l’Autunno/Inverno 2002 e alla prima sfilata menswear della Primavera/Estate 2005.

L’episodio presenta nel dettaglio originali provenienti dall’archivio, insieme a schizzi mai mostrati prima, rivelando come l’harness sia diventata un potente codice creativo della maison e come continui ancora oggi a essere reinterpretata nelle collezioni.

L’episodio 5 di Documenting McQueen è disponibile ora su alexandermcqueen.com e sul canale YouTube di McQueen.

L'articolo Documenting McQueen – Discover Episode 5: ‘The Harness’ – now available. proviene da Daily Mood.

Completi nelle tonalità naturali del fiocco, stone, corda e grano si intrecciano con le sfumature autunnali, dal marrone wood al verde deep forest, fino ai semi di lino e al cammello, nuovi colori di stagione. Accenti cromatici attraversano la collezione, esaltandone la profondità e il carattere, dando vita a un gioco sofisticato di layering e contrasti materici.

Per la donna, la seta esprime tutta la sua luminosità e leggerezza nelle nuove gonne a portafoglio, abbinate con naturalezza alle maglie in Cashmere Ultrafine. Morbidi cappotti e camicie nelle delicate tonalità del petal rose convivono in un equilibrio armonioso tra fluidità, comfort e raffinatezza.

Per l’uomo, il blu navy valorizza i capi reversibili in cashmere con un tocco di eleganza essenziale esaltandone la versatilità e il carattere contemporaneo, che accompagna l’uomo Falconeri nella nuova stagione.

L'articolo FALCONERI presenta A RIDE TOWARD A FINE SEASON, un viaggio verso la nuova stagione proviene da Daily Mood.

Il 24 settembre 2026, nel cuore di Milano, Fashion Vibes Milano presenta THE NEXT CHAPTER — SS’27, un progetto che riunisce quattro designer internazionali chiamati a interpretare, attraverso linguaggi profondamente differenti, alcuni dei temi più significativi della moda contemporanea: il futuro della forma umana, l’eredità della memoria, l’evoluzione dell’identità femminile e il dialogo tra culture.

Presentato durante la Milano Fashion Week, THE NEXT CHAPTER non nasce come una semplice successione di sfilate, ma come una narrazione curatoriale costruita attraverso quattro universi creativi.

Quattro designer. Quattro identità. Quattro prospettive unite da una stessa idea: la moda come linguaggio capace di custodire memoria e identità, interpretare il presente e immaginare il futuro.

ISFERRA — NOVA ERA

Il viaggio inizia dal futuro.

ISFERRA apre THE NEXT CHAPTER con NOVA ERA, una ricerca radicale sulla forma umana attraverso geometria anatomica, minimalismo e costruzione ingegneristica dell’abito.

Materiali compositi, polimeri, superfici innovative e tessuti tecnologici ridefiniscono il rapporto tra corpo e indumento, dando vita a volumi tridimensionali e silhouette che sembrano proporre una nuova architettura dell’essere umano.

Più che valorizzare semplicemente il corpo esistente, ISFERRA immagina ciò che potrebbe diventare.

NOVA ERA proietta la moda verso un futuro possibile in cui tecnologia, estetica e natura convivono in un nuovo equilibrio, trasformando l’abito nella rappresentazione di una forma umana evoluta.

ROVEL HAGOS — THE WOMEN BEFORE ME

Dal futuro, il racconto si sposta verso la memoria.

Con The Women Before Me, Rovel Hagos presenta una collezione profondamente personale, dedicata alla madre della designer e alla linea ininterrotta di donne che l’hanno preceduta: donne la cui forza, il cui sacrificio e il cui amore incondizionato costituiscono un’eredità spesso invisibile, ma fondamentale.

Il bianco diventa una pagina sulla quale proiettare le storie, mentre interventi grafici neri attraversano silhouette architettoniche e volumi monumentali che evocano contemporaneamente rifugio e armatura.

Riferimenti alle tradizioni tessili eritree ed etiopi entrano nel linguaggio contemporaneo della collezione attraverso tecniche specializzate e superfici artigianali, trasformando il tessuto in un veicolo di memoria familiare e culturale.

Il risultato va oltre il concetto di heritage.

È un monumento indossabile dedicato alle donne silenziose che hanno sostenuto le generazioni venute dopo di loro.

HELENA D’OR — FASES

Con il brand brasiliano indipendente HELENA D’OR, lo sguardo si sposta verso il tempo e l’identità.

FASES esplora le diverse dimensioni che una donna attraversa nel corso della propria vita, trasformando l’abito in un linguaggio attraverso il quale desiderio, forza, vulnerabilità e trasformazione possono coesistere senza che una dimensione annulli l’altra.

Sartoria architettonica e narrazione concettuale definiscono una collezione in cui il corpo non viene semplicemente vestito: viene scritto, attraversato e trasformato.

Nero, bordeaux e bianco avorio incontrano pelle, lana fredda e seta, costruendo una tensione continua tra struttura e leggerezza, protezione e fragilità.

In FASES, il corpo diventa memoria, linguaggio e architettura.

La vulnerabilità diventa costruzione. La forza diventa silenzio.

MILAGROS ANCHEITA — BAROC-CORAZÓN

L’ultimo capitolo diventa un incontro tra mondi.

Con BAROC-CORAZÓN, Milagros Ancheita, insieme a Giovanni Petrillo, porta la ricchezza teatrale del Barocco italiano in dialogo con l’anima culturale del Messico.

La precisione della sartoria italiana incontra ricami realizzati a mano, tecniche tessili ancestrali e lavorazioni artigianali legate alle comunità indigene Huichol e Chamula e alle artigiane Tehuana dell’Istmo di Tehuantepec.

Colori vibranti, cristalli, tessuti dipinti a mano, pizzi ricamati, pietre preziose, volumi scultorei e copricapi teatrali costruiscono un universo couture in cui la ricchezza estetica diventa anche un gesto di preservazione culturale.

Realizzata in Italia da sarte italiane e maestri artigiani messicani, BAROC-CORAZÓN celebra la memoria custodita dalle mani che realizzano ogni capo e la capacità della moda di mettere in relazione culture, storie e generazioni.

La moda diventa così non soltanto espressione di bellezza, ma preservazione, dialogo e connessione umana.

UNA PASSERELLA. QUATTRO CAPITOLI

Le quattro collezioni costruiscono insieme l’architettura narrativa di THE NEXT CHAPTER.

ISFERRA immagina ciò che potremmo diventare.

ROVEL HAGOS ricorda coloro che hanno contribuito a renderci ciò che siamo.

HELENA D’OR esplora il modo in cui l’identità si trasforma attraverso il tempo.

MILAGROS ANCHEITA racconta ciò che può nascere dall’incontro tra culture, memorie e savoir-faire.

Futuro. Memoria. Identità. Cultura.

Geografie e linguaggi creativi differenti convergono a Milano intorno a una convinzione comune: la moda esprime la propria forza più autentica quando supera il confine dell’abito e diventa veicolo di idee.

Il prossimo capitolo della moda non appartiene a un solo Paese, a una sola estetica o a una sola generazione.

Nasce dall’incontro.

EVENT INFORMATION
FASHION VIBES MILANO — THE NEXT CHAPTER SS’27

24 settembre 2026
Centro Congressi Fondazione Cariplo
Via Romagnosi 8, Milano
Art Gallery & Exhibition Showroom: 11:00–21:00
Apertura porte e accredito: 17:30
Inizio sfilate: 18:00
Cocktail & Networking: a seguire
Dress Code: CONTEMPORARY ELEGANCE

RUNWAY PROGRAMME

18:00 — ISFERRA: NOVA ERA
18:15 — ROVEL HAGOS: THE WOMEN BEFORE ME
18:30 — HELENA D’OR: FASES
18:45 — MILAGROS ANCHEITA: BAROC-CORAZÓN

PRESS CONTACT

Fashion Vibes Milano Creative Agency
www.fashion-Vibes.com
press.fashionvibes@gmail.com

Termine accrediti stampa: 11 settembre 2026

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La seta segue il corpo, accarezza la pelle e si muove a ogni passo come un racconto ancora da scrivere. Per l’Autunno 2026, forte_forte affida proprio a questo tessuto prezioso il filo narrativo di Silk Journey, una collezione sospesa tra eleganza quotidiana e suggestioni d’Oriente.

Il viaggio prende forma attraverso volumi morbidi, sovrapposizioni leggere e capi capaci di accompagnare i movimenti con naturalezza. Gli abiti sottoveste, essenziali e sensuali, si accendono nelle tonalità intense del rosso melograno; i completi kimono avvolgono la figura con linee rilassate, mentre le gonne sarong introducono nel guardaroba autunnale un’idea di femminilità libera, istintiva, lontana da ogni rigidità.

A definire l’immaginario della collezione è la stampa Le bambou secret: un raffinato intreccio vegetale tono su tono che sembra emergere dalla superficie dei tessuti come il ricordo di un paesaggio lontano. Blu pavone, oro speziato, rosa polvere e sfumature ambrate compongono una palette calda e avvolgente, attraversata da improvvise vibrazioni di luce.

Gli opposti dialogano con grazia. La fluidità della seta incontra la consistenza di cardigan e capispalla; la precisione del pizzo si alterna alla disinvoltura di pantaloni ampi e giacche dalla costruzione morbida. Piccole cappe luminose posate sulle spalle aggiungono una nota regale, mentre foulard stampati, borse compatte e gioielli dorati completano i look senza appesantirli.

Anche la sensualità cambia linguaggio. Si fa delicata, mai dichiarata, affidata a una spallina sottile, a un lembo di tessuto che scivola, alla trasparenza discreta di un inserto. Forte_forte costruisce così una femminilità intima e consapevole, capace di sedurre attraverso la leggerezza.

Silk Journey invita a immaginare l’autunno come una stagione da attraversare lentamente. Un percorso fatto di colori pieni, superfici tattili e abiti che conservano qualcosa di personale: la memoria di un luogo, il profumo di un giardino, la luce dorata di un pomeriggio lontano. Un viaggio che comincia dallo sguardo e continua sulla pelle.

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Dalle silhouette sartoriali agli accessori dal carattere deciso, la rentrée diventa l’occasione perfetta per rinnovare il guardaroba e sperimentare nuovi abbinamenti.

Settembre ha il fascino irresistibile dei nuovi inizi. Le giornate cambiano ritmo, gli appuntamenti tornano a riempire l’agenda e anche il guardaroba cerca una direzione diversa, sospesa tra il desiderio di novità e il piacere di ritrovare i grandi classici. Il back to school non riguarda più soltanto i banchi di scuola: è uno stato d’animo, un invito a ripartire con energia e, naturalmente, con il look giusto.

La selezione per la nuova stagione costruisce un guardaroba versatile, contemporaneo e ricco di personalità. Liu Jo interpreta la rentrée attraverso linee femminili e raffinate: tonalità neutre, capi strutturati e dettagli capaci di accompagnare con naturalezza il passaggio dall’ufficio agli appuntamenti serali.

Ai piedi, la parola d’ordine è carattere. Vivaia alterna stivali alti, mocassini e modelli più grintosi, perfetti per giocare con gonne, pantaloni fluidi e sovrapposizioni autunnali. Scarpe pensate per seguire il ritmo della quotidianità senza rinunciare a un’estetica ricercata.

Il fascino bon ton incontra suggestioni contemporanee nelle proposte Twinset, dove il tweed, le geometrie sartoriali e gli accessori essenziali evocano un’eleganza urbana dal sapore vagamente rétro. Completi coordinati, giacche corte e gonne diventano i protagonisti di look curati, ma mai rigidi.

Più libera e istintiva è invece l’attitudine di Free People. Giacche dal gusto college, cappelli maschili e cardigan lavorati raccontano una femminilità creativa, costruita attraverso contrasti e sovrapposizioni. Il risultato è uno stile personale, rilassato e perfettamente imperfetto.

Non mancano i grandi classici destinati a durare oltre una sola stagione. Sebago riporta in primo piano mocassini e calzature robuste, da indossare con pantaloni ampi, denim e maglieria a righe. Superga, infine, conferma il fascino intramontabile delle sneaker essenziali, proposte in nuance naturali e facili da abbinare: il punto di partenza ideale per affrontare le giornate con leggerezza.

La nuova stagione si apre così sotto il segno della libertà: mescolare codici, recuperare ispirazioni dal passato e scegliere capi capaci di raccontare chi siamo. Perché ogni ritorno può diventare una partenza, soprattutto quando comincia dal guardaroba.

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IBIZA, SPAGNA, luglio 2026 – Nikki Beach Hospitality Group, azienda internazionale specializzata nell’hospitality e nel lifestyle di alta gamma, annuncia l’arrivo del Liu Jo Summer Club al Nikki Beach Ibiza. Dopo il successo delle precedenti edizioni a Cannes e Taormina, la collaborazione porta l’estetica distintiva di Liu Jo in una delle destinazioni balneari più iconiche del Mediterraneo, dove sarà protagonista fino al 25 luglio.

Per tutta la durata dell’iniziativa, la pool lounge e le premium cabanas del Nikki Beach Ibiza si trasformano grazie a un progetto di allestimento su misura, caratterizzato da rivestimenti personalizzati, arredi selezionati, dettagli decorativi ed elementi visivi immersivi ispirati allo stile contemporaneo italiano di Liu Jo. Il risultato è un dialogo armonioso tra moda, design e l’eleganza rilassata della vita mediterranea.

La collaborazione unisce due brand accomunati dalla passione per il lusso contemporaneo e per esperienze lifestyle esclusive. Da un lato, Liu Jo, interprete dell’artigianalità italiana e di una femminilità moderna; dall’altro, Nikki Beach, con la sua inconfondibile filosofia del barefoot luxury, che fonde musica, gastronomia, intrattenimento, moda, cinema e arte nelle destinazioni più esclusive del mondo.

Il debutto del Liu Jo Summer Club è stato celebrato durante il weekend inaugurale con un programma di esperienze esclusive dedicate agli ospiti, tra cui proposte gastronomiche ispirate al Mediterraneo, workshop creativi e attività interattive pensate per raccontare la collaborazione. Conclusi gli eventi di lancio, gli ospiti potranno continuare a vivere l’atmosfera del Liu Jo Summer Club al Nikki Beach Ibiza fino al 25 luglio.

Questa iniziativa arricchisce ulteriormente il calendario di collaborazioni del Nikki Beach Ibiza con prestigiosi brand internazionali del mondo della moda e del lifestyle, confermando l’impegno del beach club nel proporre esperienze esclusive che vanno oltre il concetto tradizionale di ospitalità e offrono agli ospiti nuovi modi di vivere la filosofia Celebrate Life.

Nikki Beach Hospitality Group

Fondato dagli imprenditori Jack e Lucia Penrod, Nikki Beach Hospitality Group rappresenta l’essenza del barefoot luxury hospitality, creando esperienze lifestyle trasformative attraverso una collezione di beach club, hotel, resort, residenze, concept di ristorazione e format pop-up. Presente in alcune delle destinazioni più ambite al mondo, Nikki Beach è riconosciuto tra i migliori beach club e resort, combinando in modo armonioso musica, gastronomia, intrattenimento, moda, cinema e arte per creare momenti indimenticabili.

Oltre all’iconico brand Nikki Beach, il portafoglio del gruppo continua ad ampliarsi con marchi come Lucia, lanciato nel 2024, e Maison Mer, debuttato nel 2025, ciascuno con una propria visione culinaria e identità distintiva. Attraverso le sue iniziative in continua espansione, Nikki Beach Hospitality Group continua a stabilire nuovi standard nella creazione di esperienze di viaggio e lifestyle di lusso.

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Debutta questo luglio, durante la Haute Couture Week di Parigi, la capsule Christelle Kocher per Levi’s®, una collezione di dieci look che reinterpreta l’immaginario del denim americano attraverso la sensibilità e la precisione dell’haute couture francese.

Designer parigina, fondatrice di KOCHÉ e Direttrice Artistica della Maison Lemarié, uno dei Métiers d’Art di CHANEL, Christelle Kocher porta nell’universo Levi’s® la sua idea di Couture-à-Porter: una moda capace di unire artigianalità d’eccellenza, cultura contemporanea e vita quotidiana.

La collezione nasce da un lavoro ambizioso sulla materia, con il denim come punto di partenza e territorio di sperimentazione. I capi iconici Levi’s®, dal jeans 501® alla Type II Jacket, vengono trasformati in pezzi couture attraverso ricami a mano, lavorazioni in piume, dettagli scultorei, drappeggi plissé, applicazioni in pizzo, costruzioni floreali e frammenti di denim rivestiti in resina.

Il risultato è un dialogo sorprendente tra due mondi apparentemente lontani: da una parte l’autenticità del denim Levi’s®, simbolo universale di cultura, libertà e quotidianità; dall’altra il savoir-faire parigino, fatto di gesti lenti, lavorazioni preziose e ricerca artigianale.

Le silhouette si muovono tra struttura e fluidità. Il plissé in denim dà forma a bustier floreali astratti, le mantelle in piume degradé creano volumi scenografici, mentre ricami couture trasformano tank top, camicie e completi in denim in capi da sera dal carattere sofisticato. Tra i look più rappresentativi, un abito interamente lavorato con piume, abbinato a una mantella coordinata, combina denim, pizzo e resina in superfici texturizzate ispirate alle squame dei pesci.

Anche gli accessori partecipano al racconto couture della capsule. La Levi’s® Baby Brooklyn Bag viene reinterpretata come oggetto prezioso, mentre i copricapi in piume amplificano movimento, silhouette ed emozione, portando il denim verso una dimensione teatrale e profondamente contemporanea.

“È stato un privilegio far incontrare questi due team e vedere questa collezione prendere vita. Questa capsule riflette la mia vita tra Stati Uniti e Francia, due Paesi che alimentano la mia energia creativa”, racconta Christelle Kocher.

Per Levi’s®, la collaborazione segna un momento importante: l’ingresso del brand nel calendario simbolico dell’alta moda parigina. “Portare Levi’s alla Haute Couture di Parigi per la prima volta è un momento fondamentale per noi. Christelle Kocher porta una prospettiva distintamente parigina, con un taglio moderno che completa la nostra eredità nel denim”, afferma Mathilde Vaucheret, Vice President Europe Marketing & Brand Experience.

Le immagini della campagna, realizzate da Kayla Connors, mettono in scena il contrasto tra la natura grezza e autentica del denim e la raffinatezza delle tecniche couture. L’atmosfera è cinematografica ma intima, spontanea ma ricercata, con un’attenzione particolare ai dettagli ravvicinati, al movimento e alla ricchezza materica dei capi.

Grande parte del lavoro tessile è stata sviluppata presso il Levi’s® Eureka Lab, all’interno dell’headquarters globale del brand, dove sono state realizzate sperimentazioni specifiche per la capsule: costruzioni in piume, ricami a mano, volumi scultorei, texture in resina e manipolazioni del denim pensate per portare uno dei materiali più democratici della moda nel linguaggio dell’haute couture.

Presentata durante la Couture Week, la capsule Christelle Kocher per Levi’s® è insieme celebrazione dell’artigianalità e reinterpretazione radicale del denim. Una prova di come un materiale nato per accompagnare la vita quotidiana possa trasformarsi in superficie couture, senza perdere la propria identità culturale, autentica e profondamente contemporanea.

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Grande partecipazione per la quarta edizione di Treviglio in Moda, il progetto ideato dalla fashion designer Valentina Poltronieri, che ancora una volta ha trasformato Treviglio in un palcoscenico dedicato alla creatività emergente, confermandosi un appuntamento di riferimento per giovani designer, scuole di moda, startup creative e professionisti del settore.

La serata del 24 giugno, ospitata in Piazza Setti, ha visto alternarsi in passerella collezioni di abbigliamento e accessori, performance artistiche e momenti di spettacolo, davanti a un pubblico numeroso che ha seguito con entusiasmo l’intero evento. Circa 600 persone hanno preso parte alla serata, confermando il crescente interesse del pubblico nei confronti della manifestazione.

Tra le autorità presenti è intervenuto il Sindaco di Treviglio, Juri Imeri, a testimonianza della vicinanza delle istituzioni a un progetto che valorizza il territorio attraverso creatività, formazione e nuove opportunità per i giovani.

A condurre la serata è stata Francesca Leto, volto della radio e della televisione italiana, affiancata dalla partecipazione speciale di Awa Fall, artista da sempre impegnata nella promozione di progetti culturali e inclusivi.

I protagonisti della passerella

L’edizione 2026 ha riunito sei designer di abbigliamento, una scuola di moda e cinque designer di accessori, offrendo un racconto autentico della nuova creatività contemporanea.

Tra le collezioni presentate, Olivia ha interpretato l’abito come moderna armatura, simbolo di forza e protezione; Giuglia ha raccontato il proprio universo artigianale dal gusto new vintage; Aelora ha conquistato il pubblico con una proposta sartoriale raffinata ed essenziale; Noella Nakucha ha portato in passerella opere d’arte indossabili capaci di superare i confini tra moda e sperimentazione.

La stessa Valentina Poltronieri ha presentato una collezione che mette in dialogo memoria e architettura, attraverso volumi strutturati, dettagli sartoriali e una ricerca stilistica che conferma la sua visione creativa.

Ha partecipato inoltre ABF Bergamo, che ha presentato un progetto realizzato dalle allieve della scuola attraverso una serie di foulard stampati interpretati in passerella con diverse modalità di utilizzo.

Per gli accessori hanno sfilato Le Boxette, Pasot, Andre, L’Emporio Incantato, Made of Dreams – Emanuel Lorenti e Rivea Accessories, dando vita a un percorso che ha valorizzato manifattura, ricerca estetica e artigianalità.

Un progetto che continua oltre la passerella

Dal 25 al 28 giugno, il VP Fashion & Creative Lab, atelier e spazio creativo di Valentina Poltronieri, si è trasformato nel Treviglio in Moda Concept Store, offrendo al pubblico l’opportunità di conoscere da vicino le collezioni, incontrare i designer e scoprire il lavoro creativo che si cela dietro ogni progetto.

Anche nelle giornate successive si è registrata un’ottima affluenza di visitatori, a conferma dell’interesse suscitato dall’iniziativa e della volontà del pubblico di approfondire la conoscenza dei brand e dei giovani creativi protagonisti dell’evento.

Un’iniziativa che conferma la volontà di creare connessioni concrete tra giovani creativi, territorio e mercato, favorendo occasioni di visibilità e sviluppo professionale.

“Treviglio in Moda è nato come un sogno e oggi è diventato una rete di persone, talenti e opportunità. Vedere giovani designer, studenti, professionisti e realtà del territorio collaborare insieme per costruire qualcosa di bello e concreto è la soddisfazione più grande. La moda può essere molto più di una passerella: può diventare uno strumento di crescita, inclusione e futuro.” commenta Valentina Poltronieri, ideatrice di Treviglio in Moda.

Una rete che cresce

Fondamentale la collaborazione con Polly’s Fitting Room (PFR), community che riunisce giovani professionisti della moda favorendo networking, crescita professionale e nuove opportunità lavorative, in piena sintonia con la missione del progetto.

La quarta edizione è stata realizzata con il patrocinio della Città di Treviglio, del Distretto del Commercio di Treviglio, di Commercianti Trevigliesi e Treviglio Cultura, insieme al sostegno degli sponsor Rivoltella Group, PEA Pratiche Automobilistiche, IGEA e BCC Treviglio e Carate, oltre ai numerosi partner che hanno contribuito al successo dell’iniziativa.

Con questa quarta edizione, Treviglio in Moda conferma il proprio ruolo di piattaforma dedicata alla valorizzazione della creatività emergente, capace di mettere in relazione talento, formazione, territorio e imprenditoria attraverso il linguaggio della moda.

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La Maison McQueen prosegue il suo viaggio nell’archivio con un nuovo capitolo di Documenting McQueen, la mini-serie dedicata ai codici fondativi e alle storie che hanno costruito l’immaginario della casa di moda. L’episodio 4, intitolato The Skull, è ora disponibile e porta lo spettatore dentro la storia di uno degli emblemi più riconoscibili del brand: il teschio McQueen.

A guidare il racconto è Alistair O’Neill, storico della moda e professore alla Central Saint Martins, che ripercorre la nascita e l’evoluzione di questo segno iconico, dalle sue radici negli anni Novanta fino al debutto del celebre Skull Scarf nel 2003. Un accessorio diventato immediatamente culto, capace di superare la dimensione stagionale per trasformarsi in una firma permanente, riconoscibile, potentissima.

Attraverso materiali d’archivio ed esempi emblematici, l’episodio mostra come il teschio sia diventato molto più di un motivo grafico. In McQueen, la morte non è mai stata soltanto oscurità: era teatro, memoria, romanticismo gotico, tensione tra attrazione e inquietudine. Il teschio sintetizza questa visione con una forza rara, unendo la durezza del simbolo alla delicatezza del gesto creativo.

Tra i momenti più significativi raccontati nel film compare anche l’abito bespoke con stampa Skull creato per Kate Moss nel 2004, apparso in una performance per il Black Show, coreografata dal celebre danzatore e coreografo britannico Michael Clark. Un’immagine che restituisce perfettamente la natura del linguaggio McQueen: moda come corpo, movimento, rito, apparizione.

Documenting McQueen non si limita quindi a celebrare un archivio: lo riattiva. Ogni episodio diventa un modo per comprendere come i codici della Maison continuino a vivere, trasformarsi e riaffiorare nel presente. Anche oggi, sotto la direzione creativa di Seán McGirr, l’eredità di McQueen non viene trattata come un monumento immobile, ma come una materia viva, ancora capace di generare nuove visioni.

Il teschio resta così una delle immagini più potenti della storia recente della moda. Un simbolo immediato, quasi popolare, ma profondamente radicato nell’universo poetico di Alexander McQueen. Perché in quel segno c’è tutto: la bellezza che sfida la paura, l’eleganza che nasce dall’ombra, la fragilità trasformata in potere.

L’episodio 4 di Documenting McQueen – The Skull è disponibile su alexandermcqueen.com e sul canale YouTube di McQueen.

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La collezione interpreta il linguaggio della stagione attraverso forme leggere, trasparenze calibrate e dettagli dal forte impatto visivo. I mini abiti in rete, impreziositi da perline, diventano piccoli statement piece da indossare sopra il costume o da trasformare in protagonisti di un look serale. Accanto a loro, costumi e gonne pareo giocano con drappeggi, aperture cut-out e costruzioni inaspettate, portando il beachwear in una dimensione più audace, contemporanea e urbana.

Il layering è uno degli elementi chiave della proposta: camicie over in voile di cotone e seta, caftani in georgette e volumi fluidi creano un dialogo raffinato tra leggerezza e seduzione. Le trasparenze non sono mai eccessive, ma suggerite, pensate per una femminilità consapevole, sofisticata, libera di muoversi tra naturalezza e desiderio di lasciare il segno.

Anche la palette cromatica racconta l’energia dell’estate. Il vibrante Aloe Green illumina la selezione con un accento fresco e deciso, mentre il Pearl Ivory introduce una nota più delicata e luminosa. Le sfumature calde del terracotta evocano il sole sulla pelle e si combinano con la stampa Summer Faded, dall’effetto sfumato, come un ricordo di tramonti, sabbia e giornate che si allungano fino a sera.

A completare il racconto, la Bubble bag traforata, accessorio versatile e distintivo, pensato per accompagnare con naturalezza i diversi momenti della giornata. Con lacci a coulisse e sfere metalliche, la borsa può trasformarsi in tracolla con un semplice nodo, unendo funzionalità e attitudine fashion in perfetto stile Patrizia Pepe.

Con Beach & Beyond, Patrizia Pepe firma un’estate fatta di movimento, luce e carattere: una collezione che parte dalla spiaggia, ma non si ferma lì. Perché il vero spirito estivo è proprio questo: sentirsi libere, sensuali e perfettamente a proprio agio ovunque.

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La lavorazione all’uncinetto, realizzata interamente a mano, diventa protagonista di una selezione di pezzi unici che custodiscono tutto il savoir-faire del brand. Maglie e top si accendono di tonalità delicate, attraversate da piping a contrasto che ne sottolineano la costruzione con grazia discreta. Le bralette, pensate per affiorare sotto camicie impalpabili o giacche destrutturate, introducono un’idea di sensualità naturale, mai ostentata. I mini bustier, applicati ad abiti eterei, aggiungono invece un accento romantico e materico, come un dettaglio inatteso capace di rendere speciale anche la silhouette più essenziale.

È un’estate fatta di trame leggere, mani esperte e dettagli che sembrano trattenere il tempo. Il crochet, nella visione forte_forte, non è solo una tecnica: è un linguaggio. Racconta il valore dell’imperfezione artigianale, la bellezza di ciò che nasce lentamente, la raffinatezza di un guardaroba che non cerca l’effetto, ma la presenza.

A completare la proposta, sandali multilistini e mini bag a secchiello in pelle intrecciata definiscono un’estetica estiva essenziale e ricercata. Accessori pensati per accompagnare il corpo con naturalezza, tra leggerezza mediterranea e sofisticazione urbana.

Con Threads of Romance: Crochet, forte_forte firma un guardaroba che celebra l’eccellenza manifatturiera attraverso dettagli preziosi e una femminilità autentica, libera, luminosa. Un invito a vivere l’estate come una trama sottile: fatta di gesti, texture, pelle, luce e romanticismo.

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Courtesy photo of Dondup

di Elena Parmegiani per DailyMood.it

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Takeover esperienziali, partnership strategiche e la presenza all’interno di alcuni dei festival più rilevanti del panorama europeo diventano così strumenti attraverso cui K-Way® consolida il proprio posizionamento contemporaneo, rafforzando il dialogo con un pubblico giovane, dinamico e culturalmente attivo.

In Italia, il brand sarà protagonista di una partnership triennale con Wake Paradise Milano, che per questa prima stagione si tradurrà in un takeover estivo attivo dal 18 giugno fino alla fine di agosto. Situato all’Idroscalo, Wake Paradise rappresenta oggi uno dei principali punti di riferimento per chi vive gli sport acquatici e il tempo libero all’aria aperta.

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La città eterna non è solo ambientazione, ma parte integrante della narrazione: un paesaggio vivo, fatto di storia, carattere e bellezza spontanea, in cui ogni look sembra accompagnare il movimento di una giornata estiva. Passeggiate lente, pause all’aperto, incontri improvvisati e momenti di leggerezza diventano il punto di partenza per un guardaroba pensato per vivere la città con disinvoltura.

Al centro della proposta c’è il denim, firma identitaria di Dsquared2, interpretato con l’attitudine rilassata e sicura che da sempre caratterizza il brand. Shorts, pantaloni cargo, camicie leggere e silhouette utility-inspired costruiscono un’estetica pratica ma mai banale, dove la funzionalità incontra una personalità forte e riconoscibile.

La selezione gioca su capi versatili, facili da indossare e da sovrapporre: camicie leggere, pantaloni dalle linee morbide, accessori essenziali e dettagli pensati per accompagnare ogni momento della giornata. Il risultato è un guardaroba estivo dinamico, capace di adattarsi al ritmo della città senza rinunciare al carattere.

Tra texture leggere, proporzioni rilassate e accenti denim, Dsquared2 firma una proposta che celebra una nuova idea di city style: spontanea, concreta, energica. Un’estate urbana in cui comfort e personalità convivono con naturalezza, trasformando anche il più semplice city break in una dichiarazione di stile.

Dsquared2 City Break Essentials è un invito a vivere la città con passo sicuro, tra praticità, libertà e quell’attitudine inconfondibile che rende ogni look immediatamente riconoscibile.

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Situato a metà strada tra Deià e Sóller, all’interno di una storica finca affacciata sul Mar Mediterraneo, l’Hotel Corazón ha fatto da cornice a una serata intima che ha riunito numerose personalità internazionali, tra cui Pixie Lott e Oliver Cheshire, Ed Westwick e Amy Jackson, Toby Huntington-Whiteley e Noa Huntington-Whiteley. Gli ospiti sono stati accolti da un aperitivo al tramonto, seguito da una cena sulla terrazza panoramica accompagnata dal DJ set di Nina Urgell.

La capsule collection reinterpreta le sneaker-espadrillas Sandy in tre colorazioni dedicate – rosa antico, marrone e sabbia – ispirate alla palette terrosa del rifugio maiorchino e alla luce mediterranea. Nate dalla fusione tra la tomaia delle iconiche sneaker Medalist e l’attitudine disinvolta delle tradizionali espadrillas, le AUTRY Sandy sono realizzate in canvas senza fodera né rinforzi interni. Ultraleggere, sono dotate di una suola in EVA e sughero che assicura maggiore flessibilità.

Pensate per essere indossate come slipper open-back ripiegando la parte posteriore – in un gesto spontaneo che richiama la filosofia barefoot dell’hotel – le espadrillas AUTRY x Hotel Corazón incarnano la libertà di un’estate senza fine vissuta seguendo il proprio istinto. La collaborazione è completata da una selezione dedicata di T-shirt, cappellini, bandane e dust bag impreziositi da grafiche e loghi AUTRY e Hotel Corazón.

La collezione AUTRY x Hotel Corazón è disponibile in esclusiva su autry-usa.com e presso un pop-up dedicato all’interno di Hotel Corazón.

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