Questa nuova edizione illustra la vita di Arnold Schwarzenegger: dalla povertà al titolo di Mr. Olympia, la carriera cinematografica e quella politica. È arricchita da una selezione di ritratti scattati da Annie Leibovitz, Robert Mapplethorpe, Herb Ritts, Sante D’Orazio e Andy Warhol, foto personali, di bodybuilding, sul set e interviste esclusive.

Questa nuova pubblicazione, inizialmente ideata come Edizione da Collezione autografata, è ora disponibile in edizione illimitata

È stato quattro volte Mr. Universe e sette volte Mr. Olympia. I suoi film hanno incassato più di quattro miliardi di dollari in tutto il mondo. Si è aggiudicato le elezioni per la carica di governatore della California con una vittoria schiacciante. Ha uno dei volti più riconoscibili al mondo, un accento spesso imitato e un fisico a tutt’oggi considerato il più perfetto mai esistito. Arnold è unico e inimitabile e il suo nome è conosciuto a livello internazionale. Da oggi, la “muscolosa” biografia di Arnold è finalmente accessibile a tutti.

Ci sono voluti dieci anni per realizzare l’Edizione da Collezione originale. Un tributo fotografico che mostra oltre settant’anni della vita di Schwarzenegger: dall’infanzia povera del futuro Terminator a Thal in Austria, alla sua ascesa come giovane atleta, dal suo viaggio in America per diventare il bodybuilder più famoso di tutti i tempi, alla brillante carriera cinematografica in film d’azione, fino alla carica di governatore della California e oltre.

Il corpo muscoloso, i lineamenti scolpiti e la personalità carismatica di Arnold lo hanno reso uno dei soggetti preferiti di fotografi del calibro di Annie Leibovitz, Robert Mapplethorpe, Herb Ritts, Sante D’Orazio, Francesco Scavullo e Andy Warhol. In questo volume sono presenti tutti i ritratti fotografici dell’edizione originale accostati a immagini più intime di bodybuilding o scattate dietro le quinte, decine di foto provenienti dall’archivio personale di Arnold. Il tutto è corredato da interviste esclusive ad Arnold e coloro che lo hanno aiutato a raggiungere la fama, tra cui i registi Ivan Reitman e Bob Rafelson e le leggende del bodybuilding Franco Columbu, Dave Draper e Frank Zane.

XL

Arnold
Dian Hanson
Hardcover with fold-out, 528 pagine
€ 125

ISBN 978-3-8365-9958-0 (English)
ISBN 978-3-8365-9986-3 (German)

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Filippo Cogliandro
Ci sono persone che scrivono libri.
E poi ci sono persone che sanno trasformare la vita in parole.
Mercoledì 17 giugno alle ore 17:00 avrò il piacere di ospitare presso L’A Gourmet L’Accademia la presentazione di “Le Storie della Mosca” di Marina Neri, una donna capace di osservare il mondo con l’attenzione che si riserva alle cose più vere.
La Mosca di Marina non è un eroe, non è un leone che ruggisce.
È una presenza discreta che vola tra le persone, ascolta, osserva e racconta. Racconta chi spesso resta ai margini, chi non fa rumore ma custodisce storie straordinarie nella semplicità del quotidiano.
Un viaggio tra sorrisi, emozioni, ironia, fragilità e umanità, dove ogni pagina diventa uno specchio nel quale riconoscersi.
Sarà un pomeriggio dedicato alla cultura, alla condivisione e al piacere di stare insieme, brindando al nuovo volo della Mosca e alla sensibilità di una scrittrice che sa dare voce a ciò che troppo spesso rimane in silenzio.

Vi aspettiamo.
Presentazione del libro “Le Storie della Mosca”
Marina Neri
17 giugno 2025 – ore 17:00
L’A Gourmet Accademia – Via Largo Colombo, 6
Reggio Calabria

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Questo evento, fortemente sostenuto, vedrà, insieme alla Boxe Luminati, tutto il CRT, FPI, CONI, la Famiglia D’Agata, Istituzioni del territorio, Luca Tassi  responsabile nazionale di paraboxe.

L'articolo MARIO D’AGATA – Il Centenario della nascita di un campione che ha fatto la storia. 5 giugno 2026 Palazzetto PalaLilly – Sesto Fiorentino proviene da Daily Mood.

Days Of Ash era stato una risposta a quello che sta accadendo nel mondo, una raccolta di canzoni urgenti, che non potevano attendere. Uscite nel giorno delle ceneri, per ricordarci che sono giorni di cenere, di vite e di diritti bruciati. Ma anche che dalle ceneri si può, si deve rinascere, magari cercando la soluzione “una persona alla volta”, come racconta One Life At A Time. Gli Stati Uniti, con Minneapolis, Israele e la Palestina, l’Iran, l’Ucraina. C’era tutto questo nel precedente EP. Easter Lily è una raccolta di canzoni molto più riflessive, che emerge da un luogo più personale e privato, in cui alcuni potrebbero rifugiarsi in tempi come questi, esplorando temi quali l’amicizia, la perdita, la speranza e, in definitiva, il rinnovamento.

Questi U2 sono semplici eppure complessi, sono classici eppure guardano verso il futuro, perché forse è questo il suono che avrà il nuovo album. O forse no. Sono, a quanto pare, gli U2 che vogliono i loro fan, che mai come in questi ultimi mesi hanno esclamato “gli U2 sono tornati, questi sono i veri U2”. Sono gli U2 che fanno gli U2, che sono gli U2, che non hanno paura di esserlo. Per questo, e per tanti altri motivi, sembra di essere nei dischi del passato. C’è qualcosa di The Unforgettable Fire, qualche piccolo tocco di The Joshua Tree, ma anche All That You Can’t Leave Behind, l’album non certo perfetto ma nel quale gli U2 avevano deciso di non vergognarsi di essere gli U2, di suonare classici, di usare, per Beautiful Day una chitarra che veniva dagli anni Ottanta.

Song For Hal

La chitarra di Edge apre l’EP e la prima canzone Song For Hal. E sembrano delle campane. Ma stavolta c’è anche la voce solista di The Edge, che una sua limpidezza e una sua dolcezza, quella voce che chi ha amato Van Diemen’s Land conosce bene. Ma qui tocca vette altissime, porta la canzone verso un sentimento di consolazione, positività. È un suono solare, lenitivo, è qualcosa che cura le ferite, cura l’anima. Song for Hal è un pianto sul lockdown durante il COVID-19, scritto per l’amico della band, il produttore musicale Hal Willner, che avrebbe compiuto 70 anni il Lunedì di Pasqua e che è scomparso quasi sei anni fa, proprio durante questi giorni.

In A Life

Quelli che ascoltiamo, sin dal primo brano, sono suoni allo stesso tempo vecchi e nuovi. Così come lo sono i suoni che aprono in A Life. Suoni che sembrano arrivare dal passato, dalla loro storia. Suoni che ci mancavano e che, in realtà, non se ne sono mai andati. C’è il tintinnio della chitarra di The Edge. Sulla quale adesso si appoggia la voce di Bono, profonda, sempre un po’ rotta dall’emozione, piena di colori. È una canzone che parte quieta e si apre, sale fino a diventare un inno. Un inno non urlato ma meditato. Ci ricorda Kite, la canzone tratta da All That You Can’t Leave Behind diventata un classico. In a Life è una canzone che celebra l’amicizia

Scars

Chitarre lancinanti, che sembrano quelle di Wire, da Unforgettable Fire, aprono Scars. Scars è sostenuta dal basso, quel basso proverbiale di Adam Clayton, custode della tradizione new wave che dai Joy Division ha portato ai New Order, ai primi U2 e a quegli U2 che in California (da Songs Of Innocence) suonavano come i New Order. Le chitarre di Edge tagliano l’aria, rintoccano come campane. La voce di Bono va dai toni bassi a quelli più alti, in una canzone che sembra procedere come un flusso di coscienza. Il finale in falsetto sulla chitarra acustica fa il resto. È una canzone trascinante, empatica, carica. Speriamo di sentirla nel prossimo tour: funzionerebbe alla grande dal vivo. Scars è una canzone di incoraggiamento e accettazione, che parla di cicatrici e tutto il resto. “Don’t cover your scars… they’re your scars”. Non nascondere le tue cicatrici… sono le tue cicatrici”. Vuol dire che parlano di te, ti definiscono, dicono al mondo chi sei. Devi esserne orgoglioso. Come diceva Zerocalcare alla fine della sua serie Strappare lungo i bordi.

Resurrection Song

All’inizio ascoltiamo gli arpeggi e le tessiture sonore di The Unforgettable Fire, il tintinnio tipico della chitarra di Edge – “ring those bells Edge”, come cantava Bono su I Will Follow nell’Elevation Tour – mentre basso e batteria crescono in un ritmo quasi tribale. La canzone della resurrezione recita il titolo, una canzone perfetta per la Pasqua, il tema del disco. È ancora una volta un canto liberatorio, catartico. Resurrection Song parla di un pellegrinaggio, un viaggio verso l’ignoto con un’amante o un amico.

Easter Parade

L’inizio ha trame elettroniche sulle quali si inserisce la chitarra, la sintesi tra gli U2 classici e quelli più sperimentali, la canzone si muove quieta tra suoni eterei, e con un giro di basso che ancora comanda. Fino a un ritornello che si apre tra cori beatlesiani o, se preferite, alla Beautiful Day, o qualcosa che ricorda The Three Sunrises, un outtake di The Unforgettable Fire.  Easter Parade è una canzone devozionale, una celebrazione della nuova vita, della rinascita e della resurrezione. E quel Kyrie Eleison finale riporta agli inni spirituali di un tempo, ai salmi di October e War.

COEXIST

Gli U2 hanno lavorato anche con Brian Eno, l’artefice dei loro dischi storici, nell’ultimo periodo. Non si sa ancora se quel materiale sarà nel nuovo album o in un album successivo. Un esempio del lavoro con Brian Eno è questa COEXIST (I Will Bless The Lord), una canzone atmosferica, che vive su un tappeto di tastiere con la voce filtrata dal vocoder. È una preghiera sommessa e sentita, il brano più intimo e sperimentale del disco. COEXIST è una ninna nanna per i genitori dei bambini coinvolti nella guerra. Trea queste canzoni è quella che ci mette più tempo ad arrivare. Ma gli U2 sono anche questi.

E il nuovo album?

Come abbiamo scritto, tutto lascia suppore che arriverà il 25 settembre, a 25 anni esatti da quel 25 settembre del 1976 in cui si formò la band. “Siamo in studio, ancora impegnati a realizzare un album rumoroso, caotico e ‘irragionevolmente colorato’ da suonare dal vivo… che è il vero habitat degli U2. Continuiamo a pensare al rock’n’roll più vivace come ad un atto di resistenza contro tutta questa orribile realtà che vediamo sui nostri piccoli schermi. Questi sono senza dubbio anni duri’. per molti di noi che guardano al caos che regna là fuori nel mondo. C’è una grande curiosità, emozione, ma anche timore per questo nuovo disco. Come a ogni loro nuova uscita, del resto. Stavolta, molto di più, perché dall’ultimo disco in studio saranno passati nove anni. Ci viene da pensare che, se queste degli ultimi due EP sono le canzoni che non sono entrate nel disco, chissà cosa potrà esserci nel nuovo album. Ma anche che, magari, per il loro ritorno, abbiano puntato su canzoni più “facili”, d’impatto, come hanno fatto nel recente passato. Quasi quasi ci sarebbe piaciuto che questo Easter Lily fosse già il nuovo album, per quelle tre-quattro canzoni all’inizio che hanno tutto, carica, emotività, epicità, parole. Non resta che aspettare. E leggere le loro parole. “In un secondo momento cercheremo di fare un gran trambusto e clamore per ricordare al resto del mondo che esistiamo, ma nel frattempo… questa è una cosa tra voi e noi”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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La protagonista, Gin, ha trentatré anni, una vita stropicciata, un talento creativo da difendere e un bagaglio emotivo pieno di relazioni sbagliate, aspettative disattese e sogni messi in pausa. Disegna gioielli, ma in realtà plasma frammenti di sé: ogni creazione diventa una dichiarazione, una cicatrice trasformata in bellezza, un modo per dire ciò che spesso non trova spazio nella vita quotidiana. Fin dalle prime pagine, la sua voce conquista per autenticità: è ironica, tagliente, vulnerabile, piena di ritmo. Fa ridere, sì, ma non si limita mai alla battuta. Ogni frase comica sembra avere sotto una piccola verità emotiva.

Il cuore del romanzo nasce da un gesto adolescenziale: quattro amiche, a tredici anni, seppelliscono una capsula del tempo con dentro undici regole per sopravvivere ai trent’anni. Regole buffe, esagerate, apparentemente leggere, ma cariche di un’intuizione profonda: crescere significa rischiare di dimenticare chi si era prima che il mondo iniziasse a correggerci. Tra queste, la prima è già un manifesto: “Non sposare uno con i calzini bianchi. Mai.” Una frase che fa sorridere, ma che nel romanzo diventa qualcosa di più: il simbolo di tutti quei segnali ignorati, minimizzati, giustificati, soprattutto quando si desidera disperatamente che qualcuno sia diverso da com’è.

La forza del libro sta proprio in questo equilibrio: Mariani costruisce una commedia sentimentale e generazionale che non rinuncia alla leggerezza, ma la usa come strumento di profondità. I calzini bianchi, le app di dating, i primi appuntamenti improbabili, le amiche che mandano vocali motivazionali, i ricordi di Cioè, delle Spice Girls, delle Big Babol e delle Smemorande non sono semplici dettagli nostalgici: sono materia narrativa viva. Creano un immaginario riconoscibile, pop, affettuoso, capace di parlare a chi è cresciuta tra sogni enormi, diari segreti, amicizie assolute e la convinzione ingenua che bastasse promettersi di non perdersi per restare intere.

Gin è una protagonista riuscitissima perché non è perfetta e non pretende di esserlo. È buffa, disastrosa, brillante, piena di contraddizioni. Cade, sbaglia, si racconta bugie, poi si rialza con una battuta e un’intuizione nuova. Il suo percorso non è quello patinato della donna che “si reinventa” con facilità, ma quello più vero, più umano, di chi prova a smettere di adattarsi. Il romanzo parla di autostima senza fare prediche, di relazioni tossiche senza diventare cupo, di rinascita senza trasformarla in slogan motivazionale. Il risultato è una storia fresca, commerciale nel senso migliore del termine, ma anche emotivamente onesta.

Molto riuscito anche il coro femminile. Clara, Margherita e Irene non sono semplici comprimarie: rappresentano pezzi diversi dell’amicizia, della memoria e dell’identità. Clara, in particolare, porta una comicità travolgente, ma anche una fedeltà emotiva preziosa. È l’amica che sdrammatizza, esagera, spinge, sostiene, traduce i crolli in battute e le paure in possibilità. In un panorama narrativo in cui spesso l’amore romantico occupa tutto lo spazio, qui l’amicizia femminile diventa invece una vera ancora narrativa: non un contorno, ma una forma di salvezza.

Lo stile è uno degli elementi più forti del romanzo. La scrittura ha ritmo, personalità, immagini brillanti e una notevole capacità di trasformare situazioni quotidiane in scene comiche ad alta resa visiva. Alcune sequenze — come l’appuntamento con Paolo, tra calzini bianchi, sandali, mindfulness e cena sensoriale al buio — hanno una forza da commedia cinematografica: si vedono, si sentono, fanno ridere di gusto. Ma la cosa più interessante è che la risata non resta mai sospesa nel vuoto. Dopo ogni momento comico, resta qualcosa: una consapevolezza, una ferita, un piccolo scarto interiore.

Non sposare uno coi calzini bianchi è un romanzo che parla alle donne che hanno amato troppo, sopportato troppo, giustificato troppo, ma anche a quelle che stanno imparando a ridere dei propri errori senza vergognarsene. È un libro per chi ha avuto almeno una relazione sbagliata, un’amica salvifica, una madre difficile, un ritorno a casa complicato, una versione di sé dimenticata in qualche cassetto. È un romanzo che diverte, consola e accompagna, con una voce riconoscibile e una grande capacità di creare complicità con chi legge.

La sua bellezza sta nel modo in cui riesce a dire una cosa semplice e potentissima: diventare adulte non significa smettere di essere fragili, buffe, esagerate, sentimentali o piene di contraddizioni. Significa, forse, smettere di chiedere scusa per tutto questo.

Emma Mariani firma una commedia brillante, femminile, pop e profondamente umana. Un romanzo da leggere con il sorriso sulle labbra, ma anche con quella strana emozione che arriva quando una storia, tra una battuta e l’altra, sembra guardarci negli occhi e dirci: ti ricordi chi eri? Bene. Riparti da lì.

Acquidtabile su: https://www.altrimediaedizioni.com/shop-altrimedia/non-sposare-uno-coi-calzini-bianchi/?ref=8785

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La line-up originale — composta da Marco “Morgan” Castoldi, Andy Fumagalli, Livio Magnini e Sergio Carnevale — si è presentata arricchita dalla presenza del polistrumentista Lele Battista (ex La Sintesi). Il risultato è stato un’esperienza sensoriale stratificata, ben lontana dall’estetica polverosa delle classiche “reunion” nostalgiche. I Bluvertigo hanno messo in scena una vera e propria architettura sonora, una scaletta divisa per gradi di tensione che ha ripercorso i vertici della loro discografia.

Il manifesto di Morgan: tra algoritmi e “bilinguismo”

Il concerto è stato intervallato dalle riflessioni di un Morgan in veste di oratore, con chioma giallo acceso e un’invettiva lucida contro il presente digitale. Il suo discorso ha celebrato la Generazione X come l’unico “ponte” rimasto, ha esaltato il valore dell’analogico e il recupero del tempo umano e della ricerca fisica, ha criticato in modo serrato la “cattività” delle nuove generazioni, prigioniere di algoritmi e cultura istantanea, e si è concluso con un appello alla bellezza e all’arte come unici strumenti contro la violenza e l’omologazione.

In un momento di rara vulnerabilità, Castoldi ha inoltre reso omaggio ai compagni di band, scusandosi per le ombre del passato e riconoscendo il talento individuale di Magnini e l’eleganza artistica di Andy, definendo il gruppo, per lui, “salvifico”.

La performance: suite ipnotiche e nichilismo sintetico

Musicalmente, la band ha confermato una chimica impeccabile. Il motore ritmico di Carnevale e le trame elettriche di Magnini hanno sostenuto suite ipnotiche, dove l’elettronica “virulenta” si è fusa con il rock più abrasivo.

Il live è iniziato con Decadenza. Nonostante un avvio tecnicamente incerto sul piano dei volumi, il suono è andato definendosi con il pop cerebrale de Il Dio Denaro e l’intensità de L’assenzio. Il secondo atto ha toccato l’apice con Cieli Neri — accompagnata dalla proiezione dello storico videoclip — e il groove amaro de La Crisi. Il trittico composto da Zero, Fuori dal Tempo e Altre forme di vita ha sancito la supremazia di un sound che, a distanza di decenni, appare ancora attuale e fuori da ogni logica di mercato.

Il pubblico dell’Alcatraz non ha assistito solo a un concerto, ma a un manifesto antropologico. Tra lacrime e cori, la “generazione privilegiata” dei fan dei Bluvertigo ha rivendicato il possesso di un codice culturale fatto di materia e complessità. I Bluvertigo, oggi più che mai, si confermano una bussola necessaria per orientarsi nel rumore bianco della contemporaneità.

Questo ritorno non guarda al passato come un archivio, ma come una base viva da cui ripartire. La reunion riporta sul palco un linguaggio che, a distanza di anni, continua a risultare attuale e sorprendentemente vicino al presente. È un riallineamento naturale con una scena musicale che oggi condivide molte delle intuizioni che la band aveva esplorato già allora. Ritrovare questo spazio significa, per i Bluvertigo, recuperare un’energia che non si è mai spenta. Non è un ritorno al passato, ma un nuovo modo di rimettere in movimento ciò che non ha mai smesso di vibrare.

Photo credits: Mathias Marchioni

di Lidia Pregnolato per DailyMood.it

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Lo abbiamo conosciuto e lo abbiamo odiato quasi subito. Jacob Elordi. Lo abbiamo conosciuto come Nate Jacobs, uno dei protagonisti della serie Euphoria; un ragazzo violento e dominante, un maschio tossico, come si definisce oggi una persona di questo tipo. Con alle spalle un padre altrettanto tossico e problematico, probabilmente molto più di lui, il che la dice lunga su come si trasmettano certi retaggi e certi tipi di comportamento. Insensibile e prevaricante, eppure attraente per molte ragazze, il suo Nate Jacobs, e tutta la serie Euphoria, ci hanno detto molto sui rapporti tra uomini e donne nella nostra era. Sconvolgente, eccessivo come lo è tutta la serie, Nate Jacobs racconta cose tristemente vere.

E così, diretto da una donna, Sofia Coppola, è come se Jacob Elordi avesse portato un po’ del suo Nate Jacobs in Elvis Presley, il ruolo che interpreta in Priscilla. In quello che è uno sguardo decisamente femminile, dichiaratamente, sin dal titolo, dalla parte della giovane moglie del Re del Rock, Elordi diventa lo strumento perfetto della regista per decostruire un mito. L’Elvis di Jacob Elordi è un fantasma, che parla a monosillabi ed è stordito dai tranquillanti. Ma, soprattutto, è un uomo violento, uno a cui nessuno ha mai detto di no. È maschilista, gira con le pistole in tasca e prende ogni decisione per sé e per la propria compagna. La fisicità, il contegno e anche l’immaginario che si porta dietro l’attore è perfettamente funzionale a un ritratto inedito di un Re nudo e al messaggio di Sofia Coppola.

Odi et amo, come nella poesia di Catullo. Con Jacob Elordi è così. E anche in Cime Tempestose, in cui – non senza polemiche – interpreta il ruolo di Heathcliff, l’attore suscita reazioni contrastanti, vittima e poi carnefice nella complessa relazione con la protagonista Cathy e poi, ancora, con Isabella. Il suo è un ritratto a due facce anche per quanto riguarda l’aspetto fisico. Nella prima parte del film è in scena con i capelli lunghi e incolti, la barba lunga e non curata. Quegli occhi piccoli e scuri, infuocati, penetranti sono però sempre i suoi.  Il Jacob Elordi che appare nelle prime scene di Cime Tempestose è un selvaggio, un Messia, una rockstar. Sotto quella barba e quei capelli c’è quel suo volto spigoloso, roccioso, che, da sempre, contrasta con quegli occhi che, in alcuni momenti del film, risuonano pieni di fragilità e dolcezza. Se Nate Jacobs era ancora molto presente nel suo Elvis, nell’Heathcliff di Cime Tempestose l’attore si avvicina e si allontana da lui.

Nella seconda parte del film torna con i capelli più corti e il volto rasato. E arriva, come una sorpresa, per chi dovesse vederlo per la prima volta, quel volto unico. Le fossette ai lati della bocca, la mascella decisa, pronunciata, la bocca piccola rispetto al volto. Heathcliff è sempre imponente, ma ora è elegante, autorevole, carismatico. Con un vestito nero, attillato, una camicia bianca che spunta dal collo stretto della giacca, Jacob Elordi, in qualche modo, è ancora Elvis. Ed è come se fosse già James Bond. L’attore australiano è infatti uno dei favoriti (l’altro è Callum Turner) per diventare il nuovo Agente 007 nel prossimo film che vedrà alla regia Denis Villeneuve. Si parla di un Bond che verrà raccontato dalle sue origini, ancora rozzo e inesperto. E Jacob Elordi porterebbe quel tocco di durezza e asperità al personaggio. Sarebbe il secondo Bond australiano della storia. Al primo, George Lazenby, non andò molto bene. Ma il film era bellissimo.

Provate allora ad immaginarlo in smoking nero, camicia bianca, papillon nero e un Vodka Martini in mano. L’eleganza, in ogni caso, Jacob Elordi ce l’ha. È stato infatti scelto da un brand come Hugo Boss come volto della fragranza Boss the Scent. E, a proposito di stile, è anche stato il testimonial della società di orologi svizzera, TAG Heuer.

Ma forse il ruolo dove più di altri ha mostrato la sua versatilità è stato il Frankenstein di Guillermo del Toro, dove è diventato la creatura con dieci ore di trucco. “Dieci ore che mi permettevano di diventare il mio personaggio, di annullare me stesso e di entrare in uno spazio sacro che ho preservato con cura e ora mi manca” ha raccontato. Coperto completamente dal trucco, ha potuto far uscire completamente i suoi occhi. E far vedere tutta la sua fragilità e la vulnerabilità. C’è un Jacob Elordi tutto da scoprire. Che abbiate amato o no il suo Heathcliff, guardatelo anche in Frankenstein. Continuerete ad odiarlo e ad amarlo. Ma, tra i due sentimenti, sarà l’amore a prevalere.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Margot Robbie è uno dei volti più belli usciti negli ultimi anni del cinema. La sua apparizione deflagrante in The Wolf Of Wall Street sembra una cosa di ieri. Ma sono passati 13 anni. Quel volto dai lineamenti così puliti, inconfondibili, è ancora in grado di bucare lo schermo. Nel viso di Margot Robbie tutto è all’insù. Lo sono gli angoli degli occhi, lo è il nasino, lo sono le estremità della bocca nel suo tipico sorriso. Quel tendere verso l’alto comunica immediatamente positività, ma anche dolcezza, una lieve malizia.

Tutto questo torna nella sua Cathy in Cime Tempestose. In quel volto troviamo lo stupore, con quella bocca aperta, che è un altro suo marchio di fabbrica. E quella bocca la troviamo anche chiusa, in un broncio naturale che non toglie affatto dolcezza al suo volto. Appare per la prima volta in scena con i capelli raccolti di lato sulle tempie, e lunghi sulle spalle. Con un certo contegno, ma allo stesso tempo selvaggia. Ormai adulta, ma ancora bambina come, fino a un’inquadratura prima, avevamo visto Cathy, impersonata da un’attrice più giovane. Wuthering Heights, cioè Cime Tempestose, è un luogo freddo, ostile, rude. E la pelle delle gote di Margot, in certe scene, è arrossata per il freddo e il vento. Un altro tipo di rosso, quello del trucco, dei belletti, degli abiti, tornerà nella seconda parte del film, per poi sfumare in pallore. Ma è un’altra storia. E poi un’altra storia ancora. Molto più adulta, con i suoi 35 anni, rispetto alla Cathy del romanzo, Margot Robbie è comunque credibile. E il suo personaggio, man mano che evolve la storia, si trasforma più volte. È due, tre, forse anche quattro personaggi in uno.

Ed è proprio questo che Margot Robbie ha fatto nella sua carriera. Evolversi, trasformarsi. È quello che deve fare un’attrice, direte. Certo. Ma quando si è così belle è più difficile. Perché rischi di diventare icona e, in quanto tale, fissata nella tua immagine. Margot Robbie avrebbe potuto rifare il personaggio di The Wolf Of Wall Street all’infinito: la bionda fatale, l’oggetto del desiderio, la seduttrice. Invece ha deciso di cambiare. Non necessariamente di mortificare la sua bellezza, ma di darle altri colori. La prima volta che ricordiamo è quella di Harley Quinn in Suicide Squad, in cui ha dato al suo volto colori eccessivi, pop, un po’ come faceva Andy Warhol ponendo colori più accesi sul volto già iconico di Marilyn Monroe. I capelli biondi sparati in pettinature improponibili, il volto coperto da trucchi pesanti dal colore improbabili: Harley Quinn è il primo personaggio con cui Margot Robbie ha celato la sua bellezza.

È quasi una regola di Hollywood che un’attrice debba imbruttirsi per dimostrare la propria bravura. Margot Robbie non ci riesce mai del tutto, quella bellezza unica non si riesce a celare completamente. C’è ancora la bellezza, anche se nascosta, e c’è anche una lieve dolcezza che dona umanità al personaggio più respingente che abbia interpretato fin qui, la Tonya Harding del film Tonya, che la narrazione ha voluto strega in contrapposizione alla Biancaneve Nancy Kerrigan, star del pattinaggio. È un’interpretazione magnifica, tragicomica, aiutata da un trucco e parrucco e da costumi che provano a rendere volgare e dozzinale chi naturalmente non lo è. In Tonya la sua bocca è sempre serrata in una smorfia, le sue labbra sono ritratte, tese, quasi assottigliate. Si stringono sempre fra loro, nervose, con quel movimento che mostra imbarazzo. Il labbro inferiore è sempre davanti a quello superiore: Tonya sembra sempre pronta a mordere. E non sono solo le labbra chiuse a negarci quel sorriso che tendeva sempre verso l’alto: c’è anche l’apparecchio per i denti a dividerci da lui.

C’è stato anche chi ha riproposto Margot Robbie in un ruolo di pura bellezza. È stato Quentin Tarantino, che l’ha voluta nel ruolo di Sharon Tate in C’era una volta a… Hollywood. In quel film è una bellezza quasi idealizzata, eterea, assoluta. E infatti la a cosa ha suscitato polemiche, perché il ruolo prevedeva che non proferisse quasi parola. Ma quel ruolo era completamente funzionale alla storia, ed era giusto così. E comunque anche nella perfezione c’era l’imperfezione, in quei piedi nudi, magari un po’ sporchi, ma reali.

E poi è arrivata Barbie. Ancora una volta Margot Robbie è bellissima, ancora una volta è perfetta per il ruolo. Ma la sua bellezza serve proprio a dire che oltre la bellezza c’è di più. La Barbie che Margot Robbie interpreta nel film di Greta Gerwig è un personaggio che ha tutto per essere considerata una bambola, ma che ha in testa altri pensieri, che scopre che c’è altro, che è destinata a cose più importanti. Vive in una casa delle bambole, e potrebbe vivere per sempre lì, comoda. Ma sceglie di uscire. Di vedere la realtà.

E proprio in Cime Tempestose abbiamo trovato una curiosa risonanza con questo tema. La casa in cui Cathy si trasferisce una volta sposata, è costruita dalla regista Emerald Fennell proprio come una gigantesca, eccessiva casa delle bambole. È un posto palesemente finto, costruito, edulcorato, eccessivo, dai pavimenti rossi e dalle pareti imbottite rosa pastello. E così la Cathy di Margot Robbie si trova a suo modo rinchiusa in una gabbia dorata e dolciastra. Cathy come Barbie. Entrambe hanno qualcuno che gioca con loro a vestirle. Entrambe ferme in un posto bellissimo ma finto, che non è la realtà. Entrambe in fuga.

Ma in Cime Tempestose il film è uscito dallo schermo ed è entrato nel mondo. Merito, ancora una volta, di Margot Robbie che, oltre che attrice protagonista è anche produttrice, e ha organizzato una strategia di promozione tutta fondata sulla chimica tra lei e l’attore protagonista, Jacob Elordi. Nelle interviste hanno parlato molto della loro intesa, come se, oltre alla storia del film, ci fosse un’altra storia, a un altro livello, da raccontare.

Ma, soprattutto, fuori dal set, una volta finito il film, Margot Robbie ha continuato ad essere Cathy attraverso gli abiti indossati nella promozione e alle anteprime. Gli abiti, lo sappiamo, sono un modo di comunicare a tutti gli effetti. Ed è come se, fuori scena, Margot Robbie avesse voluto continuare il discorso e le atmosfere del film. Alla premiere londinese di Cime Tempestose l’attrice ha indossato un abito quasi interamente trasparente e realizzato con vere trecce di capelli. L’abito è firmato dalla stilista Dilara Findikoglu: riprende un’estetica dell’epoca vittoriana quando i capelli venivano usati per creare gioielli e oggetti personali legati a persone care, come ricordo o segno di legame. L’idra di inserire i capelli nel suo look è nata osservando dei gioielli della stessa Findikoglu. Un bracciale, infatti, era la replica di quello attribuito a Charlotte Bronte, che secondo la tradizione sarebbe stato intrecciato con i capelli di Anne ed Emily. È un altro indizio di come Margot Robbie sappia prendere in mano il suo destino. E non mollarlo più.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Qualche anno fa, alla Festa del Cinema di Roma, abbiamo avuto la fortuna di vedere quella che è stata la sua ultima prova d’attore. Un piccolo film, Old Man & The Gun, che racconta la storia di un rapinatore in avanti con gli anni. Lo aveva dichiarato, Redford, che sarebbe stato il suo ultimo film. E lo abbiamo guardato senza staccargli neanche per un attimo gli occhi di dosso. E così li abbiamo trovati, chiaramente, tutti i tratti della sua bellezza e del suo carattere. A partire dai quei suoi occhi chiari, chiarissimi, piccoli e vispi, vivissimi. E poi quel sorriso a suo modo discreto, misurato. Se dovessimo trovare un tratto distintivo nella recitazione di Redford è proprio la misura, un voler restare su delle prestazioni sempre controllate, centrate sui dettagli, sulle sfumature impercettibili. Un non voler andare mai sopra le righe, anche in situazioni più drammatiche o pericolose. Sono dei tratti che ne fanno un attore molto particolare tra quelli della sua generazione, gli attori esplosi tra la fine degli anni Sessanta e i primi Settanta (i Nicholson, i De Niro, i Pacino), tutti molto più istrionici.

Eppure, divo del cinema Robert Redford non lo è diventato subito. Ha fatto una lunga gavetta tra il teatro a Broadway, la televisione (tra cui la serie Alfred Hitchcock presenta e Ai confini della realtà), e poi una serie di ruoli al cinema. La sua esplosione si deve al film Butch Cassidy (Butch Cassidy And The Sundance Kid, del 1969), un western dal finale indelebile interpretato accanto a un altro grandissimo, Paul Newman. Una coppia perfetta, che sarebbe ritornata insieme nel famoso La stangata (1974), ancora diretto da George Roy Hill, che avrebbe vinto 7 premi Oscar (e che sarebbe anche valso a Redford l’unica candidatura come miglior attore).

Un altro western, molto diverso, Corvo rosso non avrai il mio scalpo! (1972) è diretto da Sydney Pollack. È un western revisionista, uno dei primi che cambia la narrazione del rapporto tra i bianchi e i nativi americani. È un segnale di un’America che sta cambiando, anche grazie all’impegno del mondo del cinema. Con Sydney Pollack gira poi uno dei suoi film simbolo, I tre giorni del Condor (1975), thriller paranoico e adrenalinico. L’altro lo gira con Alan J. Pakula, ed è Tutti gli uomini del presidente (1976), dedicato ai giornalisti che fecero esplodere lo scandalo Watergate, interpretato accanto a Dustin Hofffman. Sono molto più che dei semplici film. Colgono l’atmosfera del tempo, quella dell’America che usciva dall’era Nixon e da un momento difficile, l’incertezza che si viveva allora. E l’idea di un nuovo cinema che fosse anche impegno civile. Per Redford la strada è stata sempre questa.

Ma non dimentichiamo anche che Robert Redford è stato l’eroe romantico di tante storie d’amore, l’attore che ha fatto innamorare milioni di donne, e continua a farlo ancora, perché certi film vanno rivisti e rivisti.  Questa ragazza è di tutti, con Nathalie Wood (1966) che aveva dato anche inizio al fortunato sodalizio con Sydney Pollack prima dei grandi film degli anni Settanta, A piedi nudi nel parco (1967), di Gene Saks, accanto a Jane Fonda. E soprattutto Come eravamo (The Way We Were, del 1973), ancora diretto da Sydney Pollack, nel quale forma un’indimenticabile coppia con Barbra Streisand. È forse la commedia romantica a cui il pubblico è più affezionato, quella che non ci si stanca mai di vedere. Come La mia Africa (1985), che lo vede accanto a Meryl Streep sotto la direzione di Sydney Pollack. La scena in cui lava i capelli a lei in un fiume contiene molto più eros ed intimità di tante sequenze di passione esplicita. Anche se non possiamo definirla una semplice commedia sentimentale, non va dimenticato Il Grande Gatsby (1974), tratto dal romanzo di Francis Scott Fitzgerald.

C’è anche un Robert Redford regista. Ed è un grande regista. Il primo film che dirige, Gente comune nel 1981, gli vale l’Oscar per la miglior regia. Seguiranno Milagro, In mezzo scorre il fiume (1992), sul dialogo tra genitori e figli, e Quiz Show (1994), ambientato agli albori della tv, che gli valse una seconda nomination agli Oscar. E ancora L’uomo che sussurrava ai cavalli (1998), La leggenda di Bagger Vance (2000). E Leoni per agnelli (2007), legato alla guerra in Afghanistan e ancora attualissimo. Si parla di guerra e di pace, di chi combatte in prima linea (i leoni) e di chi resta dietro ma prende le decisioni (agnelli). Redford è anche attore in uno degli episodi, in cui è un professore universitario che parla di politica con uno studente. È una parte girata completamente in interni, attorno a una scrivania, in cui il volto, lo sguardo magnetico, la parola di Redford tengono incollati allo schermo. Si tratta del Redford impegnato, dell’artista dall’anima liberal che torna in gioco. The Conspirator (2010) e La regola del silenzio (2012) saranno i suoi ultimi film da regista. Da attore, ci sono stati il citato Old Man & The Gun, ma anche i ruoli da Cattivo in Captain America: The Winter Soldier e in Avengers: Endgame. Proprio il primo di questi film voleva evocare l’atmosfera dei thriller politici anni Settanta, come I tre giorni del Condor. E Redford è stato chiamato proprio in omaggio a quel mondo.

E poi c’è il Robert Redford mecenate, uomo di cinema a tutto tondo, che si è speso per aiutare il cinema e i nuovi talenti. È da una sua idea, e del suo sodale Sydney Pollack, che nel 1981 nasce un importante istituto cinematografico, il Sundance Institute, nelle sue proprietà nello Utah. Il nome è dovuto a quello del suo personaggio nel film Butch Cassidy, ovvero Sundance Kid. Da quell’esperienza, che ha sostenuto per anni i giovani cineasti, nasce nel 1991 il Sundance Film Festival, il più importante festival del cinema indipendente. Da quel momento, grazie a quel festival, sono fioriti decine e decine di talenti. Ma, soprattutto, è nata un’idea. Che tutti ce la potessero fare, che il cinema non fosse solo quello dei grandi studios. Un’idea che esiste ancora oggi, ed è uno dei lasciti più importanti di Robert Redford. Ethan Hawke, attore che al Sundance e a quel mondo deve molto, ha salutato così ieri il grande attore. “Robert Redford, il nostro massimo paladino del cinema indipendente, instancabile sostenitore della narrazione autentica e fervente ambientalista. L’eredità di Robert rimane radicata nella nostra cultura, trasformata dalla sua arte, dal suo attivismo e dalla fondazione del Sundance Institute e del Sundance Film Festival”.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Robert Redford ci ha lasciato: era la bellezza, l’eleganza, la misura e l’impegno proviene da Daily Mood.

Sean Combs è stato arrestato lo scorso 16 settembre mentre si trovava a Manhattan, al Park Hyatt Hotel. Il giudice non ha disposto neanche il rilascio su cauzione, perché ritiene che possa influenzare e manipolare i testimoni. Non appena il quadro ha cominciato ad essere chiaro, il ritratto che è stato fatto di P. Diddy è qualcosa di impressionante. È stato definito un predatore sessuale, un uomo che rendeva arrendevoli le sue vittime con alcool e droghe e ne abusava. Il suo status di superstar, di uomo famoso e potente, esercitava sulle vittime una sorta di timore reverenziale, che significava il silenzio, che calava su tutto ogni volta. Ma qualcuna di loro, evidentemente, ha tolto i veli su questa vicenda. Da qui è una stata una sorta di valanga. Le pagine di accusa, 14, sono destinate a crescere: finora hanno parlato 11 vittime. Thalia Graves, la più recente, ha parlato di una violenza sessuale avvenuta nel 2001 nel suo studio di registrazione, Daddy’s House. I particolari sono raccapriccianti.

Ma la storia non finisce qui. Non si tratta solo di ripetute violenze. Diddy e il suo staff avrebbero addirittura rapito delle persone, le avrebbero costrette a un “lavoro forzato”, avrebbero corrotto altra gente, provocato incendi. Oltre a girare con armi da fuoco cariche. Una pratica che, in certi ambienti musicali, è purtroppo in voga da tempo. Ma, a quanto pare risultare dalle indagini, questi comportamenti erano in atto da decenni.

Al centro di tutto ci sono le famose feste di P. Diddy, quelle che erano considerate un evento a cui non mancare, quelle a cui essere invitati era un privilegio. Quelle feste a cui tutti volevano partecipare e a cui oggi tutti negano di essere stati. Andavano in scena in grandi hotel, e venivano chiamati Freaks Off: durante questi incontri Combs avrebbe drogato le vittime e le avrebbe costrette a compiere atti sessuali prolungati con altri uomini, riprendendo tutto. Poi sono nati i White Parties, feste organizzate per i ricchi degli Hamptons. La sua idea era fondere lo stile di vita hip-hop, il suo, alle élite della East Coast americana. I ragazzi di Harlem accanto a Leonardo Di Caprio. Tutti sullo stesso piano, tutti vestiti dello stesso colore.

Il punto è proprio questo. In decenni di feste, P. Diddy di sicuro non era da solo. Come ricorda Paris Hilton, a quelle feste c’erano tutti. E allora lo scandalo legato al rapper potrebbe davvero dilagare e deflagrare tra lo star system e il jet set americano. A casa Diddy pare fossero stati visti Justin Bieber, Will Smith, Diana Ross, Owen Wilson. Si parla anche di Ashton Kutcher, Megan Fox, Jay-Z, Beyoncé, Mariah Carey, Usher, Khloe e Kim Kardashian e Jennifer Lopez. Si dice che proprio J-Lo, in passato legata a P. Diddy, possa avere un ruolo importante in questi fatti, o almeno essere molto informata. E che dietro al divorzio con Ben Affleck possa esserci proprio il legame con Combs. Ma l’elenco dei partecipanti alle feste è potenzialmente sterminato. E allora chi ha partecipato a questi atti sessuali? Chi li ha favoriti? Chi, semplicemente, ha osservato, sapeva e non ha detto nulla?

Le feste andavano in scena a New York, Miami, Los Angeles e Saint-Tropez. Spesso avevano la scusa di essere eventi benefici. Spesso avevano dietro grandi brand come sponsor: servivano a lanciare linee di profumi e bevande alcoliche. P. Diddy ora è in prigione, ma pare che l’intero star system stia tremando. Potrebbe arrivare un terremoto. Oppure, come spesso accade, potrebbe anche essere messo tutto a tacere, con Combs come unico capro espiatorio.

di Maurizio Ermisino

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Nell’anniversario della morte di Fabrizio de Andrè, al Tearo CARCANO di Milano, va in scena “De Andrè, la storia”, lo spettacolo-evento. De Andrè, La Storia è un vero e proprio viaggio musicale nell’universo di Fabrizio De André, il grande cantautore italiano scomparso l’11 gennaio del 1999, sempre presente nella memoria e nella cultura musicale italiana, che accompagna intere generazioni. “De André, La Storia”, è lo spettacolo sul cantautore più importante e influente della musica italiana che celebra, a 25 anni esatti dalla scomparsa, la sua opera. Lo spettacolo ha debuttato nel 2020 e, dopo una tournèè nazionale, approda a Milano, al Teatro CARCANO.

“Fabrizio De André è stato uno dei primi a portare la canzone italiana verso la modernità, ha cambiato le regole delle canzoni, ha mescolato la storia e l’intelletto con il canto popolare, il sacro e il profano, la cultura alta e bassa con una libertà di espressione senza pari – dice il direttore Musicale, Massimiliano Salani – poterne raccontare l’epopea musicale ed umana attraverso la sua musica, ma anche attrvaerso immagini e testi credo sia una grande sfida e un grande privilegio”.

Da Creuza de ma, a Non al denaro… da La buona Novella a Le nuvole, da Anime salve a l’Indiano, l’avventura musicale di De Andrè viene attraversata in uno spettacolo emotivo e coinvolgente, arricchito dalle immagini e dalle informazioni che lo rendono un vero e proprio concerto documentario.
Grazie a un grande interprete, una band eccezionale e video esclusivi, questo spettacolo ripercorre quindi quarant’anni di attività artistica di Fabrizio De André, raccontando un’epoca storica, il clima sociale e politico di un periodo, l’atmosfera e il sapore di un mondo e di come un visionario lo abbia attraversato, descrivendo magistralmente noi stessi, oggi.

La sua storia, la nostra storia.

“È una grande emozione poter lavorare e ideare uno spettacolo basato su una figura così imponente del panorama musicale e intellettuale italiano. L’arte e la musica svolgono nella vita delle persone un ruolo fondamentale, che Fabrizio ha saputo coniugare con una rara indipendenza e profondità di pensiero. Oggi De Andrè è più seguito ed amato che mai, le sue canzoni restano attuali, le nuove generazioni le assorbono e rimandano sui social, negli eventi.
Stiamo ricevendo un caloroso riscontro riguardo agli spettacoli che abbiamo in programma.
Abbiamo voluto dedicare questo spettacolo a un musicista e poeta visionario, proseguendo una ricerca che portiamo avanti dal 2003. Questo evento non è solo un modo per ascoltare i brani di Fabrizio ma anche una possibilità di celebrare la sua influenza storica e la sua continua conversazione con il tempo e con la contemporaneità.” afferma il regista e produttore Emiliano Galigani.

Uno spettacolo da non perdere! I biglietti sono acquistabili online (TicketOne).

Lo spettacolo è prodotto da Stage 11: il regista, Emiliano Galigani ha già realizzato, nel 2003 lo spettacolo musicale Circo Faber, con la collaborazione della Fondazione Fabrizio de André, di Dori Ghezzi e dello storico collaboratore di De André, Pepi Morgia.

Voce: Carlo Costa
Synth, minimoog, voce: Massimiliano Salani
Chitarra acustica, nylon, bouzouki, voce: Emmanuele Modestino
Chitarra elettrica, chitarra acustica, berimbeau, guitalele: Giacomo Dell’Immagine
Basso: Luca Santangeli
Flauto: Eanda Lutaj
Batteria: Alessandro Matteucci

Regia: Emiliano Galigani
Video: Domenico Zazzara
Prodotto da: Federica Moretti, Simone Giusti
Per Stage11

L'articolo DE ANDRÉ – LA STORIA 25mo anniversario proviene da Daily Mood.

Le feste sono ormai alle porte, e le strade sono piene di luminarie, addobbi, ricostruzioni di villaggi di Babbo Natale. Anche sui mezzi di comunicazione, dalla TV ai social network, è ormai questo il tema più gettonato, tra programmi, post e pubblicità. Del resto, sono state proprio le aziende con le loro campagne a plasmare l’immaginario che oggi abbiamo del Natale. Un esempio? Babbo Natale e il suo vestito rosso Coca-Cola.

Alcuni spot sono entrati a far parte della tradizione natalizia, al punto che basta un frame, o un accenno del jingle per farci tornare con la mente alle festività. Ma cosa rende alcune campagne così iconiche?

Nexal, agenzia specializzata in servizi per il marketing, dallo sviluppo web alle strategie SEO, SEM e di Social Media Management, fondata da Niccolò Parrini e Damiano Resta, e composta da un team di creativi ed esperti in comunicazione e digital marketing, tutti under 27, ha analizzato alcune pubblicità, individuando i promossi e i bocciati.

“Ogni campagna pubblicitaria che voglia fare breccia nel cuore e nella mente del suo target deve tenere ben presente il peso che ha l’aspetto emozionale. – Spiegano Niccolò Parrini e Damiano Resta – Il segreto, dunque, è riuscire a connettersi emozionalmente con il pubblico. Non è solo vendere un prodotto, ma farlo con un tocco umano che resta nel cuore. Le migliori campagne trasmettono gioia, compassione o semplice comodità, creando un legame duraturo tra brand e consumatori. Il Natale può essere un’opportunità per il marketing di brillare, ma solo se c’è il cuore nel messaggio”.

I promossi secondo Nexal

Coca-Cola: Quando Babbo Natale si Veste di Rosso
Non è Natale senza Coca Cola. È una storia d’amore durata anni, quella tra la bevanda frizzante e il periodo natalizio. Il 1995 ha segnato il primo avvistamento televisivo dei camion rossi, un’epifania che ha plasmato un’intera generazione.

Immaginate luci scintillanti, Babbo Natale in versione gigante che sorseggia felice una Coca-Cola mentre solca paesaggi innevati. È stata l’iniezione di magia natalizia che ha lasciato tutti a bocca aperta.

E quel sottofondo musicale, “Wonderful Dream (Holidays are coming)” è diventata la colonna sonora non ufficiale del Natale.

Anche se con il passare degli anni sono cambiate le scene e le melodie, quei camion rossi sono diventati un’icona. È come se il Natale non potesse cominciare finché quei camion non appaiano.

Lo spot:

Qui la versione del 2010:

Apple: Tecnologia dal cuore caldo
Eletta la migliora campagna pubblicitaria del 2013. Apple ha svelato uno spot natalizio che ha catturato l’essenza del Natale sfidando il concetto stesso di tecnologia nel periodo festivo, proponendo un’idea contrastante: se il Natale celebra la condivisione e l’unione, allora la tecnologia non dovrebbe separarci dal mondo reale.

Il protagonista, un ragazzo distante e isolato durante le festività, grazie al suo nuovo iPhone, crea un video nascosto da mostrare alla sua famiglia la mattina di Natale. Questo gesto inaspettato regala un momento di pura emozione e gioia, spezzando l’apparente distanza e creando un legame tra loro.

Apple ha brillantemente trasmesso il suo messaggio: offrire non solo prodotti all’avanguardia, ma strumenti per arricchire la nostra vita di ricordi e momenti emozionanti, specialmente durante il Natale. È stata un’interpretazione toccante dell’essenza del marchio, mostrando come la tecnologia possa, al tempo stesso, connetterci e avvicinarci alla magia delle festività.

Lo spot:

Edeka Gruppe: Emozione in Scena

L’azienda tedesca di supermercati, nel 2015, ha creato uno spot diventato virale sui social.

La storia raccontava di un anziano signore, solitario e distante dai suoi affetti più cari durante il periodo natalizio. Riceveva messaggi in segreteria dai suoi figli e nipoti che, purtroppo, non sarebbero riusciti a passare il pranzo di Natale con lui.

La sorpresa arriva la mattina di Natale: tutti i familiari vengono informati che l’uomo anziano non c’è più. Nell’incertezza e nel tentativo di raggiungerlo per un ultimo saluto, trovano invece un’inattesa scena nel salone di casa.

Non una commemorazione funebre, bensì una tavola imbandita, ricca di calore e atmosfera natalizia. Tutto ciò che i familiari vedono è il protagonista dello spot, ancora pieno di vita e chiede loro con un sorriso beffardo: “Come avrei potuto riunirvi qui da me, se non in questo modo? Mmmh?”

Un anziano solitario, un plot twist inaspettato e lacrime versate.

Lo spot:

I bocciati secondo Nexal

Domino’s: Renne, Pizza e Caos
Renne che consegnano pizze? È incredibile, ma Domino’s nel 2016 ha avuto una delle idee più strampalate per il periodo natalizio in Giappone: usare le renne come fattorini per le consegne. Se nei film questi animali sembrano docili e facilmente addestrabili per trainare una slitta piena di regali, nella vita reale le cose sono ben diverse.

L’esperimento si è scontrato con enormi difficoltà nell’addestramento degli animali, causando notevoli rallentamenti nelle consegne e pizze giunte fredde ai clienti.

Visto il flop, l’azienda ha rapidamente rivisto la strategia, travestendo gli scooter come se fossero renne, evitando guai ancor più grandi.

Il servizio al TG:

Quanto Coca-Cola fa rima con Risiko: dalle stelle alle stalle.
Persino i giganti possono inciampare, ed è esattamente ciò che è accaduto a Coca Cola nel 2016 con la sua campagna promozionale natalizia in Russia. Per celebrare il periodo festivo, l’azienda ha deciso di pubblicizzare la propria bevanda con un’immagine della mappa del paese sovietico, invitando tutti a festeggiare insieme a Coca Cola.

Ma c’è un’insidia nei confini russi: le controversie sono frequenti e spesso non hanno una soluzione definitiva. Uno dei problemi riguarda la penisola di Crimea, da tempo contesa tra Ucraina e Russia.

Coca Cola, deliberatamente, ha escluso la Crimea dalla mappa, ma è stata criticata anche per aver dimenticato altri due territori: le isole Curili e la città di Kaliningrad (riconosciuta come russa dal 1945). Le proteste della popolazione russa hanno spinto l’azienda a modificare l’immagine aggiungendo i territori mancanti. Ma la soluzione è durata poco, poiché l’Ucraina si è opposta, rifiutando di riconoscere la Crimea come territorio russo e chiedendo a Coca Cola di cambiare di nuovo l’illustrazione.

Articolo di approfondimento
https://www.wsj.com/articles/coke-holiday-ad-depicting-russia-map-stumbles-into-geopolitical-row-1452122024

Peloton: Perdere peso o 900 milioni di dollari in borsa?
Immaginate di progettare un annuncio pubblicitario, vederlo prendere vita e credere fermamente che sia la perfetta rappresentazione del vostro prodotto, con gli occhi che già brillano al pensiero dei proventi futuri, soprattutto se il vostro brand è quotato in borsa.

Questo sembrava essere il pensiero di Peloton, l’azienda fitness rinomata per le sue spin bike e i corsi di allenamento, prima di lanciare la sua campagna pubblicitaria natalizia nel 2019.

Il prodotto sponsorizzato era una spin bike con uno schermo integrato per seguire allenamenti ideati da esperti fitness selezionati dall’azienda stessa. Nello spot, si vede il fidanzato o marito regalare alla compagna la bicicletta Peloton. La donna comincia ad utilizzarla con impegno, fino a ringraziare l’uomo dopo un anno di intenso allenamento. Ma dov’è stato l’errore clamoroso?

Guardando attentamente la pubblicità, emerge una sottile (ma non così sottile, a dire il vero) forma di discriminazione di genere: l’azienda trasmette il messaggio che la donna debba perdere peso e prestare attenzione al proprio corpo, mentre l’uomo sembra non averne bisogno, comodamente seduto sul divano a osservare la partner che si impegna nell’allenamento.

La campagna ha subito un tracollo su YouTube, attirando un’ondata di critiche e commenti negativi (l’azienda ha dovuto addirittura disattivare la sezione commenti). Il danno maggiore, però, si è manifestato in termini economici, con un crollo in borsa del quasi 10%, equivalente a una perdita di valore di circa 900 milioni di dollari!

Lo spot:

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E’ soltanto di qualche mese fa, del novembre 2020, l’articolo del Guardian che la incoronava “icona culturale che ha rivoluzionato l’intrattenimento italiano e ha insegnato all’Europa la gioia del sesso”. Parole che descrivono perfettamente ciò che Raffaella ha rappresentato per la società italiana e non solo, il ruolo fondamentale del suo personaggio, che ha saputo rompere tabù, creare e anticipare tendenze, sdoganare pregiudizi, giocare divertita su sessualità e sensualità.

La sua forza era la naturalezza. Quella naturalezza che l’ha spinta ad affrontare con caparbietà e disincanto dei tempi che stentavano a cambiare. Negli anni Sessanta-Settanta appariva, soprattutto agli occhi conservatori e benpensati, come una provocatrice scandalosa. Ma era “semplicemente” una donna che riusciva a spingere il suo sguardo oltre gli schemi sociali dell’epoca, senza paura dei giudizi, senza timore della censura.

Soubrette per eccellenza, nel senso più nobile del termine – non come lo si intende oggi… –, Raffaella Carrà è stata un’artista poliedrica, capace di cantare, ballare, recitare, condurre, stando alla pari con tutti, se non un passo, anzi dieci, avanti. Amata da tutti e da tutte le generazioni che ha toccato con la sua irrefrenabile simpatia e la sua dolce sensualità, negli anni non ha mai smesso di reinventarsi, di sperimentare, di mettersi in gioco.

Pochi lo ricordano, ma ha iniziato come attrice, diplomandosi al Centro Sperimentale di Cinematografia e recitando per tanti registi, da Carlo Lizzani a Mario Mattoli, da Mario Monicelli a Steno, e poi è esplosa in televisione rendendo il suo caschetto biondo, insieme ai suoi vestiti attillati e coloratissimi, un vero simbolo di libertà e sfrontatezza.

Ha lavorato e duettato con i più grandi dello spettacolo italiano, da Corrado ad Alberto Sordi, da Alighiero Noschese a Renato Zero, soltanto per citarne alcuni, e poi ha travalicato i nostri confini, conquistando le vette delle classifiche internazionali con le sue canzoni, diventate ormai immortali. E’ stato il “primo ombelico” del piccolo schermo, scandalizzando l’opinione pubblica, ha fatto innervosire il Vaticano con il suo “Tuca Tuca”, la sua discografia è ancora oggi l’inno per eccellenza dell’amore libero, del divertimento senza freni. “Tanti auguri”, “Ballo ballo”, “Fiesta”, “Rumore” sono soltanto alcuni dei titoli che negli anni sono diventati la colonna sonora dell’appagamento, della felicità, facendo ballare e conquistando il mondo intero.

Una colonna sonora che sicuramente continuerà a cadenzare anche le prossime generazioni, con i suoi ritmi coinvolgenti e i suoi testi semplici ma unici. Esattamente come lei, come la stessa Raffaella, inimitabile icona pop, che con una “carrambata”, una risata, un balletto, è riuscita con tenerezza ed esplosività ad appassionare, divertire, coccolare il suo pubblico, ad entrare nelle nostre case, a farsi considerare una di famiglia. Da tutti. “Pronto, Raffaella?”, ci mancherai…

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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I Duran Duran nascono già nel 1978. Sono tre studenti d’arte, John Taylor alla chitarra, Nick Rhodes ai sintetizzatori e Stephen Duffy alla voce e al basso. I tre sono compagni di scuola e amano gli artisti glam e synth pop. È proprio John Taylor a suggerire il nome per la band: si chiamerà Duran Duran ispirandosi a Durand Durand, il cattivo del film Barbarella, famoso film di fantascienza con Jane Fonda. E, se ascoltate certe linee di tastiera del primo album dei Duran, sentirete che una certa atmosfera fantascientifica c’è tutta. Nella band entrerà poi Simon Colley, al clarinetto e al basso. Ma, già dopo il terzo concerto, Duffy e Colley se ne andranno. John Taylor lascerà la chitarra per imbracciare il basso, lo strumento con cui darà un groove inconfondibile al suono dei Duran Duran. Alla batteria ci sarà il secondo Taylor, Roger. Il terzo, Andy Taylor (i tre non sono parenti) entrerà nella band come chitarrista. Alla voce ci proverà Andy Wickett, che registrerà con la band alcune demo. Ma non saranno i Duran Duran che conosciamo fino a che, con la sua voce inconfondibile, non prenderà in mano il microfono Simon Le Bon.

Il biglietto da visita con cui i Duran Duran si sono presentati al mondo è il singolo Planet Earth, quello in cui si parla di new romantic in cerca del suono della televisione. È una canzone trascinante che, ancora oggi, sembra arrivare da un altro pianeta. Ci sono i synth spaziali di Nick Rhodes, il basso incalzante di John Taylor, il ritmo sincopato della batteria di Roger Taylor che si sposa alla perfezione con i salti del basso, la chitarra ritmica rockeggiante di Andy Taylor. E poi quegli effetti sonori che sembrano evocare l’atterraggio di un elicottero, o qualsiasi altro veicolo vogliate immaginare. Magari un’astronave. È qui che sentiamo già tutte le influenze che hanno reso quello dei Duran Duran un suono unico. In quella ritmica c’è, ad esempio, il groove di Giorgio Moroder, quello, per capirci, di I Feel Love di Donna Summer. L’influenza dei Roxy Music, una band che aveva dato una propria interpretazione del glam rock, la sentiamo tutta in Girls On Film, il brano che apre l’album. Ascoltate Love Is The Drug dei Roxy Music e poi questa canzone, e capirete quanto siano importanti. E poi, ancora, ci sono gli Chic, ci sono i Japan di David Sylvian, idolo di Nick Rhodes, tanto che i due sembrano due gemelli separati alla nascita. E ovviamente David Bowie, che in qualche modo aveva lanciato il movimento new romantic nel suo video Ashes To Ashes, in cu apparivano alcune comparse prese da quella scena, tra cui Steve Strange dei Visage. Nelle linee melodiche orientaleggianti di Tel Aviv, lo strumentale che chiude il disco, ci sono degli echi di alcune canzoni del Bowie della trilogia berlinese. E nella versione Deluxe di Duran Duran, del 2010, c’è una cover di Fame (che i Duran incisero come lato B di Careless Memories), il brano, tratto da Young Americans, che Bowie registrò a metà anni Settanta insieme a John Lennon. A proposito, Duran Duran fu registrato, agli AIR Studios di Londra, proprio nel dicembre del 1980, quando da New York arrivava la notizia dell’assassinio di Lennon. Più tardi i Duran confessarono quanto fu difficile portare a termine le registrazioni dopo aver sentito quella notizia. Ma in quei giorni in quello studio c’erano proprio i Japan, i loro idoli, che stavano registrando Gentlemen Take Polaroids in fondo alla sala dello studio.

Girls On Film, il terzo singolo estratto dall’album, è stato il salto definitivo dei Duran Duran verso la fama. Merito anche di un video ad effetto, arrivato proprio nel momento in cui, grazie a MTV, il videoclip diventava allo stesso tempo una forma ad arte a sé, e il miglior veicolo promozionale per lanciare un singolo e un artista in vetta alle classifiche. Girls On Film era uno di questi video: fatto per bucare lo schermo, scandalizzare, far discutere. Era stato girato dal duo Godley & Creme, musicisti e videomaker tra i più in voga al tempo, e due settimane dopo venne lanciato negli Stati Uniti da MTV. Nel video, i Duran Duran suonano di fronte a un ring, sul quale si avvicendano una serie di numeri da nightclub: una ragazza mima un combattimento con un lottatore di sumo, un’altra simula un salvataggio da parte di un bagnino, una un massaggio e una cowgirl cavalca un uomo con una testa di cavallo. La parte più spinta è quella in cui due donne, di cui una in topless, lottano nel fango. Il video fece scandalo e molte reti televisive finirono per mandare in onda la versione alleggerita, senza la scena incriminata. Ma il video integrale venne trasmesso nei nightclub dotati di schermi video, e sulle nostre tivù musicali spesso veniva tramesso. Ma è un video che ha una sua ironia e, nonostante sia spinto, non è mai volgare. A maggior ragione se visto oggi. La potenza del suono di Girls On Film e quel video così particolare portarono l’album la terza posizione nella Top 20 inglese.

La Duranmania doveva ancora iniziare, e le ragazze che avrebbero voluto sposare Simon Le Bon anche. Da lì a poco sarebbe arrivato Rio, il secondo album, e i video esotici girati da Russell Mulcahy. Sarebbero arrivate le loro canzoni più belle e più famose, quelle che avrebbero fissato per sempre nell’immaginario il suono e l’immagine dei Duran Duran. Ma il primo album aveva forse un suono ancora più sperimentale, coraggioso, innovativo. I Duran Duran, insieme a un’altra manciata di artisti, avevano lanciato il movimento dei new romantic. Un movimento fatto di musica, come detto, ma anche di look sgargianti e sfrontati. I Duran Duran, grazie alla collaborazione con stilisti come Perry Haines, Kahn & Bell e Anthony Price, a ogni video e ogni apparizione si distinguevano per il loro abiti. Se i pantaloni sono spesso quelli di pelle tipici del rock, a volte stretti, a volte più larghi e a vita alta, i nostri vestono spesso con camicioni dalle maniche larghe e dal collo a sbuffo che sembrano usciti da un film su Casanova. Hanno vistose sciarpe attorno al collo, o strette in vita a mò di cinture, e a volte portano delle fasce annodate sulla fronte. Nel loro guardaroba ci sono quelle giubbe militari che oggi vediamo molto spesso, e il tipico giubbetto del rock, il chiodo, magari è di colore bianco, come quello che indossa Simon Le Bon nel video di Girls On Film, o blu. Gli abiti sono speso di tinte pastello, ad esempio carta da zucchero. Un classico del periodo, poi, sono le t-shirt, colorate o bianche e nere, a righe orizzontali. Il trucco sul volto è spesso deciso, pesante. E i capelli sono colorati con meches, bionde o di altri colori, e spesso dalle forme molto voluminose.

Quelle parole di Planet Earth possono suonare come “qualche nuovo romantico in cerca del segnale della tv”, o “in cerca di una sigla per la tv”. Ma ci piace leggere, in quei versi, che quei new romantic stessero cercando il suono della tv, cioè il prodotto perfetto per le nuove tivù musicali che stavano nascendo, una forma d’arte che unisse musica e immagini, canzoni e videoclip perfetti e inscindibili da essere una cosa sole nell’immaginario collettivo, suoni all’avanguardia e un look all’altezza di essi. A quarant’anni da Duran Duran, se oggi vi guardate e attorno e tenete le orecchie aperte, vedrete ancora in giro tracce del look new romantic. E, se le hit dei Duran risuonano ancora, hanno lasciato anche molte tracce sonore in canzoni di oggi e in band che, da almeno vent’anni o forse di più, in qualche modo provano a recuperare il loro suono.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Krizia è un nome preso in prestito da un dialogo di Platone sulla vanità femminile, lo scelse Mariuccia Mandelli (Bergamo 1925 – Milano 2015) per la sua casa di moda. E per se stessa. Icona di stile nel mondo intero, in America era soprannominata «Crazy Krizia» e in Asia veniva trattata come una regina. Ha contribuito alla nascita del prêt-à-porter italiano e a plasmare la donna moderna a suon di plissé, hot pants, animali e materiali inediti. Dismessi i panni di maestra elementare, dopo un’infanzia trascorsa a cucire vestiti per le sue bambole, Mariuccia parte con una valigia piena di abiti da vendere alle boutique in giro per l’Italia: ha con sé idee innovative, un sorriso genuino e la tempra di una pantera. Nel giro di pochi anni costruisce un impero, alla sua corte tra i primi collaboratori ci sono Walter Albini e Karl Lagerfeld, e di fatto scrive la storia della moda con sessant’anni di collezioni.

Questa biografia si costruisce attraverso le sue stesse dichiarazioni – estratte da centinaia di interviste rilasciate dalla stilista e conservate negli archivi di «Corriere della Sera», «la Repubblica», «Vogue», «Amica», «Elle» – e la compenetrazione dell’autrice nelle sue pieghe di donna, nelle sue contraddizioni, nelle idee che l’hanno ispirata fino ai novant’anni. E nel temperamento, schietto e feroce proprio come i suoi abiti, che l’ha portata a difendere dai pregiudizi la morte di persone a lei care, come Gianni Versace e Lady Diana, a guerreggiare con la storica direttrice di «Vogue America», Anna Wintour, e a difendere con determinazione la sua innocenza nella celebre inchiesta del pool Mani Pulite sugli stilisti italiani.

Anna Marchitelli (1982) è nata, vive e lavora a Napoli. Scrive dal 2016 per il «Corriere del Mezzogiorno», dorso del «Corriere della Sera», e collabora con gli inserti speciali. Dal 2010 al 2016 ha scritto per «la Repubblica Napoli». Suoi articoli sono apparsi su «Grazia», «Vanity Fair», «D di Repubblica», «I’M Magazine», «Casa Mia Decor». Nel 2017 ha pubblicato la raccolta di poesie Certe stanze (Manni Editori), aggiudicandosi il premio «L’Iguana» dedicato ad Anna Maria Ortese. Nel 2018 ha pubblicato Tredici canti (12+1) (Neri Pozza), riscrittura delle cartelle cliniche custodite nell’archivio dell’ex manicomio di Napoli Leonardo Bianchi. Nel 2020 ha scritto per il teatro i monologhi su Emilio Caporali e Maria Amalia di Sassonia per la rassegna «Racconti per ricominciare». Sempre per il teatro ha lavorato al monologo su Krizia. Nel 2021 ha firmato i componimenti poetici per il libro d’artista del pittore Ciro Palumbo ispirato a L’Infinito di Leopardi.

Info tecniche:
Collana Beaubourg – Varia
Data di uscita: 15 giugno 2021
Pagine: 180
€ 17,00
Isbn 978-88-6799-803-6

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In questi giorni abbiamo tutti negli occhi il suo Joker, un’apparizione fugace ma di quelle che restano impresse, in Zack Snyder’s Justice League, la nuova versione del film come la voleva Snyder. Il suo Joker non è centrale nella storia, appare solo verso la fine, in un incubo, ma Snyder non voleva perdere l’occasione di far interagire il Batman di Ben Affleck con il suo peggior nemico. Nel film il Joker di Jared Leto appare di schiena, in controluce, i capelli lunghi e colorati, il rosso delle labbra completamente sbavato. Il Joker ha la parlata saccente, tagliente, la voce sottile, cantilenante, beffarda. fastidiosa. “Io sono il tuo migliore amico, hai bisogno di me” dice a Batman. Vediamo la sua faccia sgranata, in primo piano, di profilo, stagliarsi su uno sfondo assolato, infuocato. I lineamenti perfetti, quasi femminili, di Leto ci sono sempre, ma sono trasfigurati: gli occhi sono affossati, persi nel trucco nero, i colori del viso sono quelli del Joker – il bianco, il rosso e il verde – ma sono sfumati, sfigurano il suo volto. Il rosso sangue delle labbra è sbavato e incrostato, l’occhio è folle è disperato. Il Joker è vestito con un giubbotto antiproiettile di un corpo Swat sopra quella che sembra essere una camicia di forza. L’occhio è fisso, umido, la mano trema. E poi quella risata, Quella risata che in fondo è un lamento.

Jared Leto è così. Se affronta un ruolo è per non passare inosservato. Che sia un film intero o che siano 10 minuti. Se entra in un ruolo è per viverlo completamente, corpo e spirito, a costo di non uscirne facilmente. Il suo primo ruolo estremo, come dicevamo, è quello di Harry Goldfarb in Requiem For A Dream, un tossicodipendente, un ragazzo che vede nella droga un possibile business, l’occasione per svoltare: ma l’eroina viene tolta dal mercato dai fornitori, crollano gli affari e inizia l’astinenza. Darren Aronofsky, com’è nella sua poetica, prende corpi bellissimi e li sfianca, li devasta, li spinge al limite. Jared Leto si offre completamente a questo gioco, quasi che la sua bellezza sia qualcosa da cui liberarsi, qualcosa da eliminare a forza per dimostrare chi è. In questo film, come in altri, Leto allo stesso tempo scompare nel personaggio (non è più il divo, non è più la rockstar) e lo rende evidentissimo, qualcuno da cui non puoi staccare gli occhi di dosso.

Sembra quasi che sia uno scotto da pagare per la troppa bellezza. Non è un caso che, in altri due ruoli all’inizio della sua carriera, Leto abbia scelto sempre dei personaggi la cui bellezza veniva martoriata, devastata. In Fight Club, di David Fincher, basato sul romanzo di Chuck Palahniuk, Leto è Angel Face, uno dei membri del club e dei seguaci di Tyler Durden, un ragazzo che viene picchiato a sangue fino a diventare irriconoscibile. In American Psycho di Mary Harron, un altro film tratto da un romanzo cult e controverso, quello di Bret Easton Ellis, è Paul Allen, uno yuppie, un altro uomo brillante e bellissimo, un rivale del protagonista Patrick Bateman, che viene ucciso brutalmente (anche se in una scena comica dove si parla della band Huey Lewis and the News).

Ma non sono solo i suoi personaggi a risultare provati, violati, distrutti dalle vicende che affrontano. È lo stesso attore che chiede moltissimo al suo corpo e alla sua testa, che affronta sfide non facili per entrare nel personaggio, con il rischio che poi fatichi ad uscirne. Per entrare nel ruolo di Harry Goldfarb in Requiem for a Dream scelse di vivere per le strade di New York e di non avere rapporti sessuali per due mesi prima di girare il film, in modo da provare a capire in qualche modo cosa può comportare l’astinenza dall’eroina. Il ruolo di Harry è una delle sue grandi trasformazioni, delle sue sfide che spingono oltre il limite il suo corpo: perse quasi 13 chili di peso, diventando quasi scheletrico. Mentre in Chapter 27, in cui dava corpo e anima a Mark David Chapman, l’assassino di John Lennon, aumentò il suo peso di circa 30 chili.  È stata una sfida ancora più impegnativa, che gli procurò la gotta e lo costrinse a usare una sedia a rotelle. Per tornare alla normalità, Leto si affidò a una dieta di soli liquidi, a base di limonata, pepe di Caienna e acqua.

Molti anni dopo Jared Leto avrebbe ritentato una di queste imprese. In Dallas Buyers Club,   in cui appare in un ruolo di supporto accanto al protagonista Matthew McConaughey, quello di Rayon, Leto si spoglia ancora della sua aura da rockstar, ormai affermata, per donare i suoi lineamenti delicati a un uomo che si sente donna e vorrebbe esserlo. Il suo look è ispirato in parte a Marc Bolan, star del glam rock degli anni Settanta. Ancora una volta è dimagrito notevolmente, quasi 14 chili. E, per entrare nel personaggio, durante le riprese girava vestito da donna anche fuori dal set.

Attraverso una lunga galleria di ruoli, che comprendono l’eclettico protagonista di Mr. Nobody di Jaco Van Dormael, quello in Blade Runner 2049, ma anche altri rifiuti (Flags Of Our Fathers di Clint Eastwood, e Awake – Anestesia cosciente, tra gli altri) arriviamo ai giorni nostri. Accanto al Joker di Snyder, criminale eccessivo e appariscente, ce n’è un altro, anonimo e grigio, quello che vediamo in Fino all’ultimo indizio (The Little Things), di John Lee Hancock. Non sappiamo se è proprio un criminale. Certo, è uno degli indiziati per i delitti su cui i poliziotti Denzel Washington e Rami Malek stanno indagando. È un uomo qualunque, dall’aspetto trascurato, smunto, unto, ha lo sguardo folle e affebbrato. Ancora una volta, come il suo Joker, ma in modo completamente diverso, è irridente, indisponente. È uno di quei personaggi che ami odiare. Ancora una volta Jared Leto è andato agli antipodi della sua immagine, si è mimetizzato, è mutato. Qualsiasi sia il suo ruolo, lui ogni volta è l’outsider. È il Joker. Nel senso che è la carta che scompagina il mazzo.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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All That You Can’t Leave Behind nasce da una sorta di insoddisfazione, di scottatura degli U2 con l’album precedente, Pop, un disco contaminato, elettronico, scintillante e decadente che non aveva incontrato appieno il favore del pubblico americano: un “relativo” insuccesso del disco e alcune date che non erano andate sold out, sempre negli States li avevano fatti riflettere. “L’esperienza di Pop ci aveva lasciati pieni di lividi ed ematomi” raccontò Bono. “Anche se i biglietti e i dischi venduti erano nell’ordine di milioni, il disco non aveva entusiasmato come avevamo sperato. Ci lasciò la sensazione di non aver messo i puntini sulle i e i trattini sulle t”. Oggi quel disco è un vero e proprio “cult” tra i fans. Ma allora gli U2 sentivano il bisogno di un ritorno a casa, alle origini, perché a forza di reinventarsi si finisce per essere prevedibili, come disse Bono. Tornare a casa per i quattro di Dublino vuol dire tornare a lavorare con gli storici produttori Brian Eno e Daniel Lanois, gli artefici dei capolavori The Unforgettable Fire, The Joshua Tree e Achtung Baby. E tornare a registrare senza pressioni, in un’atmosfera rilassata. È così che nascono canzoni come Kite, uno di quei pezzi che, appena usciti, sono già un classico. È una canzone che prende vita da un momento da papà di Bono: di ritorno da un tour decide di portare le sue bambine, Jordan e Eve, sulle colline vicino a casa per far volare un aquilone. Ma a quel papà premuroso ma un po’ imbranato il filo scappa di mano e l’aquilone vola via, e si disintegra. Kite parla di questo. Del lasciar andare. Ma il Bono che canta è il papà che sa che lascerà andare le sue bambine un giorno, o è il figlio che sa che sarà suo padre a lasciarlo? Kite è una delle prime canzoni ad essere registrate, e la voce di Bono arriva a delle vette che non raggiungeva da anni. Quando canta i versi “I’m a man, I’m not a child” restano tutti a bocca aperta. Erano dieci anni che non c’era una nota così alta, a voce piena, in un disco degli U2.

Ma accanto a quella voce così libera di volare ce n’è un’altra, una voce rotta dalla notte e dall’alcool.  È proprio la traccia dopo Kite, la n.6, In A Little While, “un hangover che si trasforma in una canzone gospel”, grazie al consiglio di Joey Ramone, che l’aveva ascoltata prima di morire. Il leader degli U2 arrivò in studio dopo aver fatto le sei di mattina, dopo una nottata di baldoria, e aver dormito un paio d’ore. Con i postumi della sbornia, con una voce roca, ha intonato una canzone d’amore, per la sua Ali “quella piccola ragazza con gli occhi spagnoli”, quei Spanish Eyes a cui aveva già dedicato una canzone ai tempi di The Joshua Tree. In A Little While, cantata con quella voce, diventa comica, e allo stesso tempo accorata, struggente, vera.

All That You Can’t Live Behind sarà il disco degli affetti, della tenerezza, ma anche del dolore e della perdita. Il titolo viene dalle strofe iniziali di Walk On, un brano mid tempo epico, in classico stile U2 (dedicato a Aung San Suu Kyi, allora leader dell’opposizione in Birmania, poi macchiatasi di varie violazioni dei diritti umani, una volta al potere, per cui la dedica è stata rinnegata), che recitano “And love is not the easy thing, the only baggage you can bring is all that you can’t leave behind” (l’amore non è una cosa facile, il solo bagaglio che ti puoi portare è quello che non ti puoi lasciare dietro). E quello che non puoi lasciare dietro è l’amore, gli affetti più intimi.

È un disco con il quale gli U2, per la prima volta, guardano al loro passato. Beautiful Day, il primo singolo e la canzone che apre l’album, è sostenuta da un suono di chitarra, una Gibson Explorer, un classico suono U2 che la band non usava dai tempi di War, nel 1983. E così ha discusso molto se fosse il caso di riproporlo. Ma alla fine non ci sono stati dubbi. Perché per “rispondere all’inserzione per il lavoro di miglior band del mondo” (come avrebbe dichiarato Bono ai Grammy Awards, proprio dopo aver vinto con questo disco) si può anche riprendere un suono che è un marchio di fabbrica. La canzone, che parla di un uomo che ha perso tutto, ma sente che può vivere ancora una bella giornata, è un brano semplice ma complesso: c’è una parte di batteria elettronica, ci sono violini, un giro di tastiere che è diventato un giro di chitarra, e dei cori nati per caso e diventati quella pennellata di colore che serviva alla canzone.

All That You Can’t Leave Behind è anche un disco che parla tanto di morte. Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of è dedicata a Michael Hutchence, amico di Bono e leader della band degli INXS, morto suicida qualche anno prima. È una canzone particolarissima, nata al piano grazie a The Edge, con degli accordi gospel e un ritornello che profumava del soul della Motown. Bono voleva scrivere un testo che non fosse sdolcinato e sentimentale. Perché Michael non lo avrebbe voluto, gli sarebbe piaciuto ben altro. E quella canzone così pop andava bilanciata. Così se ne uscì con quei versi con cui attacca il pezzo, “I’m not afraid of anything in this world, There’s nothing you can throw at me that I haven’t already heard” (Non ho paura di niente a questo mondo, non c’è niente che tu possa gettarmi addosso che non abbia già sentito). È una sorta di dichiarazione di sfida, “come quando si sporge la mascella in fuori prima di una rissa”, disse Bono. Briano Eno trasformò il brano in qualcosa di unico: Edge aveva suonato il giro della canzone su un piano e lo aveva passato su un sequencer. Eno prese le note, eliminò le prime e le seconde e lasciò solo le terze note di ogni giro. In questo modo l’intro della canzone diventa qualcosa di sospeso e incantato, come se fosse il rintocco di alcune campane. Peace On Earth, dedicata alle vittime di un attentato a Omagh che, nell’agosto del 1998, rischiò di far fallire le trattative di pace in Irlanda, è invece una preghiera sommessa e accorata perché si fermi la violenza. Ma la morte tornerà ancora, nella storia di questo disco.

All That You Can’t Leave Behind è sempre stato raccontato come il ritorno alle origini “U2 back to their basics”, ma è qualcosa di molto altro. C’è la voglia di tornare suonare in quattro, chitarra, voce, basso e batteria, certo, ma è forse il disco meno rock della band. C’è dentro il gospel, il soul, alcune cose di Al Green e Dusty Springfield, i Beatles di Ob-La-Di, Ob-La-Da, che Edge avvicina a Wild Honey, il brano più leggero dell’album, non amatissimo dai fan. Ha dentro alcuni suoni che arrivano dal passato, ma All That You Can’t Leave Behind non suona come nessun altro disco degli U2, né precedente, né successivo. Ha un suono fuori dal tempo, sospeso tra le epoche e tra i generi. La produzione di Brian Eno e Daniel Lanois, in realtà, ha soffocato in molti punti la potenza del suono degli U2. Ma è un disco che ha una sua dolcezza. È un disco curativo, capace di sollevarti quando sei a terra, di carezzarti, di abbracciarti. E anche di darti un bel calcio per farti ripartire.

E così la band è ripartita, in un giro in torno al mondo, nell’Elevation Tour. Un concerto che, come il disco, doveva essere un ritorno all’essenziale dopo gli eccessi del PopMart Tour. Un concerto pensato per essere suonato al chiuso, nelle arene (solo i concerti a casa nostra, a Torino, e a casa loro, allo Slane Castle vicino Dublino, sono stati outdoor), con una passerella a forma di cuore ad avvolgere il pubblico e quattro schermi in bianco e nero a riprendere i quattro musicisti, che arrivano in scena con le luci ancora accese. Il concerto sarà, anche qui, molto più articolato, di quello che sembra. Ce lo ricordiamo per Bono ed Edge che si guardano negli occhi, mentre la musica si ferma, per cantare l’ultima strofa di In A Little While, “slow down your beating heart”, per la versione più bella di The Fly mai sentita, per Bullet The Blue Sky che Bono dedica a John Lennon e, parlando del suo assassino, Mark Chapman, diventa un’invettiva contro la lobby delle armi americana, che fa sì che sia così facile per tutti possedere una pistola.

Sarà, in qualche modo, ancora la morte a rendere memorabili alcuni concerti del tour. Quello di Torino, andato in scena nel luglio del 2001, il giorno dopo i fatti del G8 di Genova e la morte di Carlo Giuliani, vedranno un Bono infuocato gridare “violence is never right”, durante Sunday Bloody Sunday. Sarà in concerto lunghissimo, con due fuori programma, dovuti alla comunione che si era creata tra il pubblico e la band, che non ne voleva proprio sapere di lasciare il palco. Gli occhi lucidi, emozionati di Bono che guarda il pubblico prima di lasciare la scena sono difficili da dimenticare. La morte di Bob Hewson, il padre di Bono, arriverà durante le date inglesi e irlandesi del tour, e la band suonerà, nell’attesissimo concerto di Slane Castle, a fine agosto, proprio il giorno dopo il funerale di Bob, rendendo anche quel concerto unico. Ma gli U2 si troveranno anche a suonare a New York, al Madison Square Garden, pochi giorni dopo gli attentati dell’11 settembre 2001. Ancora una volta la loro musica è lenitiva- Durante Where The Streets Have No Name, le luci si accendono per inquadrare il pubblico. Ci sono 10mila persona con il volto in lacrime. “Siete bellissimi stanotte” grida loro Bono. È un verso che diventerà City Of Blinding Lights. Ma è un altro disco. E un’altra storia.

Uno dei concerti del tour, quello di Boston, è uno dei contenuti speciali dell’edizione Super Deluxe della ristampa, in cd o in vinile:19 canzoni dallo Staples Center per capire che atmosfera si respirasse in quei concerti. Ma non c’è solo quello. C’è The Ground Benath Her Feet, una canzone d’amore insinuante e dolente, una delle più belle mai scritte, ispirata a un libro di Salman Rusdhie e finora inclusa solo nell’edizione inglese dell’album, e nella colonna sonora di The Million Dollar Hotel, il film di Wim Wenders scritto da Bono. È da quel disco che arriva anche Stateless, un brano liquido, soffuso, che vede gli U2 in piena libertà creativa. Un intero disco dell’edizione speciale è dedicato alle canzoni di quel periodo che non sono mai entrate nell’album. Una di queste è Levitate, che ha un suono un po’ più “sporco” rispetto ai suoni un po’ patinati, edulcorati di ATYCLB. In certe parti di chitarra, in quelle batterie pesanti, con una sorta di riverbero, si sente qualche eco di Achtung Baby. Ascoltata 20 anni dopo, suona ancora piuttosto fresca. E colpisce con quel verso, “I want a love that’s hard, hard as hate” (voglio un amore che sia duro, duro come l’odio). Sta bene in un cofanetto che racconta il periodo di All That You Can’t Leave Behind, un disco di suoni lievi, ma di sensazioni forti.

Un disco di cui, passati vent’anni, è rimasto molto. Beautiful Day e Elevation sono entrate nei classici degli U2, e sono suonate in ogni concerto. Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of è rimasta un piccolo gioiello, ed è stata riproposta in una versione acustica, che trovate nel cofanetto. E Walk On, dopo quello che è successo, non è più legata alla leader birmana, ma è tornata a nuova vita, in una toccante versione acustica, proprio la scorsa settimana, durante l’esibizione di Bono e The Edge a una trasmissione televisiva irlandese. Vent’anni fa, in Kite, Bono raccontava già un mondo che sembrava quello di oggi, dove il rock è in secondo piano, le star dell’hip-hop sembrano raggiungere di più i gusti del grande pubblico, e la musica vive soprattutto sui social media.. “The last of the rock stars, when hip hop drove the big cars, in the time when new media was the big idea”. “L’ultima delle rockstar, quando l’hip hop guida i macchinoni, al tempo in cui in nuovi media erano la grande idea”. Bono voleva raccontare quell’epoca. Ha finito per raccontare i giorni di oggi. Dove è ancora, con i suoi U2, l’ultima delle rockstar.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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C’è da scommettere che la Eva Kant di Miriam Leone possa diventare uno di quei personaggi capaci di stamparsi nell’immaginario collettivo. Nella galleria di Miriam Leone uno di questi c’è già. È la Veronica Castello della trilogia seriale 1992, 1993 e 1994, andata in onda su Sky, la soubrette in cerca spasmodica di apparenza e successo. Quando Miriam diventa Veronica quegli occhi verdi si velano di dolore, disillusione, cinismo. Dark lady allo stesso tempo sensuale e dolente, Veronica Castello è un personaggio attualissimo, paradigmatico di un certo modo di intendere la politica e lo spettacolo, che finiranno per rivelarsi la stessa cosa. “La bellezza è potere” le dice il Leo Notte di Stefano Accorsi, in un episodio di 1994, la terza stagione, e sono parole che anticipano la politica che sarebbe venuta, gli scandali di Ruby e delle Olgettine, le politiche veline come Mara Carfagna e Nicole Minetti. 1994 è il momento in cui Veronica arriva al successo, alla consacrazione. Ma dietro quei luminosi occhi verdi c’è sempre quel costante velo di tristezza, la consapevolezza dell’impossibilità di fuggire dal suo passato e dal suo destino di donna oggetto. Veronica Castello è un personaggio indimenticabile.

Ma Miriam Leone riesce a sorprenderci sempre. Al cinema, quasi per una sorta di compensazione, è sempre apparsa in ruoli più leggeri. Pensiamo all’apparizione in Per guerra o per amore, di Pif, o a Metti la nonna in freezer, di Giancarlo Fontana e Giuseppe G. Stasi, in cui è davvero una bellezza acqua e sapone, una ragazza della porta accanto (per quanto Miriam Leone possa essere una ragazza della porta accanto), in un film in cui il rosso dei capelli e il verde dei suoi occhi si compongono alla perfezione con gli altri colori vividi della messa in scena di Fontana e Stasi. E ancora, Miriam Leone è sorprendente e inedita nel ruolo di Anna, la protagonista del film Amore a domicilio, di Emiliano Corapi, uscito quest’estate direttamente su Prime Video, dove riesce a mettere da parte la sua innata eleganza per entrare nel personaggio di una ragazza qualunque, agli arresti domiciliari, senza rinunciare a un briciolo della sua sensualità. Il suo è anche un grande lavoro sul personaggio. È sua l’idea di farla parlare con l’accento siciliano: per raccontare un personaggio immaturo sentimentalmente l’attrice ha pensato di tornare al suo passato, alla sua incompiutezza, ispirandosi a dei personaggi incontrati ai tempi dell’università.

Miriam Leone è nata a Catania il 14 aprile 1985, e ha vissuto ad Acireale. È entrata nello show business da una di quelle porte principali che, però, spesso, rischiano di portare a un’eterna anticamera: è stata Miss Italia (ma anche Miss Cinema, e mai titolo fu così profetico…) nel 2008, ma, come pochissime altre, è riuscita da subito a togliersi di doso quella corona e quella fascia che spesso rischiano di caratterizzare un personaggio per sempre. Quante ragazze sono rimaste alla definizione “Miss Italia dell’anno…”? Di Miriam Leone come reginetta di bellezza non ci ricordiamo quasi più. Ci ricordiamo di averla vista come co-conduttrice qualche anno fa di una serata di presentazione dei palinsesti della Rai, e sembrava avviata a una carriera come tante, qualche servizio, qualche programma in tv. E invece ha saputo stupirci. Come tutti i suoi personaggi, ha saputo prendere in mano il suo destino, costruire una carriera impeccabile, che oggi l’hanno portata ad essere una star del nostro cinema e della nostra serialità. Bellezza unica, è stata anche testimonial di Gucci. E chissà dove potrà arrivare in futuro.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Un mostro, o un supereroe, dipende da dove lo si guarda. Come l’Enzo Ceccotti di Lo chiamavano Jeeg Robot, una forza sovraumana fuori, grazie all’incontro con una misteriosa sostanza trovata in dei barili nel Tevere, una fragilità incredibile dentro, fatta di solitudine e di un passato non facile. Eroe per caso, anzi eroe per niente, visto che il primo modo di usare i poteri è per il proprio tornaconto. Eroe per scelta, ma non sua, poi, visto che è una ragazza, Alessia, che in lui vede un eroe, e che lo convince ad essere quello che è.

I capelli ricci e neri, il fisico prestante, i tratti del viso decisi e quegli occhi blu, che sanno, a seconda delle esigenze di copione, diventare freddi e magnetici, o profondi e pieni di sentimento. Claudio Santamaria, sul grande schermo, sa essere affascinante e ambiguo, ma anche spaesato, tenero e depresso. Non a caso, in uno dei film che l’ha consacrato star del nostro cinema a metà degli anni “zero”, Romanzo criminale, è stato il Dandi, criminale che, come dice il nome, oltre che spietato è anche un rubacuori. È sempre in quegli anni che, in una sorprendente sortita nel cinema internazionale, ha interpretato Carlos, un killer spietato nel film di 007 che inaugurava l’era di Daniel Craig: un ruolo senza parole, ma riuscitissimo.

Il rovescio della medaglia è il percorso con Gabriele Muccino, che in lui ha saputo trovare un altro lato: la fragilità, la sensibilità, l’estrema insicurezza. La avevamo saggiata nel suo memorabile ruolo ne Il primo bacio, dov’era un ragazzo geloso e iracondo da un lato, e schiacciato dalla famiglia dall’altro. Quella insicurezza, lo avremmo scoperto nel seguito, Baciami ancora, sarebbe sfociata nella depressione e in un tragico finale. Con toni meno tragici, il Santamaria fragile è tornato anche nell’ultimo film di Gabriele Muccino, Gli anni più belli. Claudio Santamaria è Riccardo, chiamato da tutti il “sopravvissuto” (ma, in fondo, anche Enzo Ceccotti lo è), per essersi ripreso dopo essere stato colpito da una pallottola della polizia a una manifestazione. “Il mio personaggio cerca una sua identità, è un personaggio smarrito” ci aveva raccontato l’attore in occasione del lancio del film. “Rappresenta una generazione smarrita, cerca la sua strada in politica, in un movimento di pancia. Ma la sua onestà non è sufficiente per fare politica: serve una competenza che lui non ha. Quando parla della libertà di opinione che ha dato internet si sente che non ha mai avuto modo di esprimersi”.

Claudio Santamaria ancora una volta non ha paura di mettersi in discussione. Con la sua avvenenza, con il suo volto, potrebbe fare sempre il bello, l’eroe. E invece è bravissimo a fare il fragile, l’incompreso, l’incompiuto. Se torniamo a Batman, in particolare a quello fatto di mattoncini di plastica dei due Lego Movie e di Lego Batman, a cui Santamaria presta la voce, troviamo un altro personaggio incompiuto. “Viene fuori quel Bruce Wayne rimasto bambino, a cui hanno ucciso i genitori: che è rimasto solo, viziato, miliardario pieno di sé, conscio del fatto che lui, avendo conquistato il suo essere eroe con la fatica e la dedizione, si prende tutti i meriti. Superman è un alieno e non fa nessuno sforzo, lui invece sì”.

Nato a Roma il 22 luglio 1974, cresciuto nel quartiere Prati, Claudio Santamaria non è solo un attore e un doppiatore, ma sa anche cantare benissimo. Non dimentichiamo il suo ruolo nella fiction dedicata a Rino Gaetano, Rino Gaetano – Ma il cielo è sempre più blu, dove ha cantato tutte le canzoni. E non dimentichiamo anche la canzone dei titoli di coda di Lo chiamavano Jeeg Robot, che è la sigla dei cartoni animati che guardavamo da bambini, cantata in un’intensa versione intima, chitarra acustica e voce. Una canzone che Santamaria ha provato una sera, un po’ per gioco, e che è diventata un momento importante del film, la canzone che chiude la storia. Lo chiamavano Jeeg Robot è il film che gli ha regalato, alla terza candidatura, il David di Donatello come miglior attore protagonista. Dal 2017 Santamaria è legato alla giornalista Francesca Barra, con cui si è sposato nello stesso anno.

Qui sopra vi abbiamo parlato di quegli occhi. In un film come Freaks Out, in cui recita con il volto coperto da un vistoso trucco per creare il volto peloso del suo personaggio, gli occhi saranno ancora più importanti, fondamentali, per raccontarlo. E per creare con noi che guardiamo quell’empatia con i personaggi che, lo sappiamo da Lo chiamavano Jeeg Robot, è una delle caratteristiche vincenti della premiata ditta Mainetti, Guaglianone, Santamaria. L’appuntamento è per il 16 dicembre.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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 DAVID E IGGY NEL CASTELLO.
Alla fine dello Station To Station Tour, Bowie e Iggy si trasferirono allo Château d’Hérouville, un antico castello in Francia diventato uno studio di registrazione, dove Bowie aveva registrato il suo disco Pin Ups nel 1973. Bowie, innamorato del posto, decise che il primo album di Iggy dopo tre anni sarebbe stato registrato lì. Laurent Thibault, ex bassista del gruppo prog rock dei Magma, e proprietario dello studio, sarebbe stato l’ingegnere del suono e avrebbe suonato il basso. Alla batteria ci sarebbe stato Michel Santangeli. Bowie e Iggy arrivarono nel castello alla fine di giugno del 1976. Bowie entrava in studio con delle tracce di canzoni, degli arrangiamenti molto scarni. Si sedeva al piano elettrico e dava delle indicazioni piuttosto vaghe a Santangeli. Una volta che la parte ritmica lo aveva soddisfatto, passava a un altro pezzo. Fu un lavoro piuttosto veloce, giusto un paio di giorni. The Idiot, quello che sarebbe diventato il nuovo disco di Iggy Pop, nacque così. E questo sarebbe stato il metodo di lavoro di tutti gli altri dischi del periodo berlinese (che iniziò proprio qui, in Francia) di David Bowie, Low, “Heroes” e Lodger, vennero registrati con questo metodo. Una volta registrata la sessione ritmica, Bowie suonò la chitarra (anche se poi chiamò Phil Palmer per risuonare alcune parti). The Idiot è uno dei dischi dove è più presente il Bowie musicista: oltre alla chitarra suonò i sintetizzatori, il piano elettrico, il sassofono e realizzò anche i cori. Poi fu la volta di Thibault al basso, le cui parti furono registrate, ancora una volta, con poche indicazioni da parte di Bowie. Il sound che avrebbe avuto The Idiot era quasi pronto. Arrivarono poi due fidati collaboratori di Bowie, George Murray e Dennis Davis, per registrare la sezione ritmica di Sister Midnight, che avevano già suonato con Bowie nello Station To Station Tour, e che per questo suona diversa rispetto alle altre del disco: più funky e rilassata, è stata definita “una Golden Years più scura e inquieta”. L’altro brano a cui suonarono i due è Mass Production, che chiude l’album.

CHINA GIRL.
In tutto questo, Iggy Pop stava ancora partecipando poco a quello che, a tutti gli effetti, sarebbe stato il suo nuovo album, anche se tutta la musica era di Bowie. Iggy girava per lo studio, si sedeva in regia ad ascoltare e prendere appunti per i testi. Ma spesso li improvvisava al momento, davanti al microfono. È una modalità che affascinava Bowie, tanto che avrebbe lavorato così in uno dei dischi seguenti, il famoso “Heroes”. Spesso i testi nascevano su suggerimento di Bowie: Dum Dum Boys, ad esempio, era il racconto delle giornate di Iggy con gli Stooges. Ma il testo più famoso nacque proprio in quel castello, che era anche un rifugio per le celebrità. E dove Iggy incontrò la ragazza dell’attore Francese Jacques Higelin, Kuelan Nguyen, vietnamita, con cui scattò un’immediata intesa e nacque una relazione. La loro storia finì presto, ma diede a Iggy l’idea per una canzone d’amore romantica e apocalittica. È così che prese vita China Girl. Finita l’esperienza al castello, Bowie e Iggy si spostarono al Musicland di Monaco, lo studio di proprietà di Giorgio Moroder, dove vennero registrate le voci e dove vennero messi a punto alcuni brani. Per Mass Production, ad esempio, Thibault creò un nastro gigantesco, grazie al quale mandava in loop ondate di suono, in modo da ricreare l’effetto della sirena di una fabbrica: un’anticipazione di quella che, anni dopo, sarebbe diventata la musica industrial.

AVVOLTO DA UNA NEBBIA E UNO STORDIMENTO ALCOLICO.
The Idiot, che uscirà nel marzo del 1977, è da molti considerato una sorta di prototipo per Low, il primo disco della nuova vita di Bowie. In un certo senso lo stesso Bowie lo ammise, dicendo di aver usato Iggy “come cavia per il suono che volevo ottenere”. È comunque un grande disco, spesso sottovalutato, che segna un momento di passaggio per entrambi gli artisti. Se Low sarà il disco con cui Bowie riemergerà dalle sue dipendenze, The Idiot è ancora “avvolto da una nebbia e uno stordimento alcolico e di droghe, ma proprio per questo è più ostico e sicuro di sé” come scrive Thomas Jerome Seabrook nel libro Bowie – La Trilogia Berlinese. Per Iggy è il primo disco in quattro anni, ed è un nuovo inizio a tutti gli effetti, lontanissimo dal suono grezzo e furibondo, dalla “raw power” degli Stooges. The Idiot è gelido, controllato, notturno, è un suono fatto di bassi rimbombanti, batteria motorik e di sintetizzatori. È, in tutta la carriera di Iggy, il disco più distante dai suoni a cui viene associato. E in cui Iggy, su richiesta di Bowie, rinuncia alle sue urla, e canta su un registro baritonale, quasi da crooner. The Idiot sarebbe uscito qualche mese dopo il prossimo disco di Bowie, Low. Con una mossa astuta, Bowie scelse di far uscire prima la sua opera, in modo che non si pensasse che, in qualche modo, fosse lui a seguire la scia di Iggy.

PARLANDO CON DRACULA E LA SUA CIURMA.
Se Sister Midnight, la canzone che apre il disco, è ancora debitrice del suono precedente di Bowie, ed è nata durante il tour di Station To Station, con il suo stile kraut funk, ma con un nuovo testo di Iggy che le fa assumere un nuovo significato edipico, Nightclubbing è il primo brano nella storia di Bowie, e anche in quella di Iggy, in cui viene usata la batteria elettronica, probabile influenza del lavoro negli studi di Moroder. Il testo è autobiografico, e sarà un’influenza importante nelle future composizioni di Bowie, che si sposteranno verso uno stile di racconto più crudo e diretto. Funtime è forse il pezzo del disco più vicino al suono degli Stooges, ma è carico di effetti spaziali e ricorda alcuni suoni che ritroveremo su Fashion, la canzone di Bowie che uscirà su Scary Monsters. Anche questo è un brano autobiografico: cantato in prima persona plurale, come Nightclubbing, è evidentemente il racconto di due persone: e rievoca gli ultimi, inquietanti, giorni di Bowie e Iggy a Los Angeles (“parlando con Dracula e la sua ciurma”). E poi c’è China Girl. È il brano più famoso del disco: la conosciamo tutti per la rilettura pop che ne fece Bowie negli anni Ottanta (per far guadagnare all’amico qualche diritto d’autore) con quelle chitarre funky finto-orientali create da Nile Rodgers, i cori dolciastri e quel famoso “shhh”. Senza tutto questo, la canzone che appare su The Idiot, con quella “chitarra raddoppiata ed esuberante, quei sintetizzatori che sbucano fuori dal nulla”, di cui parla Seabrook nel suo libro, riesce a catturare e a ipnotizzare a ogni ascolto. È una canzone disperata e struggente. Iggy canta, declamando (Bowie gli chiese di cantare “come se fosse Mae West”), una storia d’amore e rinuncia, conscio che, la sua ragazza orientale, in fondo, dovesse stargli lontano perché i suoi costumi occidentali avrebbero finito per corromperla. Bowie disse che China Girl è una canzone che parla di “invasione e sfruttamento”.

QUEL RIFF SCRITTO ALL’UKULELE, SUL SUONO DI UN TELEGRAFO.
Dopo un tour di successo di Iggy Pop in Inghilterra e negli Stati Uniti, dove Bowie rimase in disparte a suonare le tastiere (ma in cui almeno metà del pubblico accorreva per vedere lui), Iggy Pop e David Bowie si misero a lavorare al nuovo disco di Iggy. The Idiot non era andato oltre il 30esimo posto delle classifiche inglesi, ma era esploso il punk, e Iggy, che con gli Stooges suonava quella musica molti anni prima, era diventato per tutti il capostipite del punk, uno dei re del rock’n’roll. Ma era anche vero che, ovunque andasse, il nome di Bowie alleggiava sempre intorno a lui. Lust For Life, il disco che avrebbe seguito The Idiot, sarebbe stato un disco molto diverso. Ai due, nell’appartamento berlinese di Iggy, si unì Ricky Gardiner, un chitarrista che tirò fuori il riff di The Passenger, che diventerà uno dei più famosi degli anni Settanta, e di tutta la storia del rock. Un altro celebre riff, quello tambureggiante di Lust For Life, lo scrisse Bowie all’ukulele, seguendo il ritmo del messaggio su un telegrafo morse ascoltato nel tema del network televisivo dell’esercito.

IGGY SI LIBERA DALLE CATENE.
Lust For Life è stato registrato agli Hansa Studios di Berlino, dove ai tre musicisti si unirono Carlos Alomar, alla chitarra, e Hunt e Tony Sales: la batteria e il basso dei due fratelli sono trascinanti, danno una marcia in più, un tocco inconfondibile al suono di Lust For Life. Che è a tutti gli effetti un disco rock, in cui ogni strumento suona come se fosse stato appena collegato all’amplificatore, diretto e senza effetti. In The Idiot Bowie aveva lavorato a lungo ad atmosfere e sovraincisioni, ma stavolta tutto questo non serviva. Lust For Life è il disco rock che tutti si sarebbero aspettati da Iggy Pop nel 1977, quello più vicino a Funhouse e Raw Power degli Stooges. È il disco che lui voleva fare, quello con cui prendersi quel successo che sentiva di meritare. È Iggy che si libera delle catene. È un disco diretto, registrato in due settimane, lontano dai lavori di Bowie dell’epoca. Iggy non fa più il crooner ma tira fuori il suo “urlo”. Per vari motivi, ma soprattutto per il bisogno di Iggy di camminare con le sue gambe, non ci sarà un terzo disco dei due insieme, anche se era previsto. Iggy e Bowie non lavoreranno più insieme fino a metà degli anni Ottanta. Lust For Life sarebbe uscito il 9 settembre del 1977 per la RCA, in un periodo molto delicato: Elvis Presley, il Re del Rock, era morto da tre settimane e la casa discografica era presa da altri pensieri per dedicarsi alla promozione del disco. Anche la stampa, che aveva acclamato Iggy in occasione di The Idiot, era stata piuttosto tiepida con Lust For Life.

CHI È IL PASSEGGERO?
Ma il responso definitivo sul disco lo avrebbe detto la Storia. Lust For Life è il disco che contiene le canzoni più famose del repertorio di Iggy, quelle che dureranno per sempre. La title-track, nata da quell’intuizione di Bowie all’ukulele, seguendo il messaggio in codice morse di un bollettino dell’esercito americano, sarebbe tornata in auge vent’anni dopo la sua uscita, grazie a Danny Boyle e al suo Trainspotting, e al famoso monologo “choose life” di Ewan McGregor. Quel giro di ukulele, con l’apporto di Hunt Sales e Tony Sales, sarebbe diventato un magnifico pezzo di stomp rock’n’roll, una versione punk e devastata di You Can’t Hurry Love delle Supremes, che ricorda molto per il suo incedere ritmico. Iggy, improvvisando al microfono come nel suo stile dei tempi, canta della sua nuova vita, dell’addio alle vecchie abitudini sue e di Bowie (“basta spaccarsi con liquori e droghe”) e si lancia in riflessioni su striptease e film di tortura. I cori di Bowie e dei fratelli Sales arrivano ad arricchire il ritornello. Ma Lust For Life è anche il disco di The Passenger, una canzone che non uscì come singolo – avrebbe fatto venire giù il mondo – ma solo come lato b di Success: sarebbe entrata nella leggenda con il tempo, grazie alle cover di Siouxsie And The Banshees e di Michael Hutchence, allo spot di una nota casa automobilistica e, da noi, alla sigla di Tempi moderni, storica trasmissione di Daria Bignardi. Ricky Gardiner, autore di uno dei riff di chitarra più famosi della storia del rock, ricorda di averlo composto in un momento di ispirazione “wordsworthiana” (il riferimento è al poeta romantico inglese William Wordsworth, secondo cui la poesia nasce dai ricordi rielaborati in momenti di tranquillità) mente era in giardino, circondato da un muro. Appena sentì il riff, Iggy Pop ne intuì subito il potenziale. E allora cominciò immediatamente a cantare la prima strofa, presa dalla poesia di Jim Morrison, Notes On A Vision, in cui la vita moderna viene descritta nel contesto di un viaggio in macchina. C’è che dice che “il passeggero” sia lo stesso Iggy, intento a percorrere su e giù Berlino in metropolitana, lungo la S-Bahn, altri che sia proprio David Bowie, passeggero intento a scovare nuove influenze musicali ovunque andasse. Il fascino della canzone, oltre all’irresistibile riff di Gardiner e al monologo di Iggy Pop, è in quel coro del ritornello, quel “la la la”, che Seabrook definisce “nihilista e incredibilmente accattivante allo stesso tempo”.

ANDRÀ TUTTO BENE.
Tra i brani di Lust For Life c’è anche Tonight, che arriva dopo 4 brani uptempo, un brano cupo in cui, tra lamenti di chitarra, Iggy racconta la storia di un’amante eroinomane che aveva trovato nel suo letto mentre stava diventando blu. Quando entra in scena la melodia, tra chitarre funky alla Sound And Vision, e quel ritornello “Andrà tutto bene stanotte”, il tutto suona beffardo, una presa in giro, un po’ come le parole del testo di “Heroes” di Bowie. Sette anni più tardi, come accadde con China Girl, diventata una hit pop, Bowie trasformò anche questa canzone in un pezzo reggae dolciastro e plastificato, che diede il titolo al suo album del 1984. Bowie chiamò, secondo la moda del periodo, anche Tina Turner a duettare con lui, togliendo però la parte iniziale del monologo di Iggy, che rendeva così cupa la canzone, e di fatto, togliendole tutto il significato. I “Bowie Years” di Iggy Pop si sarebbero fermati qui, ma solo per il momento. Bowie avrebbe suonato con quasi tutti i componenti della band di Lust For Life: Carlos Alomar sarebbe diventato uno dei chitarristi principali della sua band, Hunt e Tony Sales sarebbero diventati la sezione ritmica dei Tin Machine alla fine degli anni Ottanta. Bowie avrebbe scritto una canzone per il successivo album di Iggy, Soldier, del 1980, Play It Safe. Ma, soprattutto, sarebbe venuto in soccorso dell’amico incidendo le sue versioni pop di China Girl, Neighbourhood Threat e Tonight, e producendo e co-scrivendo il suo album del 1986, Blah Blah Blah. Si è trattato ogni volta di una mano tesa da Bowie verso il suo amico, per salvarlo dal baratro, dargli un po’ d’ossigeno con i diritti d’autore e rimetterlo in pista. E contribuendo così a farlo diventare una leggenda. Una delle ultime grandi leggende viventi del rock’n’roll.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Cantante, poetessa, musa, pioniera del punk, Patricia Lee Smith, per tutti Patti Smith, nata a Chicago il 30 dicembre 1946, ha sempre rotto gli schemi, bruciato le tappe, è sempre andata controcorrente. Entrata quasi in punta di piedi nel mondo del rock, con reading di poesia e suoni (accompagnata dal chitarrista Lenny Kaye) è esplosa nel 1975 con il disco Horses, considerato uno dei capisaldi del punk, uscito quando il punk ancora non esisteva (sarebbe esploso qualche anno dopo, in Inghilterra). È il disco di “Jesus died for somebody’s sins but not mine”, “Gesù è morto per i peccati di qualcuno, ma non i miei”, come recita il testo di Gloria. Horses, considerato uno dei dischi storici del rock, consegna anche immediatamente Patti Smith al mondo come icona. La foto della storica cover dell’album, di Robert Mapplethorpe, cita una posa di Frida Khalo, e vede Patti vestita da uomo, pantaloni neri e camicia bianca, una sottile cravatta nera slacciata sul petto, e la giacca portata con nonchalance su una spalla. I capelli sono a caschetto, spettinati. È una foto che fa il giro del mondo e che, ancora oggi, detta uno stile.

Gli anni Settanta sono quelli dei successi dei dischi Radio Ethiopia e Easter. La leggenda narra che Patti Smith stesse registrando questo disco con Jimmy Iovine, il produttore che in quel momento lavorava anche con un certo Bruce Springsteen. Che aveva scritto una canzone d’amore, una canzone che non riusciva a finire, e per cui probabilmente non c’era posto nel suo Darkness On The Edge Of Town. Così chiese a Iovine se quel pezzo interessasse a Patti. Che la fece sua, ne riscrisse il testo, una storia d’amore tra due persone lontane, che si sentono solo la notte, al telefono, “perché la notte appartiene agli amanti”. È così che nacque Because The Night.

L’amore della vita di Patti è Fred “Sonic” Smith, il chitarrista degli MC5, a cui dedicherà una delle sue canzoni più belle, Frederick, il brano che apre Wave, il suo quarto album, quello di Dancing Barefoot. L’amore per Fred la porterà, per un periodo, a lasciare le scene, ancora una volta una scelta controcorrente, all’apice del successo. Insieme i due hanno due figli, Jackson e Jessica. Patti Smith non incide più fino al 1988, l’anno di Dream Of Life. Forse non è il miglior disco di Patti Smith, ma è quello di People Have The Power, forse il suo più grande successo. Una serie di lutti, poi, colpirà l’artista: nel 1989 scompare l’amico fotografo Robert Mapplethorpe, e poi il pianista Richard Sold e il fratello Tod. Ma, soprattutto, l’amato marito Fred. Questi fatti la spingeranno a tornare a lavorare sul disco che stava preparando con Fred: uscirà nel 1996, con il titolo Gone Again. È sempre una scomparsa, quella dell’attore River Phoenix, a ispirare il pezzo E-Bow The Letter dei R.EM., dove, alla fine della canzone, entra prepotente la voce di Patti Smith. Un lamento, un urlo di dolore, un suono commovente.

Michael Stipe e i suoi R.E.M, Bono e gli U2, che nel 2015 fanno suonare People Have The Power nelle arene ogni sera prima dei concerti del loro Innocence + Experience Tour. I Marlene Kuntz che la chiamano a duettare con loro a Sanremo. Patti Smith è considerata un modello da intere generazioni di musicisti. Nelle sue canzoni ha continuato a parlare di temi importanti come l’invasione cinese del Tibet, il Vietnam, la guerra in Iraq. E non stupisce il recente endorsing verso Greta Thunberg, giovanissima leader della battaglia per salvare l’ambiente. Patti Smith ha deciso di festeggiare il compleanno di Greta dedicandole una poesia. “Questa è / Greta Thunberg, che compie / 17 anni oggi, senza chiedere / feste o regali / solo che non restiamo neutrali. / La Terra conosce quelle come lei / così come le divinità, così come / gli animali e le fonti / curative. Buon compleanno / a Greta, che oggi ha scioperato / come ogni venerdì, rifiutandosi / di rimanere neutrale”.

E in fondo, se pensiamo a quella foto di Mapplethorpe per la copertina di Horses, non stupisce che sia stata scelta come testimonial dalla casa di moda Saint Laurent per la campagna della collezione primavera 2020, fotografata da Steven Sebring. È una scelta coraggiosa, quella di puntare su una donna di 72 anni, che non è mai stata una modella. È un messaggio potente, quello di considerare la bellezza come qualcosa che va al di là del mero aspetto fisico, ma come qualcosa che ha a che fare con la personalità. E di personalità Patti Smith ne ha da vendere.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Brad Pitt, lo sapete ormai tutti, ha appena vinto il premio Oscar per il miglior attore non protagonista per il suo ruolo di Cliff Booth in C’era una volta a… Hollywood di Quentin Tarantino. Un regista che, non ha caso, ha valorizzato attori come John Travolta, Bruce Willis, Leonardo Di Caprio, utilizzandoli spesso contro ruolo, tirando fuori il loro lato nascosto e impensabile. Ma il nostro elogio della follia di Brad Pitt parte da lontano. Non tanto da Seven, dove era un uomo normale che provava a mantenere un minimo di senno in mezzo a una follia totale, né da Kalifornia, il suo primo ruolo da outsider, dove era un serial killer folle, ma recitato secondo stilemi tutto sommato tradizionali. La prima volta che Brad ci ha stupito davvero è stato L’esercito delle 12 scimmie (prima candidatura all’Oscar e vittoria al Golden Globe come miglior attore non protagonista). Non era certo una commedia, ma in quel film Pitt aveva un ruolo ben preciso, quello del fool shakespeariano, del matto shakespeariano, quello che nella sua pazzia rivela la verità. È stata la prima volta che lo abbiamo visto andare sopra le righe, con un’interpretazione che poteva essere tranquillamente uscita da Qualcuno volò sul nido del cuculo. Brad Pitt, con L’esercito delle 12 scimmie, ci ha fatto capire che non ci avrebbe quasi mai deluso.

Quell’interpretazione ha dettato una delle vie che Pitt, negli anni a venire, avrebbe seguito. Avrebbe continuato anche a fare film più tradizionali, dove ci avrebbe dato quello che ci aspettiamo, come Mr. & Mrs. Smith, mix di action e commedia brillante che verrà ricordato più per la sua vita privata (è avvenuto lì l’incontro con Angelina Jolie, che sarebbe stata la sua anima gemella per anni) che per l’effettiva qualità, in Ocean’s Eleven e i suoi seguiti, in Troy. Insomma è stato da un po’ di parti dove ci si aspetta di trovare un divo del cinema.

Ma la follia è continuata a vivere, sottotraccia, dietro al volto perfetto di Brad Pitt, dentro al suo corpo atletico. C’è stata la follia più drammatica, quella della schizofrenia, quella dell’indimenticabile Fight Club di David Fincher, un film geniale che anticipa quella scissione dell’Io, quello spaesamento tra reale e irreale che, vent’anni dopo, non ha fatto altro che aumentare. Fincher poi ha catapultato uno dei suoi attori feticcio in un incubo, o un sogno, quello de Il misterioso caso di Benjamin Button, un mistero che avrebbe portato alla follia qualsiasi personaggio. Un’altra grande interpretazione di Pitt, pur aiutato dalla computer grafica e dal trucco. Ma vedere, nel volto di un anziano, quegli occhi roteare di sorpresa come quelli di un bambino, è qualcosa di veramente speciale.

Ma è con il tocco di Quentin Tarantino che l’elogio della follia di Brad Pitt arriva definitivamente a compimento. Perché, com’è nelle corde dell’autore di Pulp Fiction, ci troviamo in un cinema in cui Brad Pitt riesce a muoversi restando costantemente in bilico tra serio e faceto, senza far prevalere uno dei due aspetti sull’altro, cosa che avrebbe spostato personaggi e film verso un territorio ben preciso. Il tenente Aldo Raine, protagonista assoluto di Bastardi senza gloria, e lo stuntman Cliff Booth di C’era una volta a… Hollywood, riescono ad attraversare i loro film in maniera quasi magica. Restano completamente, e costantemente, dentro il film, e non ci fanno mai dimenticare quell’alone di pericolo e di morte che permea quelle storie. Eppure vivono su un livello appena appena diverso rispetto alla storia che raccontano. Aldo Raine è duro, parla con parole secche e scandite, ha la mascella quadrata, piena come quella di Marlon Brando ne Il padrino. Ha un seme di follia in quello sguardo, che per noi diventa immediatamente divertimento, ma anche empatia. Empatia che con Cliff Booth è ancora maggiore: tutti vorrebbero avere un amico come lui, è stato scritto. Tutti vorrebbero essere lui, potremmo aggiungere. Sicuro di sé, sempre la cosa giusta da fare, Cliff Booth è uno che risolve problemi, come il Mr. Wolf di Pulp Fiction, e in una scena, per questioni di copione, indossa anche uno smoking come lui. Anche se, nel resto del film, ha il suo look fatto di jeans e t-shirt colorate. Lo sguardo, l’espressione con cui Cliff Booth attraversa tutte le vicende di C’era una volta a… Hollywood è qualcosa di unico: strafottente, (auto)ironico, beffardo. Perfetto per scene che sono già nella storia del cinema, come il combattimento con Bruce Lee, la visita nel covo della Family di Charles Manson e l’incontro con alcuni seguaci nel finale.

Altri attori hanno fornito prove eccezionali con Quentin Tarantino. Ma Brad Pitt è stato diverso. Proviamo a spiegare: John Travolta, nei panni di Vincent Vega di Pulp Fiction, è straordinario, ma per esserlo è entrato in un personaggio estremamente caricaturale, carico, costruito. Lo stesso Leonardo Di Caprio, nel suo primo film con Tarantino, Django Unchained, per entrare nel suo Calvin J. Candie, fa una di quelle sue interpretazioni espressionistiche, cariche, potenti, si imbruttisce lordando i suoi denti. Brad Pitt, in Bastardi senza gloria, ma soprattutto in C’era una volta a… Hollywood, crea un personaggio memorabile restando prima di tutto un figo, non è mai eccessivo, mai caricaturale, mai sfigurato. Gli basta poco. È come se Brad Pitt abitasse il mondo di Tarantino (lo sapete, vero? I suoi film non sono ambientati nella realtà ma in un mondo parallelo, che è quello del cinema) da sempre, sia nato lì, e sia uscito solo talvolta per altri ruoli, o per venire nel mondo dove viviamo noi. Lo dimostrano anche i suoi discorsi ironici in occasione dei vari premi che ha vinto (memorabile quello ai BAFTA, dove ha detto che la Gran Bretagna ora è single come lui). Se avete visto C’era una volta a… Hollywood sapete di cosa parliamo. Se non lo avete fatto, vedetelo (è disponibile in dvd) e capirete. Basta guardare per qualche minuto Brad Pitt e il suo Cliff Booth e vi sentirete immediatamente a casa. Cioè nel mondo di Quentin Tarantino. È il mondo del cinema, e dentro non poteva che esserci anche questo Oscar.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Per Lynch Laura Dern è stata tutto. È stata Sandy in Velluto blu, la ragazza acqua e sapone di cui si innamora Jeffrey (Kyle MacLachlan), il contraltare perfetto per l’altra donna che entra nella sua vita, la problematica Dorothy Valens di Isabella Rossellini. È stata Lula, la protagonista assoluta di Cuore Selvaggio, Palma d’Oro a Cannes nel 1990, giovane donna innamorata del suo uomo, Sailor (Nicholas Cage) e in fuga con lui. Lula è un personaggio agli antipodi di Sandy, è disinibita, sfrenata. L’amore romantico tra Sandy e Jeffrey in Velluto blu diventa l’amore fisico, sensuale tra Sailor e Lula. In Cuore selvaggio, accanto a Laura Dern, recita anche la madre, Diane Ladd (il padre è Bruce Dern), protagonista di una prestazione folle e memorabile. È stata proprio lei ad accompagnare Laura Dern alla Notte degli Oscar che l’ha vista vincente. Per Lynch è stata anche la protagonista di Inland Empire, che nasce proprio da un monologo dell’attrice, poi espanso e costruito per diventare un vero e proprio film. In cui la Dern è un’attrice che viene scelta per un film che è il remake di un film maledetto. La vediamo divisa, sdoppiata: tra l’attore protagonista e il marito, tra il suo personaggio e la sua persona, tra questa vita e un’altra (precedente, futura?) vita. La vediamo disperata, in mezzo ad alcune prostitute, tumefatta mentre racconta alcune violenze subite. È una scena di un’intensità incredibile. A chiudere il cerchio con il cinema di Lynch c’è stato Twin Peaks – Il ritorno, l’attesissima terza stagione della serie tv di culto. Laura Dern non poteva entrarci se non con un personaggio molto atteso: con i capelli a caschetto biondo platino, poi rossi, è Diane, quel personaggio che, nelle prime due stagioni, l’agente dell’FBI Dale Cooper nomina sempre, rivolgendosi a lei quando annota le sue sensazioni sui suoi nastri. Fino alla terza stagione di Twin Peaks non avevamo mai capito chi fosse. E il corpo longilineo, il volto particolare di Laura Dern servono finalmente a far vivere questo personaggio, che fino ad allora era esistito solo nella nostra immaginazione.

Ne è passato del tempo da Sandy, Lula e da quella giovane Laura Dern, da quel corpo acerbo con cui, in Cuore Selvaggio, abbiamo fatto l’amore. Il corpo è diventato più statuario, nervoso, muscoloso, e quel volto allungato, così particolare, è diventato più duro nei tratti. E tutto questo ha permesso a Laura Dern, ormai adulta, di affrontare in modo per nulla banale una serie di ruoli che le attrici di solito fanno nella seconda fase della loro carriera. È stata una madre nella serie tv Big Little Lies, ed è stata ancora una volta indimenticabile. La sua Renata è uno dei motori della storia: madre di un bambino delle elementari, donna ricca e in carriera, finisce presto per scontrarsi con le altre madri dando vita a equivoci e risentimenti. Anche qui Laura Dern è perfetta nel ruolo. I tratti spigolosi del suo volto finiscono per rispecchiare gli spigoli di un carattere difficile.

Ed è spigolosa, senza dubbio, anche la Nora Fanshaw di Storia di un matrimonio, il personaggio che le è valso l’Oscar come miglior attrice non protagonista. E non protagonista, stavolta, lo è davvero. Laura è in poche scene, e rappresenta uno dei fattori decisivi della storia, quegli avvocati che pensano prima a se stessi che ai propri assistiti, che finiscono per erigere ulteriori muri tra chi sta affrontando un momento difficile come il divorzio. La Nora di Laura Dern è ancora un personaggio spigoloso, indurito, un ruolo che il suo corpo veste benissimo, ma l’ironia con cui è filtrato la rende irresistibile, empatica, affascinante. Nella sua bocca Noah Baumbach mette uno di quei monologhi esplosivi che potrebbero essere stati scritti da Woody Allen. In cui si parla di come  da sempre, in un sistema che si basa sul modello giudaico-cristiano, le madri non hanno il diritto ad essere imperfette, cosa che ai padri è concesso. Perché il modello è Maria, che ha dato alla luce Gesù essendo vergine e ha stretto a sé il suo corpo esanime. “E Dio non era lì, Dio è il padre e Dio non si è neanche presentato” recita il momento cult, il culmine del suo discorso. Sapido, tagliente, irriverente, tremendamente vero, il monologo di Laura Dern (se non lo avete fatto, recuperate Storia di un matrimonio, che è su Netflix) è una di quelle cose che, come si suol dire, vale il prezzo del biglietto. E ora vale anche un Oscar.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Judy,

Si capiva subito che Renée Zellweger non era un’attrice qualsiasi. Gli occhi piccoli e stellati, le gote rotonde come quelle di una bambina, delle labbra che sembravano disegnate da un artista. E poi, soprattutto, quel modo così unico di essere attraente, sexy pur essendo impacciata, oppure sexy proprio nel suo essere impacciata, tenera ma anche orgogliosa e risoluta. In Jerry Maguire Renée Zellweger era una madre single, una timida segretaria che non si sentiva all’altezza dell’uomo a cui si era legata, ma in qualche modo riusciva a farlo innamorare di sé. Quella che, per il protagonista e quindi anche per il suo personaggio, era la storia di un nuovo inizio, è stato di fatto l’inizio della brillante carriera di Renée Zellweger. La sua prima vita è stata questa, quella dei film La voce dell’amore e Betty Love.

Ma proprio quel misto tra goffaggine e sex appeal ha dato inizio a quella che possiamo definire la seconda vita di Renée, quella dell’identificazione del personaggio di Bridget Jones, portata sullo schermo tre volte, ne Il diario di Bridget Jones (2001), Che pasticcio Bridget Jones (2004) e Bridget Jones’ Baby (2016). Ovviamente il mix, in questo caso, pende tutto verso il primo aspetto, e Renée Zellweger tira fuori tutta la sua verve comica per portare sullo schermo un’eroina in cui in tante si possono identificare: goffa, imbranata, combinaguai, con problemi di peso, di relazioni (a volte di bottiglia…) ma con un grande cuore e una grande carica. Per entrare in un personaggio che, in qualche modo, è entrato nella storia, Renée Zellweger ha lavorato molto sul corpo, ingrassando di diversi chili, e per ben due volte (meno in occasione del terzo capitolo): una scelta rischiosa per un’attrice in un mondo dove poi, ruolo a parte, devi apparire sempre in perfetta forma, senza il minimo difetto. Non è un caso che le oscillazioni di peso per entrare in un ruolo siamo abituate a vederle negli attori (Robert De Niro, Christian Bale), meno nelle attrici.

Ma Renée Zellweger, un passato da ginnasta, non ha lasciato nulla a caso. E solo un anno dopo il primo Bridget Jones la trovavamo tonica, atletica, il fisico nervoso e scattante nel ruolo di Roxie Hart nel musical Chicago, dove ha ricevuto una nomination all’Oscar. È la sua terza vita, quella dei ruoli di donna grintosa e combattiva, nemesi della sua Bridget, quella in cui dimostra che il mondo dell’Academy le è congeniale. Con l’epico Ritorno a Cold Mountain, del 2003, ha infatti vinto il suo primo Oscar, stavolta come attrice non protagonista (e, per la cronaca, anche un Golden Globe, uno Screen Actors Guild Award, un Critics Choice Award e un Premio BAFTA). Non male per una che voleva fare la giornalista, e che ha iniziato a studiare recitazione solamente per ampliare il curriculum… Sono gli anni in cui la ritroveremo anche nel ruolo della deliziosa scrittrice pseudo-femminista nella commedia vintage Abbasso l’amore (Down With Love) e nella scrittrice per bambini di Miss Potter.

Per qualche anno non l’abbiamo vista più sulle scene, dopo la relazione con Bradley Cooper, durata dal 2009 al 2011. Per tutte le attrici arriva quel periodo in cui non sei più la giovane che può fare l’innamorata, e non è immediato prendere nuove strade. A volte, dopo una piccola pausa, cominciano a proporti ruoli da madre. Renee Zellweger ha fatto invece un percorso diverso. Siamo stati felici di ritrovarla, lo scorso anno, in What/If, la serie Netflix in cui interpreta la ricca e spietata Anne Montgomery. Nella prima scena del film la vediamo con la pelle avvizzita, i lineamenti induriti, il volto stanco. Quelle guance carnose e quegli occhi piccoli e scintillanti come diamanti che avevamo conosciuto in Jerry Maguire non brillano, ma sprizzano cattiveria. Ma nella serie la vediamo anche con un fisico tonico e muscoloso, le gambe affusolate, le spalle larghe e un vestito bianco che ricorda quello di Sharon Stone in Basic Instinct. Il ritorno di Renée è quello di una donna sexy, ma senza nascondere i segni del tempo.

Neanche il tempo di assaporare la quarta vita di Renée ed ecco la quinta. Parliamo di Judy, il biopic di Rupert Goold dedicato a Judy Garland che le è valso l’Oscar come miglior attrice protagonista. Judy coglie la diva – diventata famosa da bambina per Il mago di Oz – quando ha 46 anni, tre figli, è divorziata e senza una casa. Non mangia, non dorme, ha dipendenze da alcol e medicinali. Se in America nessuno la vuole più, a Londra è ancora una diva, e allora parte per l’Inghilterra per una serie di recital. Judy è in fondo un biopic classico, accademico e televisivo, sostenuto completamente dal corpo e dal volto di una Renée Zellweger brava, a volte troppo, a volte forse eccessiva nelle mossette e nella mimica facciale. Ma ha un sottotesto che è uno spietato spaccato dello star system. Uno star system che, però, stavolta le ha regalato un Oscar.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Chiamiamolo solo così, per una volta. Lasciamo, per un attimo, quel cognome che lo ha condizionato per molto tempo. Perché l’attore di Joker, terzo di cinque figli, è stato noto a lungo come il fratello di River Phoenix, il fratello maggiore, ed è stato segnato dalla sua tragica scomparsa, nella notte di Halloween del 1993, che finì per allontanarlo da Hollywood per qualche anno. Il ritorno, e il primo film in cui lo ricordiamo, è Da morire (To Die For) di Gus Van Sant, del 1995.

Joaquin, lo abbiamo capito subito, non era River Phoenix, l’attore bello, solare, espansivo (almeno in apparenza, a giudicare da quanto è poi successo). Joaquin aveva una bellezza meno immediata, più sghemba, con quella bocca così particolare, quello sguardo capace di esprimere così bene tanto l’ira o la follia, quanto la fragilità. Joaquin Phoenix, da subito, era quello destinato a diventare l’outsider. O il villain. Il suo Commodo, lo spietato, sprezzante antagonista del Russell Crowe de Il gladiatore è da antologia, e avrebbe potuto ingabbiarlo in un destino da eterno cattivo al cinema. Ma Joaquin Phoenix, in realtà, è molto altro.

Dietro a quelle smorfie che abbiamo imparato a vedere sul suo volto si nascondono soprattutto disagio e vulnerabilità. Così è stata soprattutto questa la cifra delle grandi interpretazioni di Joaquin Phoenix. A partire da Johnny Cash in Walk The Line – Quando l’amore brucia l’anima, eroe della musica americana, ma soprattutto artista fragile, minato da dipendenze, che Phoenix ha portato sullo schermo con un grande lavoro sul corpo, sulla postura e sulle movenze. Per passare al ragazzo depresso e a rischio suicidio del bellissimo Two Lovers di James Gray (regista con cui ha lavorato in quattro film). E a uno dei suoi ruoli più amati, quello del protagonista di Lei (Her), un moderno Cyrano De Bergerac che scrive parole d’amore e di sentimenti per altri, ma non riesce ad amare nella vita reale, tanto da innamorarsi di un sistema operativo. Un film che è fatto da una voce (quella di Scarlett Johansson, in originale) e di un volto, quello di Phoenix, che comunica solitudine, spaesamento, poi innamoramento e dolore. Ed è un uomo spaesato, insicuro, anche il protagonista di The Master, di P.T. Anderson.

L’altro lato della medaglia è quella depressione, quella follia che, se non assistita e curata, sfocia nella violenza. Quello tra il Joker e Joaquin Phoenix è un matrimonio annunciato, che non poteva non portare a un personaggio e un film di grande intensità. Una volta deciso di togliere Joker dal tipico mondo dei film di supereroi e di immergerlo in un altro universo, quello del cinema americano degli anni Settanta, quello dei Taxi Driver e dei Re per una notte di Scorsese, Joaquin Phoenix è stato perfetto nel raccontare un personaggio cresciuto da solo con la madre malata di nervi, senza padre, vittima di abusi; un clown che vorrebbe fare lo stand up comedian, un uomo il cui disagio si manifesta in una risata che gli esce da sola, anche quando non vorrebbe ridere affatto. Joaquin Phoenix, che ha perso 15 chili per il ruolo, si è ispirato a L’uomo che ride, il film del 1928 tratto da Victor Hugo. Quel volto smunto e quello sguardo affebbrato, quello che c’è dietro al trucco da Joker, sono difficili da dimenticare.

Ma il disagio di Joaquin Phoenix si è manifestato più volte, in tutti questi anni, anche nella vita reale, nei rapporti con la stampa, ad esempio. Per anni si è parlato di conferenze stampa con risposte a monosillabi, di interviste saltate. È famoso l’episodio al David Letterman Show del 2009, in cui, con una folta barba e dei grossi occhiali neri a coprire il volto, rispose tra mugugni e borbottii alle domande del celebre conduttore, che chiuse la serata con un “Mi dispiace che tu non sia potuto essere qui stasera”. Nel 2010 spiegò poi, sempre a Letterman, che quel look e quel comportamento (e uno sbandierato ritiro dal mondo del cinema) erano per un mockumentary sulla sua vita, Joaquin Phoenix – Io sono qui! (I’m Still Here).

Domenica sera, sul palco degli Oscar, sembra che Phoenix (fotografato poi insieme alla compagna Rooney Mara mentre mangiava un panino, con l’Oscar poggiato a terra, uno scatto che ha fatto già il giro del mondo) abbia voluto chiudere un cerchio con il passato, scusarsi di certi comportamenti. È per questo che diciamo di aver visto l’uomo dietro la maschera. “Ho fatto un sacco di cose terribili nella mia vita: sono stato egoista, sono stato cattivo e crudele a volte, sono stato un collega difficile con cui lavorare, ma molte persone, anche molte che sono in questa sala, mi hanno dato una seconda opportunità ed è qui che facciamo al meglio il nostro lavoro di esseri umani” ha detto l’attore nel lungo discorso di ringraziamento. “Quando ci sosteniamo gli uni con gli altri, non quando ci diamo contro perché abbiamo fatto degli errori, ma quando cerchiamo di crescere insieme, quando ci guidiamo verso la redenzione assieme. Ed è qui che viene il meglio dell’umanità”. E ha ricordato le parole che il fratello River Phoenix aveva scritto a 17 anni. “Corri verso il rifugio con amore e giungerà anche la pace”. Quella pace, oggi, River Phoenix sembra averla raggiunta.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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