Il film è ispirato alla figura di Gary Johnson, insegnante di filosofia che part-time lavorava con la polizia assumendo il ruolo di finto killer professionista. Una strategia geniale, quest’ultima, per incastrare i mandanti di omicidi. Ma da questo spunto, rivisto e corretto per la narrazione cinematografica, Richard Linklater tira fuori una black comedy esilarante, che procede per equivoci, dialoghi incalzanti e colpi di scena. Una vera e propria commedia ad orologeria, senza soste, originale, ricca di sorprese, con un protagonista eccezionale. Ad interpretare Johnson, troviamo infatti la rivelazione Glen Powell, che aveva già lavorato con Linklater nel 2016 in Tutti vogliono qualcosa, ma che qui, forse per la prima volta nella sua carriera, ci regala una performance esplosiva, dimostrando uno straordinario talento trasformista. L’attore infatti non solo è perfetto nel tratteggiare l’evoluzione del suo personaggio, da semplice e solitario professore di filosofia a sexy uomo d’azione, ma è anche sensazionale nel reinventarsi nelle varie tipologie di killer che il protagonista si ritrova ad impersonare per lavoro, dando vita a momenti di raro divertimento.

Il film procede inizialmente seguendo uno svolgimento episodico, travestimento per travestimento, e dopo l’entrata in scena di Madison (interpretata brillantemente da Adria Arjona), il film cambia struttura e si concentra sulla love story tra il protagonista e quest’ultima. Una storia d’amore, di passione, di bugie, di imprevisti che riserva un finale scoppiettante.

Hit Man, in uscita ad ottobre negli Stati Uniti e presto anche nelle sale italiane grazie a BIM Distribuzione, è intrattenimento allo stato puro, costruito su una sceneggiatura priva di sbavature (scritta da Linklater insieme allo stesso Powell) e confezionato da una regia che maneggia magistralmente tutti gli stilemi del genere. O meglio dei generi. Il film infatti rilegge con ironia il noir, il poliziesco, la commedia sentimentale, l’action, il thriller, il classico biopic. E in qualche modo diventa la cifra ideale di tutta la filmografia di Linklater, variegata, eterogenea, spinta su coordinate sempre differenti. Il regista di Prima dell’alba e Boyhood dimostra, anche dopo il convincente Apollo 10 e mezzo, di essere in una nuova ispirata fase della sua carriera. E speriamo che continui ancora a lungo.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Hit Man, la nuova esilarante commedia di Richard Linklater proviene da Daily Mood.

Esattamente un anno fa le toccava aprire nei panni della madrina la 79esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, da allora sono successe molte cose, Rocío Muñoz Morales nel frattempo ha anche scritto un libro, Dove nasce il sole, e ora torna al Lido per rivivere la “magia” del festival e accompagnare il documentario di Emanuele Imbucci, Time to Change, di cui è guida e voce narrante sulle tracce del viaggio attorno al mondo del fotografo Stefano Guindani mentre documenta con i suoi scatti lo stato di realizzazione dei 17 obiettivi  dell’Agenda 2030 per lo Sviluppo Sostenibile. Time to change è solo l’ultimo dei suoi progetti, in questi giorni è al cinema infatti con Uomini da marciapiede e nel 2024 sarà insieme al compagno Raoul Bova una delle concorrenti della quarta stagione del game di Amazon, Celebrity hunted. A breve tornerà a girare su un set, intanto ci dice “sto lavorando all’adattamento del mio libro per farne una storia per il cinema e ne sono felice, un pezzettino di cuore che sta prendendo vita”.

DAILYMOOD.IT: Torni a Venezia un anno dopo esserci stata da madrina. Che effetto fa? Hai visto qualche film?
ROJO MUNOZ MORALES: Sì, ho visto Priscilla. Mi è piaciuto molto, soprattutto vederlo con lei (n.d.r. Priscilla Presley) presente in sala. Gli attori sono tutti brillanti, mi ha emozionata rivivere la magia della Sala Grande e l’amore per il cinema che si respira a Venezia. È stata una grande emozione e lo è anche essere qui oggi con un progetto nel quale credo profondamente. Time to change mi ha colpito, mi ha toccato in un modo delicato, sottile, mai furbo. È stato sincero, diretto, forse anche un po’ freddo ma proprio nella sobrietà e freddezza del racconto, l’ho trovato estremamente sincero. Mi ha smosso qualcosa dentro.

DM: In Time to change accompagni il giro intorno al mondo del fotografo Stefano Guindani. Che viaggio è stato?
RMM: Non dobbiamo vivere il futuro come qualcosa di lontano, Time to change ci dice che è il momento di agire ‘ora’, ci troviamo in una situazione di urgenza e per questo non dobbiamo né arrabbiarci né urlare, ma solo fare, dobbiamo diventare concreti e essere consapevoli che tutti noi siamo responsabili di quello che accadrà domani o tra una settimana, di ciò che saremo tra due, dieci o quindici anni, di quello che saranno i nostri figli. Quindi è importante rispettare noi stessi, ciò che abbiamo intorno e vivere nel rispetto dei valori, nell’amore, senza perderci troppo in banalità.

DM: Il documentario di Emanuele Imbucci è anche un viaggio nella diversità. Quanto è importante vivere in un mondo che la accetti?
RMM: La diversità è una realtà, dobbiamo essere coscienti del fatto che siamo tutti unici e diversi, il mondo è ricco in quanto diverso e quindi va curato anche nella diversità. Anzi, se non ci fosse la diversità sarebbe un mondo molto più piatto, abbiamo bisogno della diversità, curiamola e rispettiamola.

DM: Hai esordito a teatro con Certe notti, uno spettacolo sul terremoto che colpì L’Aquila nel 2009, poi hai proseguito con una commedia di denuncia sociale Di’ che ti manda Picone, nel 2020 hai condotto la maratona Telethon . I tuoi progetti sono accomunati da un fil rouge che è quello dell’impegno civile. Quanto sono importanti gli strumenti dell’audiovisivo in questo senso?
RMM: Il cinema, il teatro e le storie raccontate hanno un potenziale incredibile, quello di arrivare al pubblico in maniera delicata, poetica, educata, ma anche diretta. Ed è importante parlarne sempre, fare politica: è essenziale parlare di educazione e di sanità, di tutto quelle cose che ci appartengono e sono il nostro presente, se poi lo si fa con il tocco di magia che solo il cinema ti può dare, è ancora meglio. Il mio essere Rocio non è molto lontano dal mio essere attrice, quindi è fondamentale per me scegliere dei progetti nei quali credo anche nella vita.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Rocío Muñoz Morales: “Dal mio romanzo presto un film” proviene da Daily Mood.

Aveva messo d’accordo tutti sin dall’inizio, critica e pubblico, staccando di netto tutti gli altri contendenti al Leone d’Oro. Non c’è da stupirsi quindi se a trionfare in questa 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia è il folle e irriverente saggio politico di Yorgos Lanthimos, Povere creature, in sala dal 25 gennaio 2024. Una creatura che, come ha spiegato il regista durante la cerimonia di premiazione, “non esisterebbe senza un’altra creatura meravigliosa come Emma Stone. Questo film è suo”. Il miglior regista secondo la giuria presieduta da Damien Chazelle, è invece Matteo Garrone con il suo Io capitano, l’epica avventura di due adolescenti in viaggio dal Senegal all’Europa raccontata attraverso il loro punto di vista, “un controcampo rispetto a ciò che siamo abituati a vedere qui in Occidente. Mi sono aggrappato al loro vissuto e alle loro storie, ho cercato di essere un intermediario, di mettere al servizio della storia la mia visione e dare voce a chi non ce l’ha”. Inevitabile cedere la parola a chi quel viaggio lo ha vissuto realmente, come l’attivista Mamadou, il cui contributo alla sceneggiatura è stato fondamentale e che ha dedicato il premio“a tutte quelle persone che in Europa non sono mai potute arrivare. Quando c‘è la voglia e la necessità di partire nessuno ti può fermare. Ottenere un visto che ci consenta di viaggiare e ci garantisca un canale di ingresso regolare è l’unico strumento per stroncare il traffico di esseri umani”. Al protagonista del film, il senegalese Seydou Sarr va invece il Premio Marcello Mastroianni; di migranti, questa volta al confine tra Polonia e Bielorussia, parla anche il bianco e nero di Green Border di Agnieszka Holland, Premio speciale della giuria: “Non è stato facile girare questo film – ha raccontato la regista – Farlo era però un dovere, dal 2014 quando è scoppiata la crisi dei rifugiati sono morte 60 mila persone nel tentativo di raggiungere l’Europa e ora che siamo qui seduti la situazione ritratta nel mio film continua, ci sono persone che si nascondono nei boschi, private dei loro diritti umani e della dignità, alcuni di loro perdereanno la vita, altri vivranno qui in Europa. Tutto questo accade non perché non abbiamo risorse per aiutarli, ma perché non li vogliamo”. A Pablo Larrain e Guillermo Calderón va poi il premio per la miglior sceneggiatura per il grottesco El conde, mentre il giapponese Ryusuke Hamaguchi conquista il Gran premio della giuria con Evil does not exist. Tocca invece a Peter Sarsgaard, protagonista di  Memory di Michel Franco, alzare la Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile non senza aver rivolto un pensiero ai colleghi in sciopero: “Sappiamo che gli attori sono in scioepero, la questione di uno stipendio equo è centrale e lo è ancora di più quella dell’Intelligenza Artificiale, deve essre una nostra priorità. Un attore o un autore sono persone e tuttavia sembra che non lo siano, se gli esseri umani verranno consegnati alle macchine perdendo questa esperienza sacra che è la connessione fra uomini, se perdiamo questa battaglia la nostra industria sarà la prima a cadere fino alla disconnessione che preparerà  la strada delle atrocità. Lasciamo che questo spazio sacro esista, perché è qui che ho davvero ritrovato me stesso”, ha detto l’attore ritirando il premio. La giovane Cailee Spaeny è la migliore attrice per Priscilla, il biopic di Sofia Coppola sulla vita di Priscilla Beaulieu e sul suo matrimonio con Elvis Presley. Parla italiano il Premio degli spettatori Armani Beauty che va a Felicità, esordio alla regia di Micaela Ramazzotti, visibilmente commossa mentre ringrazia e dedica il premio “a chi sta vivendo un momento difficile, delicato e di infelicità. L’infelicità puo durare a lungo ma bisogna lottare sempre per la felicità”. Tricolore anche nel palmares di Orizzonti dove la Miglior sceneggiatura va a El paraiso di Enrico Maria Artale, mentre Una sterminata domenica di Alain Parroni ottiene il Premio speciale della giuria.

Premi della Selezione Ufficiale
Leone d’oro: Povere creature di Yorgos Lanthimos
Leone d’argento: Matteo Garrone per Io capitano
Gran premio della giuria: Evil does not exist di Ryusuke Hamaguchi
Premio speciale della giuria: Green Border di Agnieszka Holland
Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile: Peter Sarsgaard per Memory
Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile: Cailee Spaeny per Priscilla
Premio Osella per la migliore sceneggiatura: Guillermo Calderón, Pablo Larraín per El conde
Premio Marcello Mastroianni: Seydou Sarr per Io capitano

Premi della sezione Orizzonti
Miglior film: Magyarázat Mindenre (UNA Spiegazione Per Tutto) di Gábor Reisz
Miglior regia: Mika Gustafson per Paradiset Brinner (IL Paradiso Brucia)
Miglior sceneggiatura: El paraiso di Enrico Maria Artale
Premio speciale della giuria: Una sterminata domenica di Alain Parroni
Miglior cortometraggio: A short trip di Erenik Beqiri
Miglior interpretazione maschile: Tergel Bold-Erdene per Sèr Sèr Salhi (CITTÀ Del Vento) di Lkhagvadulam Purev-Ochir
Miglior interpretazione femminile: Margarita Rosa De Francisco per El paraiso
Leone del futuro – Premio Venezia opera prima “Luigi De Laurentiis”: Ai Shi Yi Ba Qiang  (Love is a gun) di Lee Hong-Chi

Premi della sezione Venice Immersive
Migliore esperienza Venice Immersive: Emperor di Marion Burger, Ilan Cohen
Gran premio della Giuria Venice Immersive: Songs for a passerby di Celine Daemen
Premio speciale della Giuria Venice Immersive: Flow di Adriaan Lokman

Premi della sezione Venezia Classici
Miglior restauro: Ohikkoshi di Shinji Somai
Miglior documentario sul cinema: Thank you very much di Alex Braverman

Premio degli spettatori Armani beauty: Felicità di Micaela Ramazzotti

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Leone d’Oro a Povere creature. Miglior regia a Matteo Garrone proviene da Daily Mood.

Matteo Garrone l’ha definita un’Odissea contemporanea, l’avventura epica di due cugini adolescenti, Seydou e Moussa, che dal Senegal attraverso il deserto prima, le prigioni della Libia e il Mar Mediterraneo dopo, inseguono un sogno chiamato Europa: lì forse potranno fare musica e firmare gli “autografi ai bianchi” o diventare promesse del calcio. Scritto da Garrone con Massimo Ceccherini, Massimo Gaudioso e Andrea Tagliaferri, Io capitano arriva in concorso alla 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e spazza via ogni retorica, restituendo un’identità a chi ad ogni naufragio a largo delle nostre coste finisce per annegare nella conta straziante di sommersi e salvati. Il regista di Gomorra ha scelto il Senegal perché, spiega, “esistono tanti tipi migrazione, alcune dovute alla guerra, altre al clima, ma quella raccontata dal film è diversa ed è legata a quel 70% della popolazione africana composta da giovani che hanno accesso ai social e che quindi hanno una finestra costante sull’Europa. C’è il desiderio legittimo da parte loro di accedere a un futuro migliore e viaggiare così come noi da giovani volevamo scoprire l’America, con la differenza che noi potevamo prendere l’aereo, loro invece rischiano la vita”. Una profonda ingiustizia “a cui questi ragazzi faticano a dare una risposta, spesso si ritrovano a vedere coetanei che vanno in vacanza in Senegal mentre loro non possono venire in Europa con la stessa facilità. Raccontiamo un tipo di migrazione di cui si parla meno, legata ai giovani e al loro desiderio di scoprire il mondo”.

Il film si ispira ai racconti di chi ha realmente affrontato la traversata nel deserto e poi nel Mediterraneo, e inizia alcuni fa in un centro di accoglienza a Catania quando il regista si imbatte per la prima volta nelle storia di un ragazzo minorenne, Fofana Amara, che a quindici anni si era ritrovato nel bel mezzo del Mediterraneo a guidare una barca con 250 migranti a bordo senza saperlo fare. “Me la raccontò un mio amico e mi rimase impressa, mi dissero che quando arrivò in Sicilia, pur consapevole che sarebbe andato in carcere (sei mesi per la precisione) e non sapendo resistere all’orgoglio di avercela fatta, avrebbe urlato  ‘Io capitano!’. Per anni questa storia mi è rimasta dentro, ma l’ho accantonata perché mi sentivo a disagio e in imbarazzo a entrare da borghese in una cultura non mia, rischiando di speculare per l’ennesima volta sull’immagine del migrante povero. Per questo ci ho messo del tempo prima di decidere di farci un film”. È a quel punto che Garrone incontra via Skype Fofana, che oggi vive in Belgio, fa il magazziniere, è sposato e ha dei bambini, e scopre che il finale di quella storia in realtà era molto diverso “quando è arrivata la guardia costiera tutti gli erano così grati che si misero a cercarlo, mentre lui tentava di mimetizzarsi. Non credeva di essere arrestato, li fecero scendere e lo misero in un angolo, credeva di essere stato messo di lato perché minorenne, alla fine invece si è fatto sei mesi di carcere”.

Il lavoro di documentazione è durato qualche anno, “sia in fase di scrittura che durante le riprese ci siamo affidati ai racconti di chi ha vissuto questa storia in prima persona”, come Mamadou Kouassi Pli Adama, attivista del Centro sociale ex Canapificio e del Movimento migranti e rifugiati di Caserta il cui contributo alla sceneggiatura è stato preziosissimo. Quel viaggio Mamadou lo ha fatto veramente quindici anni fa, oggi vive a Caserta: “Sono partito dall’Africa subsahariana, ho attraversato il deserto, sono stato in Libia per tre anni e alla fine sono arrivato in Italia. È un viaggio della speranza, e il racconto di Matteo è vero, reale. Sono orgoglioso di portare la voce di chi non ha voce, spero che un giorno ci sia anche per noi la possibilità di viaggiare liberamente, c’è bisogno come ha detto qualche giorno fa Sergio Mattarella di ripristinare canali di ingresso regolari, solo così si potrà frenare il traffico di esseri umani. Racconta la storia di ogni singolo immigrato”. Un racconto reale ma con molti risvolti fiabeschi, che arrivano da una vecchia idea di Garrone, quella di realizzare un “Pinocchio migrante. La favola di Pinocchio si sposa in maniera quasi naturale alla loro storia, quando Collodi scriveva non faceva altro che mettere in guardia i piccoli dalla violenza del mondo circostante. Anche il viaggio di Seydou nella sua purezza e ingenuità è quella di un ragazzo che insegue il paese dei balocchi. Molti momenti mi riportavano anche a  Gomorra, un incontro tra due filoni che ho percorso: la parte più onirica serviva a raccontare la loro anima, i sogni, i sensi di colpa, il loro mondo interiore, l’altra è quella di un road movie attraverso l’Africa”. La struttura è quella del viaggio dell’eroe, con tutti i canoni del racconto epico e di avventura con il ritorno di Massimo Ceccherini come co-sceneggiatore dopo Pinocchio: “Io capitano è un grande racconto di avventura popolare, non ci sono sovrastrutture intellettuali e Massimo viene dal popolo a differenza mia che sono borghese. Quando scriviamo ha una conoscenza di certe dinamiche drammaturgiche, è puro come i bambini o come i personaggi che raccontiamo”.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Garrone: “Il viaggio dei migranti come un’avventura epica” proviene da Daily Mood.

In autunno tornerà al timone di Pole Position, programma di economia di Business 24 Tv, mentre a febbraio la ritroveremo a teatro con Cose di ogni giorno e di nuovo nella fiction Una famiglia perbene 2 per Canale 5. Nel frattempo Denny Mendez si gode qualche giorno alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, sfila sul red carpet all’anteprima di Priscilla di Sofia Coppola e si concede a una piacevole chiacchierata. “All’inizio la mostra mette sempre un po’ paura, sono tutti tesi, c’è tutto questo eccitamento inziale, io invece ho bisogno di ritagliarmi i miei momenti di calma”, ci racconta nel corso dell’intervista che diventa l’occasione per parlare di impegni futuri, cinema e diritti.

DAILYMOOD.IT: A Cannes nel 2022 hai portato Diversamente, un cortometraggio sui diritti LGBTQ+ dimostrando ancora una volta la tua dedizione alla lotta per i diritti civili. Da dove viene questa urgenza?
DENNY MENDEZ: Nasce da me e dalla mia pelle, è qualcosa che sento fortemente, è nelle mie origini, nelle mie radici, ma la battaglia è nella normalità quotidiana perché ho dovuto affrontarla sin da piccola. Cerco progetti che sappiano trattare alcune tematiche anche in maniera ironica, perché credo che determinati argomenti per essere più efficaci non vadano appesantiti. Sono molto curiosa di vedere il film di Matteo Garrone, per trattare certi temi ci devi stare dietro, studiarli, vederli, viverli. Da donna con una figlia vorrei capire in che modo e che linguaggio viene usato per promuovere questo tipo di tematiche.

DAILYMOOD.IT: Che posto occupa il cinema nella tua vita?
DENNY MENDEZ: Non ho ne ho fatto tanto, ma sto corteggiando alcuni registi, mi piace molto Luca Guadagnino perché ha un’apertura e uno sguardo internazionali, basta vedere cosa ha fatto con Zendaya, che ormai è diventata una star. Mi affascina tutto ciò che sia in grado di raccontare un cinema di inclusione, storie legate al sociale; amo le biografie e sono curiosa di vedere Priscilla. Sono attratta dalla vita dei grandi personaggi femminili, il mio sogno è interpretare una first lady con tutte le sue sfaccettature, la sua forza, la capacità di mantenere gli equilibri. Mi ha affascinato molto ad esempio il documentario su Jacqueline Kennedy (n.d.r Jackie O), che ripercorre tutte la tappe fondamentali della sua vita, da ragazzina ad appena diciotto anni, a donna.

DAILYMOOD.IT: Quante volte è capitato che ti venissero proposti dei ruoli in linea con determinati cliché?
DENNY MENDEZ: All’inizio spessissimo, ma oggi sono un po’ più matura per dire di no e sto più attenta alle scelte che faccio: ho una responsabilità anche verso altre persone, come mia figlia. Spero che per le nuove generazioni sia tutto più semplice e immediato, meno pesante e più naturale. Quando accetto un ruolo sono quasi sempre d’accordo con l’idea del regista e la porto fino in fondo, ma bisogna parlarne perché non è solo questione di cliché, è anche importante capire come verrà usata la tua immagine. Una volta ad esempio sul set di una fiction il regista voleva convincermi a girare una scena con il classico stereotipo della donna nuda, ho dovuto dire no, a livello di storia quella scena non serviva. Bisogna riconoscere quando si oltrepassa il limite.

DAILYMOOD.IT: Tornerai a breve con una nuova stagione di Pole Position, un programma di economia, territorio da sempre appannaggio degli uomini. Come hai fatto a conquistarti questo spazio?
Ci sono riuscita con la curiosità e la voglia di esplorare. Mi ritrovo spesso a intervistare i Ceo delle aziende, quasi sempre uomini a volte giovani e molto svegli, altre invece con la forfora e retrogradi. Quando si parla di cinema e di aziende in generale abbiamo a che fare con due mondi molto connessi: se dovessimo azzardare un parallelismo il Ceo è l’equivalente del regista sul set, deve gestire la propria attività esattamente come il regista. Il linguaggio utilizzato è effettivamente molto maschile, ma mi è anche capitato di intervistare delle donne; mi rendo conto che c’è ancora tanto da fare, mi sono spessa chiesta ad esempio perché quando certi ruoli sono affidati a donne sembra quasi venga fatto per dare un contentino, non per un’esigenza reale o semplicemente perché quella persona ha un suo percorso, ma solo per poter dire “abbiamo la nostra quota rosa”.

DAILYMOOD.IT: Ti muovi tra televisione, teatro e cinema. Con quale mezzo ti trovi più a tuo agio?
DENNY MENDEZ: Mi servono tutti e tre perché sono molto versatile, ma se mi accorgo di non essere capace di qualcosa faccio un passo indietro; in generale mi piace questa contaminazione di linguaggi e ruoli perché la donna è così, racchiude tutto. Perché incasellarmi in una categoria? Quello della madre, che è per eccellenza il mestiere più difficile del mondo, deve contenere in sé tante cose e quindi perché non poterlo portare avanti anche lavorando?

DAILYMOOD.IT: Se potessi dare qualche consiglio alla ragazzina che quella sera del 9 settembre 1996 vinse Miss Italia che cosa le diresti?
DENNY MENDEZ: Le suggerirei di avere tigna e personalità. C’è un video con tutta la giuria, da Mentana a Vespa, quando lo rivedo mi fa molto ridere: in una frase ho messo dieci ‘appunto’, quindi le consiglierei di avere più proprietà di linguaggio, ma soprattutto leggerezza, tenacia, voglia di conoscere, esporsi e prendersi i propri rischi, nel bene e nel male.

DAILYMOOD.IT: C’è qualcosa di cui ti penti?
DENNY MENDEZ: La cosa di cui mi pento di più è di non aver avuto una guida, una persona cioè che mi sostenesse e credesse di più in me, ho sempre dovuto supportarmi da sola e contare sulle mie forze.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Denny Mendez: “Mi piacerebbe lavorare con Guadagnino” proviene da Daily Mood.

La sequenza iniziale del film è un’esplicita manifestazione di questo cambio di rotta narrativo. Di notte, a Parigi, vediamo subito il killer del titolo, interpretato da Michael Fassbender, attendere il momento giusto per uccidere il suo bersaglio. Lo vediamo fare esercizi, resistere al sonno, studiare la situazione. Solo, stanco, nella penombra di un ufficio semiabbandonato. Lo osserviamo nella sua metodica estrema, chiuso nei meccanismi automatici del suo lavoro. E soprattutto lo ascoltiamo. La sua voce, fuori campo, è un interminabile flusso di coscienza, un trattato esistenziale sulla natura del killer, sulla sua professione, sulle regole che deve seguire.

E’ una vera e propria immersione nella mente dell’assassino quella che conduce Fincher nella primissima parte del film, dove la narrazione è totalmente statica e, così come lo stesso protagonista, lo spettatore attende pazientemente di entrare nel vivo dell’azione. Azione che inizia nel momento in cui il killer sgancia il suo colpo e sfortunatamente sbaglia bersaglio. Da lì il film prende una nuova piega, dopo poco si instrada sul revenge movie e, seguendo una narrazione episodica, fatta di sei capitoli ed un epilogo, vede il sicario senza nome fronteggiare le conseguenze del suo errore.

E’ una trama molto esile quella di The Killer, basato sulla graphic novel di Alexis Nolent. Un racconto semplice, senza troppe trovate, che solo la mano esperta di Fincher poteva mettere in scena riuscendo ad ottenere un prodotto comunque intrigante.

Un film di mestiere, di pregevole confezione, con un Fassbender impeccabile nei panni di questo killer asettico, silenzioso ed impassibile, ma in fondo un’opera che non aggiunge molto né alla filmografia del regista né tantomeno al genere. Non il miglior Fincher insomma, ma in ogni caso un film godibilissimo che trova il suo momento più alto nell’incontro tra il killer e la “collega” Tilda Swinton. Una sequenza che vale il prezzo del biglietto.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo The Killer, Fincher nella mente dell’assassino proviene da Daily Mood.

Tornare a girare a New York? Perché no. “Ho una bellissima idea su New York, quindi se qualcuno uscirà dall’ombra e vorrà finanziare il film stando alle mie regole, ovvero senza leggere la sceneggiatura o sapere chi è nel cast, dandomi solo i soldi e andando via, allora lo farò”. Ne è convinto Woody Allen, ottantasette anni di cui almeno cinquanta passati dietro la macchina da presa, che alla 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematorgrafica di Venezia  accompagna fuori concorso il suo cinquantesimo film, Coup de chance, ambientato a Parigi e girato in francese. Una storia in cui la fortuna e il caso, come succedeva già in Match point, tornano a giocare un ruolo cruciale: Fanny (Lou de Laâge) e Jean (Melvil Poupaud) sembrano la coppia ideale, sono entrambi realizzati professionalmente, vivono in un quartiere esclusivo di Parigi, ma quando Fanny si imbatte accidentalmente in Alain, un ex compagno di liceo, perde la testa.
Il film è il primo di Allen girato interamente in una lingua che non sia l’inglese. Perché il francese? “Quando ero giovane e ho cominciato a fare il regista, i film che mi hanno piu impressionato erano europei, tutti noi volevamo fare film come gli europei, è da tutta una vita che cerco di girare film come un europeo. Inzialmente volevo raccontare la storia di due americani che vivono a Parigi, ma poi mi sono detto che era il mio cinquantesimo film, adoro la Francia e avrei potuto giarare interamente in francese anche se non lo parlo. Mi sono sentito un genuino regista europeo”, dice Allen durante l’incontro con i giornalisti a Venezia.

A guardarsi indietro non esita a definirsi “un uomo fortunato, ho avuto dei genitori che mi hanno amato molto, ottimi amici, una vita bellissima e un matrimonio meraviglioso. Compirò a breve ottantotto anni e non sono mai stato in ospedale, non mi è mai successo nulla di terribile. Quando ho iniziato a fare film tutti hanno enfatizzato le cose che facevo bene e non mi hanno ritenuto responsabile di altre, sono sempre stati molto generosi con me, ho ottenuto rispetto e attenzioni. Spero che questa buona fortuna continuerà, ma la giornata deve ancora finire…”, scherza. Sulla possibilità di ripetere in altri paesi l’esperienza francese, lascia una porta aperta, “a volte ricevo telefonate da paesi che si offrono di finanziare un mio film se girerò nella loro lingua. Se dovessi avere una buona idea per l’Italia o un altro paese, potrei considerarlo. A volte non conosco abbastanza bene il paese, ma l’esperienza in Francia è stata così bella che la rifarei se pensassi di essere in grado”.

Non si ritiene invece particolarmente bravo a scrivere i ruoli maschili, “ho sempre scritto le parti più interessanti per le donne, forse perché gli autori che mi hanno più influenzato hanno tutti scritto per le figure femminili. Non sono mai stato in grado di scrivere particolarmente bene i ruoli maschili eccetto quelli pensati per me”. Da quasi cinquant’anni il suo modo di scrivere rimane sempre lo stesso, una sequenza di piccoli rituali ai quali non rinuncia:  “Mi alzo, faccio i miei esercizi, faccio colazione, poi mi sdraio sul letto con carta e penna e scrivo, quando ho finito ricopio tutto con la macchina da scrivere. L’ho sempre fatto e continuo a farlo ancora oggi”.  A chi gli chiede se l’umorismo possa essere un buon antidoto contro la morte risponde che “non c è nulla che si possa fare contro la morte, dobbiamo tenercela. Non pensarci troppo è tutto ciò che possiamo fare, non c’è via di fuga, né con la scienza né con la commedia, possiamo solo distrarci”.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Woody Allen: “Se me lo proponessero, tornerei a girare a New York” proviene da Daily Mood.

The Palace è il nuovo film di Roman Polanski, prodotto da Luca Barbareschi per Èliseo Entertainment Moving Emotions Production con Rai Cinema, una coproduzione internazionale realizzata insieme a Lucky BOB (Polonia), CAB Productions (Svizzera) e RP Productions (Francia). Una partnership produttiva che vede nuovamente insieme Polanski, Barbareschi e Rai Cinema dopo L’ufficiale e la spia, vincitore del Gran Premio della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2019. La sceneggiatura è stata scritta dal regista insieme al grande sceneggiatore Jerzy Skolimovski e a Ewa Piąskowska. Il cast vanta una rosa di personaggi internazionali: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Bronwyn James, Joaquim de Almeida, Luca Barbareschi, Milan Peschel, Fortunato Cerlino e Mickey Rourke. Accanto a loro, un cospicuo numero di comparse, originali ed eccentriche, che arricchiscono di musica e colore questa splendida commedia noir.

Sinossi

C’era una volta, e c’è ancora, il Palace Hotel. Uno straordinario castello progettato all’inizio del 1900 da un architetto mistico, un castello che si trova sulle montagne della Svizzera, nel bel mezzo di una valle innevata. È il Palace Hotel, edificio dall’atmosfera gotica e fiabesca dove ogni anno, ospiti ricchi, viziati e viziosi convergono da tutto il mondo. Un evento irripetibile li ha riuniti tutti, la festa di Capodanno 2000. Al servizio delle loro stravaganti esigenze c’è uno stuolo di camerieri, facchini, cuochi e receptionist.

È l’alba del nuovo millennio e Hansueli, devoto manager cinquantenne del suntuoso albergo, ispeziona quasi militarmente lo staff prima dell’arrivo degli ospiti per la sera di Capodanno 2000 ribadendo che non sarà la fine del mondo.

“Alle otto in punto ceneranno ai nostri tavoli delle persone davvero importanti. Le vite di milioni di persone dipenderanno dall’umore con cui questi se ne andranno la mattina dopo. È nostro dovere assicurarci che non gli si atrofizzino le chiappe perché le sedie sono troppo dure, che si rimpinzino di caviale fino a esplodere e che lo champagne gli esca dal naso e dalle orecchie. È chiaro?”

Ma nell’aria aleggia il Millennium Bug e il timore o la speranza che al rintocco della mezzanotte i conti dei grandi finanzieri subiscano oscillazioni inaspettate grazie al blocco dei sistemi informatici.

In effetti quella che si prepara è davvero una guerra combattuta a colpi di stravaganze ed eccentricità degli ospiti dell’Hotel. Cani e pinguini con bisogni umani e umani con bisogni animali.

Le loro storie danno vita ad una commedia assurda, nera e provocatoria. È la fine del 1999, non solo l’epilogo di un secolo, ma la fine di un intero e controverso millennio.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo DailyMood.it ha intervistato Milan Peschel, Fortunato Cerlino e Joaquim De Almeida del film The Palace di Roman Polanski. proviene da Daily Mood.

Da sinistra: Enrico maria Artale (regista) – Margarita Rosa De Francisco – Edoardo Pesce

SINOSSI

Julio Cesar ha quasi quarant’anni e vive ancora con sua madre, una donna colombiana dalla personalità trascinante. I due condividono praticamente tutto: una casetta sul fiume piena di ricordi, i pochi soldi guadagnati lavorando per uno spacciatore della zona, la passione per le serate di salsa e merengue. Un’esistenza ai margini vissuta con amore, al tempo stesso simbiotica e opprimente, il cui equilibrio precario rischia di andare in crisi con l’arrivo di Ines, giovane ragazza colombiana reduce dal suo primo viaggio come “mula” della cocaina. Tra desiderio e gelosia la situazione precipita rapidamente, al punto che Julio si troverà a compiere un gesto estremo, in un viaggio doloroso che lo porterà per la prima volta nella sua terra di origine.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo DailyMood.it ha intervistato il regista e gli attori di El Paraiso proviene da Daily Mood.

GIORGIA MAY JAGGER
Giovane e ribelle con una punta di rock . Nero e trasparente l’abito vedononvedo di Georgia indossato con fierezza è sdrammatizzato dallo styling dei capelli, moderno con le sue onde destrutturate. Colpo di scena il rossetto a tinte pulp che lascia intravedere una forte personalitá.

MARICA PELLEGRINELLI
Per Marica l’equazione è giovane e pelle nuda. Ampio lo spacco su una scollatura molto molto generosa che prosegue sulla schiena. Look importante che si minimizza nel beauty giocato su capello ad asciugatura naturale e viso molto pulito, con classica bordatura nera sugl occhi.

VALENTINA CABASSI
Pop e contemporaneo il volto di Valentina, incorniciati da sooracciglia tribali ben definite. Prepotente e irresistibile anche la scelta dell’abito in tessuto cangiante che sottolinea la figura senza imbarazzi. Forse nell’insieme i capelli sarebbero stati più indicati con un morbido raccolto ma la bellezza di Valentina supera anche qualche eccesso.

di Paolo Pinna per DailyMood.it

L'articolo Beauty Look da Red Carpet by Paolo Pinna proviene da Daily Mood.

Cooper, seguendo la linea del biopic contemporaneo, offre un ritratto a 360 gradi dell’autore di West Side Story, non soffermandosi esclusivamente sulla sua musica e sulla sua vita pubblica, ma entrando nel suo privato per raccontare l’uomo dietro l’artista, concentrandosi soprattutto sulla sua storia sentimentale. Centrale nella narrazione è infatti il suo matrimonio con Felicia Montealegre (che ha il volto di Carey Mulligan), dall’incontro ad una festa all’innamoramento, dalla nascita dei loro tre figli alle difficoltà di coppia per la gestione dell’omosessualità del maestro, dall’amore ritrovato alla malattia della moglie. Trent’anni di vita, di musica, di amore vero ma tormentato, di dolore e compassione, di sogni e paure.

Film targato Netflix ma prodotto dallo stesso regista insieme a Martin Scorsese e Steven Spielberg, doveva inizialmente essere diretto proprio da quest’ultimo, che poi ha deciso di avvicinarsi a Bernstein dedicandosi esclusivamente al remake di West Side Story (2021) e affidando il progetto del biopic a Cooper, convinto dal suo esordio. E Spielberg, per l’ennesima volta, ci ha visto lungo. Perché se Cooper è impressionante nella sua performance attoriale, assolutamente mimetica, ricca di verità ed empatia, lo è altrettanto dietro la macchina da presa, e anche nella scrittura (coadiuvato dal premio Oscar Josh Singer). Maestro scorre infatti sullo schermo come un perfetto e variegato spartito musicale, che passa dal bianco e nero al colore, che lega con disinvoltura il dinamismo delle parti musicali (in alcuni casi da musical vero e proprio) con i momenti più statici e riflessivi del racconto intimo del rapporto di coppia, che segue una narrazione ellittica ma lineare e esibisce un impianto visivo totalmente libero, caratterizzato da una macchina da presa che a tratti azzarda i movimenti più arditi e a tratti osserva immobile i dialoghi tra i due protagonisti.

Un racconto appassionante, commovente, che si presenta tanto come un ritratto artistico quanto come una profonda indagine dei sentimenti umani, dove Bradley Cooper e Carey Mulligan duettano sullo schermo con una sintonia quasi magica e riescono, con una naturalezza impressionante, a scavare nelle emozioni e nelle contraddizioni dei loro personaggi evitando ogni forma di manierismo. Un film importante, a momenti sorprendente, potente e al contempo delicato, che ci restituisce un autore maturo e coraggioso, che non ha avuto paura di misurarsi con un’icona senza tempo come Bernstein.
Photo Credit: PHOTOCALL_-_MAESTRO_-_Film_Delegation__Credits_Giorgio_Zucchiatti_La_Biennale_di_Venezia_-_Foto_ASAC

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

L'articolo Maestro, Bradley Cooper racconta Leonard Bernstein proviene da Daily Mood.

La fine di un mondo criminale e il tramonto di tre vecchi gangster in una Roma sempre più schiacciata dal caos, soffocata dal caldo, corrotta, confusa e sommersa dalla ceneri di un incendio perenne. Con Adagio in concorso alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, Stefano Sollima conclude la sua trilogia sulla Roma criminale iniziata con Romanzo criminale nel lontano 2008, un film decadente, un commiato per chiudere un cerchio, e in un certo senso anche una riconciliazione. “Alcuni degli elementi drammaturgici e visivi del film come gli incendi e i blackout continui potrebbero sembrare distopici, ma vivendo a Roma non lo sono affatto. Dietro Adagio c’è un atto di amore verso una città che mi era mancata, volevo tornare a raccontarla e come sempre l’ho trasfigurata. Mentre scrivevamo ci sono stati diversi incendi e blackout, sono successi davvero”, racconta il regista. La storia questa volta è quella di Manuel (Gianmarco Franchini), un ragazzo di sedici anni che finisce a una festa per scattare delle foto da consegnare in cambio di soldi a dei carabinieri (Francesco Di Leva e Lorenzo Adorni) guidati da Vasco (Adriano Giannini). Sentendosi raggirato decide di scappare ma si ritrova inseguito dai ricattatori che si riveleranno estremamente pericolosi e determinati a eliminare uno scomodo testimone. A quel punto Manuel si vedrà costretto a chiedere la protezione a due ex-criminali, Cammello (Pierfrancesco Favino) e Polniuman (Valerio Mastandrea) vecchie conoscenze del padre, Daytona (Toni Servillo), un anziano smemorato (o almeno così pare).

“Daytona fa una recita nella recita – spiega Servillo, alla sua prima volta sul set con Sollima insieme a Mastandrea e alle prese con il romanesco- Sono personaggi criminali che hanno vissuto entro certe regole che intendono rispettare fino alla fine sapendo di andare a sbattere contro un destino inevitabile. Daytona non viene mai meno alla voglia di giocarsela”. Torna invece il sodalizio con Favino, che qui interpreta Cammello: “Lavorare con Stefano è sempre un bel gioco di invenzione, essere nei suoi film vuol dire occupare lo spazio con il corpo in maniera diversa e poter giocare con le inquadrature. L’idea era quella di costruire un personaggio quasi grafico, frutto di certi fumetti degli anni ‘70. – racconta l’attore – Cammello è come quei cani randagi nella polvere abbandonati in un angolo dove vanno a morire in solitudine, quando improvvisamente bussa inattesa alla porta una guerra antica che ti fa risentire quasi l’energia giovanile di quell’adrenalina, il richiamo di un mondo per me negativo, ma che per chi ne fa parte vuol dire valere ancora qualcosa”. E non ha dubbi nel definire Sollima “un regista punk”, perché nei suoi film “non esiste un Dio, non c’è redenzione”.
Un sottobosco di ex membri della Banda della Magliana, che però non ha nessun legame con la serie Romanzo criminale: “Lì raccontavo la nascita di una banda, qui la decadenza del crimine, di tre vecchie leggende che vivono ai margini. L’appartenenza alla banda è l’unico elemento di unione, ma serve solo per dare ai personaggi una passato mitologico, quindi per una funzione esclusivamente narrativa. È un film quasi sentimentale, intimo”, conclude il regista.
Photo Credits_Emanuela_Scarpa

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Sollima: “Adagio? Un atto di amore verso Roma. Così si chiude un cerchio”. proviene da Daily Mood.

La Hollywood sul Tevere, il divismo, Fellini. E poi una leonessa fuggita da chissà dove che si aggira per la Roma degli anni’50, quella delle star del cinema americano e di folle di fanciulle sognanti in cerca di successo negli studios di Cinecittà. Ma c’è anche il viaggio di formazione di Mimosa, una giovane comparsa dal candore disarmante. Anche lei sogna il cinema, lo guarda con stupore e per una notte dentro quel mondo addirittura ci finisce trascinata da un eccentrico gruppo di attori americani. Con questa storia stratificata e ricca di suggestioni Saverio Costanzo torna in gara alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Finalmente l’alba, in uscita il prossimo 14 dicembre per 01 Distribution e realizzato con un budget imponente di 28 milioni di euro e un cast internazionale (Lily James, Joe Keery, Willem Dafoe, Rachel Sennott, Alba Rohrwacher, Rebecca Antonaci) segna il suo ritorno al cinema dopo la breve parentesi della serialità con L’amica geniale, un’esperienza che non esita a definire “una scuola, come se andassi a fare il servizio militare, una vera accademia di cinema”, anche se la voglia di misurarsi nuovamente con un film non si è mai sopita. “La differenza tra il cinema e le serie tv è la stessa che c’è tra una passione focosa e un matrimonio che funziona: il primo è una passione focosa, il secondo è un matrimonio che funziona. E ho quindi avuto bisogno dell’adulterio!”, spiega. “Sono due mezzi imparagonabili”.

Un ritorno maturato sulle orme di un fatto di cronaca risalente al 1953: l’omicidio della giovanissima Wilma Montesi. Da qui Costanzo è partito per raccontare la notte della giovane Mimosa, che di Wilma seguirà le tracce, senza però perdersi. “Siamo a Roma nell’aprile del 1953 e una ragazza viene trovata con la faccia in giù sulla spiaggia di Capocotta. – racconta – Le cronache dell’epoca lo identificarono come uno spartiacque, è come se l’innocenza del pubblico italiano fosse finita lì, cominciava una nuova era, quella in cui ci troviamo noi oggi, dove le cose sono anche peggiorate. Speculando sul fatto che fossero coinvolti alcuni esponenti del mondo della politica e dello spettacolo, la stampa creò infatti nelle persone una curiosità morbosa di sapere chi fosse il colpevole, disinteressandosi completamente alla vittima. È esattamente quello che capita oggi a noi: non abbiamo più sensibilità verso niente, non conserviamo nulla”. Il film inizialmente avrebbe dovuto raccontare chi era Wilma Montesi il giorno prima che morisse, “ma questa scrittura mi stava portando verso un epilogo che non mi sembrava poteva essere di nessuna utilità per lo spettatore:  e così ho pensato al personaggio di Mimosa, qualcuno cioè che segue le tracce di Wilma, anche lei aspirante attrice, amante del cinema, proveniente da una di quelle famiglie borghesi che opprimono le proprie figlie e che pensano solo a sistemarle tarpando loro le ali. Mimosa cambia l’epilogo della storia e attraverso il suo personaggio possiamo ridare dignità alla memoria della sua morte”.
Il girovagare della protagonista nella notte romana degli anni ’50 potrebbe essere il perfetto negativo de La dolce vita di Fellini, ma dentro c’è tutto l’immaginario di un’epoca. “C’è Fellini – precisa Costanzo – ma c’è soprattutto Giulietta Masina, è stata lei la prima ispirazione per il personaggio di Mimosa. Volevo riproporre un’idea di femminilità sofisticata, buffa, imprevedibile, per niente scontata, una boccata d’aria fresca per lo spettatore di oggi in un mondo dove i giovani e soprattutto i personaggi femminili delle serie e del cinema hanno tutti la stessa androginia . Lavorare su un femminile come quello della Masina è rischioso, ma è elettrizzante e quando ho incontrato Rebecca ho trovato una sua nipote. Più de La dolce vita l’ispirazione per questo film è stata Le notti di Cabiria”. Nostalgia per quegli anni? Assolutamente no, “mi sono divertito a creare una storia fatta di frammenti di tanti film diversi, Finalmente l’alba è girato oggi ed è già una risposta alla nostalgia, non è nostalgico, anzi parla moltissimo di cosa continui a essere oggi il cinema italiano: Cinecittà, le comparse, quelle facce sono ancora lì, basta solo cercarle”. La sua Mimosa l’ha trovata girando uno spot pubblicitario, “che mi è servito a due cose: capire che non ne avrei fatti più altri, e trovare Rebecca Antonaci”, giovanissima cantautrice a cui Costanzo ha affidato un sogno a occhi aperti di oltre due ore. Con la sua grazia, semplicità e meraviglia Mimosa è il prototipo dell’antidiva: “Essere una diva negli anni ’50 doveva essere un inferno, che fatica questo gioco di doversi rappresentare tutte le volte, essere fatale, seduttiva e compiacere il maschio, era micidiale”, continua. Lei invece non ne ha bisogno, è semplicemente se stessa, “un foglio di carta bianca che permette agli altri personaggi di specchiarsi e capire chi sono veramente”.  Costanzo ha dedicato il film a suo padre, “il minimo che potessi fare. Non c’è molto da dire”, conclude tagliando corto.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

Copertina:FINALMENTE L’ALBA – Joe Keery, Rebecca Antonaci and Willem Dafoe (Credits Eduardo Castaldo)

L'articolo Venezia 80, Saverio Costanzo: “Mi sono ispirato a Giulietta Masina” proviene da Daily Mood.

Col procedere del racconto, si scopre gradualmente la storia e la psicologia di questo personaggio, le terribili violenze subite, la sua esistenza simbiotica con i cani, il suo amore per il canto e la recitazione, la sua condotta criminale. E da grande narratore e da minuzioso esploratore dell’animo umano qual è, Besson ci immerge completamente nel suo mondo, tanto assurdo e surreale, quanto pregno di emozioni vere.

Con la sua solita poetica ipercinetica, il regista di Nikita e Il quinto elemento costruisce un cupo e adrenalinico divertissement su una sceneggiatura, firmata da lui stesso, riempita in modo esagerato di tematiche e situazioni. C’è ovviamente l’elemento cinofilo, c’è l’analisi della sofferenza, ma ci sono anche l’amore non corrisposto, la disabilità, il mondo delle drag queen, Edith Piaf e un forte spiritualismo di fondo, tipico del suo cinema. E sebbene questo possa rappresentare un difetto del film, è in realtà il suo vero punto di forza. Dogman infatti si fa apprezzare soprattutto per questa sua natura sconclusionata, per la totale libertà espressiva e narrativa che si concede l’autore, senza paura di esagerare e di mettere troppa carne al fuoco. Besson a tratti strizza l’occhio al cinema orientale, a tratti sembra ricalcare il Joker di Todd Phillipps; alterna violenza e misticismo; passa dall’horror al dramma psicologico. E lo fa riuscendo a non perdere mai la bussola del racconto: tutto è folle, ma è anche tutto assolutamente coerente.

Ad impreziosire ancora di più il film, è l’intensa interpretazione di Caleb Landry Jones. L’attore statunitense, che due anni fa vinse la Palma d’Oro a Cannes per Nitram di Justin Kurzel, è perfetto nel tratteggiare le scivolose sfumature del suo personaggio, in costante bilico tra dolcezza e cattiveria. Una performance estremamente fisica, dolorosa, che conferma il grande talento di Jones e che lo candida alla vittoria della Coppa Volpi qui a Venezia.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it
Photo Credit: @MatteoMignani per DailyMood.it

L'articolo Dogman, la nuova nerissima favola di Luc Besson proviene da Daily Mood.

di Paolo Pinna per DailyMood.it

L'articolo No MAKE-UP effect proviene da Daily Mood.

Alla Mostra del Cinema di Venezia è il turno di Michael Mann e il suo Ferrari. Un progetto rincorso dal regista statunitense per venti anni, che oggi è diventato anche l’inizio del sogno americano di Michele Savoia, classe 1989, una carriera divisa tra i set di Me contro te, i musical, il teatro di prosa e la tv. Nel film in concorso per il Leone d’Oro è il braccio destro di Enzo Ferrari interpretato da Adam Driver, con cui divide la scena nei panni del mite e meticoloso Carlo Chiti, l’ingegnere che dal 1957 al 1961 entrò nella scuderia del Cavallino diventandone il principale progettista.

“Mi sono ritrovato su due set contemporaneamente, – ci racconta – finito di lavorare su uno prendevo un treno, tornavo a Roma e andavo sull’altro. Una volta mi è capitato di non dormire per tretntaquattro ore di fila”.

DAILYMOOD.IT: I teatri di  prosa, i musical, il cinema dei Me contro te e la serialità. E un giorno è arrivato Michael Mann.
MICHELE SAVOIA: È la cosa più bella e divertente di questo mestiere. Credo che purtroppo in Italia ci sia molto pregiudizio, spesso  noi artisti veniamo ingabbiati in categorie: l’attore comico, il caratterista, quello drammatico o solo di film per bambini. Se sei una cosa non puoi fare l’altra. Immagino che la notizia di me sia nel cast di Me Contro Te che in quello di Ferrari abbia destato tanto stupore.

Ma sono solo pregiudizi italiani, all’estero è diverso: puoi permetterti di giocare e divertirti con un personaggio in stile cartoon  come quello di Pongo in Me contro te e poi lavorare su un film come Ferrari o passare al musical. Ho sempre studiato canto e danza sin da piccolo, quindi  mi chiedo perché no? E poi nella vita sono una persona molto curiosa, mi piace sperimentare, conoscere,  sono il classico tipo che se va in un ristorante prende sempre il piatto più strano. Nonostante sia molto difficile da portare avanti, questa varietà mi appaga, mi fa stare bene, mi elettrizza, dà vivacità al mio lavoro. È bello sfidarsi in  ruoli totalmente differenti.

Non so perché in Italia si fatichi ad accetare questa varietà, forse c’è più paura di rischiare oppure perché, se pensiamo ad esempio alla commedia dell’arte con le sue maschere, siamo abituati a degli schemi fissi.

DM: E con Michael Mann come è andata invece?
MS: È stato tutto un sogno. La mia agenzia mi ha proposto e poi ho inviato un self-tape, di cui non ero neanche troppo soddisfatto, e invece mi ha richiamato per un provino in presenza. Sin da subito mi ha dimostrato grande entusiasmo, mi ha fatto i complimenti e mi ha tranquillizzato dicendomi che ci avremmo lavorato insieme. È una persona complessa per le mille sfaccettature che riesce a dare al suo lavoro quando dirige gli attori o gli altri reparti, per la  determinazione, lo stupore, la precisione. Ha le idee chiare, ti dà  un’indicazione, una frase che ti lacera, ti squarcia, ma che ti fa capire esattamente quello che vuole.

DM: La prima cosa che ti ha detto?
MS: Si è complimentato dicendomi: “You’re good, you’re very good” e lì mi sono sentito veramente bene. È stato molto accogliente,  mi ha accolto con quel suo sorriso e modo di fare molto disordinato, per certi versi anche buffo, mi ha messo a mio agio e mi ha raccontato cosa volesse dal personaggio. All’inizio avevo un po’ d’ansia,  poi invece abbiamo fatto la prima lettura con il cast principale: ero seduto allo stesso tavolo di Adam Driver, Penelope Cruz, Michael Mann, Patrick Dempsey e ho tremato. Appena ho realizzato dove ero mi sono detto: “Non è possibile!”, mi tremavo le gambe, per fortuna ero seduto altrimenti sarei cascato.

DM: Come hai superato questo senso di responsabilità e ansia?
MS: Anche Carlo Chiti era abbastanza ansioso, quindi ho canalizzato quell’ansia verso il personaggio. Era un’occasione unica, perché rovinarla? Alla fine ho cominciato a pensare che se Mann mi aveva scelto un motivo c’era e mi sono detto: “Divertiti Michele, vai, gioca!”.

 DM: Conoscevi la figura di Chiti? E qual era l’idea di Mann?
MS: Non ne sapevo nulla, poi ho imparato che era una persona molto seria e dedita al lavoro,  tanto appassionata, ci metteva anima e cuore, e questa sua dedizione gli provocava anche un po’ di ansia.

Ho visto video, letto libri e a Modena ho avuto modo di incontrare gente che lo aveva conosciuto, ma non sono riuscito purtroppo a contattare nessuno della sua famiglia. Alcuni suoi vecchi amici mi hanno raccontato che  nel lavoro era una persona molto diligente, seria, professionale, fuori invece era molto divertente, simpatico, amava le barzellette, la compagnia.  Mi sono lasciato guidare dalla scrittura,  non ho forzato la mano per evitare il rischio di un’imitazione, mi sono  limitato a stare  lì, dentro l’azione, e a vivere attraverso le parole e la dramaturgia quello che  mi veniva suggerito dal testo stesso e dal rapporto con  Enzo Ferrari, con cui ho la maggior parte delle scene.

DM: Che effetto fa essere il braccio destro di Adam Driver?
MS: Chi l’avrebbe mai detto? Quando capisce di essere al sicuro, si lascia andare ed è quello che è successo con me; abbiamo condiviso anche dei momenti comici nelle pause tra un ciak e l’altro.  Il giorno di mio compleanno stavamo girando una scena con  lui e Patrick Dempsey, alla fine mi hanno cantato ‘Happy Birthday’.

DM: Michael Mann ha definito  la realizzazione di questo film come uno studio antropologico, è stato un lavoro soprattutto sui luoghi in cui è cresciuto Ferrari. Tu in qualche modo da italiano partivi avvantaggiato. Su di te che suggestione hanno avuto?
MS: È stato bello avere un ponte con l’America, è il sogno di molti attori, ma avevo il privilegio di farlo in Italia: ho potuto mantenere le mie radici e mostrarle, anche se con un modo di raccontare tutto americano. E poi c’era l’emozione di recitare nei luoghi in cui tutto è successo.

DM: Chi era Enzo Ferrari prima di questo film e perché secondo te Mann ha deciso di fare un film sul periodo più buio della sua vita?
MS: Ha fatto una scelta molto giusta, perché  con questo film mostra la parte più umana di Ferrari.  Non  sono un grande sportivo e non seguo molto gli sport, però da piccolo passavo pomeriggi interi a guardare la Formula 1 di domenica con mio padre,  quindi  è stato bello ripensare a quei pomeriggi, al tifo sfegatato per quella macchina rossa.  È la stessa passione di Michael Mann: la vedevi nei suoi occhi quando ci dirigeva, brillavano di una luce simile a quella dei bambini che scoprono il mondo.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Venezia 80, Michele Savoia in Ferrari: “Michael Mann? Ha la passione di un bambino” proviene da Daily Mood.

Un’ispirazione di natura emotiva,“una folgorazione”. Non ha dubbi Edoardo De Angelis per definire Salvatore Todaro, il sommergibilista italiano che ha ispirato Comandante, un film dalla natura profondamente politica che apre l’80esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. “L’ispirazione nasce dalla storia di Salvatore Todaro, raccontata in occasione del centoventitresimo anniversario della Guardia Costiera dall’Ammiraglio Pettorino, che aveva l’esigenza di dire ai propri uomini come comportarsi in mare”. Una storia di sommersi e salvati, e di leggi del mare perché “in mare siamo tutti alla stessa distanza da Dio, la distanza di un braccio, quella che ti salva”. Nell’ottobre del 1940 durante la Seconda Guerra mondiale  mentre navigava nell’Atlantico, Todaro si ritrova ad affondare un mercantile belga che navigava a luci spente, ma decide di salvare i 26 naufraghi belgi condannati diversamente ad affogare in mezzo all’oceano per sbarcarli nel porto sicuro più vicino, come previsto dalla legge del mare.

“Da qui parte la folgorazione per la figura di Todaro, – continua De Angelis – alla quale è seguita una lunga attività di ricerca con il supporto della Marina e lo studio di un genere cinematografico. Non erano tanto i film sui sommergibilisti ad averci appassionato ma proprio la storia di quest’uomo; abbiamo scoperto così che in tempo di guerra De Robertis aveva realizzato molti film, che nascevano con intenti di propaganda, ma che per noi sono stati documenti molto importanti, li considero quasi proto neorealisti ealizzati all’interno di veri sommergibili e che riprendono reali azioni di guerra. Hanno rappresentato per noi non solo una fonte di studio, ma anche un’ispirazione per gli interni del sommergibile che grazie all’accesso agli archivi storici è stato realizzato sul progetto originale.  Per quanto riguarda gli interni c’erano solo  foto in bianco e nero. Abbiamo immaginato quindi tutta la parte cromatica, ma nei film di De Robertis c’erano indicazioni precise su come funzionasse un sommergibile nel ’40 “.”.

Un dramma bellico girato negli abissi, che ha il potere di riportare in superficie questioni estremamente attuali perché a guardare quegli uomini stipati nella pancia di un sommergibile, presi a schiaffi dalle acque, in preghiera e inghiottiti dal terrore non può non venire in mente il nostro Mediterraneo dove oggi invece quei naufraghi vengono lasciati affogare, un cimitero di barconi, uomini, donne e bambini, con porti sicuri sempre piu lontani. “Todaro ci ha mostrato cosa significhi ancora oggi essere italiani, un concetto preso un po’ lateralmente negli ultimi anni. Il nostro paese, come dice anche una battuta del film, è un crogiolo meraviglioso e putrido, ma  questa è la sua identità e nasce da tutte le varietà possibili e immaginabili degli esseri umani. Essere italiani però significa anche andare in soccorso. Mi commuove l’ idea della forza così come la intendeva quest’uomo, ovvero come la capacità di correre in soccorso di chi è piu debole, questo per me è un uomo forte. Esistono delle leggi eterne e immutabili come quelle del mare che non vanno mai infrante. Quando ho conosciuto la storia di Salvatore Todaro ho pensato che se questo significa essere italiani, allora io voglio essere italiano”.

Non lo conosceva invece, almeno prima di questo film, il suo interprete, Pierfrancesco Favino che in Comandante giganteggia insieme a tutti gli altri comprimari. “un magnifico esempio di ciò che cerco sempre nel mio mestiere, cioè il fatto che un essere umano non possa essere una cosa sola o un aggettivo, e di come possa essere contemporaneamente un cattolico e praticante e uno spiritista, un uomo capace di guardarsi da fuori, appassionato di arti e filosofia orientali e un militare convinto. Tutto ciò per me aveva un grandissimo fascino, non mi piacciono i personaggi di un solo colore  e Todaro per un attore è l’esempio di quante gradazioni meravigliose ci possano essere in un essere umano. È una storia di grande epifania di un uomo che parte con delle forti convinzioni, che sceglie di andare sotto al mare e che è capace di disobbedire per obbedire a una legge piú alta, la sua, che è quella di mettere l’uomo al primo posto”. Paura che possa essere interpretato come la celebrazione di un eroe fascista? “Nulla di creativo viene dalla paura, non si può non fare una cosa per paura, le mie piu grandi vittorie sono state quando sono andato contro alle paure che qualcuno potesse dire qualcosa”.
E sul significato di essere italiani aggiunge: “Vengo da una famiglia in cui ogni tanto dovevo spostarmi dalla mia camera per fare spazio  a persone che i miei stavano aiutando, casa mia era così, la mia porta è sempre stata aperta e ho sempre pensato che fosse un dato dell’italianità”.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo Comandante apre Venezia 80, Favino: “Todaro ? Esempio di come un uomo non possa essere una cosa sola” proviene da Daily Mood.

Per l’occasione ha indossato un abito blu leggero di seta, a sottoveste tempestato di cristalli di Giorgio Armani Privé.

Che ne dite di questo inizio?

Photo Credits @MatteoMignani per DailyMood.it

L'articolo A piedi nudi sulla sabbia Caterina Murino dà il via a Venezia 80. proviene da Daily Mood.

Capelli castani, occhi castani di una luminosità tutta particolare, il volto fiero, dai lineamenti decisi, e un sorriso dolce e coinvolgente, irresistibile, capace di far sciogliere qualunque cosa, Caterina Murino ha fatto un percorso insolito nel mondo dello spettacolo. Nata a Cagliari, nel 1977, ha partecipato al concorso di bellezza per eccellenza, Miss Italia, arrivando quinta e vincendo il titolo di Miss Deborah Italia. È stata letterina nella prima edizione di Passaparola, il quiz di Canale 5, nel 1999. Ma il suo non è stato il percorso scontato di tante bellezze. Ha studiato recitazione, alla Scuola di Cinema e Teatro di Francesca De Sapio, cominciando a fare delle piccole parti in alcune fiction e nel film Nowhere (2022) di Luis Sepulveda.

Ma la svolta della sua carriera è stata proprio la decisione di andare a vivere e lavorare a Parigi. È stata questa scelta che le ha permesso di recitare accanto a Jean Reno e Christian Clavier, ne Il bandito corso, e di essere diretta da un regista come Patrice Leconte in Les Bronzés 3 – amis pour la vie. Ma, soprattutto, è stato quello stare per un attimo lontano dai riflettori di casa nostra che, una volta tornata, ci ha probabilmente fatto cambiare il punto di vista su di lei. Molti di noi non la ricordavano da Miss Italia o da Passaparola, certo. In ogni caso, quando è tornata sotto gli spotlight dello show business è stato come incontrare una persona nuova. Italiana, ma con qualcosa di esotico. Bellissima, ma con un che di misterioso (della sua vita privata si è sempre saputo poco, a differenza della maggior parte delle star). Un che di prezioso, come dicevamo all’inizio.

E il grande rientro sulle scene di Caterina Murino è nel film Casino Rocinemayale, di Martin Campbell, del 2006, il film che ha dato il via all’importante ciclo di Daniel Craig. Caterina fa un’apparizione tutto sommato breve, ma di quelle che lasciano il segno. È Solange, la moglie infelice di un terrorista, legato a Le Chiffre, il cattivo del film. L’apparizione di Caterina Murino in Casino Royale, valorizzata dalla regia di Campbell, che sembra inserirla in un film di altri tempi, è di quelle che non si dimenticano. È alle Bahamas, sulla spiaggia, ed entra in scena in sella a un cavallo bianco, con un bikini verde acqua che mette in risalto il suo fisico, tonico e abbronzato. L’incontro con James Bond sarà breve, intenso, e interrotto bruscamente. Solange è in lingerie, in camera da letto, e sta per iniziare una notte d’amore con 007. Ma, ottenuta l’informazione che voleva, Bond la lascerà immediatamente. Sedotta e abbandonata.

Casino Royale ha dimostrato in poche sequenze il grande fascino e il grande sex appeal di Caterina Murino. Che un cineasta di casa nostra, come Pappi Corsicato, è riuscito ulteriormente a valorizzare. L’attrice è stata infatti la protagonista assoluta de Il seme della discordia, del 2008, una storia surreale su una donna che, nel giorno stesso in cui suo marito scopre di essere sterile, rimane incinta, nonostante non abbia avuto rapporti sessuali con altri uomini. In un film alla Almodovar, Corsicato riesce ad avvolgere Caterina Murino con colori vividi e con abiti attillati, che ne mettono in risalto il fisico, le forme, la bellezza. In ogni scena del film Caterina Murino buca lo schermo, è un concentrato di sensualità e di gioia. E la sua figura rimanda alle classiche bellezze italiane del cinema di un tempo. Nello stesso anno ha posato per l’edizione italiana della rivista Playboy. Ha poi recitato nei film The Garden of Eden ed Équinoxe di Laurent Carcélès e nella serie italiana Donne assassine.

E ancora, molti film francesi, e qualche piccolo film in Italia, tra cui Se son rose (2018) di Leonardo Pieraccioni, e un’apparizione con il regista cult spagnolo Álex de la Iglesia nel suo Veneciafrenia (2022). Ma, come dicevamo all’inizio, Caterina Murino ha scelto di non essere sovraesposta, di non prendere le vie più facili, più scontate. Ha fatto molto teatro, spettacoli come Dona Flor e i suoi due mariti (2012) la pièce Eyes Wide Shut, cioè Doppio sogno (2015) e 8 donne e un mistero. È un po’ che non la vediamo. E rivederla a Venezia sarà davvero speciale.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

L'articolo Caterina Murino: la madrina del Festival di Venezia, una bellezza preziosa proviene da Daily Mood.