Due destini che si uniscono, come recita la famosa canzone: è questa la storia di due giovani donne che si incontrano per caso, unite dall’annoso problema che chi vive a Roma conosce bene, quell’autobus che aspetti e non passa mai. Anna e Nadiya si trovano ad aspettare da sole, accettano il passaggio di due ragazzi, rimangono insieme quando scendono, senza accettare l’invito dei due a bere una birra insieme. Il giorno dopo, recuperata in qualche modo un’automobile, Anna ritrova Nadiya ad aspettare nello stesso posto e le offre un passaggio. Così iniziamo a conoscere le loro storie. Anna è in conflitto con se stessa e la propria famiglia e ha un segreto che non rivela a nessuno. Nadiya, ucraina, fugge da una guerra che la tiene lontana da casa. Tutti consigliano ad Anna di seguire il suo compagno in un viaggio di lavoro e a Nadiya di restare al sicuro in Italia. Ma loro la pensano diversamente. Il loro incontro, seppur breve, sarà un tuffo nella libertà.

Taxi Monamour è girato alla maniera dei Fratelli Dardenne, ma senza la tragicità dei loro racconti. La macchina da presa a mano di Ciro De Caro segue i personaggi con la tecnica del “pedinamento”, è sempre all’altezza delle persone, è sempre in mezzo a loro, al centro dell’azione. Punta su dei naturali piani sequenza non virtuosistici, ma funzionali alla sua idea di racconto, rinunciando anche al classico campo/controcampo quando due personaggi, o più, dialogano, ma spostando la macchina da presa seguendo ora l’uno ora l’altro. La sua mdp è libera di fluttuare tra i protagonisti e di cogliere l’attimo. “Girare questo film mi ha dato la possibilità di continuare a esplorare un linguaggio cinematografico allo stesso tempo rigoroso e molto libero” ha spiegato infatti De Caro nelle note di regia. “È la storia di un incontro casuale ed intenso e ho tentato di essere un testimone silenzioso e discreto che, osservando la vita di queste due donne, potesse cogliere qualcosa di intimo e molto vero, in maniera leggera, cruda e priva di giudizio, anche se con uno sguardo estremamente personale”.

Al centro del film ci sono due ottime attrici. Rosa Palasciano, che interpreta Anna, porta in scena una bellezza particolarissima, provata e stanca dalla vita che sta facendo. Yeva Sai, che è Nadiya, ha i colori chiari di chi viene dall’est dell’Europa, un volto acqua e sapone e una continua ritrosia, quella di chi si trova in un posto che non è il suo, straniero e straniato, e ha paura di tutto. Anna e Nadiya sono fisicamente e caratterialmente complementari, e come tali naturalmente si attraggono, hanno bisogno una dell’altra. C’è chi ha bisogno di trascinare e chi di venire guidata.

Rosa Palasciano è anche sceneggiatrice del film, insieme a Ciro De Caro. Quel personaggio lo ha trovato, lo ha visto nascere, lo ha scritto e lo sente molto suo. Come ha raccontato, Taxi Monamour è nato proprio osservando da lontano due donne che stavano sedute in riva al mare sul litorale romano, in inverno. Il loro modo di stare assieme era pieno di intimità, di solitudine ma anche di leggerezza. Entrambe in un paese straniero, probabilmente condividendo difficoltà simili, si facevano compagnia parlando poco. Questa immagine ha colpito i due sceneggiatori e li ha portati a immaginare le loro vite, i loro sogni.

Al netto di alcuni momenti in cui il film si avvita su se stesso e sembra girare a vuoto, allontanandosi dal suo cuore centrale, è una storia delicata che racconta il bisogno che oggi abbiamo di relazioni, di contatti che siano reali, fisici. Racconta lo spaesamento, lo smarrimento, la precarietà delle nostre vite e dei tempi che stiamo vivendo. Lo fa portando in scena dei personaggi non compiacenti, ma reali e naturali. E senza il finale tragico di Thelma e Louise, ma con un finale bellissimo e pieno di dolcezza.

di Maurizio Ermisino

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Sul tappeto rosso, anche Joaquin Phoenix, protagonista del film, ha scelto uno stile sobrio e raffinato, indossando uno smoking classico, mentre altre stelle hanno brillato con look sofisticati, come Zhang Ziyi in Armani Privé e Isabelle Huppert con un abito scintillante​.

La proiezione del film ha segnato uno dei momenti più importanti del festival, con “Joker: Folie à Deux” attesissimo sia dalla critica che dal pubblico, pronto a rivedere il carismatico duo Gaga-Phoenix in una storia che mescola amore e follia​.

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Altri protagonisti di stile sono stati Drew Starkey, che ha indossato un completo cobalto firmato Loewe, e lo stesso Guadagnino, che ha scelto un doppiopetto nero con una spilla distintiva. Tra le icone presenti, Tilda Swinton ha catturato l’attenzione con un abito bianco asimmetrico di Alaïa, e la madrina del festival, Sveva Alviti, ha brillato in un caftano verde plissettato di Gucci Resort.

L’eleganza ha dominato la passerella, con celebrità come Isabelle Huppert e Patty Pravo che hanno portato il loro stile inconfondibile al red carpet, in una serata che ha celebrato non solo il cinema, ma anche la moda internazionale.

Il 3 settembre è stato senza dubbio un evento ricco di momenti glamour, con i look audaci e raffinati che hanno lasciato il segno nel pubblico e tra i critici​.

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Oltre alle star internazionali, anche il cinema italiano ha avuto il suo spazio con la presenza di attrici come Rocio Muñoz Morales e Vittoria Puccini, che hanno sfilato in eleganti abiti da sera, confermando il loro ruolo di protagoniste indiscusse del glamour veneziano.

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La loro dinamica, costruita su una sottile tensione e un rispetto reciproco, è il fulcro emotivo del film, che esplora temi di fiducia e tradimento. Entrambi gli attori si muovono abilmente tra momenti di suspense e dialoghi intensi, creando un ritmo avvincente che tiene lo spettatore sul filo del rasoio.

Watts utilizza sapientemente le loro capacità attoriali, costruendo una narrazione che oscilla tra il dramma psicologico e l’azione, mantenendo alta la tensione fino all’ultimo minuto. Wolfs non è solo un film che intrattiene, ma una riflessione sulle sfide morali in situazioni estreme, resa possibile grazie alle potenti interpretazioni di Pitt e Clooney.

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Scritta e diretta da Alfonso Cuarón, Disclaimer – La vita perfetta è basata sull’omonimo best-seller di Renée Knight e segue Catherine Ravenscroft (Cate Blanchett) un’acclamata giornalista che ha costruito la sua reputazione rivelando le malefatte e le trasgressioni degli altri. Quando riceve un romanzo da un autore sconosciuto, si rende conto con orrore di essere la protagonista di una storia che mette a nudo i suoi segreti più oscuri. Mentre Catherine lotta contro il tempo per scoprire la vera identità dello scrittore, è costretta a confrontarsi con il suo passato prima che questo distrugga la sua vita e i suoi rapporti con il marito Robert (Sacha Baron Cohen) e il figlio Nicholas (Kodi Smit-McPhee). Nel cast ci sono anche Kevin Kline, Lesley Manville, Louis Partridge, Leila George e Hoyeon, e Indira Varma è la voce narrante.

Cate Blanchett, che a Venezia ha vinto già due volte la Coppa Volpi per la miglior interpretazione femminile, con Io non sono qui e Tár, è l’attrice perfetta per dare un volto e un corpo alla protagonista di questa storia. Tanto che pare che Alfonso Cuaron fosse terrorizzato all’idea che la Blanchett potesse dire di no. “Non mi è sembrato vero di andare a caccia, grazie ad Alfonso, del lato oscuro di questa donna” ha raccontato a Venezia Cate Blanchett. “Quando la incontriamo sappiamo poco di lei. Mano a mano che la storia evolve sei portata a giudicarla, l’ho fatto anche se cercavo di sottrarmi, per non farmi influenzare. Tutti noi abbiamo segreti che solo noi conosciamo. Io la chiamo privacy”.

“Vi invito a concentrarvi su narrazione e stile. La loro forza può portarci vicino alla verità. Possiamo essere manipolati a causa delle nostre convinzioni e dei giudizi che a volte formuliamo. Ma entrambi possono anche essere un’arma. Un grande potenziale manipolatorio. Signore e signori, attenzione”. La voce che accompagna il trailer di The Disclaimer recita queste parole, che scorrono su immagini intense, magnetiche, che portano con sé una tensione sottesa e costante. Parole che introducono la storia della serie, ma che vogliono essere anche una riflessione sulla comunicazione, sul racconto e su verità e manipolazione nella società di oggi. A Venezia Cate Blanchett ha parlato di “assoluta mancanza di vergogna nella società. La vergogna è molto diversa dal senso di colpa. Il senso di colpa è un’emozione inutile. Ma la vergogna e il rimpianto, e le lezioni che se ne possono trarre, sono molto potenti”.

Alfonso Cuarón al cinema è sempre stato il regista della magia e dell’incanto, quello di Paradiso Perduto, Roma e di Harry Potter e il prigioniero di Azkaban. Ma è anche stato capace di un racconto più serrato, teso e lucido come quello de I figli degli uomini. Cate Blanchett è l’attrice che più di ogni altra ha saputo portare sullo schermo personaggi enigmatici, scissi. Dopo la protagonista di Tár, una donna ambigua e problematica, la Catherine di Disclaimer è l’ennesimo grande personaggio di una galleria ormai piena di grandi interpretazioni e grandi successi. Tra cui ricordiamo 8 nomination agli Oscar, con due vittorie, per The Aviator nel 2005 e Blue Jasmine nel 2014.

In The Disclaimer Cate Blanchett appare algida, i capelli biondi e mossi portati lunghi poco sotto le spalle, la pelle diafana e il viso che appare ancora più smunto e affilato del solito. Gli occhi, al solito, sono piccoli, affilati, di quel tipico azzurro ghiaccio, capaci di fulminare, come di trasmettere spaesamento e dolore, o stupore. Sul red carpet come nelle immagini della serie Apple Tv+, Cate Blanchett è circondata da un’aura unica e inconfondibile. È una di quelle figure che, naturalmente, emanano luce.

di Maurizio Ermisinoper DailyMood.it

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I due attori non solo hanno illuminato la serata con la loro presenza, ma hanno anche dimostrato una complicità e un’amicizia che hanno reso il loro passaggio sul red carpet un momento indimenticabile. Le interazioni tra Pitt e Clooney, tra sorrisi e battute, hanno aggiunto un tocco di leggerezza e divertimento a una serata già ricca di glamour.

L'articolo Venezia 81: Brad Pitt e George Clooney Rubano la Scena nella Quinta Giornata proviene da Daily Mood.

La serata è stata un vero e proprio spettacolo di glamour, con altre star che hanno contribuito a rendere memorabile il red carpet. Tra loro, Vanessa Kirby, con un abito bianco etereo che ha contrastato perfettamente con l’audace scelta di Miriam Leone, vestita in un rosso fiammante. Adriana Lima ha incantato con un abito scintillante che ha enfatizzato il suo stile sofisticato, mentre Ethan Hawke ha portato un tocco di eleganza casual con un abito che combinava comfort e classe.

La combinazione di star internazionali e icone di stile ha reso la quarta giornata del festival una delle più affascinanti, consolidando il Festival del Cinema di Venezia come un evento di eccellenza sia per il cinema che per la moda.

L'articolo Venezia 81: La Quarta Giornata Brilla con Jude Law, Alessandro Borghi ed Eva Green proviene da Daily Mood.

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Angelina Jolie offre una delle sue performance più profonde e sfumate in Maria, dove interpreta la leggendaria Maria Callas. La Jolie cattura l’essenza della diva con una precisione emotiva impressionante, esprimendo non solo la potenza vocale e la presenza scenica di Callas, ma anche la sua vulnerabilità e le sue insicurezze. La sua interpretazione è intrisa di una dignità malinconica, che rende ogni scena intensa e avvincente. La Jolie non si limita a impersonare Callas; la incarna, dando vita a una figura complessa e indimenticabile. La sua capacità di trasmettere emozioni profonde attraverso sguardi e silenzi è straordinaria, e il suo impegno nel ruolo si riflette in ogni dettaglio della sua interpretazione.

Maria non è solo un film biografico; è una celebrazione della vita di una donna straordinaria, resa ancor più potente dalla straordinaria performance di Angelina Jolie. Un must per chi ama il cinema e la grande musica.

L'articolo Recensione del film Maria proviene da Daily Mood.

Angelina Jolie ha incantato il pubblico con un abito beige personalizzato di Tamara Ralph per la première del suo film “Maria”. Úrsula Corberó ha optato per un abito Bottega Veneta in tonalità rosso acceso, mentre Miriam Leone ha portato un tocco di alta moda con un abito nero con spacco vertiginoso.

Winona Ryder e Monica Bellucci hanno catturato l’attenzione al photocall di “Beetlejuice Beetlejuice”, rispettivamente in Chanel Haute Couture e un abito nero con pois di Tim Burton. Jenna Ortega, sempre all’avanguardia, ha sfoggiato un completo bordeaux doppiopetto che unisce eleganza classica e modernità.

La giornata si è conclusa con un mix perfetto di eleganza e originalità, confermando il festival come un evento imperdibile nel panorama cinematografico internazionale​

L'articolo Venezia 81: Glamour e Star Internazionali Dominano la Seconda Giornata del Festival proviene da Daily Mood.

Ospiti di spicco: La serata ha visto sfilare alcune delle più grandi star del cinema mondiale, tra cui Angelina Jolie, protagonista del film “Maria” di Pablo Larraín, dove interpreta la leggendaria Maria Callas. Joaquin Phoenix e Lady Gaga hanno attirato molta attenzione con la presentazione del sequel “Joker: Folie à Deux”, promettendo di replicare il successo del primo film. Altri grandi nomi come George Clooney, Brad Pitt, Cate Blanchett e Winona Ryder hanno ulteriormente innalzato il livello di glamour della serata.

Look da red carpet: Tra gli outfit più acclamati, Jenna Ortega ha incantato con un abito in tulle di Christian Dior, mentre Taylor Russell ha scelto un look iconico della collezione Chanel Spring 1993. Cate Blanchett ha brillato con un abito in champagne di Armani Privé, incarnando il glamour di Hollywood. Izabel Goulart e Amy Jackson hanno puntato su abiti trasparenti e dettagli preziosi, firmati rispettivamente Ermanno Scervino e Alberta Ferretti, sottolineando l’eleganza senza tempo unita a tocchi moderni.

Curiosità e momenti salienti: L’apertura del festival è stata affidata a Tim Burton con la prima mondiale di “Beetlejuice Beetlejuice”, il tanto atteso sequel del classico cult del 1988. La presenza di Michael Keaton, Winona Ryder e Catherine O’Hara, insieme alle nuove aggiunte come Jenna Ortega, ha reso questo uno degli eventi più attesi del festival. Inoltre, la rassegna ha confermato la sua importanza come trampolino di lancio per i prossimi contendenti agli Oscar, con pellicole come “Maria” e “Joker: Folie à Deux” già in pole position per la stagione dei premi.

La prima giornata di Venezia 81 ha messo in chiaro che quest’anno il festival non solo tornerà a splendere, ma lo farà con una forza e una vitalità senza precedenti, posizionandosi come uno degli eventi più influenti del 2024​.

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Autori internazionali in concorso: Pedro Almodóvar, Pablo Larrain, Walter Salles, Todd Phillips

Ma andiamo con ordine. Il programma di Venezia 81 è fatto di un concorso già di per sé molto ricco, variegato, sfaccettato. Iniziamo dai nomi internazionali. The Room Next Door, il primo film in lingua inglese di Pedro Almodóvar, con Tilda Swinton e Julianne Moore, è uno dei titoli più attesi. L’altro, annunciato da tempo, è Joker: Folie À Deux di Todd Phillips con Joaquin Phoenix e Lady Gaga. Maria di Pablo Larrain è dedicato a Maria Callas, con Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher nel cast. Altro grande nome è I’m Still Here del brasiliano Walter Salles con Fernanda Torres e Selton Mello. Dall’argentina arriva Kill The Jockey di Luis Ortega, un film pieno di sorprese. Sono tre i film francesi in concorso: Leurs enfants après eux, di Ludovic e Zoran Boukherma, Jouer avec le feu (The Quiet Son) di Delphine e Muriel Coulin con Vincent Lindon, e Trois amies di Emmanuel Mouret. Il cinema americano porta al lido The Brutalist di Brady Corbet con Adrien Brody e Guy Pearce, e Babygirl di Halina Reijn, un thriller erotico con Nicole Kidman e Antonio Banderas. Dal Canada arriva The Order di Justin Kurzel, con Jude Law, Nichoas Hoult e Tye Sheridan. Sono nomi meno noti, ma saranno in grado di stupirci, film come Love, di Dag Johan Haugerud, che arriva dalla Norvegia, April di Dea Kulumbegashvili, in arrivo della Georgia, e Harvest, film inglese di Athina Rachel Tsangari con Caleb Landry Jones, il protagonista di Dogman di Luc Besson. Dall’Oriente arrivano Qing Chun Gui (Youth – Homecoming) di Wang Bing, film cinese, e Stranger Eyes di Yeo Siew Hua, da Singapore.

Gli italiani in concorso: Guadagnino, Amelio, Piazza e Grassadonia, Steigerwalt, Delpero

I film italiani in concorso sono 5. Il più atteso è una coproduzione Italia-USA, ed è Queer di Luca Guadagnino, tratto dal romanzo di Burroughs, con Daniel Craig che si mette in gioco in un ruolo inconsueto. In concorso ci sarà Campo di battaglia di Gianni Amelio con Alessandro Borghi, ambientato durante la Prima Guerra Mondiale, nel periodo della prima grande pandemia, la Spagnola che fece più morti della guerra. È molto atteso anche Iddu di Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, la storia di Matteo Messina Denaro, raccontata in maniera immaginifica e farsesca, con Elio Germano e Toni Servillo. Tra gli italiani in gara ci sono, finalmente, anche due donne. Vermiglio è diretto da Maura Delpero: è ambientato sulle Dolomiti, verso la fine della Seconda Guerra mondiale, girato con pochi attori professionisti e molti attori non professionisti. Diva futura è diretto da Giulia Louise Steigerwalt con Pietro Castellitto, Barbara Ronchi e Denise Capezza e racconta la storia di Riccardo Schicchi, che negli anni Ottanta e Novanta sconvolse l’Italia con la pornografia.

Fuori Concorso: Tim Burton, Pupi Avati, Takeshi Kitano, Harmony Korine

Come dicevamo sopra il film d’apertura, fuori concorso, è Beetlejuice Beetlejuice Tim Burton con Michael Keaton, Winona Ryder. Il film di chiusura sarà L’orto americano di Pupi Avati. Il film più atteso è Wolfs – Lupi solitari di Jon Watts, con due divi come Brad Pitt e George Clooney. Tra i film fuori concorso vedremo Il tempo che ci vuole di Francesca Comencini, con Francesco Gifuni e Romana Maggiora Vergano. Ci saranno Phantosmia di Lav Diaz, Broken Rage di Takeshi Kitano, Baby Invasion di Harmony Korine, Finalement di Claude Lelouche, e Se posso permettermi Capitolo II, corto di Marco Bellocchio. Nella sezione proiezioni speciali vedremo Leopardi: Il poeta dell’infinito, di Sergio Rubini, miniserie che andrà in onda su Rai 1, con Alessio Boni e Valentina Cervi, Master And Commander di Peter Weir con Russell Crowe e Paul Bettany, film del 2003, e Beauty Is Not A Sin, di Nicolas Winding Refn, corto che verrà proiettato prima della versione restaurata del suo The Pusher.

Le serie fuori concorso: Cuaron, Sorogoyen, Vinterberg e Joe Wright

Il programma dei fuori concorso propone anche quattro serie tv. Sono Disclaimer di Alfonso Cuaron con Cate Blanchett, Los Anos Nuevos di Rodrigo Sorogoyen, Familier Som Vores (Families Like Ours) di Tomas Vinterberg e M: Il figlio del secolo, tratto dal romanzo di Antonio Scurati, diretta da Joe Wright, con Luca Marinelli, una storia d’Italia dall’ascesa di Mussolini al delitto Matteotti.

Orizzonti: apre Valerio Mastandrea

Il concorso di Orizzonti sarà aperto da Nonostante di Valerio Mastandrea, storia di un uomo che trascorre serenamente le sue giornate in ospedale senza troppe preoccupazioni, ma sarà scosso da un nuovo arrivo. In concorso ci sono Familia di Francesco Constabile, sulla vicenda autentica di una famiglia vittima di un padre violento, con Barbara Ronchi e Francesco Di Leva, e Diciannove di Giovanni Tortorici, storia di un ragazzo che fa fatica a trovare il suo posto nel mondo di oggi e trova conforto nella letteratura medievale e nella musica antica. In Orizzonti Extra saranno presentati Vittoria, di Alessandro Cassigoli e Casey Kauffman, prodotto da Nanni Moretti, storia di una coppia che vuole adottare una bambina avendo già tre figli maschi, e la La storia del Frank e della Nina di Paola Randi, un racconto pop su dei ragazzi diversi dagli altri. In Orizzonti Corti, fuori concorso, ecco F II – Lo stupore del mondo, l’ultimo lavoro di Alessandro Rak dedicato a Ferdinando II di Borbone. Attenzione al film d’apertura di Orizzonti Extra, September 5, di Tim Fehlbaum, con Peter Saarsgard, Ben Chaplin e Leonie Benesch, storia di come l’attentato alle Olimpiadi di Monaco del 1972 venne ripreso da una tv americana.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Il film è ispirato alla figura di Gary Johnson, insegnante di filosofia che part-time lavorava con la polizia assumendo il ruolo di finto killer professionista. Una strategia geniale, quest’ultima, per incastrare i mandanti di omicidi. Ma da questo spunto, rivisto e corretto per la narrazione cinematografica, Richard Linklater tira fuori una black comedy esilarante, che procede per equivoci, dialoghi incalzanti e colpi di scena. Una vera e propria commedia ad orologeria, senza soste, originale, ricca di sorprese, con un protagonista eccezionale. Ad interpretare Johnson, troviamo infatti la rivelazione Glen Powell, che aveva già lavorato con Linklater nel 2016 in Tutti vogliono qualcosa, ma che qui, forse per la prima volta nella sua carriera, ci regala una performance esplosiva, dimostrando uno straordinario talento trasformista. L’attore infatti non solo è perfetto nel tratteggiare l’evoluzione del suo personaggio, da semplice e solitario professore di filosofia a sexy uomo d’azione, ma è anche sensazionale nel reinventarsi nelle varie tipologie di killer che il protagonista si ritrova ad impersonare per lavoro, dando vita a momenti di raro divertimento.

Il film procede inizialmente seguendo uno svolgimento episodico, travestimento per travestimento, e dopo l’entrata in scena di Madison (interpretata brillantemente da Adria Arjona), il film cambia struttura e si concentra sulla love story tra il protagonista e quest’ultima. Una storia d’amore, di passione, di bugie, di imprevisti che riserva un finale scoppiettante.

Hit Man, in uscita ad ottobre negli Stati Uniti e presto anche nelle sale italiane grazie a BIM Distribuzione, è intrattenimento allo stato puro, costruito su una sceneggiatura priva di sbavature (scritta da Linklater insieme allo stesso Powell) e confezionato da una regia che maneggia magistralmente tutti gli stilemi del genere. O meglio dei generi. Il film infatti rilegge con ironia il noir, il poliziesco, la commedia sentimentale, l’action, il thriller, il classico biopic. E in qualche modo diventa la cifra ideale di tutta la filmografia di Linklater, variegata, eterogenea, spinta su coordinate sempre differenti. Il regista di Prima dell’alba e Boyhood dimostra, anche dopo il convincente Apollo 10 e mezzo, di essere in una nuova ispirata fase della sua carriera. E speriamo che continui ancora a lungo.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Esattamente un anno fa le toccava aprire nei panni della madrina la 79esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, da allora sono successe molte cose, Rocío Muñoz Morales nel frattempo ha anche scritto un libro, Dove nasce il sole, e ora torna al Lido per rivivere la “magia” del festival e accompagnare il documentario di Emanuele Imbucci, Time to Change, di cui è guida e voce narrante sulle tracce del viaggio attorno al mondo del fotografo Stefano Guindani mentre documenta con i suoi scatti lo stato di realizzazione dei 17 obiettivi  dell’Agenda 2030 per lo Sviluppo Sostenibile. Time to change è solo l’ultimo dei suoi progetti, in questi giorni è al cinema infatti con Uomini da marciapiede e nel 2024 sarà insieme al compagno Raoul Bova una delle concorrenti della quarta stagione del game di Amazon, Celebrity hunted. A breve tornerà a girare su un set, intanto ci dice “sto lavorando all’adattamento del mio libro per farne una storia per il cinema e ne sono felice, un pezzettino di cuore che sta prendendo vita”.

DAILYMOOD.IT: Torni a Venezia un anno dopo esserci stata da madrina. Che effetto fa? Hai visto qualche film?
ROJO MUNOZ MORALES: Sì, ho visto Priscilla. Mi è piaciuto molto, soprattutto vederlo con lei (n.d.r. Priscilla Presley) presente in sala. Gli attori sono tutti brillanti, mi ha emozionata rivivere la magia della Sala Grande e l’amore per il cinema che si respira a Venezia. È stata una grande emozione e lo è anche essere qui oggi con un progetto nel quale credo profondamente. Time to change mi ha colpito, mi ha toccato in un modo delicato, sottile, mai furbo. È stato sincero, diretto, forse anche un po’ freddo ma proprio nella sobrietà e freddezza del racconto, l’ho trovato estremamente sincero. Mi ha smosso qualcosa dentro.

DM: In Time to change accompagni il giro intorno al mondo del fotografo Stefano Guindani. Che viaggio è stato?
RMM: Non dobbiamo vivere il futuro come qualcosa di lontano, Time to change ci dice che è il momento di agire ‘ora’, ci troviamo in una situazione di urgenza e per questo non dobbiamo né arrabbiarci né urlare, ma solo fare, dobbiamo diventare concreti e essere consapevoli che tutti noi siamo responsabili di quello che accadrà domani o tra una settimana, di ciò che saremo tra due, dieci o quindici anni, di quello che saranno i nostri figli. Quindi è importante rispettare noi stessi, ciò che abbiamo intorno e vivere nel rispetto dei valori, nell’amore, senza perderci troppo in banalità.

DM: Il documentario di Emanuele Imbucci è anche un viaggio nella diversità. Quanto è importante vivere in un mondo che la accetti?
RMM: La diversità è una realtà, dobbiamo essere coscienti del fatto che siamo tutti unici e diversi, il mondo è ricco in quanto diverso e quindi va curato anche nella diversità. Anzi, se non ci fosse la diversità sarebbe un mondo molto più piatto, abbiamo bisogno della diversità, curiamola e rispettiamola.

DM: Hai esordito a teatro con Certe notti, uno spettacolo sul terremoto che colpì L’Aquila nel 2009, poi hai proseguito con una commedia di denuncia sociale Di’ che ti manda Picone, nel 2020 hai condotto la maratona Telethon . I tuoi progetti sono accomunati da un fil rouge che è quello dell’impegno civile. Quanto sono importanti gli strumenti dell’audiovisivo in questo senso?
RMM: Il cinema, il teatro e le storie raccontate hanno un potenziale incredibile, quello di arrivare al pubblico in maniera delicata, poetica, educata, ma anche diretta. Ed è importante parlarne sempre, fare politica: è essenziale parlare di educazione e di sanità, di tutto quelle cose che ci appartengono e sono il nostro presente, se poi lo si fa con il tocco di magia che solo il cinema ti può dare, è ancora meglio. Il mio essere Rocio non è molto lontano dal mio essere attrice, quindi è fondamentale per me scegliere dei progetti nei quali credo anche nella vita.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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Aveva messo d’accordo tutti sin dall’inizio, critica e pubblico, staccando di netto tutti gli altri contendenti al Leone d’Oro. Non c’è da stupirsi quindi se a trionfare in questa 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia è il folle e irriverente saggio politico di Yorgos Lanthimos, Povere creature, in sala dal 25 gennaio 2024. Una creatura che, come ha spiegato il regista durante la cerimonia di premiazione, “non esisterebbe senza un’altra creatura meravigliosa come Emma Stone. Questo film è suo”. Il miglior regista secondo la giuria presieduta da Damien Chazelle, è invece Matteo Garrone con il suo Io capitano, l’epica avventura di due adolescenti in viaggio dal Senegal all’Europa raccontata attraverso il loro punto di vista, “un controcampo rispetto a ciò che siamo abituati a vedere qui in Occidente. Mi sono aggrappato al loro vissuto e alle loro storie, ho cercato di essere un intermediario, di mettere al servizio della storia la mia visione e dare voce a chi non ce l’ha”. Inevitabile cedere la parola a chi quel viaggio lo ha vissuto realmente, come l’attivista Mamadou, il cui contributo alla sceneggiatura è stato fondamentale e che ha dedicato il premio“a tutte quelle persone che in Europa non sono mai potute arrivare. Quando c‘è la voglia e la necessità di partire nessuno ti può fermare. Ottenere un visto che ci consenta di viaggiare e ci garantisca un canale di ingresso regolare è l’unico strumento per stroncare il traffico di esseri umani”. Al protagonista del film, il senegalese Seydou Sarr va invece il Premio Marcello Mastroianni; di migranti, questa volta al confine tra Polonia e Bielorussia, parla anche il bianco e nero di Green Border di Agnieszka Holland, Premio speciale della giuria: “Non è stato facile girare questo film – ha raccontato la regista – Farlo era però un dovere, dal 2014 quando è scoppiata la crisi dei rifugiati sono morte 60 mila persone nel tentativo di raggiungere l’Europa e ora che siamo qui seduti la situazione ritratta nel mio film continua, ci sono persone che si nascondono nei boschi, private dei loro diritti umani e della dignità, alcuni di loro perdereanno la vita, altri vivranno qui in Europa. Tutto questo accade non perché non abbiamo risorse per aiutarli, ma perché non li vogliamo”. A Pablo Larrain e Guillermo Calderón va poi il premio per la miglior sceneggiatura per il grottesco El conde, mentre il giapponese Ryusuke Hamaguchi conquista il Gran premio della giuria con Evil does not exist. Tocca invece a Peter Sarsgaard, protagonista di  Memory di Michel Franco, alzare la Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile non senza aver rivolto un pensiero ai colleghi in sciopero: “Sappiamo che gli attori sono in scioepero, la questione di uno stipendio equo è centrale e lo è ancora di più quella dell’Intelligenza Artificiale, deve essre una nostra priorità. Un attore o un autore sono persone e tuttavia sembra che non lo siano, se gli esseri umani verranno consegnati alle macchine perdendo questa esperienza sacra che è la connessione fra uomini, se perdiamo questa battaglia la nostra industria sarà la prima a cadere fino alla disconnessione che preparerà  la strada delle atrocità. Lasciamo che questo spazio sacro esista, perché è qui che ho davvero ritrovato me stesso”, ha detto l’attore ritirando il premio. La giovane Cailee Spaeny è la migliore attrice per Priscilla, il biopic di Sofia Coppola sulla vita di Priscilla Beaulieu e sul suo matrimonio con Elvis Presley. Parla italiano il Premio degli spettatori Armani Beauty che va a Felicità, esordio alla regia di Micaela Ramazzotti, visibilmente commossa mentre ringrazia e dedica il premio “a chi sta vivendo un momento difficile, delicato e di infelicità. L’infelicità puo durare a lungo ma bisogna lottare sempre per la felicità”. Tricolore anche nel palmares di Orizzonti dove la Miglior sceneggiatura va a El paraiso di Enrico Maria Artale, mentre Una sterminata domenica di Alain Parroni ottiene il Premio speciale della giuria.

Premi della Selezione Ufficiale
Leone d’oro: Povere creature di Yorgos Lanthimos
Leone d’argento: Matteo Garrone per Io capitano
Gran premio della giuria: Evil does not exist di Ryusuke Hamaguchi
Premio speciale della giuria: Green Border di Agnieszka Holland
Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile: Peter Sarsgaard per Memory
Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile: Cailee Spaeny per Priscilla
Premio Osella per la migliore sceneggiatura: Guillermo Calderón, Pablo Larraín per El conde
Premio Marcello Mastroianni: Seydou Sarr per Io capitano

Premi della sezione Orizzonti
Miglior film: Magyarázat Mindenre (UNA Spiegazione Per Tutto) di Gábor Reisz
Miglior regia: Mika Gustafson per Paradiset Brinner (IL Paradiso Brucia)
Miglior sceneggiatura: El paraiso di Enrico Maria Artale
Premio speciale della giuria: Una sterminata domenica di Alain Parroni
Miglior cortometraggio: A short trip di Erenik Beqiri
Miglior interpretazione maschile: Tergel Bold-Erdene per Sèr Sèr Salhi (CITTÀ Del Vento) di Lkhagvadulam Purev-Ochir
Miglior interpretazione femminile: Margarita Rosa De Francisco per El paraiso
Leone del futuro – Premio Venezia opera prima “Luigi De Laurentiis”: Ai Shi Yi Ba Qiang  (Love is a gun) di Lee Hong-Chi

Premi della sezione Venice Immersive
Migliore esperienza Venice Immersive: Emperor di Marion Burger, Ilan Cohen
Gran premio della Giuria Venice Immersive: Songs for a passerby di Celine Daemen
Premio speciale della Giuria Venice Immersive: Flow di Adriaan Lokman

Premi della sezione Venezia Classici
Miglior restauro: Ohikkoshi di Shinji Somai
Miglior documentario sul cinema: Thank you very much di Alex Braverman

Premio degli spettatori Armani beauty: Felicità di Micaela Ramazzotti

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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Matteo Garrone l’ha definita un’Odissea contemporanea, l’avventura epica di due cugini adolescenti, Seydou e Moussa, che dal Senegal attraverso il deserto prima, le prigioni della Libia e il Mar Mediterraneo dopo, inseguono un sogno chiamato Europa: lì forse potranno fare musica e firmare gli “autografi ai bianchi” o diventare promesse del calcio. Scritto da Garrone con Massimo Ceccherini, Massimo Gaudioso e Andrea Tagliaferri, Io capitano arriva in concorso alla 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e spazza via ogni retorica, restituendo un’identità a chi ad ogni naufragio a largo delle nostre coste finisce per annegare nella conta straziante di sommersi e salvati. Il regista di Gomorra ha scelto il Senegal perché, spiega, “esistono tanti tipi migrazione, alcune dovute alla guerra, altre al clima, ma quella raccontata dal film è diversa ed è legata a quel 70% della popolazione africana composta da giovani che hanno accesso ai social e che quindi hanno una finestra costante sull’Europa. C’è il desiderio legittimo da parte loro di accedere a un futuro migliore e viaggiare così come noi da giovani volevamo scoprire l’America, con la differenza che noi potevamo prendere l’aereo, loro invece rischiano la vita”. Una profonda ingiustizia “a cui questi ragazzi faticano a dare una risposta, spesso si ritrovano a vedere coetanei che vanno in vacanza in Senegal mentre loro non possono venire in Europa con la stessa facilità. Raccontiamo un tipo di migrazione di cui si parla meno, legata ai giovani e al loro desiderio di scoprire il mondo”.

Il film si ispira ai racconti di chi ha realmente affrontato la traversata nel deserto e poi nel Mediterraneo, e inizia alcuni fa in un centro di accoglienza a Catania quando il regista si imbatte per la prima volta nelle storia di un ragazzo minorenne, Fofana Amara, che a quindici anni si era ritrovato nel bel mezzo del Mediterraneo a guidare una barca con 250 migranti a bordo senza saperlo fare. “Me la raccontò un mio amico e mi rimase impressa, mi dissero che quando arrivò in Sicilia, pur consapevole che sarebbe andato in carcere (sei mesi per la precisione) e non sapendo resistere all’orgoglio di avercela fatta, avrebbe urlato  ‘Io capitano!’. Per anni questa storia mi è rimasta dentro, ma l’ho accantonata perché mi sentivo a disagio e in imbarazzo a entrare da borghese in una cultura non mia, rischiando di speculare per l’ennesima volta sull’immagine del migrante povero. Per questo ci ho messo del tempo prima di decidere di farci un film”. È a quel punto che Garrone incontra via Skype Fofana, che oggi vive in Belgio, fa il magazziniere, è sposato e ha dei bambini, e scopre che il finale di quella storia in realtà era molto diverso “quando è arrivata la guardia costiera tutti gli erano così grati che si misero a cercarlo, mentre lui tentava di mimetizzarsi. Non credeva di essere arrestato, li fecero scendere e lo misero in un angolo, credeva di essere stato messo di lato perché minorenne, alla fine invece si è fatto sei mesi di carcere”.

Il lavoro di documentazione è durato qualche anno, “sia in fase di scrittura che durante le riprese ci siamo affidati ai racconti di chi ha vissuto questa storia in prima persona”, come Mamadou Kouassi Pli Adama, attivista del Centro sociale ex Canapificio e del Movimento migranti e rifugiati di Caserta il cui contributo alla sceneggiatura è stato preziosissimo. Quel viaggio Mamadou lo ha fatto veramente quindici anni fa, oggi vive a Caserta: “Sono partito dall’Africa subsahariana, ho attraversato il deserto, sono stato in Libia per tre anni e alla fine sono arrivato in Italia. È un viaggio della speranza, e il racconto di Matteo è vero, reale. Sono orgoglioso di portare la voce di chi non ha voce, spero che un giorno ci sia anche per noi la possibilità di viaggiare liberamente, c’è bisogno come ha detto qualche giorno fa Sergio Mattarella di ripristinare canali di ingresso regolari, solo così si potrà frenare il traffico di esseri umani. Racconta la storia di ogni singolo immigrato”. Un racconto reale ma con molti risvolti fiabeschi, che arrivano da una vecchia idea di Garrone, quella di realizzare un “Pinocchio migrante. La favola di Pinocchio si sposa in maniera quasi naturale alla loro storia, quando Collodi scriveva non faceva altro che mettere in guardia i piccoli dalla violenza del mondo circostante. Anche il viaggio di Seydou nella sua purezza e ingenuità è quella di un ragazzo che insegue il paese dei balocchi. Molti momenti mi riportavano anche a  Gomorra, un incontro tra due filoni che ho percorso: la parte più onirica serviva a raccontare la loro anima, i sogni, i sensi di colpa, il loro mondo interiore, l’altra è quella di un road movie attraverso l’Africa”. La struttura è quella del viaggio dell’eroe, con tutti i canoni del racconto epico e di avventura con il ritorno di Massimo Ceccherini come co-sceneggiatore dopo Pinocchio: “Io capitano è un grande racconto di avventura popolare, non ci sono sovrastrutture intellettuali e Massimo viene dal popolo a differenza mia che sono borghese. Quando scriviamo ha una conoscenza di certe dinamiche drammaturgiche, è puro come i bambini o come i personaggi che raccontiamo”.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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In autunno tornerà al timone di Pole Position, programma di economia di Business 24 Tv, mentre a febbraio la ritroveremo a teatro con Cose di ogni giorno e di nuovo nella fiction Una famiglia perbene 2 per Canale 5. Nel frattempo Denny Mendez si gode qualche giorno alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, sfila sul red carpet all’anteprima di Priscilla di Sofia Coppola e si concede a una piacevole chiacchierata. “All’inizio la mostra mette sempre un po’ paura, sono tutti tesi, c’è tutto questo eccitamento inziale, io invece ho bisogno di ritagliarmi i miei momenti di calma”, ci racconta nel corso dell’intervista che diventa l’occasione per parlare di impegni futuri, cinema e diritti.

DAILYMOOD.IT: A Cannes nel 2022 hai portato Diversamente, un cortometraggio sui diritti LGBTQ+ dimostrando ancora una volta la tua dedizione alla lotta per i diritti civili. Da dove viene questa urgenza?
DENNY MENDEZ: Nasce da me e dalla mia pelle, è qualcosa che sento fortemente, è nelle mie origini, nelle mie radici, ma la battaglia è nella normalità quotidiana perché ho dovuto affrontarla sin da piccola. Cerco progetti che sappiano trattare alcune tematiche anche in maniera ironica, perché credo che determinati argomenti per essere più efficaci non vadano appesantiti. Sono molto curiosa di vedere il film di Matteo Garrone, per trattare certi temi ci devi stare dietro, studiarli, vederli, viverli. Da donna con una figlia vorrei capire in che modo e che linguaggio viene usato per promuovere questo tipo di tematiche.

DAILYMOOD.IT: Che posto occupa il cinema nella tua vita?
DENNY MENDEZ: Non ho ne ho fatto tanto, ma sto corteggiando alcuni registi, mi piace molto Luca Guadagnino perché ha un’apertura e uno sguardo internazionali, basta vedere cosa ha fatto con Zendaya, che ormai è diventata una star. Mi affascina tutto ciò che sia in grado di raccontare un cinema di inclusione, storie legate al sociale; amo le biografie e sono curiosa di vedere Priscilla. Sono attratta dalla vita dei grandi personaggi femminili, il mio sogno è interpretare una first lady con tutte le sue sfaccettature, la sua forza, la capacità di mantenere gli equilibri. Mi ha affascinato molto ad esempio il documentario su Jacqueline Kennedy (n.d.r Jackie O), che ripercorre tutte la tappe fondamentali della sua vita, da ragazzina ad appena diciotto anni, a donna.

DAILYMOOD.IT: Quante volte è capitato che ti venissero proposti dei ruoli in linea con determinati cliché?
DENNY MENDEZ: All’inizio spessissimo, ma oggi sono un po’ più matura per dire di no e sto più attenta alle scelte che faccio: ho una responsabilità anche verso altre persone, come mia figlia. Spero che per le nuove generazioni sia tutto più semplice e immediato, meno pesante e più naturale. Quando accetto un ruolo sono quasi sempre d’accordo con l’idea del regista e la porto fino in fondo, ma bisogna parlarne perché non è solo questione di cliché, è anche importante capire come verrà usata la tua immagine. Una volta ad esempio sul set di una fiction il regista voleva convincermi a girare una scena con il classico stereotipo della donna nuda, ho dovuto dire no, a livello di storia quella scena non serviva. Bisogna riconoscere quando si oltrepassa il limite.

DAILYMOOD.IT: Tornerai a breve con una nuova stagione di Pole Position, un programma di economia, territorio da sempre appannaggio degli uomini. Come hai fatto a conquistarti questo spazio?
Ci sono riuscita con la curiosità e la voglia di esplorare. Mi ritrovo spesso a intervistare i Ceo delle aziende, quasi sempre uomini a volte giovani e molto svegli, altre invece con la forfora e retrogradi. Quando si parla di cinema e di aziende in generale abbiamo a che fare con due mondi molto connessi: se dovessimo azzardare un parallelismo il Ceo è l’equivalente del regista sul set, deve gestire la propria attività esattamente come il regista. Il linguaggio utilizzato è effettivamente molto maschile, ma mi è anche capitato di intervistare delle donne; mi rendo conto che c’è ancora tanto da fare, mi sono spessa chiesta ad esempio perché quando certi ruoli sono affidati a donne sembra quasi venga fatto per dare un contentino, non per un’esigenza reale o semplicemente perché quella persona ha un suo percorso, ma solo per poter dire “abbiamo la nostra quota rosa”.

DAILYMOOD.IT: Ti muovi tra televisione, teatro e cinema. Con quale mezzo ti trovi più a tuo agio?
DENNY MENDEZ: Mi servono tutti e tre perché sono molto versatile, ma se mi accorgo di non essere capace di qualcosa faccio un passo indietro; in generale mi piace questa contaminazione di linguaggi e ruoli perché la donna è così, racchiude tutto. Perché incasellarmi in una categoria? Quello della madre, che è per eccellenza il mestiere più difficile del mondo, deve contenere in sé tante cose e quindi perché non poterlo portare avanti anche lavorando?

DAILYMOOD.IT: Se potessi dare qualche consiglio alla ragazzina che quella sera del 9 settembre 1996 vinse Miss Italia che cosa le diresti?
DENNY MENDEZ: Le suggerirei di avere tigna e personalità. C’è un video con tutta la giuria, da Mentana a Vespa, quando lo rivedo mi fa molto ridere: in una frase ho messo dieci ‘appunto’, quindi le consiglierei di avere più proprietà di linguaggio, ma soprattutto leggerezza, tenacia, voglia di conoscere, esporsi e prendersi i propri rischi, nel bene e nel male.

DAILYMOOD.IT: C’è qualcosa di cui ti penti?
DENNY MENDEZ: La cosa di cui mi pento di più è di non aver avuto una guida, una persona cioè che mi sostenesse e credesse di più in me, ho sempre dovuto supportarmi da sola e contare sulle mie forze.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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La sequenza iniziale del film è un’esplicita manifestazione di questo cambio di rotta narrativo. Di notte, a Parigi, vediamo subito il killer del titolo, interpretato da Michael Fassbender, attendere il momento giusto per uccidere il suo bersaglio. Lo vediamo fare esercizi, resistere al sonno, studiare la situazione. Solo, stanco, nella penombra di un ufficio semiabbandonato. Lo osserviamo nella sua metodica estrema, chiuso nei meccanismi automatici del suo lavoro. E soprattutto lo ascoltiamo. La sua voce, fuori campo, è un interminabile flusso di coscienza, un trattato esistenziale sulla natura del killer, sulla sua professione, sulle regole che deve seguire.

E’ una vera e propria immersione nella mente dell’assassino quella che conduce Fincher nella primissima parte del film, dove la narrazione è totalmente statica e, così come lo stesso protagonista, lo spettatore attende pazientemente di entrare nel vivo dell’azione. Azione che inizia nel momento in cui il killer sgancia il suo colpo e sfortunatamente sbaglia bersaglio. Da lì il film prende una nuova piega, dopo poco si instrada sul revenge movie e, seguendo una narrazione episodica, fatta di sei capitoli ed un epilogo, vede il sicario senza nome fronteggiare le conseguenze del suo errore.

E’ una trama molto esile quella di The Killer, basato sulla graphic novel di Alexis Nolent. Un racconto semplice, senza troppe trovate, che solo la mano esperta di Fincher poteva mettere in scena riuscendo ad ottenere un prodotto comunque intrigante.

Un film di mestiere, di pregevole confezione, con un Fassbender impeccabile nei panni di questo killer asettico, silenzioso ed impassibile, ma in fondo un’opera che non aggiunge molto né alla filmografia del regista né tantomeno al genere. Non il miglior Fincher insomma, ma in ogni caso un film godibilissimo che trova il suo momento più alto nell’incontro tra il killer e la “collega” Tilda Swinton. Una sequenza che vale il prezzo del biglietto.

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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Tornare a girare a New York? Perché no. “Ho una bellissima idea su New York, quindi se qualcuno uscirà dall’ombra e vorrà finanziare il film stando alle mie regole, ovvero senza leggere la sceneggiatura o sapere chi è nel cast, dandomi solo i soldi e andando via, allora lo farò”. Ne è convinto Woody Allen, ottantasette anni di cui almeno cinquanta passati dietro la macchina da presa, che alla 80° Mostra Internazionale d’Arte Cinematorgrafica di Venezia  accompagna fuori concorso il suo cinquantesimo film, Coup de chance, ambientato a Parigi e girato in francese. Una storia in cui la fortuna e il caso, come succedeva già in Match point, tornano a giocare un ruolo cruciale: Fanny (Lou de Laâge) e Jean (Melvil Poupaud) sembrano la coppia ideale, sono entrambi realizzati professionalmente, vivono in un quartiere esclusivo di Parigi, ma quando Fanny si imbatte accidentalmente in Alain, un ex compagno di liceo, perde la testa.
Il film è il primo di Allen girato interamente in una lingua che non sia l’inglese. Perché il francese? “Quando ero giovane e ho cominciato a fare il regista, i film che mi hanno piu impressionato erano europei, tutti noi volevamo fare film come gli europei, è da tutta una vita che cerco di girare film come un europeo. Inzialmente volevo raccontare la storia di due americani che vivono a Parigi, ma poi mi sono detto che era il mio cinquantesimo film, adoro la Francia e avrei potuto giarare interamente in francese anche se non lo parlo. Mi sono sentito un genuino regista europeo”, dice Allen durante l’incontro con i giornalisti a Venezia.

A guardarsi indietro non esita a definirsi “un uomo fortunato, ho avuto dei genitori che mi hanno amato molto, ottimi amici, una vita bellissima e un matrimonio meraviglioso. Compirò a breve ottantotto anni e non sono mai stato in ospedale, non mi è mai successo nulla di terribile. Quando ho iniziato a fare film tutti hanno enfatizzato le cose che facevo bene e non mi hanno ritenuto responsabile di altre, sono sempre stati molto generosi con me, ho ottenuto rispetto e attenzioni. Spero che questa buona fortuna continuerà, ma la giornata deve ancora finire…”, scherza. Sulla possibilità di ripetere in altri paesi l’esperienza francese, lascia una porta aperta, “a volte ricevo telefonate da paesi che si offrono di finanziare un mio film se girerò nella loro lingua. Se dovessi avere una buona idea per l’Italia o un altro paese, potrei considerarlo. A volte non conosco abbastanza bene il paese, ma l’esperienza in Francia è stata così bella che la rifarei se pensassi di essere in grado”.

Non si ritiene invece particolarmente bravo a scrivere i ruoli maschili, “ho sempre scritto le parti più interessanti per le donne, forse perché gli autori che mi hanno più influenzato hanno tutti scritto per le figure femminili. Non sono mai stato in grado di scrivere particolarmente bene i ruoli maschili eccetto quelli pensati per me”. Da quasi cinquant’anni il suo modo di scrivere rimane sempre lo stesso, una sequenza di piccoli rituali ai quali non rinuncia:  “Mi alzo, faccio i miei esercizi, faccio colazione, poi mi sdraio sul letto con carta e penna e scrivo, quando ho finito ricopio tutto con la macchina da scrivere. L’ho sempre fatto e continuo a farlo ancora oggi”.  A chi gli chiede se l’umorismo possa essere un buon antidoto contro la morte risponde che “non c è nulla che si possa fare contro la morte, dobbiamo tenercela. Non pensarci troppo è tutto ciò che possiamo fare, non c’è via di fuga, né con la scienza né con la commedia, possiamo solo distrarci”.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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The Palace è il nuovo film di Roman Polanski, prodotto da Luca Barbareschi per Èliseo Entertainment Moving Emotions Production con Rai Cinema, una coproduzione internazionale realizzata insieme a Lucky BOB (Polonia), CAB Productions (Svizzera) e RP Productions (Francia). Una partnership produttiva che vede nuovamente insieme Polanski, Barbareschi e Rai Cinema dopo L’ufficiale e la spia, vincitore del Gran Premio della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2019. La sceneggiatura è stata scritta dal regista insieme al grande sceneggiatore Jerzy Skolimovski e a Ewa Piąskowska. Il cast vanta una rosa di personaggi internazionali: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Bronwyn James, Joaquim de Almeida, Luca Barbareschi, Milan Peschel, Fortunato Cerlino e Mickey Rourke. Accanto a loro, un cospicuo numero di comparse, originali ed eccentriche, che arricchiscono di musica e colore questa splendida commedia noir.

Sinossi

C’era una volta, e c’è ancora, il Palace Hotel. Uno straordinario castello progettato all’inizio del 1900 da un architetto mistico, un castello che si trova sulle montagne della Svizzera, nel bel mezzo di una valle innevata. È il Palace Hotel, edificio dall’atmosfera gotica e fiabesca dove ogni anno, ospiti ricchi, viziati e viziosi convergono da tutto il mondo. Un evento irripetibile li ha riuniti tutti, la festa di Capodanno 2000. Al servizio delle loro stravaganti esigenze c’è uno stuolo di camerieri, facchini, cuochi e receptionist.

È l’alba del nuovo millennio e Hansueli, devoto manager cinquantenne del suntuoso albergo, ispeziona quasi militarmente lo staff prima dell’arrivo degli ospiti per la sera di Capodanno 2000 ribadendo che non sarà la fine del mondo.

“Alle otto in punto ceneranno ai nostri tavoli delle persone davvero importanti. Le vite di milioni di persone dipenderanno dall’umore con cui questi se ne andranno la mattina dopo. È nostro dovere assicurarci che non gli si atrofizzino le chiappe perché le sedie sono troppo dure, che si rimpinzino di caviale fino a esplodere e che lo champagne gli esca dal naso e dalle orecchie. È chiaro?”

Ma nell’aria aleggia il Millennium Bug e il timore o la speranza che al rintocco della mezzanotte i conti dei grandi finanzieri subiscano oscillazioni inaspettate grazie al blocco dei sistemi informatici.

In effetti quella che si prepara è davvero una guerra combattuta a colpi di stravaganze ed eccentricità degli ospiti dell’Hotel. Cani e pinguini con bisogni umani e umani con bisogni animali.

Le loro storie danno vita ad una commedia assurda, nera e provocatoria. È la fine del 1999, non solo l’epilogo di un secolo, ma la fine di un intero e controverso millennio.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

L'articolo DailyMood.it ha intervistato Milan Peschel, Fortunato Cerlino e Joaquim De Almeida del film The Palace di Roman Polanski. proviene da Daily Mood.

Da sinistra: Enrico maria Artale (regista) – Margarita Rosa De Francisco – Edoardo Pesce

SINOSSI

Julio Cesar ha quasi quarant’anni e vive ancora con sua madre, una donna colombiana dalla personalità trascinante. I due condividono praticamente tutto: una casetta sul fiume piena di ricordi, i pochi soldi guadagnati lavorando per uno spacciatore della zona, la passione per le serate di salsa e merengue. Un’esistenza ai margini vissuta con amore, al tempo stesso simbiotica e opprimente, il cui equilibrio precario rischia di andare in crisi con l’arrivo di Ines, giovane ragazza colombiana reduce dal suo primo viaggio come “mula” della cocaina. Tra desiderio e gelosia la situazione precipita rapidamente, al punto che Julio si troverà a compiere un gesto estremo, in un viaggio doloroso che lo porterà per la prima volta nella sua terra di origine.

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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GIORGIA MAY JAGGER
Giovane e ribelle con una punta di rock . Nero e trasparente l’abito vedononvedo di Georgia indossato con fierezza è sdrammatizzato dallo styling dei capelli, moderno con le sue onde destrutturate. Colpo di scena il rossetto a tinte pulp che lascia intravedere una forte personalitá.

MARICA PELLEGRINELLI
Per Marica l’equazione è giovane e pelle nuda. Ampio lo spacco su una scollatura molto molto generosa che prosegue sulla schiena. Look importante che si minimizza nel beauty giocato su capello ad asciugatura naturale e viso molto pulito, con classica bordatura nera sugl occhi.

VALENTINA CABASSI
Pop e contemporaneo il volto di Valentina, incorniciati da sooracciglia tribali ben definite. Prepotente e irresistibile anche la scelta dell’abito in tessuto cangiante che sottolinea la figura senza imbarazzi. Forse nell’insieme i capelli sarebbero stati più indicati con un morbido raccolto ma la bellezza di Valentina supera anche qualche eccesso.

di Paolo Pinna per DailyMood.it

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Cooper, seguendo la linea del biopic contemporaneo, offre un ritratto a 360 gradi dell’autore di West Side Story, non soffermandosi esclusivamente sulla sua musica e sulla sua vita pubblica, ma entrando nel suo privato per raccontare l’uomo dietro l’artista, concentrandosi soprattutto sulla sua storia sentimentale. Centrale nella narrazione è infatti il suo matrimonio con Felicia Montealegre (che ha il volto di Carey Mulligan), dall’incontro ad una festa all’innamoramento, dalla nascita dei loro tre figli alle difficoltà di coppia per la gestione dell’omosessualità del maestro, dall’amore ritrovato alla malattia della moglie. Trent’anni di vita, di musica, di amore vero ma tormentato, di dolore e compassione, di sogni e paure.

Film targato Netflix ma prodotto dallo stesso regista insieme a Martin Scorsese e Steven Spielberg, doveva inizialmente essere diretto proprio da quest’ultimo, che poi ha deciso di avvicinarsi a Bernstein dedicandosi esclusivamente al remake di West Side Story (2021) e affidando il progetto del biopic a Cooper, convinto dal suo esordio. E Spielberg, per l’ennesima volta, ci ha visto lungo. Perché se Cooper è impressionante nella sua performance attoriale, assolutamente mimetica, ricca di verità ed empatia, lo è altrettanto dietro la macchina da presa, e anche nella scrittura (coadiuvato dal premio Oscar Josh Singer). Maestro scorre infatti sullo schermo come un perfetto e variegato spartito musicale, che passa dal bianco e nero al colore, che lega con disinvoltura il dinamismo delle parti musicali (in alcuni casi da musical vero e proprio) con i momenti più statici e riflessivi del racconto intimo del rapporto di coppia, che segue una narrazione ellittica ma lineare e esibisce un impianto visivo totalmente libero, caratterizzato da una macchina da presa che a tratti azzarda i movimenti più arditi e a tratti osserva immobile i dialoghi tra i due protagonisti.

Un racconto appassionante, commovente, che si presenta tanto come un ritratto artistico quanto come una profonda indagine dei sentimenti umani, dove Bradley Cooper e Carey Mulligan duettano sullo schermo con una sintonia quasi magica e riescono, con una naturalezza impressionante, a scavare nelle emozioni e nelle contraddizioni dei loro personaggi evitando ogni forma di manierismo. Un film importante, a momenti sorprendente, potente e al contempo delicato, che ci restituisce un autore maturo e coraggioso, che non ha avuto paura di misurarsi con un’icona senza tempo come Bernstein.
Photo Credit: PHOTOCALL_-_MAESTRO_-_Film_Delegation__Credits_Giorgio_Zucchiatti_La_Biennale_di_Venezia_-_Foto_ASAC

di Antonio Valerio Spera per DailyMood.it

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La fine di un mondo criminale e il tramonto di tre vecchi gangster in una Roma sempre più schiacciata dal caos, soffocata dal caldo, corrotta, confusa e sommersa dalla ceneri di un incendio perenne. Con Adagio in concorso alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, Stefano Sollima conclude la sua trilogia sulla Roma criminale iniziata con Romanzo criminale nel lontano 2008, un film decadente, un commiato per chiudere un cerchio, e in un certo senso anche una riconciliazione. “Alcuni degli elementi drammaturgici e visivi del film come gli incendi e i blackout continui potrebbero sembrare distopici, ma vivendo a Roma non lo sono affatto. Dietro Adagio c’è un atto di amore verso una città che mi era mancata, volevo tornare a raccontarla e come sempre l’ho trasfigurata. Mentre scrivevamo ci sono stati diversi incendi e blackout, sono successi davvero”, racconta il regista. La storia questa volta è quella di Manuel (Gianmarco Franchini), un ragazzo di sedici anni che finisce a una festa per scattare delle foto da consegnare in cambio di soldi a dei carabinieri (Francesco Di Leva e Lorenzo Adorni) guidati da Vasco (Adriano Giannini). Sentendosi raggirato decide di scappare ma si ritrova inseguito dai ricattatori che si riveleranno estremamente pericolosi e determinati a eliminare uno scomodo testimone. A quel punto Manuel si vedrà costretto a chiedere la protezione a due ex-criminali, Cammello (Pierfrancesco Favino) e Polniuman (Valerio Mastandrea) vecchie conoscenze del padre, Daytona (Toni Servillo), un anziano smemorato (o almeno così pare).

“Daytona fa una recita nella recita – spiega Servillo, alla sua prima volta sul set con Sollima insieme a Mastandrea e alle prese con il romanesco- Sono personaggi criminali che hanno vissuto entro certe regole che intendono rispettare fino alla fine sapendo di andare a sbattere contro un destino inevitabile. Daytona non viene mai meno alla voglia di giocarsela”. Torna invece il sodalizio con Favino, che qui interpreta Cammello: “Lavorare con Stefano è sempre un bel gioco di invenzione, essere nei suoi film vuol dire occupare lo spazio con il corpo in maniera diversa e poter giocare con le inquadrature. L’idea era quella di costruire un personaggio quasi grafico, frutto di certi fumetti degli anni ‘70. – racconta l’attore – Cammello è come quei cani randagi nella polvere abbandonati in un angolo dove vanno a morire in solitudine, quando improvvisamente bussa inattesa alla porta una guerra antica che ti fa risentire quasi l’energia giovanile di quell’adrenalina, il richiamo di un mondo per me negativo, ma che per chi ne fa parte vuol dire valere ancora qualcosa”. E non ha dubbi nel definire Sollima “un regista punk”, perché nei suoi film “non esiste un Dio, non c’è redenzione”.
Un sottobosco di ex membri della Banda della Magliana, che però non ha nessun legame con la serie Romanzo criminale: “Lì raccontavo la nascita di una banda, qui la decadenza del crimine, di tre vecchie leggende che vivono ai margini. L’appartenenza alla banda è l’unico elemento di unione, ma serve solo per dare ai personaggi una passato mitologico, quindi per una funzione esclusivamente narrativa. È un film quasi sentimentale, intimo”, conclude il regista.
Photo Credits_Emanuela_Scarpa

di Elisabetta Bartucca per DailyMood.it

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